Archivo mensual: noviembre 2013

«The world is our oyster» Interview with The Courteeners.

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One of the most interesting Rock ‘n’ Roll acts in the UK over the last few years is visiting Madrid for the first time. That would be good enough, but the best thing is that they’re swapping huge arenas for a cozy venue of 300 people called Moby Dick, which by the way, is one of the coolest music venues of the spanish capital.

It’s made out of wood and the acoustic is as good as it can get. And that’s hard to find around here.  These marvellous mancunians are presenting their third album called Anna, and they’re about to blow up the venue just with the soundcheck.  We’re talking about The Courteeners.

We had a really great chat with Liam Fray (vocals / guitar) and Michael Campbell (drums / vocalist) in a coffee chain nearby and talk about music business, live shows, BBC Radio 1, managers, Pete Doherty or Morrissey.

Not many bands manage to get 3 out of 3 in the Top Ten albums in UK. Is it somehow scary? Do you feel some pressure whenever you’re about to release an album or you just got used?

LIAM FRAY: Honestly, the pressure should have been in the second album, but we didn’t really feel it. We’ve never really felt pressure writing our songs. We put extreme pressure on ourselves trying to be the best we can be. But the pressure from labels, management or whatever, it comes when you’ve done the record and there’s nothing you can do. It’s not by chance it’s about surviving. If you sell 5 copies you won’t survive. You just have to write the songs and hope the people will like it. I think the songs are open and honest.

MICHAEL CAMPBELL: I think about the achievements of what we’ve done with our 3 albums in the UK, with the relative kind of media support that we have. That achievement for us doesn’t bring any pressure or anything else, because we know what we have achieved.

«We’ve built up great expectations of what a band should be.»

You didn’t make a St. Jude 2nd part, with Falcon, and the same happens now with Anna. What do you have in mind for your next record?

 LF: Maybe yeah! I think that’s one of the thing’s we’re most proud of. The albums sound very, very different. The common thread is honesty and without sounding self-involved or whatever, it’s quite unusual for a male singer-songwriter to be that open I reckon. I take big influence from Guy Gurvey from Elbow, to a certain degree Pete Doherty is quite an honest songwriter, you know, he has mellow moments. But you know, sometimes the songs can be quite mellow but then sometimes, we’ve got such a good understanding now together musically that we feel we should really, not necessarily experiment, but go in different directions. People that stick by bands rather than sticking by a hit song, they know that we are writing for songs. It’s just what song they take from here on it. The world is our oyster.

How was working with Joe Cross in this album? Is it that important the role of the producer?

LF: I think so. We get to work with Stephen Street and Ed Buller and they’re both incredible. The good thing about Joe was that he is our age, we were more relax around him, in the studio and outside the studio. We were going for meals, a couple of drinks, and he became a real friend. There’s a great understanding between producers and musicians, well, if you can call us musicians. Guys, guys in a band. (laughs).

«People have such short attention spans. You can’t put out the same album year after year after year.»

You got to play with Morrissey and even Lou Reed in his very own club, how is it like to play with such a music icons?? How are them in the short distances?

 LF: Just ask them. (laughs) At the time, it just felt like bizarre. They are, contrary to popular belief, quite normal. We’ve built up great expectations of what this band should be. We just tried to enjoy it.

Morrissey himself is incredible. Watching him play every night for like, 70 nights was just amazing.

 Did he give you any advice?

LF: No, no he didn’t. We wouldn’t have taken it. He didn’t know anything. What does he know? (laughs). Don’t put that! That’s the kind of thing that they’re asking you for good reason. They wouldn’t ask you if they didn’t think you were good. And that’s good enough for us. If they think we’re great, or think we’re alright, that’s fantastic.

 You have a very powerful show, Should a band put more attention to the live shows or is it more important record itself?

 LF: If the album is good, it doesn’t really matter. If the album is strong enough the people will buy tickets for the show. If you have a reputation as a live band, let’s say, album 8th is not as good as the first seven, people still come to watch you, because you’re a great band.

«We don’t write songs for the magazines»

 How do you think has changed in the band since you’re started playing? What do you think you’ve gain with the time and, what have you lost if there’s anything you miss?

 LF: Well we can nearly play our instruments… I don’t know really, probably not a lot. Not much. We are still the same guys, still do the same things, same jokes, still annoy each other just as much as we did 10 years ago. We are definitely a lot more open minded music playing, collectively, as a group. If one person’s got a vision and one person doesn’t want to go there, that can be quite an issue. But we had to come together collectively as a group. They put a lot of trust in me. If you bring something to the table and they’re not keen on it, then where do we go?

People have such short attention spans. You can’t put out the same album year after year after year. Some people do. I don’t want to play that. Bands make a record that sounds just like their last record. There are so many bands that do that, and it sells as well and people buy it. But why are they buying the same record?

 How is the mainstream music media in the UK? Are they fair with all what they do? 

 LF: With twitter and online, there are so many different outlets now. It’s not as important as it was 10 years ago. It can be a great thing and it can really help bands. But we’ve never really taken much notice to one thing. The NME has been really good to us as a magazine. They’re great; they were there at the beginning. It’s great to have a magazine like that support you. But you don’t write songs for the magazines, you write them for yourselves and your fans.

«It comes down to one person in the UK to get on Radio 1. It seems like a crazy system but that’s the way it is.»


Whose advice should a band listen to? The record label, producer, friends, critic, fans, or none of the above?

 LF: I think the band and producer are the most important. The friends get to hear the songs first, but to be honest I wouldn’t take their advice. We’ve got a very tight group of friends. But I think we’ve got such a high threshold and quality control that a bad song wouldn’t get past the band and the producer. After that, it’s up to the public really. If it gets on the radio… it comes down to one person in the UK to get on Radio 1, and if he says no that means only a small section of people get to hear your music. It seems like a crazy system when you think about it but that’s the way it is.

 What was the last thing you did as a band that you shouldn’t have done?

Probably starting a band! (laughs)

Are you happy?

 LF: Yeah, I think so.

MC: We’re in Madrid for the first time and we’re very glad.

LF: I say as a group the happiest we’ve been since we started.


«El mundo está a nuestros pies» Entrevista a The Courteeners.

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En los últimos años parece que se le está atragantando al rock británico salir de las islas.  En muchas ocasiones, la grandeza y cariño que desatan en su tierra natal no llega a ser correspondido en Europa como sí sucedía antaño con bandas como Kaiser Chiefs, Bloc Party o Maxïmo Park.

Ese precisamente parece el caso de The Courteeners, unos tipos que no tardan en llenar Arenas y son habituales en los carteles de los mejores festivales. Bendecidos por Morrissey,  que además de llevárselos de gira ha llegado a versionarles en más de una ocasión, hacen parada en Madrid y Barcelona dentro de su gira para presentar Anna (V2 Coop / [PIAS], 2013), el que es ya su tercer álbum de estudio.
Sin grandes himnos como el ya clásico «Not 19 forever» que adoptaría como propio el Manchester United para la celebración de su 20ª Premiere League, pero con mucho fondo y sonidos más pesados que les hacen crecer abriéndose a nuevos fans sin perder a los viejos.

Aprovechamos su estancia en Madrid para charlar,  café corporativo mediante, con Liam Fray (cantante/guitarra) y Michael Campbell (batería) y descubrir porque Liam es uno de los personajes favoritos de la media británica. Gran sentido del humor en unos tipos que a pesar de todo, siguen creciendo musicalmente hablando y teniendo los pies en el suelo a pesar del titular. O no.

No muchas bandas consiguen meter sus 3 primeros álbumes en el Top Ten de Reino Unido. ¿Añade presión a la hora de lanzar el siguiente trabajo o estáis ya acostumbrados?

LIAM FRAY: Honestamente, la presión debería haber existido en el segundo álbum, pero realmente no la sentimos. Nunca hemos sentido presión escribiendo nuestras canciones. Nos ponemos presión extrema nosotros mismos para intentar ser lo mejor que podamos. Pero la presión de las discográficas, management o lo que sea, viene cuando el disco está hecho y no hay nada que puedas hacer. No se trata de suerte, se trata de superviviencia. Si vendes 5 copias no sobrevivirás. Solamente tienes que escribir canciones y esperar que a la gente le guste. Pienso que las canciones son abiertas y son honestas.

MICHAEL CAMPBELL: Yo pienso en los logros que hemos hecho con nuestros 3 discos en UK, con el apoyo relativo de los medios que tenemos. Esos logros para nosotros no conllevan ninguna presión añadida ni nada parecido, porque sabemos lo que hemos conseguido.

«Creamos bastantes expectativas alrededor de cómo debe ser una banda en persona»

No hicisteis una segunda parte de St Jude con Falcon, y lo mismo vuelve a pasar ahora con Anna.

LF: Exacto. Eso es una de las cosas de las que más orgullosos estamos. Los álbumes suenan muy, muy diferentes. El denominador común es la honestidad, y sin querer sonar ensimismado o lo que sea, yo considero que es bastante inusual para un cantante y compositor masculino ser así de abierto. Tengo mucha influencia de Guy Garvey de Elbow, y en cierta medida de Pete Doherty, sabes, tiene momentos suaves. Pero sabes, a veces las canciones pueden ser bastante suaves y entonces conseguimos juntos un entendimiento musical tan bueno que sentimos que debemos, no necesariamente experiementar, pero sí ir en diferentes direcciones. La gente que se aferra a las bandas en vez de aferrarse a los éxitos, saben que escribimos por las canciones. Solo es cuestión de qué canción quieran coger. El mundo está a nuestros pies.

¿Cómo ha sido trabajar con Joe Cross en este álbum? ¿Tan importante es la labor del productor en un disco?

LF: Pienso que sí. Trabajamos con Stephen Street y Ed Buller y ambos son increíbles. Lo bueno de Joe es que es de nuestra edad y nos encontramos más relajados con él en el estudio, y fuera del estudio. Salimos a comer o a tomar algo y se ha convertido en un verdadero amigo. Hay un gran entendimiento entre los productores y los musicos. Bueno, si realmente nos puedes llamar músicos. Sólo chicos, chicos en una banda. (risas)

«No puedes hacer el mismo álbum año tras año.»

Habéis tocado con Morrissey e incluso con Lou Reed en su propio Club. ¿Cómo es tocar con semejantes iconos?

LF: Les tienes enfrente, ¡pregúntanos! (risas). En el momento, resultaba algo extraño. Al contrario de lo la creencia popular, son bastante normales. Creamos bastantes expectativas alrededor de cómo debe ser en persona una banda. Nosotros solo intentamos divertirnos. Morrissey es increíble. Verle tocar cada noche durante unas 70 noches fue algo sencillamente increíble.

¿Os llegó a dar algún consejo?

LF: No, no, No lo hubiéramos aceptado. ¿Qué sabe él? Él no sabe nada. ¡No, no pongas eso! (risas). Es el tipo de cosas que te piden por una buena razón. No te lo pedirían si no pensaran que eres bueno. Y eso es suficiente para nosotros. Si creen que somos buenos o que estamos bien es fantástico.

Tenéis un directo muy potente, ¿Creéis que las bandas deben poner más atención en los directos o es más importante el disco?

LF: Si el álbum es bueno, no importa. Si el álbum es lo suficientemente bueno la gente comprará entradas para el concierto. Si tienes una reputación como banda  en directo y digamos que el 8º álbum, no es tan bueno como los 7 anteriores, la gente seguirá viniendo a verte porque tienes una buena banda

«No escribimos canciones para las revistas»

¿Cómo creéis que habéis cambiado como banda desde que empezasteis?

LF: Bueno ahora ya casi sabemos tocar los instrumentos… No lo sé realmente. Probablemente no mucho. Seguimos siendo los mismos, hacemos las mismas cosas, mismas bromas, seguimos picándonos de la misma manera que hace 10 años… Pero lo que es seguro es que colectivamente, como grupo, tenemos una mentalidad mucho más abierta tocando. Ponen mucha confianza en mí. Si vienes con algo nuevo y no tienen interés en verlo, entonces ¿Dónde vamos?
La gente tiene una capacidad de atención muy corta. No puedes hacer el mismo álbum año tras año tras año. Hay gente que lo hace. Yo no quiero jugar a eso. Hay bandas que hacen discos que suenan exactamente igual a su último disco. Hay muchísimas bandas que lo hacen, y también vende y la gente lo compra. ¿Pero porqué compran el mismo disco?

¿Cómo es la prensa musical en Reino Unido? ¿Son justos con lo que hacen?

LF: Ahora con Twitter e Internet hay muchos medios diferentes. No es tan importante como lo era hace 10 años. Puede ser algo grande y puede realmente ayudar a bandas. Pero nosotros nunca lo hemos tenido muy en cuenta. La NME ha sido bastante buena con nosotros como revista. Son buenos, han estado ahí desde el principio. Está bien tener revistas como esa apoyándote. Pero no escribes canciones para las revistas, las escribes para ti mismo y para tus fans.

«En Reino Unido depende de una sola persona llegar a Radio 1. Parece una locura, pero así funciona.»

¿Qué consejos debe escuchar una banda? ¿La compañía, el productor, los amigos… ninguno de ellos?

LF: Pienso que la banda y el productor son los más importantes. Los amigos consiguen escuchar las canciones primero, pero para ser honesto, no tendría en cuenta sus consejos. Tenemos un grupo de amigos muy unido. Pero pienso que tenemos un umbral y una calidad de control tan alta que la banda y el productor no pasarían por alto una mala canción.
Después de eso ya depende del público realmente. Y si llega a la radio… En el Reino Unido depende de una persona llegar a BBC Radio 1, y si él dice que no, significa que solo una pequeña parte de gente conseguirá escuchar tu música. Parece una locura de sistema cuando lo piensas, pero así funciona.

¿Qué fue lo último que hicisteis como banda que no deberíais haber hecho?

LF: Probablemente empezar la banda. (risas)

¿Sois felices?

LF: Sí pienso que sí.

MC: Estamos en Madrid por primera vez y estamos muy contentos.

LF: Creo que como grupo, este es el momento en que más felices estamos.


El fenómeno Arcade Fire.

reflektor AF

Por si no lo habían notado, Arcade Fire se han convertido en la banda de moda. El pasado 29 de Octubre vio la luz su cuarto álbum, que ya es número 1 en 40 países, incluyendo las prestigiosas listas de EEUU y Reino Unido.

Su bagaje musical es inmejorable. Los 3 álbumes anteriores podrían ser discutiblemente los mejores álbumes de cada uno de los años en que vieron la luz. Si en vez de 2004, 2007, y 2010, habláramos de 2002, 2005 y 2008, pocos dudarían en no colocarles en el top de la década. Reflektor es su último disco y ha conseguido que todas las miradas indiferentes que les ignoraban en años anteriores, se vuelvan hacia ellos con curiosidad y alevosía.

Y precisamente de eso queremos hablar. De cómo se ha organizado una campaña que junta innovación, expectación, y un timing estratégicamente  sincronizado. El álbum, que marca un punto de inflexión para Arcade Fire, tiene una miga extra-musical que no podíamos dejar pasar:


La campaña de marketing de Reflektor antes, durante y después, había sido estudiada con mimo desde hace meses. La banda sigue con la pequeña Merge Records, la discográfica de Durham, Carolina del Norte, propiedad de Laura y Mac de Superchunk, pero se han asociado en esta ocasión con Capitol Records, propiedad de la omnipotente Universal, que le apoya en detalles clave como la distribución, promoción y marketing. A todos los efectos, Reflektor supone un lanzamiento en una grande.

Scott Rodger, el manager de la banda, explicaba recientemente a The Hollywood Reporter cómo se propusieron ser “una de esas cosas de las que la todo el mundo habla”, con el beneplácito e iniciativa de la banda siempre presente.

Estamos a principios de Agosto y la maquinaria echa a andar. Una cuenta de Instagram empieza a recopilar sospechosamente carteles e imágenes de pintadas aparecidas por todo el mundo mostrando siempre un mismo motivo gráfico, la palabra “Reflektor”. Al mismo tiempo, aparecía una web llamada donde colgaban esa moda infernal de los teasers con una mano dibujando en una pizarra el logo del mismo motivo. El rumor indicando que se trata de los canadienses no tardaría en prender la mecha.


La banda hace público una fecha y una hora. Las 9 P.M. del día 9 del 9. La fecha del lanzamiento mundial del single. Con todo, se proponen hacerlo a la vieja usanza,  poniendo de acuerdo a las radios para reproducir el single a la misma hora en el mayor número de emisoras posible. La campaña es un éxito. Aun contando con las filtraciones de la red, que se había aprovechado del leak horas antes.

Reflektor se mostraba con una carta de presentación elegante y atractiva. Un hit enorme otrora irradiable de unos arriesgados 7 minutos y medio, que cuenta con un gran productor con voz y voto en la electrónica como es James Murphy (LCD Soundsystem), y una sorpresa final en pleno momentum en forma de David Bowie. El cóctel perfecto está servido y se puede bailar. No se podía pedir más.


Con el single ampliamente arropado, el publicista de la banda, Steve Martin, de la agencia Nasty Little Man, tantea a varios escritores y apuesta por una jugada arriesgada, como era la entrega de una sola copia del disco completo para que saliera una crítica un mes antes de la aparición del álbum. La elegida fue Rolling Stone – ¡sorpresa! – cuya opinión favorable crea efecto dominó entre webs y blogs, que se apresuran a engordar la expectación con las referencias a la única crítica escrita hasta entonces.



La crítica de Rolling Stone había aparecido el día 27 de Septiembre. Pero tan solo 2 días después, toda una eternidad digital, llegaba el momento de la estocada. La banda nunca ha sido amiga de cosas convencionales,  por eso sus actuaciones para Saturday Night Live o el show de Jimmy Kimmel iban a ser sonadas.
Para el primero crearon todo un mini-show de 30 minutos alejado del formato que suele ofrecer el veterano programa, contando con cameos de Bono, Ben Stiller, James Franco o Zach Galifianakis entre otros. 30 minutos en la NBC. TV nacional de costa a costa. Que tire la primera piedra. Una actuación con mucha inversión patrocinada también por los grandes cameos, que provocaría la ira de capos y PR’s de la industria musical.
Mientras tanto, ofrecen conciertos benéficos, actúan infiltrados como The Reflektors sobre falsos escenarios que aparecen a espaldas del público, y se pasean por la costa Oeste tomando prestada la mítica torre de Capitol Records en Hollywood, en esta ocasión para el show de Kimmel.


Reflektor consigue su objetivo. Es número uno en EEUU con 140.000 discos vendidos en su primera semana, frente a los 156.000 que necesitó The Suburbs, con una campaña infinitamente más austera. Aunque recuerden lo que nos hizo sentir el maravilloso experimento para el videoclip de We Used To Wait y la interacción con Google Maps.

Televisiones marcadas, Arcade Fire Entertainment, sigue su hoja de ruta ofreciendo destellos distanciados que tuvieran su respuesta e impacto en el universo digital.

Tal es la progresión que días más tarde, no contentos con esto, su aparición en los YouTube Music Awards también daría que hablar. Sin porros en directo pero con Win haciendo de Kanye West interrumpiendo la presentación al premio que iba para Taylor Swift y tirando incluso el micro al suelo en un bonito paripé. Si bien su libro oficial era otro. La presentación del videoclip de Afterlife fue un paso más allá, logrando la emoción de los presentes y los espectadores de todo el planeta, dando una vuelta de tuerca al concepto de videoclip. Una auténtica delicia, protagonizada por una sublime Greta Gerwig y dirigida en directo por Spike Jonze. Para quitarse el sombrero.

Aunque haya un equipo detrás, lo cierto es que cada idea sale de la propia banda. Hacía falta algo para superar los lanzamientos de Eminem, Kate Perry, Pearl Jam o Lady Gaga y no morir ahogado antes de alcanzar la orilla. Y eso la banda y los que mueven sus hilos lo sabían. Por eso toda esta parafernalia milimétricamente orquestada para impactar sin llegar a atosigar al consumidor más fino.


Con el disco recogiendo números uno, la banda se lanza a su presentación en directo. La apuesta es muy parecida a lo que hemos visto en las televisiones. En esta ocasión la banda solicita amablemente al respetable que se vista para la ocasión. El resultado en Brooklyn y Londres es una colorida fiesta con el público vestido al más puro estilo de sus últimas actuaciones y adornados con todo tipo de complementos, como si de un Pre-Uvas en la Puerta del Sol se tratase, amén de los clásicos disfraces de bananas, hot-dogs, conejos y otros atuendos invocadores de diversión absoluta. Incluso se ha podido ver a Win enmascarado cantando Reflektor con un grupo de mariachis. La inmersión y complicidad con el público parecen ser una máxima para la nueva puesta en escena, muy al estilo de los shows pre Neon Bible, con la banda paralizando el tráfico o empezando / terminando los conciertos entre los asistentes.

Pero la campaña suma y sigue. Los anuncios de algunas fechas festivaleras no se harían de rogar, como su confirmación para el Primavera Sound, y en apenas unos días podremos escuchar al grupo en la banda sonora de Her, la nueva película de Spike Jonze con el gran Joaquin Phoenix como protagonista.

Un dato importante se escondía en la esperada confirmación de gira. Resultaba interesante saber si la banda se desdeciría de sus palabras curando su alergia a los estadios con el remedio de Live Nation. Aunque de momento no ha sido así. Arenas y grandes pabellones para el comienzo norteamericano.

En cualquier caso, no hay duda de que estamos ante una de las bandas más talentosas de los últimos 10 años. Hay que tener en cuenta que mantener un nivel de atención tan alto no solamente se consigue con la fuerte promoción y respaldo de una grande. Es evidente que si no hay calidad, el disco por si solo no va a echar volar.

El álbum es una Obra de Arte en sí misma, que no una obra maestra. Un aquí y un ahora. Y por eso merece todo el despliegue mencionado.

David Bernardo.

reflektor logo

El evangelista del soul.

st. paul and the broken bones 3

«He visto el futuro de la música, y se llama St. Paul and the Broken Bones«. La entrecomillada es Roseanne Cash, y nos gusta pensar que la hija de Johnny Cash no puede no tener razón. 

Sin embargo, a pesar de un piropo tan halagador, a Paul Janeway no le gusta mirar a la cámara. Al menos de momento prefiere mirar a su grupo y dejarse llevar por el soul diabólico que emana de sus venas.

Hace tan solo un par de años, este contable de Birmingham, Alabama, tocaba por diversión con su amigo de la infancia Jesse Phillips por los cafés de la ciudad. Fue precisamente en uno de esos pequeños shows de versiones, en el que el dueño de los cercanos Ol Elegante Studios les animó a acercarse a su estudio de grabación.  Cinco miembros después sumados a la causa, el resultado es un pequeño EP llamado “Greetings from St. Paul and the Broken Bones” que puede encontrar en el Bandcamp de la banda.

Con la mecha digital encendida, John Mayer los elige para telonear uno de sus conciertos, lo que supondría para la banda realizar algunas actuaciones más en grandes ciudades como NY, Chicago o St. Louis.

Lo que puede marcar la diferencia entre su música y otras bandas arraigadas de Alabama, es su modus operandi. Y posiblemente su enorme fe. Aparte de colgarse otras etiquetas como mod, R&B o psicodelia, estos tipos practican un soul irracionalmente emocional. Ni mucho menos nuevo, pero tiene peso y mucha fuerza. Además de contar con un frontman que posee una voz prodigiosa y una presencia que llena de ipso facto cualquier sala.

Janeway creció como cantante en una iglesia Pentecostal y de verdad cree en cada palabra que sale por su boca.  Obviamente su apuesta tira de espíritu gospel, y la interacción con cada uno de los presentes es máxima. Por eso es difícil no comulgar con su particular Evangelio. Él no es un cantante de soul al uso de este siglo. Su intención es ponernos la piel del revés. Y vaya si lo consigue:

Cita influencias de James Brown, Tom Waits, Sam and Dave o el directo de Springsteen entre sus referencias. Tienen su debut listo, si bien su lanzamiento ha sido pausado hasta que pase la clásica marea de lanzamientos de otoño, véase, finales de año.
Ha sido grabado a la vieja usanza: en directo y en analógico, como no podría ser de otro modo para capturar la energía de sus directo. Para la producción, han contado con su amigo Ben Tanner, teclista de Alabama Shakes, banda con la que irremediablemente guardan muchas semejanzas.

El disco será lanzado por la local Single Lock Records y si Dios quiere, – y Letterman, Kimmel, Rolling Stone y un par de padrinos más-, tendremos fenómeno para rato. Los ingredientes están ahí y la suerte está echada.

st. paul and the broken bones 2