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Lo mejor de 2014

St. Vincent picture
Cada año se hace más difícil concretar cuales han sido nuestros discos favoritos. Se hace cada vez más y más música a pesar de las innumerables crisis del sector. Y el talento cada año parece crecer en pos de la creatividad y la búsqueda de ese elemento diferenciador que haga al artista sobresalir del resto.

Se nos quedan fuera montones de grandes artistas, muchos de ellos emergentes, que pueden disfrutar en la lista de singles y en las entradas que vamos publicando con más o menos frecuencia.

Estos han sido los 40 discos favoritos de ROCKAST de 2014. Y aquí la lista completa vía Spotify.

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Best New Music 2014

Deers

20 horas de música y más de 300 canciones con los mejores artistas emergentes de 2014, junto a la mejor nueva música que se está haciendo en la actualidad.

Todo al alcance de un click. Que no se lo cuenten.

@rockasting

 

“I want indie artists to be contrived and even pretentious” Interview with Mike Sniper

Mike Sniper

Mike Sniper (Picture by Popmontreal)

The list of artists is pretty impressive. Dum Dum Girls, DIIV, Mac DeMarco, Beach Fossils, Wild Nothing, Holograms, Minks, or Perfect Pussy among others have something in common. They were all discovered and raised by Captured Tracks, the same independent label that has just signed Mourn, one of Barcelona’s newest young talents. Founded in 2008 by Mike Sniper, they shared offices with Mexican Summer and Academy Records before settling in Brooklyn and making themselves a name being a world reference for emerging bands.

It is a pleasure to inaugurate a new section in Rockast of the less known  side of the music industry, with its owner Mike Sniper. With nearly 200 releases since 2008, they have very clear ideas, and their expansion has become a reality this year with the creation of Omnian Music Group, which includes companies like Body Double, Fantasy Memory, New Zealand’s Flying Nun, Seattle’s Couple Skate, or NY’s Thing Squirrel.

Mike knows what he’s talking about, and he gives his opinion in an interesting conversation about the industry problems, the big labels, internet or the future plans for the Captured Tracks family.

Mike, what would you think it must be the philosophy of a record label?

I always liked Daniel Miller‘s quote about Mute, that it’s firstly about finding artists you and your staff are passionate about and then working together to get it as far as you can. In 2014, I still agree with that, but I think there needs to be more of a commitment these days. Anyone can start a “label” with a bandcamp and do 100 releases a year. There needs to be a focal aspect to A&R and seeing projects through to their completion.

Is the fact of taking risks a main point for a record label? In the sense of signing artists that are yet to be discovered like you do?

Absolutely. And that refers back to the above question, really. You need to be willing to commit 100% to the project. Even our smaller first record bands is a very large financial and time consumer for us, so you need to think long term. You know, a marathon, not a 100m dash.

“Internet is probably making a very jaded audience”

What it is necessary in this decade or in these days in order to make a record label work? Why do the big labels complain so much?

Big labels don’t understand the market. They’re entertainment conglomerates more than labels and they’re using the same marketing ploys that worked 10 years ago today and it’s not working. To add to that, their new ideas are bad. They’re not A&R companies. There’s no David Geffen finding Joni Mitchell or Ahmet Ertegun and Jac Holtzman with The Doors… those kinds of people aren’t in the major labels in the A&R perspective.

Is the internet culture of “Now and Here” making it difficult to release reissues like you’re doing? Or do you think that’s a different part of the market for another type of consumer?

Completely different market. Reissues are a physical market, 100%.

Captured Tracks Team

“Big labels have given up on selling music. They’re all about branding a character or persona”

What’s your opinion about the internet and the massive information we have each day? Is it positive or the music and their professionals? Who is the most affected?

It’s a lot of noise to sift through. You need to curate. If you add to that noise you’re just over saturating. I think it’s positive for musicians in that the indie audience is around to hear you and it’s not like the 90’s where you need a huge college radio and print campaign to even get your music into stores. From the listener standpoint it’s great. For quality of music, it’s pretty bad. For the same reason. You don’t need to financially commit to creating an LP so you can release willy-nilly with no rhyme or reason. It’s a lot to sift through without a buyer’s commitment to give a release a real chance. If you spend $10-$15 on a record, you’re going to listen to it a few times at least before trading it. But now, people can just sift through the miasma for free, so if you don’t like something the first time, you’ll likely not return to it. About half of my favorite artists I didn’t like at first, but I paid my money to hear it so I kept listening.

Is the internet dehumanising the way we consume music or are we getting scared or too negative as it’s a market which is relatively new?

I don’t think it’s dehumanizing. I think it’s abject to natural taste forming. For example, I used to hit the $1.00 bin cassette cutout bin at my neighborhood record store all the time. That’s how I heard my first Wire, Gang of Four, The Wipers, all that great stuff. I heard of these bands but never HEARD them. The excitement of finding it and putting it in my car stereo on the way home was a real experience. The fact that everything is at the touch of a button and a whole catalog of an artist can be consumed in a day and then it’s “move on” to the next thing is probably making a very jaded audience. Those were revelations to me and now it’s very ho-hum.

Should we change the typical question about “Digital or Analog”, as it seems more obvious that today is a matter of balance?

I don’t think the means of listening matters, it’s just personal preference. I think the real difference is the passive music experience vs. the whole idea of choosing an LP, CD or tape, maybe having a drink and sitting down and listening to it. I think most music is now consumed in a collapsed YouTube video or randomized Spotify.

According to Billboard, there are no platinum albums from 2014 yet. Is it just statistics or should we think about what this means?

It’s just streaming. Artists who would be platinum are on labels who have given up on actually selling music, they’re all about branding a character or persona. You buy into the image and lifestyle of Nikki Minaj. You stream it, you read about whatever she’s doing in the dailies. I don’t think there’s a clamoring of people waiting to get an LP.

“Indie culture is like Normcore fashion translated into music”

There’s a lot of talk now in Spain about the indie concept, the hipster culture and why it is cool or uncool. Do you think when we talk about “indie” and “mainstream”, they’re words that are becoming outdated as sometimes it get more difficult to make a difference about them?

There’s a conscious effort on “indie” bands to become mainstream these days. More overt than in the 80’s or 90’s where you had crossover bands like R.E.M. or Nirvana or Smashing Pumpkins. There’s no idea of toppling what mainstream music is like there was at the time of those acts. “Indie” culture embraces mainstream music in a detrimental way to me. If you read about most top-tier indie artists they are jumping over the moon to collaborate and be accepted by Beyonce, Rihanna, etc. It’s like Normcore fashion translated into music. Indie music is like a “lesser” mainstream if that’s the case, which is stupid. It should be what it’s always been, a smaller niche catering to other tastes, and within that you’ll have breakthrough artists and new ideas.

I actually want indie artists to be contrived and even pretentious. Those words are considered evil but I think it would be refreshing for someone to cultivate an idea from a lot of laborious thought (Contrived) while trying to be something more than they are (Pretentious).

C/T bands sounds very fresh and very different, but is there a style that you’re sure you wouldn’t release?

No! I listen to a ton of jazz, metal, samba, hip hop… I’d never release anything we couldn’t service really well but I would sign any band I really liked.

Mike Sniper

Here in Spain we have some bands that are doing good lately, like Deers, Mourn, El Último Vecino or even Ataque de Caspa, is there something from down here you’d like for C/T?

Watch Pitchfork tomorrow in response to newer bands, you’ll be pleasantly surprised? I love Ataque Du Caspa, but they’re an 80’s band, no?

You have released some of the most interesting bands in the last few years, but do you have a favourite or the best is always yet to come?

I can’t really pick roster favorites.

Would it change something for C/T if a massive anthem came out of one of your bands? (I personally think you’ve got at least some bands that are there, and think about Diiv, Beach Fossils, Wild Nothing…)

Yeah, we do have our “anthems.” I think “How Long Have You Known” by DIIV, “Daydream” by Beach Fossils, “Ode to Viceroy” by Mac DeMarco, “Summer Holiday” by Wild Nothing are anthems in their own worlds. I don’t know if there are really anthems in indie these days?

What’s the best and worst part of managing C/T?

The answer to both: working with artists. No one is always happy!

What are your expectations of Omnian at this point?

We just want to work with more people and expand the types of music we service while growing at a rate that no project feels left behind. We want to be a holistic company that isn’t a hinderance to growth but isn’t lacking what an artist needs to grow to the next step.

Any short/long term plans that you have in mind at this point?

We’re starting a whole slough of projects for 2015. It’s going to be a massive year for us. I’m preparing myself for the insanity…

David Bernardo @rockasting

“As soon as you start defining your sound, you get stuck” Interview with Toy.

Toy band pictures
These British lads were the hype of the music media just 2 years ago. Their debut album was one of the best albums that year and everyone seemed to be talking about them.  During the last year, Toy have been experimenting with lasers and smoke machines in the studio, while preparing their second album, Join The Dots ([PIAS], 2013). The feeling is that they’ve shaken the initial pressure and now they’re ready to show what they’re really capable of.  The sound expands and shows varied influences, making it difficult to classify them.

ROCKAST talk to guitarist Dominic O’Dair to find out more about their impressions on the new album, their record label boss, and of course, the smoke machines.

You’ve released the new album Join The Dots just a year after you’re debut. Did you feel it was just the right time?

We were quite keen to release soon after the first album. We write all the time whenever we have the chance. We write in-between touring. For us it made sense to release at that time, we didn’t feel like we needed any more time. If we had released it after a longer time frame, we would have just been waiting with a finished album.


How did you approach this new album? You made it while you were touring I guess. 

We made it in-between tours. We don’t actually write that much on tour. There’s not much time on tour. We like to make it in or own houses especially. Whenever we got the chances, we are writing stuff and recording it in our houses. We started to find time to rehearse and develop them more. As  soon as we thought we were ready we started recording.

I’ve heard you took it like a full time job, working on the album from 9 to 5PM is that right? 

No, schedules are really unpredictable. We found the time from wherever we can. Daytime or night.

How is the writing process?

We did individual songs, but other times we all sit down, and someone will come up with quite a small section and we all develop it together. We have a varied approach to write songs and we’re open to different methods. It keeps us fresh.

“It’s important for us to feel that we can go to any direction”

And what’s that story about lasers and smoking machines in the studio while recording?

Well we set it up a long time ago, before the first album, we don’t use it the whole time, just while we’re recording, as it creates a cool atmosphere in the studio.

Was it easier to make than your previous album and EP?

Well we have slightly more time for this album, so it’s cooler in that sense. We were able to experiment with different kind of instruments and sounds. We had a day of playing mellotron, and experimenting with effects and stuff. So it was really cool. So I think both of our albums were really enjoyable process to make, and we enjoy the recording process.

And you’re working again with Dan Carey (Bat For Lashes, Hot Chip), what does the producer add to the sound of the band?

He works with us on both albums. He’s a really good friend of us. He is really open to exploring and experimenting. Is very funny to work with him. After we make the songs, when it comes to remix them he’s able to discuss everything and all the different mixing points. We have a cool balance relationship, where we can get the sound as close as possible to the sounds of our head.

What do you need in order to make a band work?

The main thing is that all of the people in the band they must get on really well, we’re friends anyway. You also need to have the same vision for the kind of music you want to make, because without that, there is never going to be fun, never going to work, never going to be enjoyable.

“The music industry is being as creative as possible, playing shows and producing records”

Some people talk about psychedelia, some about post-punk, but the thing is, that is a bit difficult to define your sound, I guess that’s a good thing right?

Definitely, we don’t see ourselves as one specific type of genre at all. We’re often asked to describe our sound, but as soon as you start trying to define your sound, you start to categoryze it, and that’s something we don’t ever want to do. It’s really important for us to feel that we can go to any direction and explore any musical direction. Even on an EP or one album. It seems very limiting for us. We just wanna have the freedom to sound whatever way we want.

You’re releasing the album in Heavenly Records, which is one of the most talk about labels in UK right now. How is it to work with Jeff Barret?

It’s really great. I really like Jeff, is a really music fan. We had a really good time together and he’s been very good to us. It’s nice to work with him. He’s got a heritage of music behind him. He likes the same bands as us and he works with a lot of bands.

TOY

Maybe some years ago it would take more time to say this, but in 3 years you got to release a couple of albums, be on the Top lists albums, have shows in some of the best festivals in the world… Do you have the sensation you grow up as a band too quickly?

No,  I don’t think so. We have always been playing music, and we’ve played in different bands before. We were jet keen to play really hard and keep going.

Any song your particularly proud?

I’m really proud of the songs we get here, I think they really good. Songs are really enjoyable to play live.

How do you see the music industry from inside?

For us the music industry is probably a different experience to other people. The fact of being in an independent label… for us the music industry is being as creative as possible, playing shows and producing records.

And last question, are you happy?

Yeah I feel incredibly lucky where we are. I’m very excited about how we are progressing and how we are creating so yeah, I feel very lucky.

David Bernardo

Una semana en South By Southwest.

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SXSW, Austin, Texas. “3 is the magic number” que cantaba De La Soul. El festival que más páginas ha generado en las últimas dos semanas no es un festival al uso. South By, como lo conocen los locales, no tiene grandes escenarios, ni zona de acampada. No venden abonos propiamente dichos ni tampoco existe un llamativo cartel oficial.  SXSW es una feria con 28 ediciones a sus espaldas que comprende 3 divisiones principales, concretamente SXSW Film, SXSW Music, y SXSW Interactive. En cada una de ellas están presentes algunos de los mejores profesionales y empresas de cada sector, que durante diez días discurren por allí mezclándose con artistas, turistas y lugareños abrumados.

Últimamente han aparecido también las vertientes de SXSWedu, dedicado al desarrollo de nuevas tecnologías en materia de educación, SXSWeco, enfocado al medio ambiente, y SXS V2V (Vegas To Vegas), que supone realmente una prolongación del SXSW Interactive y que pone su empeño principalmente en las start-ups.

No existe una gran proyección del festival más allá de sus fronteras, a excepción del Reino Unido en los últimos tiempos o México por cercanía. Curioso en en macro-evento en el que el 85% de la industria musical de EEUU se encuentra esa semana en Austin, y que provoca un impacto de 218 millones de dólares en la ciudad.

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Las confirmaciones oficialesse suceden a un ritmo vertiginoso, en tandas de 500 a 800 artistas hasta llegar a más de 2000. La mayoría son bandas noveles que apenas cuentan con un disco en el mercado o en Bandcamp. El espíritu de la organización es mantener un perfil bajo, por eso cada año procuran hacer una crítica constructiva, escuchando los comentarios y sugerencias de todos los involucrados. Es raro ver bandas realmente potentes hasta que la fecha del festival no está próxima. Es entonces cuando hay algunas pocas novedades ruidosas que siempre se agradecen. Aunque no son el leitmotive del festival. En esta edición contamos con Soundgarden, St.Vincent, Coldplay o Damon Albarn, pero también con las famosas sorpresas de última hora, que este año vinieron de la mano de Jay Z, Kanye West o hasta Lady Gaga, que terminó protagonizando un espectáculo de dudoso gusto con la artista Millie Brown vomitándole encima.

Es obvio que es un evento completamente inabarcable para un ser humano. Incluso para varios. Pero ahí radica precisamente uno de sus encantos. Cuando llegas a un recinto oficial y escuchas a artistas que no conoces, hay una alta probabilidad de descubrir nuevos talentos y gente con ganas de hacer grandes cosas. Porque hay una cosa que impera en todo Austin y es la calidad de los artistas. No crean que por la cantidad se ve mermada la calidad. Nada más lejos de la realidad. Pero la cantidad sí que hace que los planes en SXSW se hagan y deshagan a golpe de “tweet” y de la generosidad del patrocinador.

El festival es uno de los más queridos del mundo por su manera de marcar la diferencia. Hemos pensado y hemos preguntado a músicos y gente local y nadie recuerda haber visto nada parecido en ninguna otra ciudad del mundo, a pesar de que ya cuenta con algunas hermosas hermanas camino al North West.

Los bares.

La música es un elemento que fluye por toda la ciudad a cualquier hora del día o de la noche. Se vive y se siente allá donde vayas. Las calles se convierten en un hervidero de gente portando sus badges – la acreditación oficial- y pulseras, o buscando cualquier garito en el que hayan hecho RSVP con antelación para poder entrar. Es por eso que el festival se celebra principalmente en la calle y en sus infinitos bares, que se vuelcan con el evento incluso con conciertos programados para las horas en que no tienen actos oficiales.

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La mayoría de actos oficiales suelen comenzar a partir de las 7 de la tarde, pero ya desde el mediodía podemos disfrutar de infinidad conciertos de artistas que pueden o no haber sido invitados al festival, pero que multiplican sus conciertos para aprovechar al máximo su estancia en Austin. Y es que hay algo en lo que coinciden los artistas, y es que South By Southwest te baja totalmente a la realidad de tus inicios. Puedes tener cierta notoriedad en tu país de origen, incluso en EEUU, pero en Austin vas a cargar con tus bártulos a cuesta entre local y local, y montar y desmontar escenarios en tiempos de pit-stop.

Los locales compiten por ver cuál es el más pintoresco, pero hay una calle que se lleva la palma. Verán, hace apenas dos años, Rainey Street era una típica calle norteamericana. Con amplias aceras, con sus casitas de madera, sus porches, y sus respectivos jardines en la parte de atrás. Entonces a alguien se le ocurre una idea genial y monta un bar en una de las casas que había en venta. Algo sencillo. Modificando lo justo su interior y con apenas un letrero y unas clásicas luces navideñas en el porche. Se pueden imaginar el efecto dominó que produjo la idea. Al año siguiente los bares se multiplicaron y los pocos vecinos que quedaban estaban en jaque. Muchos se aferraban a irse y hasta el año pasado, según nos cuentan, se podía ver a algún vecino en el porche de sus hogares mientras la calle fluía al ritmo de la música.

Las fiestas.

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O quizá deberíamos decir “las marcas”. South By también es conocido como el festival del “branding”. Prácticamente la totalidad de los conciertos están estupendamente patrocinados por grandes o pequeñas marcas. Por ello es habitual encontrarte con la fiesta de Spin Magazine, con un día entero patrocinado por Vans en una pequeña carpa construida para la ocasión, la Red Bull Sound Select, que patrocinaba 4 días en el The Belmont, Dr Martens en 96 Bar, o una de las más famosas patrocinadas por The Hype Machine, y celebrada en una suerte de nave industrial en miniatura denominada Hype Hotel para la ocasión.

La parte positiva para el público es que algunas de ellas ofrecen comida y bebida gratis durante las actuaciones que están patrocinando. La negativa, que esto hace congregarse todavía a más gente de lo habitual y entrar a algún recinto puede ser una misión larga y frustrante. Sobre todo cuando el local de mayor capacidad de la ciudad difícilmente sobrepasa las 2000 personas de aforo.

Los showcases.

Los conciertos, denominados showcases, son recitales de unos 35-40 minutos de duración donde el artista tiene que montar su propio equipo, y hacer la prueba de sonido con el técnico de la sala en los 20 minutos que le deja el artista anterior. Seguramente nunca se han visto pruebas de sonido tan concurridas como en Austin. Pueden parecer a simple vista conciertos cortos, pero cuando estás en un festival con tal salvajada de bandas, es todo un alivio. Los artistas seleccionados tienen al menos un bolo oficial, aunque la mayoría terminan tocando entre 4 y 8 veces durante la semana en los diferentes locales. Para algunos resulta especialmente complicado entrar, como para los conciertos encuadrados dentro del iTunes Festival, que este año se celebraba por vez primera fuera de Londres, y para los cuales debías de registrarte con tu acreditación para entrar en un sorteo de las entradas. Más ridículo resultaba ver a Lady Gaga, con el patrocinador animando al personal a realizar estúpidas yincanas para poder ganar la oportunidad de entrar en el siniestro bombo

Siempre resulta más saludable no pensar en los conciertos que te has perdido, porque si eso supone un quebradero de cabeza en cualquier festival, imaginen uno en el que constantemente coinciden más de 50 conciertos simultáneamente.

Damon Albarn

Damon Albarn

Los artistas.

Según ellos los más perjudicados por la aglomeración en que se está convirtiendo el festival. Y sus razones tienen. Mandan una maqueta a la dirección de SXSW en la que se juegan el ser o no seleccionados para el festival. El mandar la maqueta ya implica un pequeño desembolso de unos 30 dólares aproximadamente. ¿La recompensa? Si son seleccionados, tendrán su acto oficial en SXSW y recibirán una pequeña compensación económica de entre 100 y 250$ dependiendo de si es un artista solo o una banda. También pueden elegir una pulsera oficial que les dará acceso a todos los actos del SXSW Music, pero siempre detrás de los portadores de los badges, esto es, la gente del business que pueden pagar entre 400 y 1800 dólares por badge. Una política que nos produjo la estampa surrealista de conocer en las colas a bandas como Quilt o Waylayers.

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En muchos casos se quejan de que en los locales están más pendientes de los carteles publicitarios que de los propios artistas. Esto es la ciudad-anuncio, así que sus argumentos son bastante razonables. Además, la organización no paga desplazamientos ni alojamiento, pero ofrece asesoramiento para conseguirlo.

Lunes 10 de Marzo de 2014. 

SXSW 6th Street pictures

Hemos aterrizado en Austin la noche del sábado. Nos espera una suerte de diluvio que afortunadamente no se repetirá en el resto de la semana. Una vez conocidos nuestros anfitriones americanos y probadas sus sanas costumbres con la primera comida del día, nos disponemos a patear la ciudad en busca de sus deliciosa oferta de comida tex-mex y sus amigables gentes. El Domingo ha sido la primera toma de contacto, donde conocemos la famosa 6th Street, una pintoresca alineación de locales musicales en su gran mayoría, donde se darán cita tanto los actos oficiales como los extra-oficiales. También tiene cines, hamburgueserías, tiendas de souvenirs y hasta una pizzería hard rock.

Vamos hasta Rainey Street, una calle con las típicas casitas americanas de madera que en los últimos 2 años han ido mutando lentamente hasta convertirse en bares, con sus respectivas luces de navidad encendidas 24 horas, y sus jardines en la parte de atrás convertidos en improvisados escenarios para la ocasión. Terminamos en el Javelina, donde entramos a medio concierto de The Hillbenders, un quitento del Springfield de Missouri que hacen bluegrass y que consiguen que varias parejas se animen a bailar enfrente del escenario. Más tarde tocarán The Continuums, haciendo un rock sureño que por momentos recuerda a Kings Of Leon.

Sweedish Bootcamp Invasion Austin Tx

Ya el Lunes optamos por ver la Swedish Bootcamp Invasion, que ha traído a un buen puñado de artistas suecos, amén de barra libre de comida y bebida durante todo el evento.

Sweden twelve points, La Suède douze points. El lugar es un gran jardín con un escenario junto a la carretera, unas pequeñas gradas y un par de barras a modo de chiringuito playero. Durante el día desfilarán actos como Mire Kay, Simian Ghost, INVSN, Solander, o Mary Onettes, con su efectivo pop atmosférico presentando su nuevo EP, “Portico”.

De allí nos vamos al Mohwak, un garito con gradas junto al escenario y en la parte superior, donde tocan together Pangea, una banda punk garage, Wild Cub, indie pop americano de manual que gusta al personal, y Chet Faker, un músico electrónico australiano que ha conseguido despuntar  en su país, y empieza a hacerse un nombre a través de remixes y diversos premios.

Charlie XCX at The Mohawk, Austin, TX.

Charlie XCX

 

El turno más tarde sería para Cymbals, unos británicos un tanto insulsos cuya música recuerda muy mucho a Foals. Pero la noche tenía un nombre, y ese era el de Charlie XCX, más conocida por haber escrito y regalado el mega hit “I Love It” a Icona Pop. Sus colaboraciones con otros artistas habían sonado durante los últimos tiempos pero en SXSW demostró que su ascenso no tiene fin. Sus temas tienen gancho comercial y su camino tiene la misma meta que M.I.A. o Rihanna. Tiene fuerza, tiene temas, y tiene bonitas coreografías que atenuaron el efecto llamada de la lluvia que había traído la banda anterior.

Salimos a cenar algo a una de las múltiples caravanas de comida que hay en la ciudad. Hay pizzas, tacos, burritos, cheesesteaks y toda clase de comida rápida que puedas imaginar. Estoy con mi amigo David R. Moldes de Vanishing Point, que conoce a Nacho Vigalondo y consigue colarnos en la fiesta que el director está montando con motivo de la presentación mundial de su última película, “Open Windows”. Un señor garito en la primera planta de un local de moda de la misma 6th Street, con barra libre de comida y bebida, donde de buenas a primeras tengo la oportunidad de conocer a la actriz Sasha Grey y al actor Elijah Wood. Surrealista. Pero les dije, esto es Austin, y aquí cualquier cosa puede pasar.


Martes 11 de Marzo de 2014.

Se supone que hoy comienza oficialmente el festival. Así que previo paso del Austin Convention Centre para recoger nuestras acreditaciones, nos acercamos de nuevo a la Rainey Street para tomar algo. Sorpresa. Resulta que si los programas oficiales funcionan de noche, los bares tienen programaciones no oficiales para amenizarnos la tarde. Y aquí la tarde comienza a las 12 del mediodía. Bien.

Nos sentamos en el jardín del Blackheart donde los conciertos ya han comenzado. Toca una banda que se llama Heeney, con un sonido punk rock parecido a Parquet Courts que gusta al personal. También una banda llamada Inner Oceans, con apego al sintetizador y algo pasados de vueltas en efectos vocales que destaca por la belleza de su bajista. Una de las cosas más resultonas del SXSW. Amigos, pongan una bella bajista en su banda. Se verá mejor. Es así.

And The Kids

And The Kids

 

Si bien la mejor banda que vimos allí fueron And The Kids, un trío de Massachusetts armados con ukelele eléctrico, teclados y poderosas armonías vocales que dejaron boquiabierto al personal. Las chicas no están oficialmente en el cartel pero vienen de la mano de una banda amiga local como son los Mother Falcon, una banda de 18 miembros que hacen folk sinfónico de esos que emocionan hasta al más reticente.

La noche empieza a caer y decidimos acercarnos a la guarida británica. Patrocinada por la BBC, se han hecho con el Latitude 30 Bar durante el festival para traer a sus actos más rompedores. El evento está presentado por el mítico Huw Stephens, el famoso locutor de la BBC Radio 1, que haciendo gala de la clásica amabilidad británica, nos dedica un momento de conversación en el que agasajamos a las bandas presentes y apalabramos una entrevista para Rockast una vez pasada la vorágine del festival.

Wolf Alice

Wolf Alice

Por allí pasan esta noche un par de bandas a las que seguimos desde hace tiempo, y de las que ya hemos hablado en diversos secciones de Emergentes en Rockast. La primera de ellas es Wolf Alice, cuyo auto-denominado psychofreak pop-rock resulta ser más sucio y más rockero que en su versión de estudio. Portada de NME de esta semana, parece que ni siquiera les falta lanzar su debut para llegar alto. Gran interpretación de Bros con una Ellie Rowsell sensacional.

La otra gran banda que queríamos ver eran unos tipos de Manchester llamados Bipolar Sunshine, el nuevo proyecto de Adio Marchant. Mezcla soul, funk, rock, gospel y hasta rap, y aún así suenan a una mezcla de Mike Skinner de The Streets y TV On The Radio. Tiene hits inmediatos como Love More Worry Less, Where Did The Love Go o Rivers, uno de los mejores temas que hemos escuchado este año.

Bipolar Sunshine

Bipolar Sunshine

También tocan Prides, un dúo electrónico muy interesante de Glasgow que pone la sala del revés con buenos ritmos y un batería energético como pocos.

La mañana siguiente tenemos cita con los artistas españoles en Sounds From Spain, así que es hora de recogerse.

Miércoles 12 de Marzo de 2014. 

Arizona Baby, SXSW

El Miércoles 12 era uno de los eventos que teníamos marcados en rojo desde hace semanas. Por 7º año consecutivo se celebraba el evento de Sounds From Spain, organizado por el ICEX, Fundación SGAE y Promusicae entre otros. Este evento trae todos los años una selección con los mejores artistas españoles, así como empresas del sector. En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de ver los conciertos de Soledad Vélez, chilena de voz prodigiosa asentada en Valencia, Lori Meyers, Fuel Fandango, los vallisoletanos Arizona Baby, el rock de Betunizer, y la clase del maestro Kiko Veneno.

Los conciertos se celebraron en una carpa justo enfrente del Convention Centre, asi que el bullicio general, sumado a la paella y vino gratis (lo del vino se lo pensaron 2 veces, o se terminó antes de empezar el evento) hicieron que la velada matutina se convirtiera en una fiesta.

Muy buenas todas las actuaciones, con Arizona Baby abriendo las bocas de los yanquis y Kiko Veneno haciendo bailar a todo el pabellón. Tuvimos la ocasión de felicitar a las chicas de Digital Girl, una empresa de L.A. que consiguió que los 2 días de Sounds Of Spain salieran a pedir de boca. Y entre plato de paella y cerveza –mini vasos de sangría a 5 dólares no, gracias- pudimos también charlar un buen rato con Kiko Veneno, un tío grande donde los haya que desprende un aura de admiración allá donde vaya, y cuya entrevista verán pronto por aquí. Al igual que la que hicimos con Arizona Baby, una formación enorme que levantó pasiones en Texas entre los lugareños, en NY donde habían actuado esa misma semana, y seguramente en el bolo que tenían en Chicago a los pocos días.

No serían los únicos artistas españoles en Austin, ya que había un buen puñado de nuestros mejores artistas y algunos grandes noveles. Por allí pasarían L.A., en plena gira americana, Russian Red, Univers, Svper, Lost Tapes, Animic, Doctor Explosion, Animic, The Pepper Pots, Mujeres, Juan Perro, o las maravillosas Me and the Bees.

Kiko Veneno SXSW

Kiko Veneno

 

De ahí nos vamos a tomar una de “esas hamburguesas” a un bonito antro oscuro de la calle 6. Justo al lado está el Flamingos Cantina, donde resultan tocar nuestros queridos The Pains Of Being Pure At Heart. que se marcaron un gran concierto en el pintoresco garito de la calle 6. Una de las grandes virtudes del SXSW es que los artistas se encuentran más que disponibles a charlar entre bastidores. Así estuvimos hablando con Kip de los motivos de la nueva formación de la banda, ya que nos extrañó mucho ver a una teclista que no fuera Peggy. Por lo visto algunos miembros no podían dejar sus trabajos a jornada completa y han tenido que hacer algunos cambios. Contaban en las voces con otra asiática que es Jen Goma, de A Sunny Day In Glasgow, y con Kelly Pratt, que ha trabajado con Beirut, David Byrne o St. Vincent.

En el mismo escenario vimos la fuerza de EMA, que se atrevió con temas de su nuevo álbum y cuyo directo te hace repensar la oscuridad de sus temas de estudio.

EMA Austin SXSW 2014

Ese mismo día estuvimos en el mítico Stubb’s BBQ, una especie de rancho cerrado que es seguramente el recinto más grande de Austin en cuanto a locales se refiere. Esa noche tocaban varias grandes bandas. Para empezar, Perfect Pussy, una formación que dispara hardcore a cañonazos y que se ha convertido en uno de los hypes de la temporada. También los británicos Eagulls, que se esforzaban en ofrecer un buen set a partir de un post-punk con nervio, pero lo cierto es que después de Perfect Pussy lo suyo casi parecía música clásica… Más tarde Kelis haría su clásico R&B mezclado hasta en tres ocasiones con el “Feeling Good” de Nina Simone, y con una sorprendente puesta en escena con una banda compuesta por once músicos.

St Vincent

St Vincent

Al otro lado de la calle, en la puerta del Mohawks, un tarado huía de la policía y atropellaba mortalmente a tres personas. Un lamentable accidente que suponía el primer incidente grave desde el inicio del festival en 1987. Pero dentro de un abarrotado Stubb’s, ajeno por completo al accidente, el momento de la noche estaba a punto de comenzar. Era la hora de St. Vincent y se notaba en el ambiente. El show de Annie Clark es seguramente el mejor que hemos visto en todo el festival. La teatralidad que conlleva todo el espectáculo, la manera tan única que tiene de golpear la guitarra eléctrica, y el carisma de Clark sobre el escenario barren de un plumazo los conciertos anteriores. Y el posterior. Con una hora y cuarto de retraso hace acto de aparición Damon Albarn, con su clásica actitud pasota, que lejos de pedir perdón, culpa al resto de bandas y a la organización del retraso. Tiene una muy buena banda acompañándole pero su concierto resulta predecible y aburrido y a esas horas ya no todo puede valer.

Wild Cub en Mohawk, donde tuvo lugar el accidente.

Wild Cub en Mohawk, donde tuvo lugar el accidente.

Jueves 15 de Marzo de 2014. 

El Jueves nos acercamos al Flamingos Cantina de nuevo. Había un par de buenas bandas que tocaban allí y que por unos motivos u otros deseábamos ver. Los primeros eran Thumpers, el dúo londinense de Sup-Pop que más está dando que hablar de unos meses a esta parte. Indie rock a base de sintetizadores que logra convencer a la audiencia que entre cerveza y cerveza se anima a seguirles el ritmo. Los segundos que queríamos ver era la banda de Avi Buffalo, un tipo que lanzó un gran debut en 2010, pero que después se había dejado apagar durante 4 largos años. Sus melodías siguen igual de dulces pero su particular voz sonaba más aguda que de costumbre, llegando a desafinar en algunos momentos. Lo mejor, es que comentó que un nuevo álbum estaba de camino y hasta se atrevió a tocar algún tema nuevo.

Thumpers

Thumpers

De ahí pusimos marcha al Hype Hotel, un evento patrocinado por la web hypem.com que tenía el aliciente de añadir bebida y comida gratis a sus ya de por sí buenos conciertos. Llegamos justo al final de Painted Palms, una de las bandas más aplaudidas del festival. Pero nuestra intención era ver a Trust, quien pensábamos que era una única persona y resulto ser una banda, con teclados, samplers y batería, y a Future Islands. Los de Baltimore están a punto de presentar su cuarto álbum, detalle que suele causar sorpresa, pero lo cierto es que están a punto de desembarcar en lo más alto. La sola presencia de Samuel T. Herring en un escenario es algo digno de ver. Hacía mucho tiempo que no nos enfrentábamos cara a cara con un vocalista con tal personalidad, entregando el doscientos por cien, sintiendo cada nota y metiéndose la sala entera en el bolsillo con cada movimiento de baile. Tan pronto se pega en el pecho con fuerza o se zambulle entre el público, que baila como el Carlton Banks del siglo XXI mientras pone muecas a lo Jack Nicholson en “El Resplandor”. Todo un espectáculo.

Future Islands

Future Islands

Dejamos el vodka Tito’s a un lado e intentamos acercanos a Rainey Street a ver al bueno de Kurt Vile, nuestro artista del año en 2013. La cola no es muy larga pero los badges entran primero, y eso hace que lleguemos a la última canción del bueno de Vile. Al menos en la cola hemos conocido a Shane Butler, guitarrista de Quilt, una banda de Boston que hace folk-pop psicodélico y que también estaba como loco por ver los acordes imposibles del “hijo de Philadelphia”.

Aún así nos vamos a otra casita-bar a unos metros, y conseguimos ver a Real Estate, una apuesta segura de rock de guitarra en un concierto que se hace corto. Son ya las 2 de la mañana y Austin está cerrando. Existen algunas opciones para volver a nuestra casa de acogida. Coger una bicicleta del servicio de bicis público de la ciudad, robar un taxi, o llamar al tele-taxi de España, que probablemente lleguen antes y te harán más caso que los taxistas efímeros de Austin.

Viernes 15 de Marzo de 2014. 

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Una de las localizaciones más alejadas, pero con los mejores tacos de la ciudad, se encontraba en la zona Este. Concretamente en el garaje de una casa en medio de un típico barrio residencial, donde el sello Portals trajo un puñado de buenos grupos como Empress Of, Clipping, Pure Bathing Waters o unos invitados de última hora que causaron sensación, como son Hundred Waters, cuyo folk electrónico y la voz angelical de Nicole Miglis hicieron rebosar el pequeño garaje.

Hundred Waters

Hundred Waters

Allí conocemos a los creadores de Rabbl como ellos mismos nos explican, “la Kickstarter para conciertos”. Están patrocinando el evento y están muy ilusionados. Además de los cambios de cartel de última hora, han conseguido traer a Hundred Waters,  y eso les proporciona un importante aumento de curiosos por conocer el misterioso antro fuera del jaleo que existe en la 6 y aledaños.

En una pequeña caravana que se encontraba a un paseo de la Café
casa, encontramos una tienda de discos, una pequeña pizzería y un puestecito que rezaba un cartel de “Deliciosos Nachos”, y vaya si lo eran. Seguramente los mejores que probamos en toda nuestra estancia. Por lo visto, este es un barrio más hispánico y tiene algunos sitios no muy conocidos donde hacen estas cosas que solo se publicitan gracias al “boca a oreja”. Cerca de allí también había una de esas maravillosas caravanas de comida, o “food trucks” compuesta por apenas 4 roulottes, pero con una de barbacoa que según nos confirman, ofrecen comida hasta que se quedan sin existencias, así que la hora de cierre la marca el hambre de los clientes y el buen tiempo. Allí de hecho nos tomamos el mejor café que probamos en Austin. Café con pezones por cierto.

También al Este se encontraba The Sailor Jerry House, un
amplio local con jardín, escenario, y caravanas de comida rápida, que ofrecía a su rebaño un delicioso granizado especial de la casa de ron, naranja y cereza amarga que suponía el complemento perfecto para las bandas punk que desfilaban por el escenario. Curiosa también la ruleta rusa de tatuajes que había dentro del bar, en la que si te atrevías a jugar te atrevías a tatuarte en directo lo que te saliera en la ruleta. Que se lo pregunten a las buenas de las Dum Dum Girls.

TATOO BAR

Una de las de las grandes sensaciones del festival han sido sin lugar a dudas los británicos Jungle. Los vimos de nuevo en el Hype Hotel.  Suponemos que el aterrizaje de su álbum debut está siendo detenidamente planeado después de construir una base de fans muy fuerte. Aunque se han movido el último año entre el anonimato y el lanzamiento de videoclips virales, dicen no hacerlo con ninguna doble intención. Lo suyo es una mezcla ganadora de funk, R&B, música electrónica con beats marcados y buenas melodías cuyo éxito es imparable. Se muestran además muy seguros sobre el escenario en todo momento.

También allí veríamos a Tourist, un productor londinense que lanza álbum este mes en el mismo sello que Disclosure, y que ya se le conocía por remezclar el tema que estos hicieron con Sam Smith.

Precisamente después pudimos ver a Sam Smith en la iglesia de St. David’s. Una iglesia donde en las inmediaciones de la capilla podías estar tomándote una fría cerveza a los ojos del Señor, pero que debías abandonar al entrar a la capilla. Aunque fuera a duras penas, verlo en una iglesia era posiblemente el lugar más adecuado para que el inglés hiciera alarde de sus dotes de crooner del soul británico.

Torres

Torres

Después de ver a Sam Smith, en el pequeño Lambert’s de la calle 2 vimos a Torres. Una auténtica gozada que aún te sorprende en 5º día de festival, sigue siendo ver a estos maravillosos artistas en lugares con encanto, diminutos y con 30 personas alrededor. Y la mitad de ellas hablando de sus cosas. Por lo visto lo del silencio en los conciertos es algo que no cambia mucho cambiando de país. Curiosa estampa ver a esta mujer a tus anchas cuando a 100 metros la gente hacia cola por ver a Pitbull tocar en el fashionista iTunes Festival. Pero para gustos colores, oiga. Esta singer-songwriter que sorprendió con un gran álbum homónimo el año pasado, vino acompañada de bajo y batería, y defendió la solidez y fuerza de unos temas viscerales, con una voz que en directo supone una auténtica gozada escuchar.

Y sí, eran otra vez las 2 A.M., así que tocaba caminar hasta el infinito, visto que los taxis que nos paraban no sabían donde se encontraba nuestra casa, ni tenían GPS. Si es que a veces cuanto mejor es peor.

Sábado 16 de Marzo de 2014. 

CheerUpCharlie

El último día del festival las fuerzas empiezan a flaquear. Han sido ya 5 días con 14 horas de música cada uno y los artistas empiezan a sonar a sintonía de sala de espera de dentista. Nos decidimos por entrar en algún local en el que no hubiéramos entrado antes. Algunos locales como el Cheer Up Charlie’s tenían dos escenarios, uno dentro del local y otro fuera, de manera que cuando terminaba una banda tenías automáticamente a otra tocando cerca. Nos acercamos hasta allí y vimos a los americanos Boy & Bear, que tiran de rock clásico, con buenos riffs y una pose en ocasiones parecida a Dave Matthews Band, y a unos jovencísimos Oberhofer, que coqueteaban con el mathrock con tres guitarras eléctricas y mucho reverb. También a unos estupendos How Sad, australianos, que a pesar de lo diminuto del salón donde tocaban, tenían un indie rock contagioso que iba creciendo y que les valió para ser uno de los actos más aplaudidos de la tarde.

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También veríamos algún concierto punk de los que seguían poniendo en el Sailor Jerry House, para terminar en el Empire Control Room & Garage, donde estaban ya tocando Great Good Fine Ok, un dúo dentro del círculo de Passion Pit que realmente solo han lanzado 2 singles. No hay EP, ni hay disco. Del estilo también la sueca Tove Lo, hija de una oleada sueca que por momentos parece no tener fin. Nuevo pop de manual que ni chicha ni limoná.
Pero la noche tenía un nombre y era la de Haerts. Un quinteto de Brooklyn con miembros también de Reino Unido y Alemania, que con un EP han conseguido llamar la atención. Pop sencillo que recuerda un poco a Fleetwood Mac con una voz parecida a Gwen Steffani.

En definitiva, SXSW es un lugar al que se acude como los creyentes acuden a La Meca en acto de fe. Es todo el conjunto de pequeños detalles los que hacen de este festival una experiencia realmente única y diferente. Una fiesta de la música en todo su esplendor, que todo fanático no se debe perder.

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Esto es Austin.

Rockast viaja a la capital mundial de la música.

Rockast viaja a la capital mundial de la música.

South By Southwest (SXSW) es uno de los eventos musicales más grandes del año y del que menos información se proyecta más allá de sus fronteras. Su primera edición se celebró en 1987, aunque congrega ya 3 grandes divisiones para dinamizar el crecimiento que ha supuesto en estos últimos años. Así,  SXSW Film, SXSW Music, y SXSW Interactive, tienen lugar durante 10 días de Marzo en Austin, la capital del estado de Texas. También promueven nuevos eventos como SXSWedu, dedicado a las últimas innovaciones en el campo de la educación, SXSWeco, con el medio ambiente como leitmotive principal, y una edición en Las Vegas llamada SXSW V2V (Vegas To Vegas), cuya conferencia gira en torno al mundo de las startups.

Pero vamos a hablar a grandes rasgos de la idiosincrasia del festival de música. El SXSW es un singular evento en el que además del recinto oficial, el Austin Convention Centre, la ciudad se vuelca con el festival y cada rincón de Austin es un escenario improvisado o no, a disposición de las bandas de todo el mundo que hacen acto de presencia en Texas. El festival de música dura 5 días con sus respectivas noches. Es significativo porque los actos empiezan a las 9 de la mañana y duran hasta bien entrada la tarde, cuando convergen con todas las actuaciones de los locales de la ciudad. Más de 100 en total.

Más de 2000 artistas pasan oficialmente por el festival. Las bandas tienen que costearse prácticamente todos los gastos para llegar allí, especialmente si no cuentan con el apoyo de una discográfica detrás, si bien la organización les da a elegir entre 100 y 250$, o un “Music Badge” (cuyo precio original son 750$) con acceso a todos los actos musicales de la semana. Los artistas tienen un acto oficial dentro del festival, denominado showcase, de unos 40 minutos de duración, no obstante las bandas suelen aprovechar para tocar el resto de su estancia en Austin en fiestas y bares de la ciudad, ofreciendo habitualmente entre 2 y 6 actuaciones más durante la semana del festival. Algunas son semi-secretas, con line-ups e instrucciones anunciadas con pocos días de antelación, y otras pueden terminar en escenarios improvisados en jardines particulares o en las clásicas camionetas pick-ups acondicionadas sobre la marcha en el mejor escenario posible en mitad de cualquier calle.

El festival está enfocado a bandas noveles que quieren ser descubiertas, aunque el escaparate de marcas es tan alto que muchas veces eclipsan a los propios artistas. Ha sido a veces criticada la presencia de bandas contrastadas, a lo que la organización se defiende argumentando que forman parte del crecimiento del festival. Pero lo cierto es que más de uno ve una pérdida importante de encanto e identidad en la aglomeración en que se va transformando año a año.

Amén de las bandas noveles, con muchas de ellas tocando 2 conciertos por día durante toda la semana, hay artistas que aprovechan el festival para promocionar sus álbumes, aprovechándose de la confirmación instantánea que provocan sus nombres. Esto ha sucedido con Vampire Weekend, Yeah Yeah Yeahs o Flaming Lips. Además hay bandas veteranas que aprovechan para rascar nuevos fans e impulsar sus discografías, como es el caso de Blondie este año, o The Zombies el anterior.

Las entradas consisten en “badges” o acreditaciones. Se pueden comprar hasta con un año de antelación, y los precios van de los 400 a los 800$ para los Music Badges, hasta los 1800$ que pueden llegar a costar los Platinum Badges, que dan acceso total a SXSW Music, SXSW Film y SXSW Interactive. Todo ello con su correspondiente entrada garantizada a las conferencias, congresos, panels y ferias, donde se  cita el 75% de la industria musical mundial. Así pues no es un festival al uso como Coachella o Glastonbury. SXSW está ideado en las bandas noveles pero el plato fuerte está en el bolsillo e ideas de la industria discográfica y las empresas que de algún modo se pueden vincular a esta. Cabe destacar que el festival deja en la ciudad más de 200 millones de dólares, y lo convierte en el principal referente  de Austin.

Uno de los platos fuertes como decíamos, son las conferencias. Y la más popular es sin duda la que ofrece el conferenciante estrella, que en estos últimos años ha contado con la presencia de Bruce Springsteen, Dave Grohl o Bob Geldof, Pero para que se hagan una idea de la dimensión que tiene el evento, el honor de ser el conferenciante estrella ha llegado a contar con ilustres como Johnny Cash, Neil Young, Carl Perkins, Nick Lowe, Lou Reed, Robert Plant, Little Richard, Quincy Jones, Steve Earle o Daniel Lanois. Estamos en EEUU y de montar espectáculos de calidad saben unos años.

Toda la parafernalia del South By Southwest es digna de ser analizada en profundidad, con sus pros y sus contras, pero no debemos olvidar que hay muchos artistas que han conseguido sino salir de aquí como artistas consagrados, si dar el impulso definitivo a sus carreras a partir de este festival. Así tenemos a los hermanos Hanson, que fueron fichados en 1994, a John Mayer en el año 2000, a The Polyphonic Spree o James Blunt, o más recientemente actos ya tan familiares como José González, Odd Future, Alabama Shakes, The Lumineers, Alt-J, Japandroids, Haim, Grimes, Icona Pop o Guards sin ir más lejos.

Esto es Austin. Estamos en la denominada capital mundial de la música en directo e incluso las cosas pequeñas se hacen a lo grande. Solo queda disfrutar al máximo y dejarse llevar por el espíritu de la música como cuando abrimos nuestros primeros vinilos.

Saludos desde Austin.

Dave.

Sigue nuestra Especial Playlist: SXSW 2014 Resume // ROCKAST

 

Austin greetings

ROCKAST viaja a Austin en Marzo a la mayor celebración musical del mundo. En breve toda la información del festival y todas sus innumerables nuevas bandas.

De momento, les dejamos nuestra Playlist con los mejores nuevos y no tan nuevos artistas del festival. Más de 15 horas y 200 artistas a tan solo un click:

SXSW 2014 Resume // ROCKAST

Emergentes 2014

Temples

La velocidad a la que se mueve la música no es una novedad, y el hecho de llegar a un punto en que una joven promesa no llegue a sacar su álbum debut después de un EP prometedor está a la vuelta de la esquina, si es que no ha sucedido ya. Mientras tanto, disfrutemos con algunas de las bandas que más van a dar que hablar en este año 2014. Que no se lo cuenten.

TEMPLES

Es curioso cómo en los últimos años han ido apareciendo debuts cada vez mejores, de una calidad enorme, directamente proporcional al estrecho margen de aceptación o muerte que se les brinda ahora a las nuevas bandas. Este es el caso de Sun Structures, el debut de un dúo británico de la pequeña ciudad de Kettering, en el centro de Inglaterra. El disco es una genial oda a la psicodelia con motivos británicos que tiene prevista su salida para el próximo 10 de Febrero. Aunque no cuenten de momento con todo el apoyo de la BBC, los chicos cuentan con todos los ingredientescon un buen disco y padrinos de lujo, como son Johnny Marr y Noel Gallaguer, quienes les bendicen como la mejor banda de Gran Bretaña. La suerte está echada.

THUMPERS

Este duo londinense está formado por Marcus Pepperell y John Hamson Jr, amigos desde la infancia cuyos respectivos grupos no tomaron la forma que deseaban. Entre las giras de Noah and the Whale y Friendly Fires en las que Hamson participaba, fueron construyendo singles auto-producidos que llamaron la atención de la siempre exquisita BBC 6, como es el caso de Dancing’s Done. Para su primer EP ya contaron con la ayuda en la producción de David Kosten  (Bat For Lashes, Everything Everything), que también está produciendo su álbum debut previsto para este año. Batería marcada, sintes y juegos vocales con la inestimable ayuda siempre de la hermana de Marcus, resultan en temas flotantes, altamente adictivos y bailables, un combo que Sub Pop no ha dejado escapar y ha aprovechado para mandar a la banda a telonear a grandes nombres como Two Door Cinema Club o Chvrches. (Sí, Chvrches)

 

CIRCA WAVES

La etiqueta de los siguientes Oasis ha dejado paso a la de los siguientes Arctic Monkeys. Y aquí es donde se pretende encajar a estos 4 chavales de Liverpool. Kieran Shuddall es la cabeza pensante. La misma que después de ver el éxito que tuvo su demo de Young Chasers en la red, necesitó hacerse con una banda y un nombre con el que presentarse formalmente.
Después de haber formado parte de varias bandas, está decidido a hacer un debut tan grande como Is This It o Whatever People Say I Am That’s What I’m Not. Flores aparte, los singles aparecidos hasta ahora en Transgressive tienen gancho fácil. Veremos.

 

CHAMPS

Desde la Isla de Wight, los hermanos Michael y David Champion presentarán en Febrero su álbum debut, Down Like Gold [PIAS], del que ya nos habían dejado una primera toma de contacto con My Spirit Is Broken. Los temas que han presentado conforman un sonido irresistible con una silueta de folk-rock épico que no pasa desapercibido.
De momento estarán girando por Reino Unido e Irlanda como teloneros de una banda australiana maravillosa como son los Jezabels y seguramente pronto les tendremos por el resto de Europa.  Savannah es su primer single.

 

DROWNERS

Drowners son una banda neoyorquina intentando y consiguiendo hacer buena música británica de cerca de los Smiths. No obstante,cuentan con un cantante de Gales establecido en la gran manzana.
Su EP Between Us Girls tuvo un buen recibimiento que les valió para que Frenchkiss Records se fijara en ellos. Con un single más lanzado, Luv Hold Me, su debut se espera con ganas para finales de Enero.

Permanezcan atentos para la próxima entrega.

DB

Lo mejor de 2013.

KurtVile2

La lista de discos favoritos del año para Rockast no podía faltar. 2013 ha sido un gran año musical, aunque no ha habido ningún álbum que arrastrase a todos sin discusión como ha sucedido en otras ocasiones.En cualquier caso y como todos los años, hoy queremos compartir los 30 álbumes que más nos han gustado en 2013.   Aquí están:

30. ÓLAFUR ARNALDS – For Now I Am Winter


29. CRYSTAL FIGHTERS – Cave Rave


28. JON HOPKINS – Immunity


27. NEKO CASE – The Worse Things Get, The Harder I Fight, The Harder I Fight, The More I Love You


26. GUARDS – In Guards We Trust

25. WASHED OUT – Paracosm


24. JAGWAR MA – Howlin


 

23. UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA – II


22. CHVRCHES – The Bones Of What You Believe


21. JOHN GRANT – Pale Green Ghosts


20. RHYE – Woman


19. PARQUET COURTS – Light Up Cold


18. FOALS – Holy Fire


17. BIFFY CLYRO – Opposites


16. JAMES BLAKE – Overgrown


15. BEACH FOSSILS – Clash The Truth

Fueron los mismos padres de Dustin Payseur quienes le animaron a dejar su North Carolina natal para probar suerte con la música en Brooklyn. Unos años más tarde, y superando la huida de 2 de sus miembros para formar Heavenly Beat y DIIV, presenta un segundo álbum que les asienta definitivamente en la escena junto a bandas como Surfer Blood, Best Coast o Wild Nothing. Dejan a un lado el DIY y cuentan con la ayuda del productor Ben Greenberg de The Men, que ha conseguido que el sonido de la banda tenga más fuerza que su debut. A sus ya conocidos reverbs añaden un batería real que graba en directo junto con el bajista. Su dreamy shoegaze va más allá y deja grandes temas como Careless, Generational Synthetic, o un pequeño intento de himno generacional como es Clash The Truth. 

14. MATTHEW E. WHITE – Big Inner

Una de las sorpresas del año la ha protagonizado este músico, productor, arreglista, y fundador de Spacebomb Records. Matthew E. White, que ya ejercía de líder en una banda de jazz vanguardista llamada Fight The Big Bull, ha lanzado Big Inner como era de suponer, en su propia discográfica. Es un debut que llama la atención por la fusión de sonidos folk, americana, groove, reggae o gospel. El álbum, originalmente de 40 minutos y 7 temas, ha sido expandido recientemente para una nueva edición del mismo que incluye 5 temas nuevos. Tiene momentos de salón como Will You Love Me o One Of These Days, y grandilocuentes como el incombustible Big Love, uno de los temas del año.

13. DAVID BOWIE – The Next Day

Anunciar el álbum sin previo aviso y entregar el primer single el día de su 66 cumpleaños ha sido uno de los momentos musicales del año. La expectación que consiguió seguramente fue mayor que si hubiera anunciado primero una portada, luego un tracklist, luego un teaser, y luego el single. A Bowie posiblemente no le emocionen estas estrategias. Este icono vivo del rock demuestra que no ha perdido la pasión por la música y mucho menos su talento en todo este tiempo. The Next Day tiene temas que podrían encajar con facilidad en décadas pasadas. Los 6 primeros temas solos pueden barrer fácilmente muchos Top 10 de los últimos años. Ahora solo queda los rumores que alimenten nuestras ganas de directo. Aunque nada más lejo de la realidad, según los agentes del artista.

12. LAURA MARLING – Once I Was An Eagle

Once I Was An Eagle es ya el cuarto álbum de Laura Marling.  En esta ocasión se ha mudado a Los Angeles y ha grabado sin su habitual banda el que es uno de ellos grandes discos de folk de 2013. Parece increíble como con solo 23 años puede escribir y cantar de una manera más propia de artistas que podrían ser sus padres. Marling modula la voz con maestría y crea un espacio en el que consigue persuadir fácilmente al oyente.
El resultado son 63 minutos y 16 temas donde podemos destacar I Was An Eagle, Breathe, Master Hunter, Little Love Caster o Where Can I Go. A menudo comparada con Joni Mitchell, el talento de Marling ya hizo sorprender al mismo Ryan Adams, que al escucharla llegó a desechar un álbum completo en el que estaba trabajando. La inglesa vuelve a demostrar que es una de las grandes referencias del folk actual.

11. DAWES – Stories Don’t End

Dawes son una de las mejores bandas de americana la costa oeste. Etiquetados habitualmente junto a notables leyendas como Jackson Browne o los Eagles, el tercer álbum, Stories Don’t End, supone una declaración de intenciones sobre todo para los nuevos amantes de un género que cada vez cuenta con más seguidores. Para este disco han trabajado con Jacquire King, productor también de Tom Waits, consiguiendo, un AOR perfecto, sin dejar lugar a riesgo alguno. Most People, Just My Luck, From a Window Seat o el single que abre el disco, Just Beneath The Surface, fluyen a velocidad de crucero. Gran soft-rock de manual para el nuevo milenio.

10. THE NATIONAL – Trouble Will Find Me

Resulta fácil acusar a Matt Beringer de hacer discos muy similares desde el célebre Boxer. Y no menos fácil ver en Trouble Will Find Me una continuación de High Violet. Pero es Navidad y no vamos a discutir. El talento de la banda es innegable. Amén de un líder carismático que acostumbra a beber vino en grandes cantidades para superar su miedo escénico, The National es más que el barítono del rock. Ahí quedan los proyectos de los hermanos Dessner, que se han ganado una buena reputación como serios productores / arreglistas. Demons, Graceless, Fireproof, o I Should Live In Salt destacan en un álbum de lenta digestión, altamente disfrutable. En este año también vio la luz la película – documental Mistaken For Strangers, grabada durante la gira de 2010 por el hermano pequeño de Matt, Tom Beringer. Muy recomendable.

9. PORTUGAL. THE MAN – Evil Friends

Portugal. The Man han dejado a un lado el eclecticismo de sus trabajos anteriores para encomendarse completamente a un gurú como es Danger Mouse. Evil Friends es ya el octavo álbum de la banda, y con diferencia el que presenta un lavado de cara más radical. Singles (y vídeos) resultones como churros y la mano de Danger Mouse por todo el álbum. Ordena ideas, añade texturas y pule las ideas psicodélicas para conseguir un sonido más serio y potente. Sonido que ya había aventurado en el proyecto de Rome, con las colaboraciones pesadas de Norah Jones y Jack White. Lleva todas las de ganar para convertirse en el sonido standard  al que dirigirán la mirada muchas bandas atrapadas entre ideas que creen buenas, e ideas que ven funcionales. El indie es el nuevo mainstream, ya saben.

8. FOXYGEN – We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace & Magic

Una banda maldita que parece condenada a vivir situaciones cuanto menos dispares. Su segundo álbum les puso en la órbita mundial gracias a una formula que no era nueva, pero que les resulto aplastantemente efectiva. La mezcla de psicodelia y de ganchos ganadores de los 60 y 70 con sus propias ideas, resulta en temas adictivos como pocos. El álbum esta lleno de grandes momentos, desde el guiño al Sgt Pepper de los Beatles en el tema que abre el álbum, In The Darkness, pasando por un bombástico Shuggie, No Destruction, o un enorme San Francisco donde el cantante afirma haber dejado a su amor en San Francisco, mientras una voz le contesta: “that’s ok, I was born in L.A.”  Tan buenos como impredecibles, llegaron a cancelar la gira europea para “preservar la salud creativa de la banda”.

7. ANNA CALVI – One Breath

La inglesa de origen italiano tiene una fuerza que cautiva. Presenta su segundo álbum producido por John Congleton (St. Vincent) y con un miembro más en la banda, encargado de teclados y  bajo eléctrico que supone una gran ayuda en el directo para su fiel instrumentista, Mally Harpaz. One Breath supone un sonido más complejo que en su debut. Lejos de amilanarse, sigue apostando por un sonido propio único, al que añade más orquestación y nuevos giros que ponen los pilares al álbum. Creadora de pausas imposibles, en One Breath desarrolla emociones como nadie.  Te lleva exactamente por donde quiere y te sacude cuando menos lo esperas. Véase el mismo tema One Breath. Por favor, One Breath. El álbum parece estar hecho para ser disfrutado desde la intimidad más absoluta y silenciosa. Un vehículo fastuoso que no necesita chofer.

6. HAIM – Days Are gone.

A pesar de haber mareado la perdiz hasta la extenuación, estas hermanas de California por fin han lanzado su esperado debut en 2013. El hecho de lanzar un EP con 3 temas hace más de un año hizo que el hype empezara a rodar con una fuerza que ni ellas mismas podían creer. Pero lo cierto es que Universal pagó 2 millones de dólares por ellas sabiendo el diamante en bruto que tenían entre manos. A menudo comparadas con Fleetwood Mac, lo cierto es que tienen temas pop realmente enormes, desde el que las dio a conocer, Forever, pasando por Falling, Don’t Save Me, o el más reciente The Wire. La fórmula es la que es, pero seguramente ni los propios Fleetwood Mac lo podrían hacer mejor en la actualidad. Esperemos que el hype no acabe por engullirlas antes de tiempo.

5. ARCADE FIRE – Reflektor

Reflektor, oficiosamente lanzado por Universal, es un disco que como señalábamos en nuestro reportaje especial, está demasiado pintado de marketing, algo que le hace un gran favor a las ventas y un flaco favor a la propia esencia del disco. Esto lleva automáticamente a intentar escuchar el disco alejado del ruido. Alejado del número de disco, alejado de opiniones y alejado de prejuicios. Con todo, Reflektor es puro arte. Los canadienses tienen talento e ideas para poner encima de la mesa. A ello hay que sumar a James Murphy en la producción y la guinda de David Bowie coronando su single estrella. El punto de inflexión de la banda llega también el año en que Win y Régine han estrenado paternidad. Singles como Reflektor, Here Comes The Night Time, We Exist, o Afterlife, conforman el nuevo rumbo de la que posiblemente sea ya la mejor banda del planeta.

4. VAMPIRE WEEKEND – Modern Vampires Of The City

Imprescindibles. La banda de Ezra Koenig es de lo mejor que ha salido de EEUU en los últimos años y no se entiende cómo no se les concede más crédito. El bueno de Ezra crea melodías y ritmos como nadie lo hace ahora mismo, y consigue una colección de temas espectacular. Con beats más propios del hip/hop como en Step, momentos surf rock como en Diane, o el Walcott del disco en la casi navideña Whorship You. Vampire Weekend se han hecho grandes con este álbum, quitándose la etiqueta cursi que muchos les colgaban, y haciendo escuchar de nuevo a los más escépticos.

3. DEERHUNTER – Monomania

“Archivar como garaje nocturno”.  Curioso que antes incluso de abrir el álbum nos aconsejen la mejor opción para guardarlo. La palabra Monomanía significa literalmente “Locura o delirio parcial sobre una sola idea o un solo orden de ideas”. Y ese era el estado en que Bradford Cox decía encontrarse hace tan solo 2 años, después de sacar su último trabajo en solitario como Atlas Sound. Cox es una de las personalidades más influyentes en la música indie norteamericana, pero no oculta sus obsesiones. Este año ha lanzado el sexto álbum ya de Deerhunter, donde han sustituido al bajista y añadido una nueva guitarra. El resultado es un disco efectivamente garajero, lleno de riffs, con un sonido sucio muy cuidado que bien podría ser la banda sonora de una noche en un bar canalla. A destacar los afilados Pensacola o Leather Jacket, el accesible Missing, o el sexy Back To The Middle.

2. LOCAL NATIVES – Hummingbird

Local Natives vuelan solos. La banda que más kilómetros ha hecho en 2013, posee una personalidad tremenda a pesar de ser constantemente comparados con Fleet Foxes o Grizzly Bear. Desarrollan muy bien los temas  y son de esas pocas bandas geniales cuyo directo rompe el álbum a la mitad. El sonido del nuevo álbum parece ordenar todas las ideas que se amontonaban en su debut, aunque en ocasiones se echa en falta la urgencia y la mala leche de Gorilla Manor.  Han contado con Aaron Dessner en la producción, que ha colaborado también en la composición e interpretación, sumando a su hermano Bryce en los arreglos. Imprescindibles You and I, Heavy Feet, Ceilings, Breakers, o Colombia, el tema que el cantante Taylor Rice dedica a su madre Patricia fallecida el pasado verano: Patricia, every night I’ll ask myself, Am I giving enough? Emociones contenidas en una banda con un potencial enorme.

1. KURT VILE – Wakin On A Pretty Daze

Este año su Philadelphia natal ha declarado  el 28 de Agosto como el Día Oficial de Kurt Vile. Pero el artista favorito de J Mascis  (Dinosaur Jr), que llegó a comparar su sonido con el de David Gilmour, es una anti-estrella de rock de 33 años, casado desde hace 10 y con 2 hijas. Este año ha presentado Wakin On A Pretty Daze, un álbum del que ya hablamos largo y tendido por aquí en Agosto. Supone el quinto álbum de un prolífico artista que parece tele-transportado de décadas anteriores. Cuando el concepto de álbum empieza a perder fuerza, Vile ofrece un trabajo ciertamente gratificante de principio a fin. Un disco paciente, espacioso y sin apego a las prisas. Raro por atípico. Con un karma especial que solicita al oyente toda su atención.

Es un disco completamente autobiográfico, más latente en temas redondos como KV Crimes o Shame Chamber, y que carece prácticamente de estribillos. Además de los mencionados, hay temas muy destacables como el que abre el disco, Wakin On A Pretty Daze, Never Run Away, Was All Talk o una hipnotizante Goldtone que pone la guinda al pastel. Música para sus oídos.

Los 400 mejores videoclips de 2013.

GIG

Un premonitorio MacPhisto ya lo anunciaba a bombo y platillo en una de las giras más espectaculares de todos los tiempos, realizada ya hace 20 años. La mítica Zoo TV de U2 utilizó toda la tecnología que tenía a su alcance para denunciar la saturación mediática que se producía entonces. Imaginen. O recuerden. 1992.

Han pasado 20 años y cualquier comparación en esos términos con la realidad actual es casi irrisoria. Con la vida emepecuatrizada y la aparición de más artistas que días tiene el año, se tiende a desvirtuar lo esencial para quedarnos con detalles secundarios. La música en los grandes headquarters de las 3 grandes discográficas comienza a ser concebida por y para una gran masa que devora y tritura a la misma velocidad. Música que entre por los ojos y no por los oídos.  Pero no hemos venido con la camiseta de viejo gruñón.

Al contrario. Como sugería MacPhisto, utilizando la tecnología disponible y a las puertas del ansiado paso al streaming de YouTube, -que hará temblar los cimientos llorones de Spotify and company- hemos querido destacar los videos y temas que más nos han llamado la atención de lo que ha caído en nuestras manos en 2013. Los géneros van del jazz espacial, al rock psicodélico, new-wave, alt-country o sencillo y efectivo pop. 400 videos y 27 horas de música resultona para mentes abiertas.
¿Dónde estaba usted en 2013?

Best 400 music videos of 2013  (1st part)

Best 400 music videos of 2013 (2nd part)

“It doesn’t matter where do you come from, it matters what you do” Interview with Cloud Control.

Cloud Control pictures

Aussies are doing great in music lately and although we don’t get to know every good band coming out of there, the ones that reach Europe are definitely worth the wait. That’s the case with Cloud Control. They released a super debut with Bliss Release 3 years ago, and this year they’re back with an album called Dream Cave (Infectious Music / [PIAS] 2013), which was conceived in a cave and brings lots of new sounds and psychedelic moments. The more you listen to it the more you’ll like it. And if there’s something we like at Rockast it’s a record that grows on you.

Now based in London, Cloud Control comes to Madrid with Local Natives and we had the chance to talk with them about their albums, space, London, NY, bunkers and anecdotes from their shows.

“If you end up not enjoying what you’re doing, you’ve got to get out of that space”

How are you guys? How is the tour going on?

We’re fine thanks! We’ve just had a day off at Costa Brava. Was beautiful. Good weather.

You got to play with some big bands like Supergrass, Foo Fighters or Arcade Fire, is it possible to learn something touring with these bands? Do they give you some advice?

Well Supergrass was the first international band we played with. We learnt a lot with them. The thing is, they’re at the end of their career, doing the very last tour ever, so they were really enjoying it. They had this tour manager that came back from retirement to do the tour, just because she liked them so much.

I wanna be in the kind of band that makes people come back form retirement to work with us.

“The space definitely informs the kind of music we write”

You won the AMP (Australia Music Prize) with Bliss Release, but did it change something in the way you were projecting your music and your second album?

I don’t think it really impact it. I think it’s hard enough to write an album we’re happy with, let alone an album with an agenda.

In your opinion, what would you think are the differences between this new album and the first one? 

The new album has got more experimentation, with different instruments, electronic drums… We’ve been also recording inside of a cave, and trying to replicate what we had done in the cave to the studio…

How did you end up recording in a cave?

Well we like to have fun, we thought about do it in other places as well, like old railway station, underground tunnels… We played with lots of ideas, and then it made sense with Dream Cave. We should record something in a bunker, in a german bunker!

Did the fact of playing outside the typical basement make a difference in the music you make?

Yeah the space definitely informs the kind of music we write.  Our space is the basement, and we always felt hard to get ideas flowing. Is not an inspiring place at all. Is wet. But you know it’s just about mood. If you end up not enjoying what you’re doing, you’ve got to get out of that space.

“London and NY are at the forefront of music”

How’s the writing process? Do you all pretty much put all the ideas together?

Well it changes. Heidi writes with her acoustic guitar. So it leaves the palette fresh.  

Heidi: Well when I write I try to get a really strong melody and lyrical content, when Al writes, he tries to make it sound like a soundscape. His writing is more about production. I don’t have any skills in that area.

How is life in London for a musician? And what are the pros and cons if compared it with Australia?

It’s great because is very close to Europe. Is that classic thing about London and NY are very stinky. I think places like London or NY offer completely different things that other places can’t. They are at the forefront of music. That’s very cool.
I think it doesn’t matter where do you come from, it matters what you do.

Like a band like Tame Impala, the come from Fremantle.

“It’s easier to get a name in music, but harder to make a living out of it”

Do you think is harder to make yourself a name in music right now?

Well you can get a name immediately, you can record something and have it on the internet immediately and people will hear it. But it’s harder to make a living out of music. It has just changed.

What’s your favourite Tour story to tell to your grandchildren?

Heidi: Well, we played one show with Arcade Fire in Milan, which was my favourite gig actually. So I get to meet Win before the show, and told him what my favourite songs were, and I asked if they were playing Crown Of Love, which was, for personal reasons, my favourite song, and he said, “oh, we never play that song, it’s ages ago”, so I just had a fan moment and told him how important the song was to me by the time. So when they got onstage, he said “we want to dedicate this song to Cloud Control, but we haven’t played in a while…” and he forgot the lyrics!! So they had to start all over again.

Do you have any projects in mind for next year? Will we be able to see you in Spain during the festival season maybe?

Yeah, we’ll be heading into Europe next year. This is actually our second time in Spain, but we’ll be probably here next year yeah.

And last question, are you happy?

Good question! Yeah I’m really happy.
Yeah! Definitely.
3 out of 3.