Archivo mensual: diciembre 2012

Lo mejor de 2012.

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Suponiendo que la objetividad suele empezar donde termina la espalda en este tipo de listas, desde aquí vamos a aportar los discos que hemos considerado más importantes del 2012. Para nosotros prima la originalidad, creatividad, el aporte de los artistas y la influencia que pueden tener.

Lo hemos visto otros años y sigue sucediendo. Es curioso comprobar como importantes medios siguen empecinados en sacar su lista con una antelación cada vez más ridícula, expulsando Diciembre del calendario y produciendo situaciones cómicas, como dejar fuera de sus Best Of 2011 el que fuera uno de los álbumes del año, El Camino de Black Keys, lanzado a principios de Diciembre.

Pero aunque 2012 no haya sido un mal año musicalmente hablando, siempre echamos de menos que se multipliquen las grandes referencias musicales, esas que juegan en otras ligas, y eso es algo que parece que tiende a desaparecer. No obstante, el 2012 nos prometía grandes cosas y ha cumplido con creces lo esperado:

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30. POP LEVI – Medicine (Ninja Tune)

Jonathan Levi, mas (o quizás menos) conocido como el ex bajista de Ladytron, sigue su camino en solitario con la publicación de su cuarto álbum en solitario, afianzando este proyecto al resto (Ladytron, Super Numeri, etc…). Este compendio glam electrónico ha sido grabado según Levi por “una diferente versión de mí, en otra dimensión”. Un lugar indudablemente original para grabar un disco. Aún con todo, nos deja un álbum que aunque algo extenso, recuerda los buenos tiempos e intentos de Eagles Of Death Metal por sacudir éste género, aunque Levi no deseche los medios tecnológicos que le ofrece la actualidad. Contiene llenapistas y buenrollismo a raudales. Un imprescindible de sábado noche.

29. MAPS & ATLASES – Beware and be grateful (Barsuk Records)

Estos minuciosos músicos de Chicago lanzaron en 2012 su 2º álbum, después de un sinfín de EP’s y lugares recorridos para hacer sonar su música. Demasiado meticulosos para algunos, están en constante búsqueda de sonidos. Como ya vimos aquí, no les importa sobreponer ritmos o hacer tapping, aunque en éste disco hayan dejado la experimentación más aparcada que en sus anteriores lanzamientos. Beware And Be Grateful es un álbum vistoso que consigue enganchar de primeras. Hablamos de ellos en Abril.

28. THE WALKMEN – Heaven (Fat Possum Records / Bella Union)

Los siempre correctos neoyorquinos cumplen 10 años desde su debut, y lo hacen lanzando el que es ya su séptimo largo. De perfil bajo, no cuentan con presiones añadidas, y son más que nunca conocedores de que nunca contarán con el apoyo unánime de la crítica especializada. Así Heaven, que cuenta con la colaboración de Robin Pecknold de Fleet Foxes en el primer tema, es un álbum donde la banda se encuentra en ese punto en que no sienten la necesidad de demostrar nada, a pesar de que muchos echan de menos un gran trabajo que les coloque en el mismo mapa que otras americanas más consagradas. Con todo, y sin esa presión, componen los mejores temas de su carrera como podemos ver en Line By Line o The Witch.

27. FATHER JOHN MISTY – Fear Fun (Sub Pop)

“Para que aparezca una nueva vida, algo tiene que morir”. Menos conocido como Josh Tillman, el hasta hace un año batería de los laureados Fleet Foxes dejaba la banda al no sentirse completamente feliz con ellos. Así retomaba en 2012 sus proyectos personales con un notable éxito. Su 8º disco de estudio ha sido parido a través de viajes sin destino por la costa este de los EEUU en una furgoneta donde no faltaban setas alucinógenas que le ayudasen a encontrarse a sí mismo. El resultado es un trabajo exquisito de folk que no ha pasado desapercibido.

26. TWO GALLANTS – The Bloom And The Light (PIAS)

Estos 2 tipos de San Francisco llevan tocando juntos desde que tenían 5 años. The Bloom And The Light y su sonido marca de la casa les ha valido la aceptación de crítica y público si bien no se encuentran comercialmente hablando al nivel de otros grandes dúos con los que se les compara como White Stripes o Black Keys. Su propuesta de rock garajero afilado con intención psicodélica, triunfa allá donde va si bien a ellos las cifras no es algo que parezca importarles. Les entrevistamos en su visita a España.

25. PATTERSON HOOD – Heat Lightning Rumbles In The Distance (PIAS)

Padre de una de las mejores bandas de alt-country que se puede uno llevar a los oídos, el hijo del mítico David Hood deja a un lado a sus Drive-By Truckers para presentarnos su tercer disco en solitario. Éste disco confirma la plenitud compositiva en la que parece encontrarse Patterson, quien está deseando lanzar nuevo disco con Drive-By Truckers en 2013. Un placer entrevistarlo hace un par de meses.

24. JOHN TALABOT – ƒIN (Permanent Vacation)

El DJ y productor barcelonés lanza su primer LP de la mano de Permanent Vacation después de publicar multitud de singles y remixes para terceros.ƒIN es un trabajo que le ha supuesto los elogios de la crítica especializada y que le ha valido para que le coloquen rápidamente en la estela de gurús electrónicos como Four Tet, Burial o Caribou. Con éste album consigue introducir la electrónica en un confortable salón familiar. Cuenta con buenas colaboraciones como Pional en el primer single o Ekhi.

23. THE MACCABEES – Given To The Wild (Fiction Records)

Los londinenses del sur del Thamesis llevan desde 2004 que lanzaron su debut buscando ese pedazo de ratio mainstream que parece reservado de unos años a esta parte a bandas con más éxitos extra musicales que musicales propiamente dichos. Su lucha ha sido constante, pero después de un 2º álbum que no convenció, lanzan un 3º que ha sido carne de cañón de Mercury Prize y que por fin parece haber puesto a todo el mundo de acuerdo. La propia madre de uno de los miembros recomendaba su debut en una tienda de discos del Kensington High St. de Londres que ya no existe. Su nominación a los Mercury les hace justicia.

22. WILD NOTHING – Nocturne (Captured Traces / Bella Union)

Jack Tatum hace un álbum continuista de su gran debut de 2010, el celebrado Gemini, y lo hace destilando su dream pop de manera más práctica, aunque sin grandes temas que resalten sobre los demás como ocurría en Gemini. Sin embargo, Paradise, Nocturne, Shadow o Counting Days bien podrían ser las patas que sostienen el álbum.

21. THE VACCINES – Come Of Age (Columbia)

Veni, vidi, vici. La máxima de Julio César la llevan los londinenses a cada escenario que pisan, pero también la aplican a su segundo álbum. Come Of Age no es un desfile de hits tan radical como lo fue su debut, pero sigue la misma línea de pegada y deja joyas como Teenage Icon o No Hope. Los Vaccines no van a cambiar la forma de ver el rock ni van a arreglar nada que esté por arreglar, pero han demostrado que hacen grandes singles como churros y sin ninguna pretensión. Rock directo, efectivo, y sin complicaciones.

20. RICHARD HAWLEY – Standing At The Sky’s Edge (EMI)

El de Sheffield es uno de esos músicos en peligro de extinción. Se volvió a hacer justicia con su nominación a los Mercury otra vez éste año, pero sin ser el claro favorito, volvió a perder como aquella vez que le arrebataron el premio unos inconmensurables Arctic Monkeys. En cualquier caso, Hawley ha vuelto para publicar Standing At The Sky’s Edge, un ábum que hace gala del desencanto que percibe su autor y que tira de épica y pop elegante e inteligente.

19. PASSION PIT – Gossamer (Columbia)

La banda de Michael Angelakos encandila al público de los EEUU pero no logra hacerse un hueco en Reino Unido. Después de un EP rompedor como fue Chunk Of Change y de un debut que les abriría un hueco aún poco explotado, Gossamer pone de manifiesto una habilidad especial para abrir un abanico de posibilidades musicales que no muchas bandas poseen. Sus temas están radicalmente abiertos a ser mezclados, remezclados y dados la vuelta, para obtener un sinfín de interpretaciones, desde el RnB más comercial al cierrapistas más multitudinario.

18. GRIMES – Visions (4AD)

La ola que se levanta en Canadá empieza a ser demasiado grande para ser obviada. Claire Boucher presentaba su tercer álbum y primero con 4AD, denominado Visions. La mezcla de sintetizadores con su voz aniñada y oscurantismo le ha valido la etiqueta de goth-electro entre otros. Lo cierto es que después de ser expulsada de la universidad y de recorrerse el Mississippi con lo puesto en un pequeña embarcación, Claire logró plasmar sus ideas en un álbum que le ha supuesto el reconocimiento internacional. Hablamos de ella en nuestra lista de artistas a seguir de 2012.

17. CAT POWER – Sun (Matador)

La imprevisible solista norteamericana da una acertada vuelta de tuerca a su estilo y juega con la electrónica en su 9º álbum. Se puede decir que la vida de Charlyn Marie Marshall no ha sido fácil. Después de cambiar 10 veces de colegio, estar en bancarrota, intentar suicidarse, ser desahuciada, utilizar su fondo de pensiones para financiarse las grabaciones, separarse o pedir cobijo en la casa de su productor, tampoco este año iban a venir buenas noticias para ella. A finales de año Chan Marshall se veía obligada a cancelar la gira por un angioedema y se confirmaba que podría estar de nuevo en bancarrota. En el ámbito meramente musical, nos encontramos con el lanzamiento de un notable trabajo. La delicadeza que encontramos en Sun muestra también un equilibrio entre la tristeza y el optimismo, propiciado por la cierta hartura de Chan con su lado más depresivo, como ella misma ha afirmado. Confiamos en poder verla pronto sobre los escenarios.

16. CHROMATICS – Kill For Love (Italians Do It Better)

Probablemente nadie ofrezca mejor banda sonora a las luces de neon en las noches de las grandes ciudades como la banda de Seattle. Cinco años después de su último álbum, regresan hilando fino, con atmósferas hipnóticas en el que es posiblemente su mejor álbum. El impulsoque ha dado la banda sonora de la película Drive les ha valido, al igual que a todos los participantes, para llegar a un público más amplio, pero no ha cambiado un ápice en su modus operandi. Es paradójicamente un trabajo muy cinematográfico y elegante, que une la electrónica al new wave, con guitarras eléctricas, musica disco, beats lentos y voz auto-tuneada en ocasiones que funciona bien en su conjunto y que ofrece un eficaz medio de transporte a la imaginación.

15. DJANGO DJANGO – Django Django (Because Music)

Ésta banda escocesa, que se ha tomado literalmente todo el tiempo del mundo en terminar su álbum, ha demostrado que efectivamente la paciencia es una virtud. Añadiendo pros a esa emergente oleada de nueva música psicodélica, Django Django están irremediablemente influidos por la mítica Beta Band, ya que el cantante David MacLean es precisamente el hermano pequeño del que fuera teclista de aquellos, John MacLean. También hablamos de ellos en nuestra lista de artistas a seguir de 2012. Default es sin duda uno de los mejores temas de 2012.

14. CRYSTAL CASTLES – (III) (Fiction Records, Lies Records, Last Gang Records)

El proyecto de Ethan Kath con la colaboración de Alice Glass, se convertiría en definitivo con el lanzamiento de su álbum debut en 2008. Su consagración al gran público, si se puede llamarlo así se confirmaría con el enorme (II) de 2011, y ahora parece que en vez de seguir el ancho camino abierto por aquel disco, deciden hacer lo que realmente ellos y no su discográfica quieren. Con (III) se ponen el traje de los domingos y lanzan un álbum de punk electrónico mucho más moderado que los anteriores álbumes. Es más lineal y más serio de lo que nos tenían acostumbrados pero que no baja una mica de calidad a su talento. El próximo año estarán de gira y podremos comprobar como funciona (III) en la salvaje experiencia que son sus directos, más que recomendables. O no.

13. JAKE BUGG – Jake Bugg (Mercury Records)

No hay duda de que estamos ante un compositor con mucho talento y una voz con mucho gancho. Con apenas 19 años, éste británico de Nottingham, ha lanzado un álbum debut que ha sorprendido a propios y extraños. El llamado Dylan británico bebe de los Arctic Monkeys que ha mamado desde niño, superándolos en algunos aspectos, pasando por Beatles y Oasis. Era hora de que Reino Unido empezase otra vez a aportar cosas interesantes a la música después de pasar tanto tiempo inadvertido. Este fenómeno va a dar mucho que hablar y Universal lo ha visto claro.

12. NORAH JONES – …Little Broken Hearts (Blue Note)

La cantante y actriz neoyorquina, hija del recientemente fallecido Ravi Shankar, – el músico hindú más influyente del mundo-, publicaba en 2012 nuevo álbum de la mano del prestigioso Danger Mouse, el productor gurú que convierte en oro todo lo que toca y que apunto estuvo de tomar las riendas de U2 cuando U2 creían aún en sus propias posibilidades. Después de la exitosa colaboración del año pasado con la estupenda Rome, produce en este caso el disco entero de Jones confirmando que poniendo sobre la mesa solamente su música y nada más, es una de las cantantes con más calidad y más interesantes de la escena musical de los últimos años. Norah tiene la voz, tiene el misterio y tiene el talento innatos. Y por eso tiene especial mérito no hacer el mismo primer disco una y otra vez.

11. TAME IMPALA – Lonerism (Modular Recordings)

Corren definitivamente nuevos tiempos para la psicodelia musical. Y si no que se lo digan al bueno de Kevin Parker. El introspectivo líder de los australianos Tame Impala afirmaba que cuando terminaron Lonerism dudaba de si habían hecho algo realmente bueno o todo lo contrario. Su particular forma de crear, llevando la máxima del “mejor sólo que mal acompañado” al extremo, nos hace dudar de sí realmente se puede crear música sin que exista influencia alguna del mundo exterior.
Lonerism, que es el 2º álbum de TI, experimenta con la psicodelia de los 60 y 70 y consigue crear un sonido con sentido, tomando como referencia elementos de hace 50 años y usando la tecnología en su justa medida para que sorprendentemente no suene a refrito de refrito del revival de turno. No hay temas que destaquen sobremanera sobre el resto, ni estribillos que corear pero el álbum forma un conjunto uniforme, casi indivisible que puede ser extrapolado y armoniza un sinfín de puntos de vista.

10. CALEXICO – Algiers (City Slang)

Existen pocas bandas que posean una variedad de estilos tan rica como la del dúo de Tucson. Y menos aún que sepan sacarle el provecho que éstos le saben sacar. En su country folk de serie, en esta ocasión tienen cabida rancheras, ritmos cubanos o temas en castellano. Calexico sabe llevar la elegancia en temas extremadamente cuidados y que cuentan buenas historias. Algiers es el 7º álbum de la banda.

9. CLOUD NOTHINGS – Attack On Memory (Carpark Records / Wichita)

Sin duda los de Ohio son una de las formaciones más geniales del panorama musical. No solo haciendo videoclips han demostrado que son de lo mejorcito que se puede uno encontrar. La energía que desprende la banda de Dylan Balde es fácilmente contagiosa. Garaje noventero y descarado rock a corto plazo con el que están decididos a hacer un álbum por año, gran noticia después del espectacular homónimo de 2011.

8. BAT FOR LASHES – The Haunted Man (EMI)

Natasha Khan es esencia de talento. Es apetito musical. Palpable y real Una extraña belleza más oída que escuchada por siluetas con derecho a voto. Como si a pesar de sus 3 grandes trabajos aún se esperase de ella un gran golpe sobre la mesa. Original de la playa de Londres con descendencia paquistaní, Khan presentaba este año The Haunted Man envuelto en un continente que tristemente parecía dar que hablar más que el contenido. Multi-instrumentista pero gran pianista y compositora, se gradúa con nota con uno de los mejores temas del año que es Laura, en un álbum muy cuidado en el que también destacan temas como Marilyn, A Wall o All Your Gold.

7. JACK WHITE – Blunderbuss (Third Man Records)

Obsesionado consigo mismo y perfeccionista hasta la médula, Jack White ofrece un compendio de rock blusero de manual. Nadie consigue hacer sonar el rock clásico tan moderno como él. Rodeado de grandes músicos de su Nashville natal, su fastuosidad creativa le pide en esta ocasión llevarse dos bandas de gira, una totalmente masculina, The Buzzards, y otra femenina, The Peacocks, siendo su feeling en el momento del desayuno quien decida quién va a tocar en el concierto de cada noche. Elegancia musical sin igual. Imprescindible.

6. JAPANDROIDS – Celebration Rock (Polyvinyl)

Japandroids o el rock agarrado a un clavo ardiendo. Su abismo sonoro lleva al límite. El dúo de Vancouver lleva el experimentalismo al extremo opuesto y no pide sino ofrece. Celebration Rock, un álbum que apunto estuvo de no publicarse, ya que estuvieron apunto de separarse, escupe rock sin paliativos. Rock que te zarandea hasta dejarte K.O. Todo actitud en un álbum para ser sudado en directo como si no hubiera un mañana.

5. SMASHING PUMPKINS – Oceania (Martha’s Music)

Contra todo agorero pronóstico, el octavo álbum de Billy Corgan con Smashing Pumpkins es muy digno de estar en toda lista álbumes del año. El puñado de grandes temas que atesora Oceania no se cuentan con una sola mano. Y cuenten el resto de la lista. El mayor problema de Smashing Pumpkins en 2012 es que son Smashing Pumpkins. Y el mayor pecado de Oceanía es que no es 1997 y éste no es el álbum que va a seguir a Mellon Collie.

Pero hace tiempo que la industria pasó a vender politonos y la memoria colectiva musical, cargada de estúpidos prejuicios, se acomodó en un corto plazo cuanto menos inquietante. Oceania es un álbum que le sobra lo que otros añoran y tardan tanto en conseguir. Es encomiable la capacidad de Billy Corgan para crear melodías de tan bella factura y dotarles del peso de guitarras y los arreglos justos. Oceanía pide a gritos volver a confiar en un tipo que sabe muy bien lo que se hace.

4. BEACH HOUSE – Bloom (Bella Union)

Bloom continúa en la línea del estupendo Teen Dream, añadiendo quizás algo más de epicidad y haciendo más espacioso su sonido, convirtiéndose cada vez más en una influencia para muchas bandas. La palpitante Wild es uno de los temas del año, pero no olvidemos la creciente Irene o la majestuosidad de New Year. La voz de Victoria está mejor que nunca y la calidad que consiguen en todos sus álbumes les ha valido para ganarse el respeto de todos.

3. REDD KROSS – Researching The Blues (Sweet Nothing Records)

15 años llevaban sin publicar nuevo disco la banda de los hermanos prodigio californianos. Y menudo regreso. Researching The Blues está a la par de sus trabajos en los 90. Los padres del primer punk-rock californiano se marcan un álbum señor de arriba a abajo, que suena a Beatles o Byrds y te deja KO a las primeras de cambio. Ellos no saben de modas, pero levantan la bandera del power pop al punto más alto y consiguen un disco soberbio que funciona bien ahora y hubiera funcionado igual de bien hace 15 años. Solamente 10 temas en treinta y pocos minutos que después de tanto tiempo dejan un inmejorable sabor de boca y ganas de más. Un álbum que suena incluso mejor escuchado del final al principio, y es que dejan para el final el mejor tema, el beatle Hazel Eyes.

2. ALABAMA SHAKES – Boys & Girls (Rouge Trade)

Curioso como un panfleto británico, otrora referencia musical por excelencia, les dedicaba una portada bajo el título de “The World’s Greatest New Band” y apenas meses después no tenía cabida en sus 50 discos del año. Alabama Shakes es una banda que camina con pies de plomo, mirada fija, y la recamara llena de balas. Sus directos son una experiencia sensacional, sencillamente bonitos, cargados de calidad y de mucha emoción. Es increíble la unanimidad que ha conseguido esta banda en torno a ella, que ha logrado que se pongan a sus pies ilustres como Robert Plant, Jack White o Drive-By Truckers.

La magia que tiene ésta banda reside principalemente en su cantante, que es comparada y con razón con Aretha Franklyn. Es la banda con mayor potencial y proyección de la lista. No encuentro ninguna razón para que Alabama Shakes no lleguen a lo más alto. Brittany Howard es un regalo para la música. Algo intuíamos ya el pasado mes de Abril.

1. (Δ) ALT-J – An Awesome Wave (PIAS)

Y la joya de la corona de 2012. Sinceramente tenían reservado el Nº1 y hasta la foto de éste artículo desde la publicación de An Awesome Wave a la espera de que algo o alguien pudiera arrebatárselo. Estos británicos tienen una clase descomunal y han hecho un álbum para quitarse el sombrero. Contiene hasta 7 temas que perfectamente podrían ser singles cualquiera de ellos. Un estilo que mezcla de manera sublime elemenos folk con dubstep, trip-hop y unas armonías vocales muy cuidadas. Su álbum es uno de los mejores debuts de los últimos años, y eso va a provocar precisamente que sea extremadamente difícil superarlo en el segundo álbum. Aunque para entonces quizás la media haya girado 180 grados y no les espere con los brazos abiertos precisamente. En ROCKAST hablamos de ellos apenas publicaron su debut, y con ellos en Agosto en una interesante entrevista.

Salud.

ROCKAST

Entrevista con The Pains Of Being Pure At Heart

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Los neoyorquinos que seguramente más visitan nuestro país, están de regreso. En esta ocasión para terminar una extensa gira que les ha llevado por todo el mundo varias veces. Con una ilusión intacta más propia de principiantes, parece que siguen teniendo que demostrar algo allá donde van.

Los buenos de Kip, Peggy, Kurt, Alex y Cristoph lanzaron un enorme álbum homónimo en 2009, el que fuera su debut, y el mismo que les pondría en la órbita musical internacional. No contentos con esto y después de pasearlo por todos los festivales que pudieron, el año pasado lanzaban su segundo trabajo sin apenas descanso. Belong contaría también con buenas críticas, y con la inestimable ayuda de 2 grandes productores que supieron hacerles mas fuertes limpiando su sonido y mostrando la voz de Kip.

Están felices con lo conseguido, pero The Pains Of Being Pure At Heart es una banda de culo inquieto que a falta de un último gig en su NY natal ya está pensando en su tercer disco.

Hablamos con Kip Berman, el frontman de la banda que nos comenta sus primeros pasos, sus experiencias, la situación musical de Brooklyn o su buen gusto por la música española.

 

“Todo el marketing del mundo no puede hacer que a alguien le guste algo que no es bueno”

¿Cómo ha ido el Tour? ¿Tenéis planeado alguna gira extra?

Ya se ha terminado. Tenemos planeado un concierto de Navidad en NY, pero aparte de eso no hay nada planeado excepto trabajar en nuevas canciones y grabar.

Empezasteis tocando en fiestas de cumpleaños y después de 2 álbumes y un EP habéis tocado prácticamente por todo el mundo. Europa, Japón, Malasia, Brasil, China… ¿Significó un gran cambio o es algo que se ve venir?

En realidad son 6 años ya los que llevamos como banda. La fiesta de cumpleaños de Peggy fue en Marzo de 2007, y formamos la banda un par de meses después. No sé ni como explicar exactamente lo que suponía para nosotros tocar incluso fuera de NY por aquél entonces. No doy nada por hecho ya que la mayoría de las bandas que admiro y con las que he crecido nunca consiguieron mucha atención mas allá de su ciudad natal. Espero que podamos seguir siendo una banda y haciendo discos, es todo lo que quiero de la vida.

Creo que trabajaste en un call-centre antes de formar la banda. ¿En qué momento te das cuenta de que vas a seguir otro camino?

Trabajé en un call-centre pero tuve otro trabajo justo antes de empezar la banda. Me despidieron justo antes de empezar nuestro primer tour (con The Wedding Present) así que realmente tampoco tenía más opciones. No tenía trabajo, ni perspectivas, ni ninguna otra opción aparte de tocar música y subsistir de esa manera.

“¿Quizás la gente piensa que voy por ahí en un cardigan lamentándome todo el tiempo?”

¿Cómo crees que los oyentes o los fans, sienten vuestra música? ¿Crees que se podría concebir en cierto modo como una evasión a la rutina o al ritmo de vida frenético de las grandes ciudades?

Es una pregunta interesante. La verdad es que no sé exactamente como siente nuestra música la gente, o lo que significa para ellos. Para mí nuestra música es lo contrario a evadirse. Está muy conectada a las cosas que vivo y las cosas que siento.

Estoy seguro de que habéis sido bastante etiquetados o estereotipados en los últimos años. ¿Cuál ha sido el más original o el más raro?

¿Quizás la gente piensa que voy por ahí en un cardigan  todo el tiempo lamentándome?  Bueno mi jersey es de cuello redondo pero estoy lejos de las lágrimas.

Debo admitir que vuestro debut sonaba a clásico instantáneo desde la 1ª vez que lo escuché. Mucha gente pensó que no era posible hacer un segundo álbum tan bueno como el primero, pero lo conseguisteis. ¿Añade esto presión para el siguiente trabajo?

Muchas gracias. Me alegra que pienses que lo que hemos hecho merece la pena. Pero no creo que hayamos conseguido nada todavía. Los clásicos nunca son instantáneos. Lleva un tiempo para ver si un disco suena bien en 10 o 20 años. No sé si le importaremos a alguien el año que viene, así que dejemos eso para el futuro.

Respecto al siguiente disco, aún no hemos empezado a grabarlo así que es un poco pronto para decir cómo sonará. Todas las bandas al final siempre dicen eso de que “nuestro siguiente disco es el mejor”, que no deja de sonar como un reclamo publicitario rancio, pero probablemente también nosotros lo digamos en algún punto así que, perdonad por la hipocresía. Espero que sea de verdad.

“Me despierto y estoy en la banda de mis sueños todos los días. Creo que no hay mejor vida que ésta.”

Alan Moulder (Depeche Mode,The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentince) y Flood (U2, Nick Cave, Smashing Pumpkins) se han encargado de producir Belong, ¿cómo fue la experiencia trabajando con esos 2 grandes nombres?

Trabajan duro pero son divertidos y hacen bromas todo el tiempo. Probablemente igual que cualquiera que dedica su vida a hacer discos. La razón por la que son verdaderamente grandes es porque tienen mucho talento en lo que hacen y han trabajado con muchas bandas. Pero no son unos arrogantes o unos idiotas ni nada de eso. Creo que es una buena lección para las bandas jóvenes. La gente que es realmente buena en lo que hace no va por ahí restregándotelo en la cara todo el tiempo. Estoy muy agradecido de que hayamos conseguido trabajar con éstos chicos. Ha sido muy especial, sin duda.

¿Cuáles son los pros y los contras de estar en TPOBPAH?

No hay contras, solo pros. Me levanto y estoy en la banda de mis sueños todos los días. No puedo pensar en una vida mejor que esa. No hay nada mejor que preferiría hacer.

No hay duda de que Brooklyn es única y de que cada año hay montones de música saliendo de allí, y muchas bandas presionando para ser los mejores. ¿El hecho de ser de Brooklyn ayuda de alguna manera a ser una mejor banda?

Brooklyn es maravilloso porque te fuerza a hacerlo lo mejor posible para subsistir. Si quieres atención o reconocimiento, te tienes que centrar de verdad y hacer tu trabajo de la mejor manera. No es que sea competitivo, nos encantan un montón de bandas de allí, pero te fuerza a hacer algo extraordinario, fuera de lo normal.

Vivir aquí es maravilloso. Puedes ver grandes bandas a todas horas. Si eres un fan de la música, nunca hay una noche en la que no pase nada. Además que cuando las bandas giran por EEUU, normalmente no saltan NY, así que siempre tienes la oportunidad de ver a bandas de todo el país.

¿Qué es lo mejor que has escuchado últimamente de Brooklyn?

Me gustan mucho Cults, molan. La nueva banda de Kurt The Ice Chair son fantásticos también. My Teenage Stride, The Secret History y Hooray For Earth son realmente buenos y muy infravalorados, por lo menos desde mi punto de vista. Crystal Stilts y Vivian Girls son buenos, y también Twin Shadow, Violens, Beach Fossils y Twin Sister. Hay tanto material bueno aquí que me siento afortunado de verles tan a menudo.

“La gente que es realmente buena en lo que hace no va por ahí restregándotelo en la cara todo el tiempo”

Habéis tocado alrededor del mundo y también en muchos festivales. ¿Qué habéis aprendido?

Que no existe un camino rápido hasta el éxito. O al menos para nosotros es lento. No sé siquiera si termina bien, pero tienes que ser honesto con las cosas que te interesan y hacer música en la que crees. Sé que suena a cliché pero para mí no hay otro camino.

Os he visto 4 veces y siempre consigo traer a vuestros conciertos a gente que nunca se ha sentido defraudada cuando han escuchado vuestra música. ¿Creéis en el boca a oreja o es Internet la mejor manera de captar la atención?

Bueno, la mejor manera de atraer la atención es hacer algo digno de atraerla. Todo el marketing del mundo no puede hacer que a alguien le guste algo que no es bueno. Descubro bandas que me recomiendan mis amigos así que es una buena manera. Pero también hay mucho que puedes aprender de música en Internet. De hecho he encontrado mucho sobre nuevas y viejas bandas de blogs o sitios como Allmusic.

Habéis visitado España bastante a menudo. ¿Tuvísteis oportunidad de escuchar música española?

Tachenko! Queremos mucho a Sergio, es el tío mas guay! También hemos tocado con Odio París y Los Dolores la última vez que estuvimos por España. También éramos fans de Aias y Le Mans, pero creo que no siguen haciendo música.

¿Con quién te gustaría compartir escenario?

T-Rex, The Pastels, Huggy Bear y Felt.

¿Qué tienes en mente a medio plazo?

Solamente quiero hacer un disco. Espero que podamos.

Última pregunta, ¿Eres feliz?

Sí.

The Pains Of Being Pure At Heart – Belong (2011) PIAS, Fortuna Pop!

DB

 

“There’s no quick path to success” Interview with The Pains Of Being Pure At Heart

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The Brooklyn indiepop band are about to finish their large tour and found some time to talk with us about how the whole tour has been, their experiences and how’s life in their famous neighborhood.

The Pains Of Being Pure At Heart released their second album last year and will now have some rest before getting into the studio to record the 3rd LP.

ROCKAST  talk with singer Kip Berman right after their last shows in Spain. This is what he told us:

How is the Tour going so far? Is it over or are you still planning an extra leg somewhere?

It’s all finished. We’re playing a Christmas show in New York, but aside from that there’s nothing planned except working on new songs and recording.

You started playing in Birthday parties and just after few years and only with 2 albums and an EP released, you have pretty much played all over the world. Europe, Japan, Malaysia, Brazil China… Was that huge change or did you see it coming?

It’s actually been nearly 6 years that we’ve been playing as a band. Peggy’s birthday party was March of 2007, and we formed a couple months before that.

I don’t know how to say how thoroughly unexpected even playing a show outside of New York was for us. I don’t take anything for granted, as most of the bands I grew up admiring never really got much attention or got that far out of their hometown. I hope we get to keep being a band and making records, it’s all I want out of life.

I read somewhere that you were working in a call-centre before starting the band. When was the moment you realize that you were going to follow other path?

Kip: Well, I did work at a call center out, but I had another job when I started the band. I got fired right before our first real tour (supporting The Wedding Present) so I didn’t really have much of a choice. I had no job, no prospects, no other option than to try to play music and exist that way.

“Maybe people think I walk around in a cardigan all the time crying in my tea.”

How do you think the listeners or fans feel your music? I mean, at the end of the day, do you think your music it’s seen like an escape from routines or hectic big city life?

Kip: That’s a good question. I don’t know how the people who listen to our music feel about it, or what it means to them. To me, our music feels like the opposite of escape. It’s very much connected to the things I’ve lived and the things I’ve felt.

I’m pretty sure you’ve been labelled or stereotyped a lot within the last 3 years. But which one was the most original or the weirdest one?

Kip: Maybe people think I walk around in a cardigan all the time crying in my tea? I mean, I’m drinking some tea right now, but my sweater is crewneck and I am far from tears.

I must admit that your debut album was like an instant classic since the 1st time I heard it. Many people thought it wasn’t possible to make a second album as good as the 1st one, but you did it.  Is there any pressure for the 3rd one? Do you already know how would you like it to sound?

Kip: Thank you very much. Well, I’m glad you think what we’ve done is worthwhile. But I don’t think we’ve really put it all together yet. Classics can never really be instant – it requires time to reflect and see if a record sounds good in 10 years, in 20 years. I don’t know if anyone will even care about us next year, let alone that far in the future.

As for the next record, we haven’t started recording it yet so it seems to soon to say what it will sound like. Every band eventually says “our new record is our best record,” which sounds like a stale sort of publicity statement. But we’ll probably say something like that at some point, so pardon the hypocrisy. Hopefully it’ll be true.

“There are no cons, only pros. I wake up and get to be in the band of my dreams every day”

Alan Moulder (Depeche Mode,The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentince) and Flood (U2, Nick Cave, Smashing Pumpkins) produced Belong. How was the experience of working with such a big names?  How do they work?

They work hard, but still have fun, make jokes and all that. It’s probably the same as anyone else who is committed their life to making records. The reason their names are big is that they’re really talented at what they do and have worked with lot of great bands. But they are not arrogant or jerks or anything like that. I think it’s a good lesson to learn for a young band. People that are really good at what they do, don’t walk around and shove it in your face all the time. I’m really grateful we got to work with those guys, it was a special time for sure.

Could you tell me the pros and cons of being in TPOBPAH?

There are no cons, only pros. I wake up and get to be in the band of my dreams every day. I can’t think of a better life than that, there’s nothing I’d rather do.

There’s no doubt Brooklyn is one-of-a-kind and every year there is loads of good music coming out of there, and many bands pushing to be the best one. Does the fact of being from Brooklyn help somehow to be a better band? as Brooklyn neighbour, what are your impressions?

Brooklyn is wonderful because it forces you to do your best just to survive. If you want any attention or recognition, you have to really focus and make your work the best it can be. It’s not really competitive – we love lots of other bands that live here, but it does compel you to make something that’s remarkable, something out of the ordinary.

As for living here, it’s wonderful because you get to see so many great bands all the time. If you’re a fan of music, there’s never a night where there isn’t something happening. Plus, when bands tour the US they usually don’t skip New York, so there’s always the opportunity to see bands from all over the country and world.

What’s the best Brooklyn act you’ve listened to lately?

I love Cults a lot, they’re cool. Kurt’s new band, The Ice Choir is really fantastic as well. My Teenage Stride, The Secret History and Hooray For Earth are really good and pretty underrated (at least in my view). Crystal Stilts and Vivian Girls are great, as are Twin Shadow, Violens, Beach Fossils and Twin Sister. There’s so much great stuff here, I feel pretty lucky just to see these bands play so often.

“All the marketing in the world can’t make someone like something that isn’t good.”

You’ve played all over the world and in many festivals also. What’s the best thing you’re learning?

There’s no quick path to success, or at least for us it’s a slow thing. I don’t know if it even ends in a good way, but you just have to stay true to the things you care about and make music you believe in. I know that sounds like a cliche, but to me there’s no other way.

I’ve seen you guys 4 times already, and I always manage to bring new people with me as they never get disappointed whenever they discover your music. Do you believe in the word-of-mouth or is the internet these days the best way to get attention?

Well, the best way to get attention is to do something worthy of attention. All the marketing in the world can’t make someone like something that isn’t good. I find out about bands a lot from my friends recommendations, so I think that’s a good way. But there’s also so much you can learn about music through the internet, and I’ve certainly found out a lot about new or old bands from mp3 blogs or a site like Allmusic.

I know you’ve visited Spain many times, Did you get to listen any Spanish music by any chance?

Tachenko! We love Sergio so much, he’s the coolest. We’ve also played with Odio Paris and Los Dolores last time we were in Spain. We were also fans of the band Aias and Le Mans, though I don’t think either of those are still around.

Which band or artist or would you like to share stage with?

T-Rex, The Pastels, Huggy Bear and Felt.

Any projects for next year? Is there any particular goal in your mind?

I just want to make a record. Hopefully we will.

Last question…  Are you happy?

Yes.

The Pains Of Being Pure At Heart – Belong (2011, PIAS/Fortuna Pop!)

“Yo no canto sobre Cadillacs rosas” Entrevista con Jim Jones Revue

TJJR 4 -(c)A_Gullick

Nadie puede dudar que Jim Jones es uno de los estandartes del rock garajero de vieja escuela. El que fuera líder de Thee Hypnotics, ha pasado por España para descargar la adrenalina de Jim Jones Revue y presentar un nuevo álbum que le consagra como la banda a batir del rock británico.

Jim Jones es un personaje con una personalidad arrolladora cuya chulesca puesta en escena hace las delicias de todos sus fieles allá donde pisa un escenario. Un concierto de Jim Jones Revue se traduce en intensidad, sudor, química, buen rollo y años perdidos.

ROCKAST entrevista hoy a un tipo de vuelta de todo. Británico de nacimiento, con corazón musical americano, se sabe de antemano que va a tener mucho que decir. Hablemos entonces de rock, de punk, de shows y de la vida misma:

¿Qué tal estás Jim? He visto que estáis tocando 6 y 7 noches consecutivas durante este Tour.

Estamos bien, genial. Hicimos 5 conciertos en Francia, luego Barcelona, Valencia, Alicante, Madrid ésta noche, Bilbao mañana y luego vuelta a Francia.

¿Cómo puedes mantener la voz después de todas estas noches?

Bueno, puedes escuchar que está ronca. Solamente tienes que tener cuidado. Una de las peores cosas sucede justo después de un concierto, si vas a una habitación ruidosa e intentas hablar con la gente es lo peor que te puede pasar. Siempre intento tomarme 5 o 10 minutos después de cada actuación para dejar que mi voz se calme. Hay quien piensa ah eres una estrella y no quieres venir a hablar con nosotros, pero es un descanso, mi voz tiene que cantar para todo el mundo mañana para no tener que cancelar el show ¿me entiendes? Lo más importante es el show, así que empleo el resto del día en prepararme para ello. Lo mejor para la voz es dormir. Pero estás siempre de gira, tocas tarde, vuelves tarde al hotel, luego te lleva un rato calmarte y cuando te levantas por la mañana a veces tienes que conducir durante 6 horas.

Vuestro anterior trabajo, Burning Your House Down, fue muy bien recibido. ¿Añade esto presión en el momento de hacer The Savage Heart?

No. Quiero decir, creo que es algo bueno. Obviamente piensas sobre ello pero no le das importancia. Porque si te empiezas a preocuparte empiezas a cambiar la forma en la que haces las cosas. Es importante hacer la música que crees que es la correcta. Piensas lo que le gusta a la gente, porque cuando tocas en directo puedes ver lo que funciona. Pero para ser creativo tienes que sentir que estás innovando todo el tiempo, que estás abriendo nuevos caminos de alguna manera. Si intentas ir hacia atrás es un error. Nunca lo he intentado así que no lo sé, quizás sea el secreto del éxito (risas).

“Mira, si vienes a ver a Jim Jones Revue, tienes que llevarte algo del show”

En The Savage Heart trabajáis con Jim Sclavunos (Sonic Youth, percursionista de Nick Cave & The Bad Seeds) y Jim Abbis (Arctic Monkeys, Adele, The Verve) ¿Consiguen sacar lo mejor de vosotros?

Sí, creo que sí. Creo que hacíamos un buen equipo. Estábamos intentando conseguir sonidos. Creo que la mejor manera de tener un álbum que suena diferente a todos los demás es tener un sonido de batería, un sonido de guitarra, y un sonido vocal que suene diferente a todos los demás. Y eso requiere un cierto tipo de persona. Jim Sclavunos es muy bueno. Sabe el procedimiento standard pero también está muy abierto a intentar algo si piensa que con eso vamos a conseguir un sonido mejor. Puedes pedirle hacer cualquier cosa, si le dices, Jim, necesitamos matar a 5 niños para conseguir el sonido perfecto para ésto, Jim diría, ok, ¿dónde encontramos los niños? Quiero decir, lo que quiero decir es que él normalmente no se impresiona.
Y para la mezcla, primero escuché a Jim Abbiss por el single de The Heavy, How You Like Me Now? (lo canta). Sonaba más que contundente pero también realista, lo que puedes escuchar en todos sus discos, y eso me gustó bastante. Descubrí que el productor era Jim Abbiss asi que le contactamos y tuvimos la suficiente suerte de que estaba libre para hacer la mezcla. Ya sonábamos bastante fuerte pero creo que él nos dio ese impulso yendo un poco más allá con el sonido, y ha sido muy interesante trabajar con él.

En vuestros conciertos hacéis que la gente salte, baile y que lo pasen realmente bien, y no es algo muy usual hoy en día. ¿Es el directo donde una verdadera banda de rock tiene que mostrarse convincente?

Tienes que intentarlo. Considero que la gente que viene a nuestros conciertos no es un espectador. Si vienes tienes que involucrarte. Por supuesto no tienes que hacerlo si no quieres, hay gente que lo que le gusta es quedarse quieto en las sombras mirando nada mas lo que pasa. Mira, si vienes a ver a Jim Jones Revue tienes que llevarte algo del show. Tienes que hacer que valga la pena.

Vuestros conciertos están llenos de energía y rock contundente, pero ¿sientes que recibes de la audiencia la misma energía que ofreces?

Sí, sí, si estás ahí empujando al final consigues una reacción de la gente.

“La mayoría de la gente acepta la música y solo lo aceptan porque sí; no te dan ningún ejemplo de cómo hacer algo por ellos mismos, solamente toman lo que les han dado.”

¿Crees que el Rock and Roll es menos popular ahora o son los medios que no prestan la suficiente atención a lo que las bandas están haciendo?

No lo se, los valores de la gente son un poco diferentes hoy en día. Hay como 3 o 4 generaciones de gente que crecieron sin tener ningún ejemplo de lo que realmente significa ir al grano y hacer algo ¿sabes? Ha pasado mucho tiempo desde el movimiento del punk, y la parte real de aquello duró solo un año antes de convertirse en moda. La gente iba en plan oh sí tengo pelo verde y llevo imperdibles, pero el punk rock originalmente consistía en intentar mostrar a la gente que puedes ser individual, que puedes hacer algo diferente y que no tienes que seguir el ejemplo de todos los demás, o tener habilidades especiales. Si tienes algo que decir solo sales y lo dices. Pero muy pronto empezó a ser todo pelo verde e imperdibles y ya sabes, esa jodida moda ridícula, que no tenía nada que ver con lo que era el movimiento original. Pero no sé, realmente yo no he visto nada desde entonces a esa escala que muestre a las generaciones que pueden dar la espalda a lo que les ha sido dado. La mayoría de la gente acepta el hip/hop, o el RnB, o el heavy metal y solo lo aceptan porque sí, y no te dan ningún ejemplo de cómo hacer algo por ellos mismos, solamente toman lo que les han dado.

Mucha gente piensa que sois una banda Americana por vuestro sonido. ¿Qué le pasó al Rock en el Reino Unido?

La verdad es que no lo sé, quiero decir que estamos bastante ocupados y no tenemos tiempo de mirar otras cosas que se están haciendo. Pero la mayoría de las bandas que escucho son americanas; y las bandas con las que me inspiro son los Stooges, o Duke Ellington. Cuando era joven las bandas británicas que realmente me gustaban eran las que sonaban americanas, como los Stones, Faces, o los Beatles. Los Beatles me sonaban a banda americana. Yo toco música americana, pero ésta música tiene su conexión con música irlandesa, escocesa, música folk, mezclado con música de raíces africanas. Pero no canto sobre cadillacs rosas. Esa no es mi vida. Yo canto sobre mi vida, lo que veo alrededor de mí y lo que siento en mis sueños ¿sabes? Es un error si tratas de seguir una moda, o tomar el rock como una moda, porque para mí eso no es verdad. Creo que es una palabra que describe una música que tiene una intensidad de sentimiento. Y lo escucho cuando estoy escuchando a Charlie Mingus o John Coltrane. Es jazz, sí, pero tiene intensidad ¿sabes? Y para mí el Rock and Roll significa intensidad. Está el termino Rock and Roll utilizado para representar una música que es una mezcla de blues, country y bluegrass, y yo lo entiendo y me gusta esa música.

Creo que Jim Jones Revue tiene mucho cuidado en intentar no estancarse. Estamos interesados en muchas cosas diferentes como para quedarnos atrapados solamente en un lugar.

¿Todavía tenéis esa gran interacción con los fans? ¿Puedo encargarme de las luces?

Sí claro que sí. Sí que puedes si quieres. ¡Aunque tienes que currártelo! Hay gente que luego no le da caña.

¿Qué música estás escuchando últimamente?

Bueno nosotros tocamos Rock muy alto cada noche así que cuando tengo tiempo escucho bastante a Duke Ellington. También música country de los comienzos,Sons of the Pioneers, Jimmy Rogers, etc… Escucho música para relajarme. Es bastante inspirador también.

¿Planes para el año que viene?

Siempre estamos tocando así que estaremos tocando en directo en algún sitio. Pero creo que vamos a intentar empezar antes, si tenemos algo de tiempo libre, y vamos a trabajar en nuevas canciones, de manera que cuando llegue el momento del nuevo álbum ya tenemos algo preparado. Cuando estábamos trabajando en The Savage Heart, hacia el final del proceso de composición, pensamos que habíamos encontrado una nueva manera de trabajar, de crear. Todos estamos entusiasmados por ver qué mas sale.

Última pregunta: ¿Eres feliz?

¡Bastante, sí! No está mal. (risas)

DB

Jim Jones Revue – The Savage Heart (PIAS) 2012.

Jim Jones Revue interview.

TJJR 1 - (c)Jean Claude Dhien

We have the chance to talk with Jim Jones, the ex leader of Thee Hypnotics who is in Spain to present his latest album, called The Savage Heart. An album that leaves Jim Jones Revue as the british rock band to beat right now. Their shows are a genuine mix of intensity, sweat, chemistry, good feelings and lost years.

ROCKAST talks with Jim Jones about rock, punk, live shows and life itself. And you know when you’re talking to Jim Jones he’s going to have a lot to say.

How is the tour going so far? I’ve seen you get to play 6 or 7 consecutive nights?

 We’re doing good. Cool. We did 5 shows in France, then Barcelona, Valencia, Alicante, Madrid tonight and Bilbao tomorrow and then back to France.

Can you keep your voice after all these nights?

Well you can hear is croaky. You just have to be careful. One of the worst things happens straight after the show, if you go to a noisy room and try to talk with people. I always try to take 5 or 10 minutes after the show to let my voice calm down. Some people thing like oh you think you’re a star you don’t wanna come and talk to us, but it’s a rest, my voice has to sing for everybody tomorrow so I don’t have to cancel the show you know? The most important thing is the show so I spend the rest of the day just trying to get ready for it. The best thing for your voice is sleep. But you’re always on tour, you play late, you get back to the hotel late, then it takes a while to calm down and up in the morning you have to drive for 6 hours sometimes.

Burning Your House Down was very well received, does it actually add more pressure when you made The Savage Heart?

Emm… No, I mean, I think is a good thing. Obviously you think about it but you don’t worry about it. Because if you start worrying worry about it you start changing the way you do things. Is important to make the music that you think is right. You think about what people like, because when you’re playing live you can see what works. But to be creative you have to feel like you’re breaking new grounds someway, all the time. If you try to go backwards that’s a mistake. I’ve never really tried it so I don’t know, maybe is the secret of success (laughs).

In The Savage Heart you’ve worked with 2 Jim Sclavunos (Sonic Youth, Nick Cave & The Bad Seeds drummer) and Jim Abbiss (Arctic Monkeys,Adele, Editors) how was the experience with them? Have they managed to get the best of you?

Yeah I think so, I think we had a really good team. We were trying to get sounds. I think the best way to have an album that sounds different to everyone else is to have a drum sound, an a guitar sound, and a vocal sound that sounds different from everyone else. So that takes a certain kind of person. Jim Sclavunos is very good, he knows the standard procedure but he’s also open minded to try something if he thinks is going to get a better sound. You can ask him to do anything, you can say Jim, we need to murder 5 children to get the right sound for this, and Jim will be like “ok, where do we find the children? I mean, what I’m trying to say is that he’s not usually shocked.
And then for the mixing, I first heard Jim Abbiss through The Heavy single How You Like Me Now?(sings) I thought that it sounded more than punchy but also realistic which you can hear in all their records and I quite liked that. I found out that the producer was Jim Abbiss so we contacted him and we were lucky enough that he was free to do the mixing. We sounded pretty strong already but I think he just pussed that a little bit further with the sound, and it was quite interesting working with him.

“Look, if you came out to see a Jim Jones Revue show, you should take something from it.”

On your shows you get the audience to dance, and have massive fun while you’re playing, and this is something not very usual on gigs nowadays.  A truly Rock and Roll band has to convince everyone in the audience to be considered?

You need to try. I think that people that come to the show is not an spectator, if you come you should get involved. Of course you don’t have to, some people do like to stand in the shadows just watching what’s going on. Look, if you came out to see a Jim Jones Revue show you should take something from it. You should really make it worthwhile. If somebody ask you: What did you do yesterday? You’ll have “well I stood still” or “I disconnected and I had a great time”

Your live shows are full of energy and straight RnR, but Do you feel like you receive from the audience the same energy you’re giving them?

Yeah yeah, if you keep pushing eventually you get a reaction.

Do you think Rock and Roll is getting less popular for real or is just that the media pay enough attention to what bands are doing?

I don’t know, people standards are a little bit different these days. There’s like 3 or 4 generations of people that grown up not having any examples of what it really means to cut through, and do something you know… It’s been a long time since the punk movement, and the real part of that only lasted for a year before it became just a fashion. People were like oh yeah I have green hair and I wear spikes, but punk rock originally was about trying to show to people that you can be an individual, that you can do something different and that you don’t have to follow everybody else’s example or have special skills to do, if you have something to say you can just come out and say it. But pretty soon it just became about green hair and safety pins and you know, ridiculous fucking fashion thing, like nothing to do with what the original movement was about, but I don’t know, I haven’t really seen anything since then that was on that scale to show any of the generations   that they can turn their back on what has been given to them. You know most people accept, ok this is hip/hop, and this is RnB, and this is heavy metal and they just accept it because it is, and they don’t have any examples on how to do something for themselves, they just take what’s been given to them.

“I don’t sing about pink cadillacs, that’s not my life”

Some people think you’re an American band because of your sound. What happened to the Rock in the UK?

Yeah well I really don’t know, I mean we are quite busy so we don’t have much time to look to other stuff that’s going on. But the bands that I listen to are mostly American, and the bands that I take the inspiration from, whether it be The Stooges or Duke Ellington, Sons of the Pioneers…many many musicians. When I was young the British bands that I really like were the ones that sounded American, like the Stones, The Faces, Beatles, The Beatles sound like an American band to me. I play American music, but this music has its connection on Irish, Scottish, Folk music, mixed with African roots music. But I don’t sing about pink cadillacs, as it’s not my life, I sing about my life and what I see around me, and what I feel in my dreams you know? It’s a mistake if you try to follow a fashion, like Rock and Roll as a fashion, because for me that’s not true. I think is a word that describes a music that has an intensity of feeling. And I hear it when I hear to Charlie Mingus or John Coltrane, that’s jazz yes, but it has intensity you know? And for me Rock and Roll means intensity. There’s the term Rock And Roll as used to represent a music that is a mixture of blues and country and bluegrass, I understand that and I like that music

I think the Jim Jones Revue are very careful trying not to stay in a little pigeon hole. We are interested in too many different things to get stuck in just one place.

Do you still have this strong interaction with your fans? Can I do the light?

Yeah I guess so. Yes you can if you want! You have to work though!

What music you’ve been listening lately?

Well we played loud RnR everynight so when I get time I listen to Duke Ellington quite a lot. Also early country music,Sons of the Pioneers, Jimmy Rogers, etc… I listen to that music to relax. It’s quite inspiring as well.

Any plans for next year?

We’re always doing live shows, so we’ll be playing live somewhere. But I think we’re going to try to make an early start whenever we have any free time, we’re going to work on new songs, so when the time comes for the next album we have something ready. Also when we were working on The Savage Heart, towards the end of the writing process, we thought that we have found a new way of working, of creativity. Everybody is keen to see what else comes out.

Are you happy?

Pretty much, yeah. Not bad. (laughs)

The Savage Heart (PIAS) 2012.

DB

“No es buena idea que nos comparen con Black Keys” Entrevista con Two Gallants.

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El dúo de San Francisco vuelve a escena después de 5 años para presentarnos un nuevo álbum llamado The Bloom And The Blight.  En éstos años, ambos  se han embarcado en sus proyectos en solitario, aunque el cantante y guitarrista Adam Stephens también ha tenido que superar el terrible accidente casi mortal que tuvo en la furgoneta de la gira de su anterior grupo.  Llegado el momento y casi recuperado totalmente,  vuelve a la banda en la que lleva tocando más de una decada para presentarnos posiblemente uno de sus mejores trabajos.

Adam y Tyson se conocen desde que tenían 5 años. Empezaron a tocar a la vez e hicieron sus primeros bolos en la calle, en house parties, en cuartos de estar o allá donde les dejaran. Aunque son etiquetados comunmente como una banda de folk, su último álbum destila un blues garajero desgarrador. La voz de Stephens está más afilada que nunca y en The Bloom And The Blight demuestra que nadie en el rock actual chilla como él. Tienen talento de sobra para estar mucho más alto que donde están. Aunque esto sea algo que aparentemente no les quita el sueño.

Los californianos han estado haciendo pleno en sus conciertos en España y han tenido tiempo para sentarse a hablar con nosotros.

Han pasado 5 años desde vuestro último álbum. En este tiempo habéis lanzado cada uno vuestros propios trabajos, ¿Ha influido esto en el nuevo álbum?

TYSON VOGEL: Bueno el estudio no es el sitio más confortable para nosotros, pero creo que grabar discos distintos nos ha permitido a ambos digamos el poder explorar el estudio de una manera diferente. Esto definitivamente inspiró nuestro planteamiento sobre el disco.

En The Bloom And The Blight trabajáis con un gran productor como es John Congleton (Modest Mouse, David Byrne, Explosions In The Sky). ¿Marca la diferencia un gran productor?

ADAM STEPHENS:  Es genial, es un hombre muy inteligente, una experiencia muy reveladora. Ha sido un placer trabajar con él y fue divertido. Creo que el término productor es un término grande, porque tradicionalmente el productor tenía mucho que ver con los arreglos de las canciones, y cómo una canción determinada estaba compuesta, en cierta manera. Pero todo eso básicamente lo hacemos nosotros, él más o menos nos guía. Si teníamos alguna duda sobre algo él nos ayudaba. Si Tyson y yo no nos poníamos de acuerdo en algo el era algo así como la 3ª voz, y nos ayudaba a movernos en la dirección correcta ¿sabes? Pero creo que es mas bien un ingeniero con mucha perspicacia y mucha opinión. Quiero decir… quizás no le debería haber llamado eso.

TV: Asegúrate de que no salga en América. (risas)

Empezásteis en Alive Records, luego Saddle Creek y ahora con la compañía de Dave Matthews, ATO Records. ¿Significa eso que desconfiáis de las grandes compañías?

TV: Absolutamente. Pero la mayoría de nuestros planteamientos digamos que necesitan un ambiente artístico, con gente que innova, que tiene maneras creativas de promocionar la música y la cultura. En realidad Dave Matthews no tiene nada que ver con ATO Records, excepto que lo empezó e invirtió en ello pero básicamente es un socio ¿sabes? ATO lo lleva un grupo de 15 tipos realmente buenos.

AS: Es más un tema de relación personal, queríamos sentirnos en casa en algún sitio y ser amigos de la gente con la que trabajamos. No creo que tuviéramos esa clase de relación en una gran discográfica.

“En la música es bueno tener que pasar apuros.”

¿Cómo el el proceso de elaboración del álbum? ¿Construís los temas juntos?

TV: Sí bueno, creo que el método cambia con cada canción. Nunca es muy consistente realmente.

¿De donde sacáis la inspiración?

TV: Supervivencia.

Habéis tocado mucho en la calle, en fiestas, en bares… ¿Es algo que todo músico debería hacer?

AS: No creo que todo el mundo toque la música apropiada para estos ambientes. En la música es bueno empezar humildemente, tener que pasar muchos apuros y hacer muchos conciertos cutres. Adquieres un sentimiento de gratitud hacia cualquier logro que consigues. Pero esos conciertos fueron los más divertidos. Nunca hacíamos dinero, pero básicamente aprendimos a tocar y a montar un show. El estar tan cerca de la gente, cuando tocas en casa de alguien o en una pequeña habitación, todos sudando, es una experiencia muy impactante, estar tocando o incluso sólo mirando.

¿Lo echáis de menos?

AS: Bueno, lo cierto es que hicimos 3 giras por EEUU como esa, tocando en casas y espacios de arte y realmente en cualquier sitio que podíamos y fue duro ¿sabes? Muchas veces aparecías en una ciudad y no venía nadie a verte, o no había concierto, o el tipo que lo organiza se le olvida, o tocas en un salón con un tío y su hermano y cosas así. Todavía hacemos algo de eso cuando podemos, sobre todo en San Francisco, en casas y tal…

¿Intentáis reflejar las buenas vibraciones de los directos en el álbum?

TV: Intentamos ser lo más honestos que podemos en el disco. Cada álbum que hemos hecho ha sido un intento por capturar el sentimiento de un ambiente de directo. En las actuaciones las cosas cambian, el ambiente etc… así que intentamos encontrar esa pequeña área de control. El directo es probablemente la mejor manera de convencer a la gente.

“El directo es probablemente la mejor manera de convencer a la gente.”

¿Alguna vez habéis pensado añadir algún instrumento o incluso algún miembro a la banda?

AS: Lo hicimos cuando empezamos, pero enseguida fuimos un dúo y según íbamos tocando la gente pensaba que era bueno, así que lo decidimos así. No hacíamos otra cosa que tocar tocar y tocar y nos dimos cuenta de que estaba funcionando así que genial.

¿Parece que Brooklyn y Nashville se llevan la fama como cunas de escenas musicales pero cómo está la cosa en San Francisco?

TV: Es divertido porque SF siempre ha sido un lugar con gente muy artística. Hay muchas bandas haciendo mucha música allí. De hecho, en cierto modo, prefiero que no tenga la reputación de Brooklyn o Nashville, porque así lo hace único. Hay una cantidad ecléctica increíble de música en el corazón de San Francisco. Y así es como fuimos capaces de tocar nuestros primeros conciertos. Aprendimos que nos lo podíamos montar en la calle básicamente en cualquier lugar. Hacíamos conciertos callejeros robando electricidad de la estación de autobús. Éramos 3 bandas tocando 3 canciones cada una y compartíamos los instrumentos. A veces aparecían 150, 200 personas. Es algo que ya no existe pero representa de alguna manera el espíritu de San Francisco.

¿Influye de algún modo el lugar donde naces en vuestro estilo? ¿Sonarías igual si hubierais nacido en algún otro lugar?

AS: Creo que SF realmente nos ha permitido ser músicos y ser excéntricos ¿sabes? Sentirnos cómodos haciendo lo que queríamos hacer. Las condiciones en las que hemos crecido estaban muy ligadas a la creatividad. No era una locura la idea de intentar ser músico. Quiero decir, mis padres no parecían muy contentos al principio, pero  en otros lugares hubiera sido en plan “ah, quieres ser músico, vaya pérdida de tiempo” pero en SF no sé, hay tal sensación de libertad artística y expresiva que tuvo mucho que ver en que lo intentáramos ¿sabes?

“Cuando estás fuera de casa lo único estable es lo inestable”

¿Qué escucháis fuera de Two Gallants?

TV: Escuchamos muchas cosas diferentes, desde el country al hip/hop. Pero ambos, como músicos que somos, digamos que es nuestra obligación escuchar música y aprender lenguajes que provengan de diferentes formas.  Es importante ser abierto e intentar escuchar tanto como podamos. Además creo que nos mantiene sanos! (risas)

Habéis sido comparados en muchas ocasiones con White Stripes o Black Keys, pero ¿Con qué bandas os gustaría que os comparasen? ¿Qué bandas os influyen?

AS: Creo que no es una buena idea. Quiero decir, cuando empezamos a tocar era música de los años 20 y 30 y cosas de ese estilo, música americana, música de raíces sureñas. Tyson es más de cosas contemporáneas pero no sé, hay grandes bandas, My Morning Jacket es una gran banda, Elvis Perkins in Dearland es un disco que nos gusta mucho a ambos. Cass McCombs mola también.

TV: Vamos a tocar algunos shows con Deer Tick al final del año, esa es una banda muy buena.

¿Cuáles son vuestros planes inmediatos para el año próximo?

TV: Bueno, tenemos 4 conciertos en la costa Este, luego 2 semanas libres y luego un tour por la costa Oeste, California, y luego vamos a Australia. Luego creo que volveremos aquí. Confiamos en tocar tanto como podamos.

Última pregunta. ¿Sois felices?

TV: Mmm esa es difícil.

AS: Creo que eso es como una tarea diaria. Hay algunos factores que tienen que ver, como cuando estás fuera de casa y lo único estable es la inestabilidad. Es como si nunca supieras cómo te vas a sentir en tu regreso. Pero una cosa que puedo decir, es que cada vez que subimos al escenario, me siento bien. Eso es lo que hace que el resto del día valga la pena.

DB

Two GallantsThe Bloom And he Blight (PIAS) 2012. Ya a la venta.

Two Gallants Interview

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The San Francisco duo have released the first album in 5 years and seems like they have definitely recharged their batteries. The new album is called The Bloom And The Blight and it’s as powerful as it can get.  They have an almost unique style that leads them to be compared with huge acts like White Stripes and The Black Keys. But if you listen with care you get to realize that they’re following a different path.  Adam and Tyson has been friends since they were 5 years old, and they’ve been playing together for more than 10 years now.

ROCKAST had the chance to sit and talk to them during their last visit to Spain:

It’s 5 years since your last album, in these 5 years you both released your own records, but has that influence somehow the recording of the new album?

TYSON VOGEL: Well the studio is not the most comfortable place for us, but I think recording different records allowed us both to kind of explore the studio in a different form. So it definitely informed our approach recording this record.

On The Bloom And The Blight, you have worked with a big producer like John Congleton, how was the experience with him?

ADAM STEPHENS: It’s great; he’s a very smart man, very insightful experience. It was a pleasure to work with him and we had fun.

Is it that essential to have the right producer on each album? Does he make a really big difference?

 AS: Well I think the term producer is kind of a big term, because traditionally producer would have a lot to do with the arrangements of the songs, and how a certain song was actually composed in some ways, but we kind of do all that, he more or less was kind of, guiding us along. If we had any doubts about something he would help us. If Tyson and I didn’t like agree on something, he would kind of be like a third voice, and help us moving on direction, which is very helpful you know?

You started on Alive Records, then Saddle Creek and now with Dave Matthews’s ATO Records, do you kind of distrust the big record companies?

TV: Absolutely. But most of our approaches kind of, just wanted to be in an artistic environment, with people that innovate, and have creative ways of promoting music and culture. I mean Dave Matthews really doesn’t have anything to do with ATO, apart from that he started and he invested on it, but he’s basically a partner you know? ATO is run by a group of 15 really good folks.

AS: Is more like a personal relationship, we wanted to feel at home somewhere and be friends with the people that we’re working with. I don’t think we would have that kind of relationship on a larger label.

“The live show is probably the best way to convince the audiences”

How is the writing process? Do you pretty much build the songs together I guess?

TV: Yeah I think it changes song by song. It’s never really consistent you know?

Where do you get the inspiration from?

TV: Survival.

You got to play lots of concerts in house parties, bars, even in the street… How is the experience? Do you think every musician should play on places like these before anything else?

AS: I mean I don’t think everyone plays proper music for that environment. It’s good to start with humble beginnings in music, to have to go through a lot of struggles, and play a lot of really shitty shows. You kind of acquire a sense of gratitude for any accomplishment that you get. But those shows were like the most fun shows. We didn’t make any money ever, but we learned how to play basically, or how to performance and how to put out a show. Just being that close to an audience, when you’re playing at someone’s house, or a small little room you know, all sweating together meaning on each other it’s a pretty powerful experience, to be either playing or even just watching.

Do you miss it?

AS: Yeah well, the thing is that we also did like 3 US tours like that, playing houses and art spaces and whatever we could really, and it was hard you know, like a lot of times we would show up to a town and nobody would come, or there wouldn’t even be a show, or the guy who organized it just forgot about the show, or playing in his living room with him or one guy with his brother or something like that…

TV: Smells

AS: We still do that stuff whenever we can, mostly in San Francisco, houses and stuff.

Do you try to reflect the vibes of your gigs on your albums?

TV: I think that we try to be as honest as possible on the record. Each record that we’ve made has been an attempt to capture that feel, like a live environment. On live performances things change, the environment etc… so we try to find that little ground of control. The live show is probably the best way to convince the audiences.

Have you ever thought of adding an instrument or a member to the band?  

AS: We did it when we started, but we went on as a duo and as we were playing shows people were thinking that it was good, so it wasn’t like we decided it that way ,it was just we were just playing, playing and playing and we realized that it was working so… whatever.

Seems like Brooklyn or Nashville get all the fame as music scenes but how is it in San Francisco?

TV: It’s funny because cos I think San Francisco has always been a place with very artistic people. A lot of bands does a lot of music out of there. Actually, in some ways I prefer that it doesn’t have the reputation of Nashville or Brooklyn, cos it makes it unique. There’s an incredible eclectic amount of music in the heart of SF. And that’s how we were able to first play shows. We learned that we could set up on the street basically everywhere. We had these street shows on the corner where we were stealing electricity from the bus station, it was 3 bands playing 3 songs each and sharing the equipment around. Sometimes like 150 or 200 people would show up. It doesn’t really exist anymore but it represents the spirit of SF somehow.

“I don’t think it’s a good idea to compare us with White Stripes or The Black Keys”

Do you think the place where you are or where you are born influences in your style somehow?  I mean, would you sound the same if you were born in other place?

AS: I think SF really allowed us to feel comfortable doing whatever we wanted and like being someone eccentric and being musicians you know? The conditions in which we’ve grown up were very conditioned to creativity. It wasn’t like a crazy idea trying to be a musician, I mean, my parents weren’t quite happy at first but it wasn’t that… in other places would be like “oh you want a be a musician, that’s a waste of time” but in SF I don’t know, there’s such a sense of artistic freedom and expression so that had a lot to do with us trying to go for it you know?

When you’re not playing your music, what music do you like to listen to?

TV: We listen to a lot of different stuff but from country to hip/hop. But we both as musicians, it’s sort of our duty to listen to music and to learn languages that comes from different forms. It’s important to be open and try to listen as much as we can and it also kind of keeps us healthy. (laughs)

You’ve been compared many times to White Stripes and Black Keys, but which bands do you like to get compared to? Which bands influences you?

AS: I don’t think it’s a good idea. I mean when we started playing it was music like the 20’s and 30’s and stuff like that, American music, southern roots music. Tyson a little bit more like contemporary stuff but I don’t know, there are great bands, My Morning Jacket is a great band, Elvis Perkins in Dearland is a record we both like a lot, Cass McCombs is pretty cool.

TV: We’re playing some shows with Deer Tick at the end of the year, that’s a really good band.

What are your immediate plans for next year?

TV: well we’re playing 4 shows on the East Coast, then 2 weeks off, and then we do like a West Coast tour, California, and then Australia after that, and then I think we’re coming back here. We’re committed to play as much as we can

Last question, are you happy?

TV: Oh that’s a tough question.

AS: I mean that’s kind of a daily thing. There’s some factors going through, like when you’re away from home and the only consistent thing is inconsistency, is like you never know how are you going to feel on your way back. But one thing I can say pretty much every single time we get on stage I feel good. That’s the thing that makes all the rest of the day worthwhile.

Two Gallants – The Bloom and the Blight (PIAS, 2012)

DB