Archivo mensual: mayo 2013

“No sé cuánto tiempo podréis contar con nosotros” Entrevista a Dinosaur Jr

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Sonic Youth, Nirvana, Dinosaur Jr, Pixies. Cuántas bandas no habrían nacido de no ser por estos padres. Se pueden imaginar el placer y el honor de entrevistar hoy a una banda que durante casi 30 años ha marcado tanto y a tantos. Una banda cuyo líder, J Mascis, llegó a rechazar ser el guitarrista de los Nirvana de Don Kurt Cobain hasta en DOS ocasiones. De ahí la fe de una banda que ya existía antes que Nirvana y cuya confianza compulsiva en sí mismos les ha llevado a lo más alto que una banda puede pedir: Tener un sonido propio, hacer buenos discos, triunfar, no venderse, y mantenerse en lo más alto.

Con apenas unas horas de preaviso, el trío (o ex-trío) de Massachusetts nos concede una entrevista que tarda apenas unos segundos en incendiarse. Hablamos con Lou Barlow, que parece tomarse su participación en Dinosaur Jr más bien como un trabajo. El bajista, que antes de la reunión de la banda en 2005 había dedicado a J algunos bonitos improperios, está contento con la vuelta, acepta la situación dictatorial del grupo aunque las viejas rencillas no desaparecen. La primera en la frente:

¿Qué tal estás Lou? Es el primer concierto de vuestra gira europea, ¿cómo te sientes?

Estoy bien. Bueno, de hecho Murph nuestro batería huyó el día anterior en que se supone que cogíamos el avión para venir a Barcelona, así que tenemos un batería que le sustituye. Es un poco extraño.

¿Ha huido?

Sí… No se subió al avión. (risas)

¿Pero viene para el resto del Tour?

No, no viene.

¿Hay algún problema?

No. Ha cambiado de opinión y eso es todo.

Lou, ¿Cuál es la peor parte de estar de gira?

Supongo que tratar de estar sano, es duro. Hecho de menos estar en casa. Es horrible. Pero también me gusta viajar y hacer conciertos, así que no puedo decir que estoy triste, porque soy bastante feliz cuando estoy de gira. Es un balance bastante desconcertante entre la gente que amas y lo que haces.

Algunas reuniones de bandas acaban bastante mal, pero no sucedió con vosotros. ¿Temíais que no pudiera terminar bien cuando empezasteis? (la pregunta estaba prevista antes de saber lo de Murph)

Bueno quizás sí que tenía miedo al principio pero tan pronto como empezamos a tocar ya no sentía ningún temor.

“La banda es más importante que las relaciones entre nosotros.”

¿El hecho de tener familia y niños os ayuda a mantener la normalidad dentro de la banda?

No lo sé. Pero tener niños es tan natural para mí ahora que no puedo imaginarme sin ellos. Es duro imaginar que haría sin ellos. Antes de tener niños, mi vida estaba ya bastante preparada para tenerlos.

¿Qué es lo más importante para que una banda funcione? ¿Necesitáis ser amigos o solo hace falta que exista química entre vosotros?

¿Sabes? La música es lo más importante. La banda es más importante que las relaciones personales, las relaciones entre nosotros. Pero la música es lo más importante. Sin ser los mejores amigos posibles, si reconoces que la música es lo más importante puedes sobreponerte, porque te centras en un objetivo común.

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¿Cómo se siente uno cuando sabes que has creado escuela y has creado tu propio sonido del que copian muchas bandas?

Reconozco que la banda tiene un sonido único. Pero como fan de la música también reconozco que una banda que tenga un sonido propio es bastante inusual. Hay muy pocas. Los Ramones tenían un sonido propio, y las bandas imitaban ese sonido. Y por supuesto hay otras bandas pero en general me sorprende lo intercambiable que es la música rock. Creo que somos muy afortunados de tener ese sonido. Pero es porque nos centramos en ello cuando éramos jóvenes. Nos centramos en hacer un sonido que era muy intenso y que llegó a ser algo instintivo para nosotros.

En cierta manera no pienso en ello, pero como fan de la música lo entiendo. Aquí en Primavera creo que Animal Collective puede tener un sonido bastante único. O Grizzly Bear también, que cada vez que los escucho sé que son ellos. Pero es divertido como la mayoría de las bandas, incluso algunas que me gustan, suenan como comediantes de otras bandas.

“Tendríamos el mismo sonido sin un productor”

Habéis trabajado mucho con John Agnello. ¿Es tan importante la labor del productor en el sonido de la banda?

Bueno creo que sin productor tendríamos el mismo sonido… Aunque el sonido realmente le cae a J, J es realmente el productor de sonido. Quiero decir que John Agnello graba a otras bandas y el sonido es totalmente diferente a Dinosaur Jr. Y cuando graba con Dinosaur escucha lo que J quiere. J le dice a John lo que hay que hacer. Solo que John… como productor tiene… J ha trabajado con John desde principio de los 90. Casi 20 años de hecho. Creo que es más bien la relación que tiene J con John. Pero realmente pienso que podríamos mantener el sonido de la banda en cualquier momento porque J es muy particular en lo que quiere.

Tocasteis en el Terminal 5 de NY en el aniversario de You’re Living All Over Me con muchos amigos. ¿Cómo fue?

¡Oh sí, claro! ¡Me encantó. Lo pasé muy bien en ese concierto. Fue uno de los mejores.

“Hacer un álbum como You’re Living All Over Me es cuestión de suerte”

J dijo que era imposible hacer ese álbum otra vez. ¿Estás de acuerdo?

Sí, quizás. Sí creo que estaría de acuerdo en eso. Pero pasa con muchas otras bandas. ¿Haría Pink Floyd de nuevo The Piper At The Gates Of Dawn? No. ¿Haría Black Sabbath alguna vez Master Of Reality? No. O los Ramones. No puedes. O Lou Reed. ¿Haría Lou Reed The Velvet Underground & Nico? No. (risas)

Es suerte. Tuvimos suerte. Pero como he dicho, éramos muy jóvenes y estábamos muy concentrados en conseguir nuestro propio sonido y en hacer una banda única. Y lo conseguimos.

Las relaciones con J en el pasado han sido muy tensas, pero en este último álbum has participado más que nunca. ¿Te imaginarías Dinosaur Jr sin J?

¿Sin J? ¡Por supuesto que no! (risas). El puso el nombre a la banda, el creó el concepto de la banda, el sonido de su guitarra… (risas) él es la banda. No puedes ni siquiera escuchar el bajo o la batería en los discos. J es la voz dominante de la banda (risas).

¿Cambiarías algo en el sonido de la banda?

Sí me gustaría cambiar cosas. Como en los discos. J toca la guitarra principal y no hay más guitarras, luego baja hasta la batería y el bajo. Sería como sucede en el directo; me gustaría reflejar nuestro sonido en directo un poco más. Con suerte algún día. Y así es. Pero tan solo estoy soñando.

Pero para mí por ejemplo una banda me gana cuando definitivamente su directo supera con creces sus discos. Como es vuestro caso.

Sí, bueno lo sabemos pero… A lo mejor en el futuro. Creo que me encantaría hacerlo algo más minimalista.

¿Cuánto tiempo podremos contar con Dinosaur Jr?

No lo sé. No lo sé. Ahora que nuestro batería se fue corriendo no lo sé…

¿Cómo va tu proyecto con Sebadoh?

Acabamos de terminar el disco, tenemos un EP que sale en vinilo el mes que viene, y luego un LP que saldrá en vinilo por septiembre en Domino. Así que hay bastante música que saldrá pronto.

¿Cambiarías algo del pasado? ¿Crees que podrías haber sido un fenómeno tan grande como Nirvana?

No lo sé. J siempre dice que Dinosaur nunca podría haber sido tan grande como Nirvana por su voz, porque es muy chillona. Y Kurt Cobain tenía una gran voz para el rock and roll. Pero creo que si los Dinosaur originales hubiéramos seguido juntos podíamos haber sido un poquito más grandes. Pero nunca como Nirvana.

Y última pregunta: ¿Eres feliz?

¿Si soy feliz? (risas) Bueno, no soy infeliz. Tengo muchas cosas en mente.

David Bernardo

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“I can change the world with my music” Exclusive interview with NILS FRAHM

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We have the honour to talk with one of those musicians we especially love in ROCKAST. Because he’s not like the others. He’s not a rock star, but creates more emotion than most of them. German pianist Nils Frahm is one of those few artists extremely inspiring and talented who is always working in different projects and record production. He broke his thumb in an accident, but that didn’t mean he was going to rest as the doctor suggested. He kept going playing piano with just 9 fingers, and made a collection of beautiful peaceful songs, in a record he gave away. To his surprise, this no-record called Screws was inmediately loved by fans and critics. It’s an pleasure for us to talk with an outstanding artist in and out of the stage.

We catch the musician on his way to Brussels to perform at the Ancienne Belgique.

“Music is the highest art to create feelings.”

Hi Nils, How are you? What project are you involved with at the moment? Or what do you have in mind to do in short term?

Well, lot of things. Lot of things. I’m working on a live album right now, which will hopefully come out this year. I’m also working on collaborations, with the German singer Anne Müller, and I’m also working on my new solo album.

I’ve seen you’ve recently produced Sara Neufeld (Arcade Fire) debut album.

Yeah that was fun. She’s on tour now in Germany and Europe. She’s fantastic.. I’m working in the production of a Swedish songwriter doing her debut on Bella Union, and also, I’m doing the production for Sleeping Dog, a Belgium singer songwriter, and some more. These days I’m finishing the rework of Juno 12’’. I’m also going to US and Canada and some Europe dates now.

You’re working as producer quite often lately. But, in this area, what do you think we are missing in music nowadays? What do you like to try that you don’t see when listening music?

I don’t think there’s so much music missing. I mean, there’s still so much music that I love and I admire.  But usually that’s music from the past. I observe myself listening to a lot of old music. Maybe it has something to do with… I don’t know, honesty? Or people who record good sounding records, like recorded in a session, which is always very pleasure to listen to. I feel like this old skills of crafting a record has slowly disappeared because of the digitalization of music production. And people get used to scratch on their work from the computer, editing all the failures now, and edit way too much of the material and in the end things often become kind of plain. To be honest, I focus so much on the past right now. I’m listening to old classical records, jazz records, and all kind of crazy music. For me is important that I feel something really human and quite unique in somebody’s music. I think some of the bedroom recordings made these days are good and some are just not. Music in the past was usually produced in high quality studios done by really great technicians and producers. We should try to keep up the standard of music production and not let it go down. I feel like since I’m aiming for certain kind of perfection, I’m at the right spot to help people catching their vision of what they want to do, and I learn so much about all the recording techniques and I’m happy to help.

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 I’d like to talk about the noise possibilities. I’ve heard somewhere, that the most beautiful sound is the silence. So that’s why Screws sounds so minimalist?

That’s what they said about ECM master chief, “the most beautiful sound next to silence”, is Manfred Eicher music.(laughs). It is kind of a celebration of the silence. And the celebration of the countless and quietness. My expertise is that we try to push the loudness, there are many loud records out there, like Metallica’s, I don’t remember the title of the record. I feel like we’re pushing the possibilities of noise to a degree when all is possible and you can add anything to it. We have such a noisy and aggressive music out there that I feel that the most radical statement you can do is to make something really calm and quiet. Because then people wonder why is so calm, why is so quiet, maybe at least became impressed of people’s hearts and ears is actually dramatically quiet and dramatically calm. But without being just ambient music. I don’t want to see my music as something you only listen to in a background. I also want to tell a story, or read a poem in a music way. I feel like people can focus on the content of music, and the micro-universe of little detail sounds, tiny details and noise sounds, since I take care of all this little sounds like noise and mechanical sounds as a piano, and nothing is totally by accident. I really sculpture these sounds. I feel like there’s still enough musical information, but it’s on the edge. It’s so little, especially on Screws. There are so little efforts, so little noise, so little volume, so little everything, that is almost disappearing of the whole thing. That’s why I was curious about how little can you do and still feel like is music.

Also Screws was supposed to be a gift for your fans, but it has been very well received. Did you expect that?

No, totally not. I felt that it was so little music like I said, that I didn’t want to charge people for it. But when you give somebody, like you go somewhere and pick a tiny flower, and you give it to somebody, people will appreciate the gift, take the little flower and treat it like a gift, they won’t just throw it away. If people would have bought, there certainly would have been people who would have said, “well compared to the last record this is not so good because bla blab bla, it’s so minimalist, I like Felts better because there’s so much going on…”  I can already hear the criticism. But it sounds good for me this way. For me it was also a gift to myself because it kept me going in the time I broke my thumb, and I felt like maybe I could never really play piano again. I couldn’t play more because of my broken finger. But it was giving me all my hope and passion for music back. It gave me so much that I already feel like I got everything I wanted from this record, so the only thing I could do was to share this with my friends. It was a very spontaneous idea. I didn’t think of any critics of it because it wasn’t my next release really. I made it everything for free so people can’t really criticize like it’s a new album because… c’mon! I’m just improvising with my fingers but I feel like it’s my favourite record that I’ve ever done. Momentum of quietness and calmness and serenity. But also harmless. I heard something new when I play it, and I probably wouldn’t experience if I didn’t have the accident. So now I know that I can play that way. I’m very grateful. It’s all mono, one microphone, piano, and tape machine. That’s it. It’s so efficient and economical in that sense.

“The more pressure I have, the better my music is.”

 I think your music is very visual, as the note that follows the previous note seems like the only one in the world that could go there, pretty much like books, Do you think your music is more open to the listener imagination that pop music?

It might be. It’s visually inspiringly for sure. Lot of people ask me if I’m interesting in making music for films. I’m already doing this. But just without the movie. The movie people see, is what they see in their heads. They’re kind of directing their own movie at the moment they’re listening to my music. I think this is the potential my music has. It creates pictures, is like reading a book. My music is more like reading a book than watching a movie. Is up to the imagination of the listener what they feel, see or sense.
It’s the highest art to inspire certain kind of pictures or feelings. I try to have as much control as possible. I can write a piece and I know that people will think of water. I can write a piece and I know that people will think of love. It’s incredible that you can kind of connect certain images or reactions to the music.

So how is the creative process? Are you very perfectionist or do you prefer to improvise?  Do you ever think about the listener when composing music?

I do actually. I wouldn’t do music without people listening. It’s not that I only do this for myself, of course. I love playing music for myself too, but when I work on an album I want it to be something that people love. That doesn’t mean that I want to do it as flat as possible so everybody loves it. I consider that my music will be listened for many people, and I want it to be very good. That gives me a lot of motivation. The more pressure I have, and the more people listening to my music, I feel like, the better my music is. Playing live, for example. I know that the people are there. The concert wouldn’t be the same without the people. They give me certain feedback. They create a certain atmosphere in the room, and it comes back to me onstage. There’s a feedback between the audience and myself. The audience is a very big part of my music, and very big part of my motivation.

“We’re doing something pretty radical and unique”

I read that you like to work pretty late on the day. So the pianist life demands to sacrify somehow, the social life?

Yeah, I definitely sacrify my private life for doing this. In the past I couldn’t have a relation because I’m always on tour. I don’t see my friends and my family very much. I’m alone a lot. Even though I’m with people, I feel quite isolated sometimes. It comes to a point that there’s so much silence around me, and silence in myself that you really can listen to this quite pieces I play. It’s a certain kind of mind-set you have to enter before you can do this. You can’t do this in a noise part of Brooklyn. You just need to find this surrounding which is so quite and calmed that you enter a door where these very quite tunes and quite charm I’m playing, become something loud and powerful I guess. And this is what I expect from my listener too. When I play quite, I feel that people become quite as well, and they stop making noise with their hands and stop moving. After a while I realize that I’ve transformed the room into a different place where these very quite notes can still be heard, because everybody’s ready for it. But you need time for it. For me, to produce this music I need to be alone a lot. To be my myself

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We’ve seen your name in lots of modern music pages, or even indie music pages, and you’re playing Primavera Sound next week. Why do you think these modern music pages turn to your music or Olafur?

Because of the feeling that we’re doing something pretty radical and we’re not compromising ourselves. Sounds stupid when I say that, but this is what other artists do. They do what they need to do. I don’t try to do this or that to be loved. I just want to share something really honest, something which confirms me and my vision is that I can change the world, and people’s attitude with my music. I think people see that this quite radical and unique, and musicians don’t try to create some kind of pop phenomenon or whatever. They trust themselves and play classical instruments, and they still attract a young audience, and that keeps me going. And when I’m playing at a festival I’m never fitting in. Primavera is a rock indie festival, and I’m playing piano. And when I play at a jazz festival, I’m not the jazz guy,  and the people see it like something different and interesting. Same happens in classical contexts. When people play Mozart and I play my own music. When I play for young people is always odd, but at the end they’re really surprised for what they’ve experienced. And then they go on their blogs and don’t know how to labelled me. I feel very free. I could make an electronic album next. I could also play with a band. I could play piano and synthesizers shows, or classical shows. Even if I decided to be a songwriter.

Have you ever thought of adding voice to your compositions? Have you ever been offered that possibility? What do you think about it?

Yeah I’m also working on some choir ideas right now. Nothing myself, I don’t really like myself singing. But more in a way of, turning voices into sound, and sounds into voices.

“Melancholy is the happy side if being depressed”

Last time I saw you in concert was in Madrid last summer, in a free concert were the sponsor was also giving beer for free. I remember you invited a person from the crowd to play with you, and it was amazing, everyone was blown away. Do you always invite a person from the crowd to improvise with you?

No no no. It’s quite a long time since I don’t do it. Just if I feel comfortable with it. It depends. I can sense what is going on in the room, and if people need something different. It’s not only about playing piano, but make it a wonderful show. In the end is about the whole evening, and what the people think of it. People think it’s kind of brave to do so. Because it could be very horrible. But it’s never horrible. The intention of inviting somebody is wonderful and a loving thing. People might not really listen to the wrong notes we’re hitting. They just hear it with an open heart, because they think it’s a wonderful moment, it’s generous and it’s brave. These are all emotions that we as human beings feel and they’re conscious about love and peace, and they will go home and will feel better.

Are you happy?

Often. Often. I’m never scared of the future. No scared of the present or the past. But I’m a very melancholic person too and sometimes I get very frustrated about the world out there. Sometimes I shut everything down and listen to myself. I think melancholic is the happy and artistic side if being depressed. Without the art I wouldn’t be happy. The piano is like medication for me.

David Bernardo

“Puedo cambiar el mundo con mi música” Entrevista exclusiva con Nils Frahm

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La música y el músico que traemos hoy no requieren prisa.
Porque de un tiempo a esta parte, parece reivindicarse en silencio, y sin atisbo de importancia, la música clásica contemporánea de la mano de algunos de los mejores pianistas de los últimos tiempos.
Sus nombres no son ni mucho menos conocidos por el gran público. Y difícilmente lo serán nunca. Estos pianistas contemporáneos se alejan del concepto clásico del piano para experimentar desde el minimalismo, la electrónica, o el post-rock, acercando este instrumento a un público cada vez más joven y con gustos musicales más cercanos a la música independiente que a la clásica.

Hablamos de esa escuela que se ha formado sin siquiera proponérselo, y que está compuesta entre otros por Nils Frahm, Ólafur Arnalds, Peter Broderick o Dustin O’Halloran. Nombres que empiezan a aparecer con fuerza en revistas, webs y blogs de música independiente de todo el mundo.

Aprovechando que Nils Frahm viene a tocar al Primavera Sound, hemos querido charlar con el alemán para saber como son los puntos de vista de un artista con un aura especial. Un fuera de serie que hace imposibles, dejando auditorios enteros boquiabiertos mientras toca simultáneamente más pianos que manos tienen sus brazos. Tremendamente inspirador para muchos artistas, Frahm es un workaholic que no se detuvo ni cuando un desafortunado accidente en su pulgar casi le deja sin volver a tocar. Al contrario. Tal fue su frustración, que decidió no escuchar los consejos de su médico y grabó un compendio de temas improvisados (Screws) que ofrecería de forma gratuita, y que se convertiría en uno de los no-álbumes mejor recibidos. De camino a Bruselas para su próximo concierto, esto es lo que nos cuenta:

¿Qué tal Nils? ¿En qué estás trabajando ahora mismo?

Bueno en muchas cosas. Muchas cosas. Ahora mismo estoy trabajando en un disco en directo que espero que salga este año. Estoy colaborando con la cantante alemana Anne Müller, y también estoy trabajando en mi próximo lanzamiento en solitario.

He visto que recientemente has producido el álbum en solitario de Sara Neufeld de Arcade Fire.

Sí, fue muy divertido. Ahora está en Alemania y Europa de Tour. Es fantástica. También estoy trabajando en el debut de una cantautora sueca de Bella Union, y en la producción de Sleeping Dog, un cantautor belga, y algunos más. Durante estos días estoy trabajando también en el rework 12’’ de Juno. Y me voy a Estados Unidos y Canadá de gira, además de algunos conciertos en Europa ahora.

“Para mi es importante sentir algo realmente humano en la música”

Estás trabajando mucho como productor últimamente. ¿Crees que en este área nos estamos perdiendo algo en la música hoy en día? ¿Qué te gustaría probar que no veas cuando escuchas un disco?

No creo que nos estemos perdiendo mucha música. Todavía hay mucha música que amo y admiro. Pero normalmente es música del pasado. Escucho mucha música antigua. Quizás tiene algo que ver con la honestidad. O con las personas que graban discos que suenan bien, como los grabados durante una sesión, que siempre es un placer escucharlos. Creo que el viejo oficio de crear un disco ha desaparecido lentamente debido a la digitalización en la producción. Creo que la gente se ha acostumbrado a hacer todo el trabajo desde sus ordenadores. Ahora editan todos los fallos, editan demasiado y al final queda un poco vulgar.

La verdad es que me concentro mucho en el pasado ahora mismo. Estoy escuchando viejos discos de música clásica, discos de jazz, y todo tipo de música rara. Para mí es importante sentir algo realmente humano y bastante único en la música. Pienso que algunos de los discos caseros que se hacen hoy en día son buenos, pero otros sencillamente no lo son. La música en el pasado normalmente se producía en estudios con mucha calidad y los hacían técnicos y productores realmente buenos. Deberíamos de intentar mantener el estándar en la producción musical y no dejar que disminuya. Yo siento que al pretender cierto tipo de perfección, puedo estar en el lugar adecuado para ayudar a la gente visualizar lo que quieren conseguir. Y aprendo muchísimo de todas las técnicas de grabación y soy feliz de poder ayudar.

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Me gustaría hablar de las posibilidades del ruido. En algún sitio escuché que el sonido más bonito es el silencio. ¿Es por eso que Screws (2012) y Felt (2011) son tan minimalistas?

Eso es lo que dijeron del jefe de la ECM (Edition of Contemporary Recordings, reputada discográfica alemana), “el sonido más bonito junto al silencio” es la música de Manfred Eicher (risas).
Es como una celebración del silencio. Y una celebración del sosiego y lo incontable. Mi experiencia me dice que intentamos impulsar el volumen alto. Hay tantos discos ruidosos ahí afuera, como Metallica, no recuerdo el nombre del álbum. Creo que impulsamos las posibilidades del ruido a un nivel en el que todo vale y puedes añadir cualquier cosa. Tenemos un ruido y una música tan agresiva que siento que lo más radical que podemos hacer es hacer algo realmente calmado y tranquilo. Porque entonces la gente se preguntaría por qué es tan silencioso. Y puede que para impresionar el corazón o el oído de la gente necesites algo dramáticamente silencioso y calmado.

Pero sin ser solamente música ambiental. No quiero ver mi música como algo que solo escuchas de fondo. También quiero contar una historia, o leer un poema musicalmente hablando. Creo que la gente se puede concentrar en el contenido de la música, y ese micro-universo de sonidos, pequeños detalles y ruidos. Cuido de todos estos pequeños sonidos como los ruidos y los sonidos mecánicos como los del piano, y absolutamente nada suena por accidente. Realmente esculpo esos sonidos. Creo que hay mucha información musical. Pero es tan diminuta, especialmente en Screws. Hay tantos pequeños esfuerzos, tantos pequeños ruidos, tan poquito volumen, y tan poco de todo que parece que desaparece del todo. Por eso tenía curiosidad de ver cómo de minimalista lo puedes hacer y sentir que todavía es música.

Screws se creó como un regalo para los fans, pero ha sido muy bien recibido. ¿Te lo esperabas? ¿Lo podrías considerar entonces como un disco y colgarlo junto al resto de tu discografía?

Definitivamente no me lo esperaba. Sentía que era una música tan pequeña como he dicho, que no quería cobrar a la gente por ello. Pero cuando regalas algo, como si fueras a cualquier sitio y cogieras una pequeña flor y se la dieras a alguien, esa persona agradecerá el regalo, lo cogerá, lo tratará como un regalo, y no lo tirará. Si la gente lo hubiese comprado, seguro que habría algunos que dirían, bueno, comparado con su último disco éste no es tan bueno por esto y por esto, bla bla bla, es muy minimalista… A mi me gusta más Felts porque hay muchas cosas en ese disco. Ya puedo oír las críticas. Pero a mi me gusta como está. Fue un regalo también para mi mismo porque hizo que siguiera tocando cuando me rompí el pulgar y pensé que nunca más volvería a tocar el piano. No podía tocar más por que tenía el dedo roto, pero me devolvió toda mi esperanza y mi pasión por la música. Me dio tanto que sentía que ya tenía todo lo que quería de ese disco, así que lo único que podía hacer era compartirlo con mis amigos. Fue una idea muy espontánea. Nunca he pensado en las críticas porque realmente no era mi siguiente trabajo. Lo hice completamente gratis así que la gente realmente no puede criticarlo como si se tratase de un álbum nuevo. ¡Venga ya!… Solo estoy improvisando con mis dedos, pero siento que es mi disco favorito de todos los que he hecho. Un impulso de placidez, de calma y de serenidad. Es inocente también. Escucho algo nuevo cada vez que lo toco, y probablemente no lo experimentaría si no hubiera tenido el accidente. Así que ahora sé que puedo tocar de esa manera. Estoy muy agradecido. Es todo en Mono, con un micrófono, un piano y una grabadora de cassette. Ya está. Es muy eficiente y económico en ese sentido.

“Tengo la sensación de que cuanta más presión tengo, y más gente escucha, mejor es mi música”

Creo que tu música es muy visual. Parece que cada nota que sigue a la anterior es única y que no existe otra en el mundo que pueda sustituirla. Parecido a lo que sucede con los libros. ¿Crees que tu música está más abierta a la imaginación del oyente que la música pop?

Puede ser. Es visualmente inspiradora, eso seguro. Mucha gente me pregunta si estoy interesado en hacer música para películas. Y ya lo estoy haciendo. Pero sin la película. La película que ve la gente, es la que ven en sus cabezas. Es como si ellos mismos la dirigieran en el momento en que escuchan la música. Creo que ese es el potencial que tiene mi música. Crea imágenes. Es como leer un libro. Mi música es más como leer un libro que ver una película. Lo que sientan o vean depende de cada persona. Es el arte más grande para inspirar cierto tipo de sentimientos. Intento tener tanto control como sea posible. Puedo escribir una pieza y saber que la gente pensará en agua. O puedo escribir una pieza y saber que la gente pensará en el amor. Es increíble como puedes asociar ciertas imágenes o reacciones a la música.

¿Cómo es el proceso creativo? ¿Piensas en la persona que va a escuchar el disco cuando compones?

Lo hago, de hecho. No haría música sin gente que lo escuchara. Por supuesto no es que solamente lo haga para mí. Me encanta tocar música para mí también, pero cuando trabajo en un álbum quiero que sea algo que a la gente le guste. Eso no quiere decir que lo vaya a hacer tan simple que le guste a todo el mundo. Considero que mi música va a ser escuchada por mucha gente, y quiero que sea muy buena. Eso me da mucha motivación. Tengo la sensación de que cuanta más presión tengo, y más gente escucha, mejor es mi música.

El hecho de tocar en directo por ejemplo. Yo sé que la gente está ahí. Y el concierto no sería lo mismo sin la gente. Ellos me dan un cierto feedback. Crean una atmósfera en el auditorio que puedo sentir en el escenario. Hay una retroalimentación entre la audiencia y yo. El público es una gran parte de mi música. Y una gran parte de mi inspiración.

“Cuando toco en un festival, nunca encajo.”

Te gusta trabajar hasta bastante tarde por la noche. ¿Sacrifica su vida social un pianista?

Totalmente. Yo sacrifico mi vida privada por hacer esto. En el pasado no podía tener una relación porque estaba siempre de gira. No veo mucho a mis amigos ni a mi familia. Paso mucho tiempo solo. Aunque estoy con gente, a veces me siento bastante solo. Llega un punto en que hay tanto silencio a mi alrededor que puedes incluso escuchar estas piezas silenciosas que escribo. Es como una actitud en la que tienes que entrar antes de poder hacerlo. No lo puedes hacer en una parte ruidosa de Brooklyn. Imagino que necesitas encontrar un entorno que sea lo bastante tranquilo, para que al cruzar la puerta esos temas minimalistas y carismáticos se conviertan en algo llamativo y poderoso. Y eso es lo que espero de los oyentes también. Cuando toco temas tranquilos, siento que la gente se tranquiliza también. Dejan de hacer ruido con las manos y dejan de moverse. Después de un rato me doy cuenta de que he transformado el auditorio en un sitio completamente diferente, donde todavía se pueden escuchar las notas casi inaudibles. Porque todo el mundo está preparado. Y necesitas tiempo. Necesito estar solo mucho tiempo para crear esta música.

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Nils, hemos visto tu nombre en importantes webs musicales más dedicadas a música indie, o últimas tendencias. Incluso tocas en el Primavera Sound en unos días. ¿Por qué crees que se fijan ahora en ti?

Por la sensación de que estamos haciendo algo muy radical, y de que no nos comprometemos. Suena estúpido cuando lo digo yo, pero es lo que hacen otros artistas. Hacen lo que tienen que hacer. Yo no hago esto o aquello para ser querido. Solo quiero compartir algo realmente honesto, algo que me autoafirme. Mi visión es que puedo cambiar el mundo y la actitud de la gente con mi música. Creo que la gente ve que es único y muy radical, y los músicos no intentan crear ninguna clase de fenómeno pop o lo que sea. Confían en si mismos y tocan instrumentos clásicos que todavía atraen a la gente joven, y eso es lo que me hace seguir adelante.
Cuando toco en un festival nunca encajo. Primavera Sound es un festival de rock indie y yo voy a tocar el piano. Cuando voy a un festival de jazz, no soy el chico del jazz, entonces la gente habla y lo ve como algo diferente e interesante. Lo mismo pasa en entornos clásicos. Cuando la gente toca Mozart yo toco mi propia música. Y cuando toco para gente joven es raro, pero al final se quedan sorprendidos por la experiencia. Y luego van a casa y escriben en sus blogs y no saben como etiquetarme. Me siento muy libre. El siguiente álbum podría ser electrónico. Podría también tocar con una banda. Podría ofrecer conciertos con piano y sintetizadores, o conciertos clásicos. Incluso podría decidirme por ser cantautor.

¿Alguna vez has pensado en añadir voz a tus temas?

Sí, estoy trabajando en algunas ideas con coros ahora mismo. Nada de mi mismo, no me gusto mucho cantando. Pero más bien en el sentido de transformar voces en sonido y sonido en voces.

“La melancolía es la parte feliz de la depresión”

La última vez que te vi en directo recuerdo cómo solicitabas la ayuda de un voluntario entre el público para que tocase contigo. ¿Lo haces siempre?

No no no. Hace mucho tiempo que no lo hago. Solamente si me siento a gusto. Depende. Puedo sentir lo que sucede en el auditorio y si la gente necesita algo diferente. No solamente es tocar el piano, sino hacer un buen show. Al final se basa en el concierto entero y lo que la gente piense de ello.

La gente es muy valiente por ofrecerse. Porque podría ser horrible. ¡Pero nunca lo es! La intención de invitar a alguien es maravillosa. La gente puede que no escuche las notas erróneas que tocamos. Escuchan con el corazón abierto, porque piensan que es un momento maravilloso. Es generoso y es muy valiente. Todas estas emociones las sentimos como seres humanos, y el público es consciente de ese amor y esa paz, y se irán a casa y se sentirán mejor.

Y la última pregunta. ¿Eres feliz?

A menudo. A menudo. Nunca tengo miedo del futuro. Nunca tengo miedo del pasado. No tengo miedo del presente. Pero soy una persona muy melancólica y a veces me frustro por el mundo que hay ahí afuera. A veces lo apago todo y me escucho a mi mismo. Creo que la melancolía es el lado feliz y artístico de la depresión. Sin el arte no sería feliz. El piano es como la medicación para mí.

David Bernardo.

“Las nuevas bandas no deberían escuchar a las viejas” Entrevista con OCEAN COLOUR SCENE

ocs2013

Hoy tenemos el inmenso placer de entrevistar a Ocean Colour Scene, una formación tan interesante como mítica, sutilmente menospreciada y sacudida por la crítica snob dentro de su país, a pesar de ser una de las mejores bandas y mas representativas de la música británica de finales de los 90. Los de Birmingham estuvieron salpicados en todo momento por el auge del Brit Pop, pero consiguieron no mojarse a base de empuje y calidad, y sobre todo de ser fieles al estilo en que creían, desbancando al inmortal What’s The Story (Morning Glory) de Oasis del #1, a pesar de las tendencias delimitadas de la época, y de las jugarretas de su discográfica.

En plena gira española para la presentación de su décimo álbum (Painting, [PIAS] 2013), tenemos la oportunidad de acceder a la casa con ruedas de la banda, para hablar con Simon Fowler y Steve Cradock, cantante y guitarrista respectivamente de la banda y sus líderes naturales. Cerveza en mano y sin pelos en la lengua, se sueltan para hablar del Brit Pop, drogas, Oasis, Paul Weller, Neil Young, Peace, tiendas de discos, su próximo trabajo o de qué música tocar para llenar grandes estadios. También hay sección de consejos, pullas y peloteo. Imprescindible.

“Nos lo tomábamos muy en serio para no ser considerados una banda de Brit Pop”

¿Cómo estáis chicos, cómo va el Tour hasta ahora?

SIMON FOWLER: Está yendo bastante bien gracias. Hemos hecho 3 conciertos hasta ahora en España: Zaragoza, Santiago y San Sebastián. Muy buenos bolos.

He visto que tocabais en la calle esta misma mañana.

STEVE CRADOCK: Sí, en la estación. (Príncipe Pío, para ¡Atención Obras! de La 2). Justo a 5 minutos andando de aquí. Ha sido un poco extraño, fuera de nuestra rutina.

Painting es ya vuestro décimo álbum y ha sido muy bien recibido. ¿Cuáles son vuestras impresiones? ¿Había ganas ya de grabar con OCS después de vuestros proyectos en solitario?

SF:  Teníamos muchas ganas de hacerlo. Queríamos hacer un nuevo álbum porque queríamos tener canciones nuevas para tocar. Y tocarlas en directo. El año pasado estuvimos preparando la gira y necesitábamos algo nuevo. Descubrí que una vez que lanzas el álbum, es como si lo olvidaras. Hemos estado escuchando cosas en las que Steve ha estado trabajando para el siguiente disco. Lo hemos estado escuchando anoche.

Pero habéis lanzado Painting hace menos de 2 meses.

SC: La verdad es que no te quedas sentado escuchando tus discos.

SF: Yo nunca me he sentado a escuchar mis propios discos una vez que están hechos.

SC: Creo que puede ser por la intensidad que hay mientras lo estás grabando ¿verdad? Lo escuchas tantas veces que…

SF: Que es lo último que quieres escuchar! Pero puedes escuchar ZZ Top o el último disco de Billie Piper! (carcajadas)

 “En el Brit Pop todo el mundo tomaba muchas drogas y pensaban que estaban en los Beatles o los Stones”

¿Algún álbum del que estéis más orgullosos?

SC: Me encanta B-Sides, Seasides and Freerides.

SF: Sí, también es mi disco favorito.

En los 90 la prensa hablaba de Brit Pop, y ahora parece que todo gira alrededor de shows de televisión y artistas descafeinados. Entonces ¿Al final el Brit Pop no fue tan malo para vosotros?

SF: ¡Era muy divertido! ¡Muy divertido a todas horas! ¿Verdad? Todo el mundo era joven, y todo el mundo tomaba muchas drogas. ¡Todo el mundo pensaba que estaban en los Beatles, los Stones, los Who o los Kings! (risas) Era un poco como estar en el colegio. Pero no estoy seguro de que fuéramos Brit Pop, imagino que para ti lo seremos…

SC: ¿Lo somos?

SF: Imagino que lo éramos, pero no nos sentimos identificados.

Ocean colour Scene - Promo Photo (4)

 “Paul Weller era nuestro guardián. Nuestro hermano mayor.”

Quizá os ponían la etiqueta por estar ahí en ese momento.

SF: Exacto, tan solo porque estuvimos ahí. Pero nos tomábamos demasiado en serio para no ser considerados una banda de pop. Y no creo que lo fuéramos, de verdad.

SC: Yo pienso también que todo eso pasó en Londres, y nosotros vivíamos en Birmingham, a 120 millas. Y todas las bandas vivían realmente en Londres.

SF: Tan pronto como Oasis hizo algo de dinero, ¿Qué es lo que hicieron? Mandaron a la mierda a Manchester y se fueron a Londres.

SC: Creo que todo el mundo salía y frecuentaba los mismos sitios, y nosotros nunca estuvimos ahí.

Pero por aquél entonces tocasteis con Paul Weller y Oasis. ¿Supuso eso un empuje definitivo para OCS o no fue tan decisivo como se decía?

SF: Probablemente no es tan importante como la gente imagina, en términos de cómo nos hicimos populares. Son diferentes. Paul era nuestro guardían, nuestro sponsor, un hermano mayor. Steve había estado tocando con él y por eso empezamos a salir de gira en esos tours, yendo en buses como éste, en hoteles y ciudades por toda Europa… Parecía que era real, más que un hobby.

Y Oasis… (piensa unos segundos), bueno, probablemente tocar con Oasis no supuso nada para nosotros. Nos puso en la órbita del público guay. Pero si nos referimos a popularidad, no hizo nada. Cuando les teloneamos durante la primera gira, cuando ellos eran muy famosos, honestamente te digo que nadie en el público venía a vernos a nosotros. Lo que pasó es que hubo un DJ, Chris Evans, (Radio 1) que puso nuestra canción (The Riverboat Song) e hizo que nuestro disco llegara al número 2 y se mantuviese durante 6 meses ahí. Creo que si no llega a ser por Chris, solamente habría llegado al #38 durante 2 semanas o algo así. Esa fue la diferencia. La diferencia fue la radio.

 “En cuanto Oasis hizo dinero mandaron a la mierda Manchester y se marcharon a Londres”

Lleváis juntos más de 20 años y en este tiempo muchas bandas se han quedado por el camino. ¿Existe alguna fórmula secreta para estar siempre en primera línea?

SC: Creo que es porque somos amigos.

SF: Y creo que tener ese éxito en el 96, significó que era algo que podíamos continuar haciendo, y algo con lo que podíamos decir “así es como vamos a vivir nuestra vida adulta”, ¿sabes? Y ganarnos la vida con ello. Si no hubiera pasado en el 96, no sé lo que hubiera pasado en realidad. Me gustaría pensar que no nos hubiéramos separado pero… No sé lo que hubiera pasado la verdad. Así que creo que es el hecho de que somos amigos, y de que llegamos a ser una verdadera banda, una banda de directo, muy profesional.

SC: Y también que ninguno de nosotros cayó en la heroína. Creo que eso es importante.

Si tuvierais que empezar de nuevo, ¿Cambiaríais algo?

SF: ¡Le cambiaría a Steve su chaqueta! (risas) Bueno, la verdad es que hubiera trabajado más duro. Hubiera escrito más canciones, creo.

Pero solías escribir 3 canciones en una tarde ¿verdad?

SF: Sí, es cierto. Solía escribir para que tuviéramos algo que hacer. Steve y yo en particular, en el estudio que teníamos cerca de donde vivíamos. ¡Si no escribía un par de canciones por la noche no teníamos nada que hacer el día siguiente! Yo creo que deberíamos haber seguido escribiendo más. Pero aparte de eso, no cambiaría nada, porque incluso las cosas que fueron mal fueron divertidas. (risas) La mayoría de las veces que nos metíamos en problemas horribles era divertido también. Y todavía lo es.

 “No escuchéis bandas viejas. Conseguid un buen abogado y evitad la heroína”

La manera de hacer música ha cambiado desde que comenzasteis. ¿Consideras que ahora es más fácil para los músicos?

SC: Por supuesto. Es mucho más fácil. Cuando empezamos grabábamos en cintas de 2 pulgadas, como grababan en los años 40, 50 o 60. Y en los últimos 10 o 15 años ha cambiado totalmente. No creo que hayan vuelto a hacer cintas.

SF: Es cierto, no creo que las hagan ya ¿verdad?

SC: En la era digital viene todo hecho. Incluso en los discos de Neil Young. Él todavía graba en cintas pero al mismo tiempo lo graba con software digital.

SF: Yo soy un inútil con la tecnología. No puedo usar ordenadores. Nunca los uso. Pero Steve ha aprendido a grabar con una maquina así de pequeña en vez del tamaño de este bus, como solía ser. Creo que podríamos grabar un disco en esta habitación. Que de algun modo creo que… ¿No es triste?

SC: Yo creo que es una gran idea.

SF: De hecho es divertido, es como la vuelta de la actitud punk, nadie sabía cómo encajarlo. Hay una democratización en la música, cualquiera puede empezar a grabar discos, y no necesitan 100.000 libras de una discográfica para que les digan qué deben hacer.

¿Créeis que los oyentes se vuelven más vagos o superficiales a la hora de escuchar música, con todas las opciones que tienen ahora? Da la impresión de que ya nadie compra discos.

SF: Eso es una de las preocupaciones cuando estás en una banda, vender discos. Para ser honesto, no lo sé porque no soy de esa generación. Hay tanta información que en segundos puedes escuchar cualquier disco, de cualquier banda, de cualquier era y de cualquier tipo de música. Eso tiene que ser bueno. Pero si vas a las tiendas de discos, tiendas de segunda mano, pagas una fortuna por los discos. Recuerdo pagar £30 por un disco que había vendido por £5 cuando estaba en la puerta de la tienda sin dinero y sin droga. Es una locura. Algunos valen £12, otros £27, otros £30, no tiene sentido…

SC: Creo que tiene que ver con el grosor del vinilo, los más pesados creo que normalmente cuestan £20 en Inglaterra.

Ahora que os podemos considerar músicos veteranos, ¿Cuál sería vuestro consejo para las bandas que intentan hacerse un nombre?

SF: No escuchar a viejas bandas. Y conseguir un abogado. Consigue alguien en quien puedas confiar. Estoy seguro de que muchas bandas tienen problemas aquí y allá con el dinero. Pero no sé, realmente no sé.

SC: Consigue un abogado y evita la heroína, diría yo.

 “U2, Coldplay y Oasis son bandas muy sosas.”

Birmingham tiene un enorme potencial musical. ¿Alguna recomendación de algo que os llame la atención últimamente?

SC: The Boatyman, pero no están en Internet. Bueno, solamente hay una canción grabada en el Irish Centre. Ah, y Peace. ¿Conoces a Peace?

Sí, han tenido mucha aceptación en la prensa allí. Creo que suenan un poco a Stone Roses en determinadas canciones. (Nos referimos a Waste Of Saint, por ejemplo)

SC: No lo creo, yo creo que suenan más Brit Pop, con voces poppies

Si tuvierais la oportunidad de tocar en cualquier sitio o en cualquier momento de la historia, ¿Cuál sería?

SF: El festival de Monterrey. Creo que es el mejor festival que recuerdo haber visto.  ¿Pero qué hay de esta noche en Madrid?

SC: King’s Road, 1967, cuando todo se volvió de colores extravagantes.

¿Qué creéis que le sucede a la música cuando una banda de calidad como OCS, no toca en pabellones a menudo?

 

SF: Bueno, el hecho de tocar en Arenas creo que es solo para U2, Colplay y probablemente Oasis, pero son todos muy sosos ¿verdad? No creo que sean muy cercanos.

SC: Quizás solo hay que tocar mierda como esa para ser así de famoso.

¿Sois felices?

SC: ¡Claro!

SF: Sí, soy muy feliz. Esta noche sí.

SC: Nunca es feliz. Siempre está de mal humor. Es un viejo miserable.

SF: ¡No, no lo soy! (risas)

Paintings ha sido publicado por [PIAS] en 2013. Ya a la venta.

David Bernardo.

“New bands shouldn’t listen to old bands” OCEAN COLOUR SCENE Interview.

ocs2013

We’ve had the opportunity to interview some very fascinating people here in Rockast, and probably the best part of interviewing somebody whose entire life is made of music, is to look at their eyes and realize they’re really up for the moment and won’t dodge any question. It’s just a little way of having contact with the fans and try to explain themselves from another point of view. Without the help of their music.
And some of those artists have always something to say and must always be heard. Especially the most experienced ones.

It’s an honour for us having Simon Fowler and Steve Cradock from Ocean Colour Scene here today. They’ve just released their 10th album called ‘Painting’ ([PIAS] 2013), and right in the middle of their Spanish tour, they let us get on their massive tour bus to have a chat about Brit Pop, drugs, record stores, Oasis, Paul Weller, Peace, bands that make shitty music, and even their next record! Definitely not to be missed.

 “We were taking ourselves too seriously to not be considered a Brit Pop band”

How is the tour going so far?

SIMON FOWLER: It’s going pretty well, thanks. We’ve played 3 gigs so far in Spain. Zaragoza, Santiago and San Sebastián. Very good gigs.

I’ve seen you’ve also played outdoors this morning

STEVE CRADOCK: Yeah at the station, it was just 5 minutes walking from here. That was a bit strange, out of our routine

Painting is your 10th album, it’s been very well received, how do you feel about it? Were you looking forward to make it after your solo albums?

SF: Ahm, I think we really wanted to do it. We wanted to make a new album because we wanted to have new songs to play. And to play live. We spent the year before doing most of the shows up. And we needed something new. I found out that once an album it’s released, you kind of forget about it. We’ve been listening to some things Steve has been working on for the next record, we’ve been listening that the other night.

But you’ve released Paintings less than 2 months ago.

SC: You just don’t sit around and listen to albums really.

SF: I’ve never sat around listened to our own albums once they’ve been made.

SC: I think the reason might be that it’s quite intense when you’re recording it, isn’t it? You hear it so much when you’re recording that…

SF: Is the last thing you want to listen!

SF: You can listen to ZZ Top or Billie Piper’s new cd instead! (Laughs)

“During the Brit Pop everyone thought they were in the Beatles or the Stones”

 Which is the album your most proud of?

SC: I love the B-sides, Seasides and Freerides.

SF:  Yeah that’s my favourite album too.

Back on the 90’s, the press was talking about Brit Pop, but now seems like everything is about TV shows and non-sense pop acts. So I guess, after all the Brit Pop scene wasn’t that bad, was it?

SF: It was good fun! Good fun all the time! Wasn’t it? Everyone was young, and everyone was taking lots of drugs. Everyone thought they were in the Beatles or Stones or the Who or the Kings! (laughs). It was a bit like being at school. But I’m not sure that we were Brit pop, I guess to you we are…

SC: Are we?

SF: I guess we were, but we didn’t feel.

Ocean colour Scene - Promo Photo (4)

“Paul Weller was our guardian. A big brother.”

But you’re always tagged as Brit pop, maybe just because you were there at that time.

SF: Yeah it was just because we were there. But we were taking us as far too seriously so that we were never a pop band. And I don’t think we were a pop band really.

SC: I think all that happen in London as well, and we lived in Birmingham. There’s 120 miles distance. And all bands lived in London really.

SF: As soon as Oasis made any money what did they do? They fucked off from Manchester and went to London.

SC: I think that everybody was going out and circulating in the same places that we never were really.

But you played with Paul Weller and Oasis back then, did that suppose a decisive boost for Ocean Colour Scene or is not that important?

SF: It’s probably not as important as people imagine, in terms of how we actually became popular. The two are different. Paul was our guardian I guess, our sponsor, a big brother. Steve started playing with him, and because of that we started going out on those early tours doing the support, going in coaches like this, into hotels and cities across Europe… It seemed that it was real, rather than just a hobby.

And Oasis… (thinks for few seconds), well playing with Oasis probably did nothing for us. It put a name in the cool crowd. But in terms of making us popular it didn’t.  When we supported them on the first tour, when they were very popular, quite frankly no-one in the crowd wanted to see us. What really happened is that DJ Chris Evans played our song and made our album reached number 2 and stayed 6 months there. I think if it hadn’t been for Chris, it could have only been number 38 for 2 weeks, or something like that. That was the difference, the difference was radio.

“As soon as Oasis made any money they fucked off from Manchester and went to London”

You’ve been together more than 20 years, in these years many bands have come and gone, is there like a secret formula to be in the front line all this time?

SC: I think it’s because we stay friends.

SF: And I think the other thing is that, in reality, having that success in 1996, meant that it was something we could carry on doing and something that we could say that’s how we’re going to live adult lives, you know? And make a living. If it hadn’t happen in ’96, I don’t know what would have happen in reality. I’d like to think that we wouldn’t have split up but… I don’t know what would have happen really. So I guess it’s the fact that we are friends, and also became a real band, a real touring band, very professional.

SC: And also none of us got into heroin. I think that’s probably important.

If you had to start all over again, would you change something?

SF: I would change his jacket! (Pointing Steve’s jacket and laughing hard) Well I would have worked harder. I would have written more songs, I think.

But you used to write 3 songs in an afternoon right?

SF: Yeah that’s right. I used to write so that we had something to do. Me and Steve in particular, when we got into the recording studio near to where we lived. If I hadn’t written a couple of songs that night we wouldn’t have nothing to do the following day. And we should carry on writing more I think. But apart from that, no, because even the things that went wrong were funny. (Laughs) Most of the times we got into horrible trouble, that was funny as well. And still is.

“New bands shouldn’t listen to old bands. Just get a lawyer and avoid heroin.”

The way to make music has changed a lot since you started, but do you reckon  it’s actually easier for musicians this way than it was before?

SC: Yeah definitely. It’s much easier. When we started we recorded in 2’’ tapes, like the way they recorded in the 40’s, 50’s or 60’s. And the last 10 or 15 years, it’s totally changed. I don’t think they make tapes anymore.

SF: Yeah they probably don’t, do they?

SC: It’s all made on the digital age. Even Neil Young records, he records on tapes still, but he left digital computer software running alongside it.

SF: Well I’m useless with technology, I can’t use computers, I never use them, but Steve has learnt to record using a machine like this big, instead of the size of this bus, like they used to be. I think that we could make an album in this room. Which in a way I think… Is it sad?

SC: I think it’s a great idea.

SF: It’s actually funny, it’s like the punk ethos, has come around and no one knew how would fulfill it. There’s a democratization of music, anyone can really start making records, and they don’t need a hundred thousand pounds from a major record label, who are going to tell them how to make it.

Do you think listeners are getting lazy or superficial when listening music with the new options they have now? Seems like no one buys albums anymore.

SF: That’s a bit of a concern, when you’re in band, selling records. I don’t know to be honest, because I’m not of the generation. There’s so much information, within seconds you can listen any record, from any artist, from any era, and whatever type of music it is, that’s got to be good. But if you go to record shops, second hand record shops, you pay a fortune for records, £30 for a record I remember I sold for about a fiver when I was on the door with no money and no drugs. That’s crazy. Some of them are £12, some of them are £27, some of them are 30 quid, they don’t seem to have a…

SC: I think it’s the thickness of the vinyl, it makes the heaviest vinyl they normally are £20 in England I think.

Now that we can consider you music veteran, what would be your advice to the bands trying to make themselves a name out there?

SF: Don’t listen to old bands. Get a lawyer. I’d say. Get somebody who you can trust. I’m sure that a lot of bands have problems here and there with money, but I don’t know really.

SC: Get a lawyer and avoid heroin, I would say.

“U2, Coldplay and Oasis are very bland bands. Maybe you just have to play shit like that to get that big”

Birmingham’s got a huge musical background. Do you have any recommendations on new bands that you’re currently listening to?

SC: The Boatyman, but they’re not on the internet. Well, there’s just a song recorded at the Irish Centre. Oh and Peace. Do you know Peace?

Yes indeed, they got lot of press. I think they sound a little bit like The Stone Roses in some songs. (I’m thinking in Waste Of Saint, for instance)

SC: I don’t think they do, I think they sound more Brit Pop, poppy vocals…

If you had the chance to play your music anywhere or anytime in history, which place would it be?

SF: Monterrey festival,  I think that’s the best festival I remember. But what about tonight in Madrid?

SC: King’s Road 67, when all went colourful.

What’s happening in music when a quality band like OCS doesn’t get to play Arenas more often?

SF: Well to play arenas, I think it’s just U2, Coldplay and probably Oasis, but they’re kind of all very bland don’t they? I don’t think they’re very intimate.

SC: Maybe you just have to play shit like that to get that big.

Are you happy?

SC: Yeah!

SF: Yeah I’m pretty happy, tonight yeah!

SC: He’s never happy. He’s always moody. He’s a miserable old man.

SF: No I’m not!! (laughing)

Paintings has been released by [PIAS] in 2013.

Concierto: Ryan Adams (Royal Albert Hall, Londres)

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Lo primero que hace uno al entrar en el emblemático Royal Albert Hall londinense, es mirar hacia arriba y suspirar.  Porque amén de los pequeños detalles que marcan lo especial del centenario teatro, hay momentos, hay artistas, y hay conciertos que parecen irremediablemente concebidos para tocar en este lugar.

El escenario es inmejorable. Ya hace un año que Adams acabó su última gira y es el único concierto previsto para 2013. Además presenta temas nuevos. Y, por primera vez en 4 años, lo hace con banda completa. Y qué banda. Su amigo Noel Gallaguer, que organiza el acto para la asociación benéfica Teenage Cancer Trust, aparece después de la fabulosa actuación de Beth Orton, para presentarla entre bromas como “una superbanda a excepción del batería”, que no es otro que su propio batería con los “High Flying Birds”, Jeremy Stacey. Y no es para menos. A los teclados nos encontramos a Benmont Tench, uno de los fundadores de Tom Petty & The Heartbreakers. El multi-instrumentista y productor Ethan Jones a la guitarra, Don Was, de Was (Not Was) y productor de Dylan o Stones al bajo y contrabajo, y Cindy Cashdollar (Dylan, Van Morrison) con la steel guitar.

Con puntualidad británica, Adams aparece junto a su flamante nueva banda y lo hace recomendando irónicamente, hacer uso de nuestros cascos de carreras para aguantar la velocidad de la música que nos espera. El comienzo tira del último álbum con Dirty Rain y Ashes & Fire. El público está ensimismado y escucha con atención. El sonido está a la altura de la majestuosidad del auditorio, y la disposición del escenario consigue una cercanía inusual a los músicos, creando un ambiente mágico. La banda muestra una gran presencia. Enriquece las canciones y se entiende sin apenas mirarse. Guardan los tiempos y destacan en los momentos precisos. Así, Ethan Johns tendrá la ocasión de esparcir su guitarra con un espeluznante solo en una Nobody Girl interpretada en forma de jam. Aunque no sería hasta Let It Ride o una poderosa versión blues de Fix It, cuando abandonen las balas de fogueo y muestren todo el peso de sus tablas sobre el escenario.

La declaración de intenciones del repertorio se destapa con My Winding Wheel, una de las canciones que sonarían del aclamado “Heartbreaker”, junto a Why Do They Leave, Oh My Sweet Carolina y Come Pick Me Up. Adams está a gusto. Empatiza con el público y la balanza emocional que ofrece se equilibra por su buen sentido del humor. Así, la anécdota de la noche se produciría justo antes del Please Do Not Let Me Go, cuando entre las peticiones que grita el público, Ryan entiende “loaf of bread” (barra de pan) e improvisa un tema de 3 minutos rimando ingeniosamente y con la banda acompañándole en una jam session que encandila a un público entregado.

Uno de los momentos más esperados de la noche, fueron las canciones nuevas, Where I Meet You In My Mind, con una buena melodía y un tempo hipnotizante que no desentonaría en Ashes & Fire, y un elegante blues llamado In The Shadows, que se envenena por momentos y que Adams interpreta literalmente como “un vampiro conduciendo un Cadillac por las afueras de la ciudad matando a un hombre lobo”. Ambas pueden tranquilizar a los fans más clásicos viendo el sonido continuista que atesoran.

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Acto seguido, la banda se retira. Adams hace del silencio virtud echando mano de harmónica y de su inseparable Harmony Buck Owens tricolor, para interpretar una sobrecogedora Oh My Sweet Carolina y un guiño inesperado en forma de English Girls Approximately, que consigue alargar el clímax con una interpretación brillante, donde la mirada de Adams se intensifica mientras susurra “you meant everything” al final de la misma. El momento más que nunca es aquí y ahora.
Ya con la banda de vuelta, ejecutan Dear John y Do I Wait con una maestría y un peso que les vale la felicitación pública del propio Adams.

Para el bis final desliza I Love You But I Don’t Know What To Say, la joya que cierra Ashes & Fire. Cocinada a fuego lento y de especial belleza, consigue detener el tiempo y llenar de emoción contenida cada hueco del auditorio. Sin apenas pausa, sería un conmovedor Come Pick Me Up  el que logra poner en pie a los 5500 asistentes antes del final, para dedicar al de Jacksonville una larga y merecida ovación.

Sabemos que Adams es un genio de otra pasta, obsesionado con pasar desapercibido y caminar tranquilo como David Ryan Adams. De esos pocos que rebosan talento pero se empeñan en mostrarlo a cuentagotas como si la música no fuera con ellos. Aún así, se agradece sobremanera que se haga notar, aunque sea con apariciones excepcionales, para poder comprobar in situ el gran estado de gracia en el que se encuentra. Confiemos en que su colaboración con esta banda no sea solo fruto  de esta ocasión, y puedan seguir llevando la emoción por bandera en un futuro cercano. Por el bien de la música y sus amantes.

David Bernardo

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