Fue Noel Gallaguer el que afirmó que el futuro de las galaxias dependía del disco de Jagwar Ma. No es la temporada estival la más propicia para el lanzamiento de grandes discos, pero he aquí que en mitad del tedio, se ha dejado caer el que puede ser el debut más sonado del año.
Lo cierto es que hacía tiempo que no disfrutábamos de un debut tan redondo en la música alternativa. Aunque no hay que olvidar que lo malo de la maraña musical que existe en la actualidad, es que nos cuesta creernos cualquier cosa. O a lo peor, nos tragamos todo lo que nos echen. Por eso, antes de sacar brillo, es de bien nacido sospechar unos instantes.
Sospechas efímeras, en el caso de Jagwar Ma, porque los aussies te ganan con la primera escucha. A la espera del inminente lanzamiento de Haim, este Howlin (Marathon Artists / PIAS)es posiblemente el mejor debut en lo que llevamos de año. Un álbum generosamente ecléctico con los géneros más resultones de los últimos años, y que cuenta con una importante retahíla de singles ganadores.
Los australianos habían publicado algún que otro single auto-producido que pasaron relativamente desapercibidos, como Come Save Me,y que ahora son piezas clave del puzle sonoro de su debut en largo. Howlin es un llenapistas instantáneo que bebe sin abusar de la electrónica de LCD Soundsystem o Cut Copy, la psicodelia de Tame Impala / MGMT, los beats noventeros made inStone Roses / Happy Mondays y la épica por momentos de Primal Scream.
Jagwar Ma, es en realidad el proyecto de Jono Ma en colaboración con Gabriel Winterfield (deGhostwood). Jono había participado en otras bandas australianas pero es en Howlin donde consigue plasmar sus propias ideas y toda la experiencia de sus horas de trabajo vendimiando con otros winners como son Foals. Es un debut exuberante y muy visual, con un elegante groovie que obliga a reproducirlo en loop constante. La labor del productor en bandas emergentes normalmente es vista con buenos ojos pero es verdad que siempre existe un pequeño margen de reticencia. Por eso, aunque el bueno de Ewan Pearson, creador de remezclas para Pet Shop Boys o Franz Ferdinand, haya sido el elegido en esta ocasión, mayoritariamente han sido Jono y Gabriel quienes han querido literalmente que su álbum pasara por la menor cantidad de manos posibles, a pesar de haberlo grabado en estudios de medio mundo.
Con todo, consiguen repartir los buenos singles que habían lanzado a lo largo del disco, y añadir grandes temas, que no rellenos, obteniendo un disco irreprochable que muchos gurús del indstream quisieran. Al mencionado Come Save Me, se le uneun grandilocuente Man I Need, un The Throw cuyo comienzo recuerda a la voz del cantante larguilucho de los Drums y que para el LP han extendido al mejor buen rollo de James Murphy, un sesentero Let Her Go, o un tema puramente electrónico como Four que hace las veces de intermedio estratégico. Y aún queda espacio para un gran comienzo con el hipnótico What Love y un final cocinado al fuego de la psicodelia y que según sus comentarios podrían ser los tiros por los que vaya su futuro.
Un álbum disfrutable como pocos que tendrá una interesante disputa con el paso del tiempo. Veremos.
En el cada vez más enrevesado y caótico universo musical, deberían de existir unas máximas que se cumplieran independientemente de la época, el estilo, o las corrientes culturales que tengamos enfrente. Unas leyes no escritas, a ciencia cierta impepinables, que marcasen los tiempos del sentido común y fueran válidas por el resto de los tiempos. De esta manera, confirmaríamos sin mirar época, estilo, o corriente, que los talentos naturales solamente pasan cada cierto tiempo. Y que no podemos esperar los siguientes Stoneseternamente, porque solamente hubo unos Stones, unos Beatles, y unos Zeppelin.
Y el talento del que hablamos proviene en este caso de la pequeña ciudad de Athens en Alabama. Allí surgía casi de la nada una banda con una emoción visceral que parecía bendecida unánimemente por los dioses de eso que llaman Rock and Roll. Una banda que cuenta con todos los ingredientes para el éxito y con una voz absolutamente ganadora y pocas veces repetible como es la de Brittany Howard. Su historia bien podría conformar una bonita película hollywoodense de feliz desenlace y óptima banda sonora, pero no deja de ser la historia tantas veces repetida de banda intentando llegar. Y llegan, vencen y convencen. El cómo a duras penas lo saben descifrar ellos mismos.
En apenas un año, Alabama Shakes han conseguido lo que otras formaciones tardan una carrera entera en lograr. Tras el apabullante concierto que ofrecieron en Madrid el pasado año, la próxima semana están en Barcelonaen su única parada en España para ofrecer uno de sus poderosos conciertos (Entradas).
Hablamos con Brittany Howard que nos desvela detalles de la actuación, influencias y cómo es la vida en el torbellino de los Shakes.
Desde aquí sólo un consejo: Evite a toda costa que le cuenten cómo ha sido un concierto deAlabama Shakes.
¿Qué tal Brittany? Habéis obtenido 3 nominaciones para los Grammy, aparecido en el Saturday Night Live, tocado en los mejores festivales del mundo como Glastonbury, Red Rocks… No sé si debo preguntar o dejar que acabes tu misma la frase, pero ¿cuándo fue el momento en que te das cuenta de que todo está realmente pasando?
¡Creo que todavía estoy en ello! Todo ha sido bastante increíble. El primer gran momento fue hace 2 años cuando dejamos nuestros trabajos y salimos a la carretera. Eso fue un paso enorme y por entonces no estaba muy segura de que funcionaría, pero por suerte hasta ahora lo ha hecho.
Me sigue impresionando cada vez que pasa algo grande como los Grammy, SNLo tocar en Red Rocks. Me siento bastante afortunada de haber tenido todas esas oportunidades.
Boys & Girls alcanzó el número 1 en la lista oficial de tiendas de discos Independientes de Reino Unido, en el que había otras 7 compañías independientes en el Top 10, mientras que en la lista chart general solamente estabais Adele y vosotros. ¿Consideras que la gente joven están ahora más dispuestos a abrir su mente y escuchar sonidos que no suelen escuchar en el mainstream?
Creo que la gente ahora está descubriendo música de muchas nuevas maneras, lo que abre la puerta a cosas nuevas y bandas que no son necesariamente consideradas como bandas comerciales tienen ahora más oportunidades de darse a conocer.
Se dice que habéis recibido algún buen consejo de un icono de la música, como es Robert Plant. ¿Qué hay de cierto en ello?
Vino a un concierto en Nashville una vez y fue muy amable. No es que nos diera consejo pero sí que estuvimos hablando un poco y comentó que era un honor para él venir a vernos tocar.
¿Cuál sería vuestro consejo para todas estas bandas que normalmente tocan en pubs y se esfuerzan por conseguir reconocimiento? ¿Hay algún secreto para el éxito?
No conozco ningún secreto, pero yo diría que hay que persistir con lo que se hace, ser fiel a tus convicciones, trabajar duro ¡y nunca se sabe!
Estoy seguro de que hay muchos pros, pero ¿cuáles son los contras de tocar en Alabama Shakes?
Estar tanto tiempo fuera de casa. Siempre echo de menos mi casa, mi familia, mis amigos y mi gato.
«Yo sólo me dedico a lo mío, no intento ser alguien más»
Supongo que tocar en enormes festivales como Glastonbury o Hyde Park Calling hacen que puedas conocer a grandes artistas. ¿Cuáles han sido tus impresiones hasta ahora? ¿Has conocido a alguien que en persona fuera diferente a lo que te esperabas?
La mayor parte de las personas que he conocido y de las que soy una gran fan han sido muy amigables. Supongo que tengo suerte en tener ídolos muy amables.
¿Pudiste finalmente encontrarte con Springsteen en Londres?
De hecho nos encontramos en los Grammy’s. Tocamos un evento benéfico para Music Cares la noche anterior en la que estaban haciendo un tributo a Springsteen el año pasado y pudimos hacer una versión de Adam Raised A Caincon él entre el público. Fue un evento muy divertido.
He visto que tocas una Gibson SG Robbie Kriegger, una Fender Statocaster y una Epiphone Sheraton II aunque no estoy seguro de esta última… ¿Tienes instrumentos favoritos con los que te gusta salir siempre a tocar?
¡Me encantan las guitarras! Siempre estoy mirando las cosas nuevas que salen pero la principal para mi es la SG.
«El concierto será salvaje. Devolveremos el amor que nos ofrece el público.»
Estamos encantados con vuestra visita a España, pero para aquellos que no hayan tenido oportunidad de veros aún, ¿Qué pueden esperar de vuestro concierto?
¡El concierto va a ser salvaje! Estamos muy emocionados de volver a España, porque lo pasamos muy bien el año pasado. La mayor parte del concierto, haremos la mayoría de canciones de Boys & Girls y algunas nuevas en las que hemos estado trabajando. Tendemos a traer mucha emoción a nuestros shows en directo, son electrizantes, y si el público está metido y nos da mucho amor, nosotros lo devolveremos.
Has sido comparada con Nina Simona, Tina Turner o Amy Winehouse entre otros. ¿Tienes alguna favorita en particular?
Yo solamente estoy a lo mío y no intento ser alguien más. Aunque las 3 son grandes influencias para mí, también incluiría a Sister Rosetta Tharpe, Otis Redding y Bon Scott a tu lista.
¿Qué bandas o artistas de Alabama crees que no nos deberíamos perder?
Ahora mismo me encanta Fly Golden Eagle,Clear Plastic Masks (de Nashville) y Hurray For The Riff Raff, de New Orleans.
¿Escuchas música española? En tu visita a España de hace un año te pasamos un disco de Ál Carmona. ¿Lo has escuchado?
60 años más tarde aún recordamos la famosa escena de Don Marlon Brandoen la mítica película «The Wild One», para ponernos en situación y recordar de donde surgió el nombre de una de las bandas que mejor destila el rock sin aditivos de lo que llevamos de milenio.
Black Rebel Motorcycle Clubes uno de esos grupos a los que el azar artístico y mediático quiso colocar en paralelo al fenómenoStrokes a principios de milenio, cuando sin comerlo ni beberlo se encuentran en medio del salón del baile al que no pretendían siquiera asistir. La ola fue vistosa mientras duró, pero su ideario tenía otro camino marcado del que no se han desviado a pesar de todo y de tantos durante todos estos años.
La banda liderada por Robert Been, hijo del estimado Michael Been de los no menos míticos The Call, están de presentación de Specter At The Feast ([PIAS] 2013), su séptimo álbum de estudio, donde se hacen querer marcando cuidadosamente los tiempos pero sin perder su clásica compostura. Un álbum complicado tras la muerte de Michael Been, quien además de ser el mentor de la banda, les ayudaba con la producción e incluso hacía las veces de técnico de sonido en su última gira.
Charlamos con Rob de música y sus paradigmas en mitad de la gira europea de la banda.
¿Qué tal Rob, cómo estáis? ¿Dónde os encontráis?
Estamos en Bélgica en el Rockwerchter, dentro de la gira europea de verano. Hemos estado girando por América y acabamos de empezar por Europa.
Tocáis en España en unos días, después de los fuertes rumores de la cancelación del FIB. ¿Os han llegado?
No he oído nada de eso. Es uno de los festivales en los que más ganas tenemos de tocar así que me alegra que siga adelante.
Vamos al nuevo álbum. Creo que Specter At The Feast es un álbum que de alguna manera captura vuestra esencia como banda. Es ya vuestro 7º disco. ¿Cómo os sentís? ¿Es más fácil hacer discos ahora o era mejor con los primeros discos?
Nunca es fácil. Por alguna razón siempre eres muy escéptico con tu vida. Hay mucho que va al disco, y siempre hay circunstancias alrededor de cada álbum que tienden a cambiar, y el R’n’R a veces tiene que luchar para sobrevivir. Hemos sufrido algunas pérdidas y este álbum nos ha servido un poco para mirar adelante y sobrevivir, y la música nos ayudó a sobreponernos. Este disco va unido a eso, y estoy muy orgulloso de ello.
«Solo tengo miedo de no ser auténtico con la gente.»
¿Piensas en las reacciones de los oyentes cuando estás componiendo? Por ejemplo, ¿hay algún sonido al que te gustaría acercarte pero tienes miedo de la reacción de la gente?
Solo tengo miedo de no ser auténtico con la gente. Llegar a las emociones es lo único que me preocupa, o tener algo que suena como que todo está en su sitio pero que por alguna razón en el fondo se pierde… eso es lo único por lo que estoy preocupado. No me preocupa las críticas de la gente mientras sepa que estamos intentando hacer algo que es honesto: los sentimientos con los que intentamos llegar al corazón, el sentimiento en el que otra gente se ve reflejado… Creo que si eres honesto contigo mismo, con la música y con la composición, al final es algo que termina brillando si viene de dentro de ti.
Habéis hecho una versión fantástica del Let The Day Begin the The Call, la banda de tu padre. También tocaste con ellos en su reagrupamiento hace un par de meses. Dicen que al final uno siempre vuelve a las raíces, ¿Cómo fue la experiencia para ti? ¿Te gustaría tocar más con ellos?
Los conciertos fueron muy impactantes. No sabía realmente donde me estaba metiendo. Era demasiado. Tuve que aprender 20 temas, actuar y cantar. Hubo mucho trabajo pero fue un placer ¿sabes?, los chicos con los que estaba tocando han sido mi segunda familia desde que era un crío. Mi padre me solía llevar de gira con ellos. Tenía 6 o 7 años y corría por el backstage con estos tíos y ahora estoy tocando con ellos. Es surrealista. Pero fue muy divertido. Las canciones siguen siendo buenas. Y ellos siguen siendo unos músicos increíbles aún hoy, eso es lo mejor de todo. Si tenemos la oportunidad de tocar de nuevo juntos me encantaría. Fue muy divertido.
Estamos trabajando en el lanzamiento de un DVD en directo con esos conciertos, así que con suerte eso podría hacer que la gente vuelva a The Callde nuevo.
«Hay mucha música que no es necesaria»
Reconozco que sois una banda que nunca defrauda en directo, y una de las pocas bandas que pueden ser etiquetadas con orgullo de Auténtica. ¿Notáis precisamente una falta de autenticidad con todas las nuevas bandas que surgen a través de Internet especialmente?
Hay mucha música que no se necesita, o no es necesaria. Hay gente diferente tratando de actuar guay. Es difícil creer que la música todavía puede utilizarse como algo más, y que la gente crea en ella como algo más que lo habitual.Realmente no tiene mucho de corazón, o de conciencia; suena como sosa y normalmente es olvidada. Pero es mi opinión. Podría estar equivocado. Aunque espero que no. (risas)
¿Existe justicia en la música de hoy? ¿Qué crees que se necesita para tener éxito en el negocio de la música? ¿Crees en la suerte o es el trabajo duro el que marca la diferencia?
No lo sé. A veces el éxito es justo lo contrario a crear música que sea real, cruda y verdadera. Es como si no sirviera para nada. El éxito es algo en su totalidad. Pero es algo fácil a donde ir así que mucha gente es lo que busca.
Nosotros hemos trabajado día y noche tratando de encontrar un camino a través del éxito. No te voy a mentir, nos encantaría tocar en pabellones más grandes y todo eso, y conseguir que nuestra música llegara a más gente. Sabemos que a veces para llegar a esos lugares tienes que cambiar lo que haces, y nosotros no queremos hacer eso.
«La diferencia es que antes los artistas eran conscientes de cómo era el mundo antes de la llegada del Rock ‘N’ Roll»
He leído que jugaste al escondite con David Bowie cuando eras niño, ¿qué hay de cierto en esa historia?
¡Sí! (risas) Él era amigo de mi padre. Yo tenía 10 años más o menos y mi padre entonces estaba rodando con él y mientras lo hacían, yo estaba intentando conseguir a alguien para que jugara conmigo al escondite y bueno, Bowie fue el único que aceptó… (risas)
Bueno, ya era un icono por aquél entonces, y su leyenda ha ido aumentando con los años. ¿Cómo se ve toda esta pose que existe ahora desde dentro del mundo de la música?
Ceo que hay más artistas ahora haciendo música que en los primeros días. Creo que ellos sabían cómo era el mundo antes de la llegada del Rock and Roll. Eran conscientes de cómo era antes de Elvis, Beatles o los Stones, y muchos de ellos eran niños que crecieron en una época anterior ¿sabes? Estaba How Much Is That Doggie In The Window? y canciones como estas que no molestaban a nadie. Entiendo que ellos apuntaban a la consciencia y eran las voces de una generación, y pienso que muchos de esos artistas como Bowie, Iggy Pop, o Neil Young, saben cómo sería la música sin eso. Y esa es la diferencia entre muchas de las nuevas bandas de hoy, que están mimadas pensando que así es como funciona el mundo y que siempre va a estar ahí, y no es el caso. Se puede ir. Puede detenerse. Es como un mundo en blanco y negro. Creo que ellos (músicos veteranos) saben cómo funciona y no creo que nadie más lo sepa. Para ellos significa más y sienten más, y son más conscientes de ello. Ellos sangraron más, con todo su corazón, ¿sabes? esa es la razón por la que consigues más de estos iconos y leyendas que son realmente difíciles de tocar, y tan poco accesibles. Ellos vienen de otro tiempo.
«Si haces música que tiene algo que decir, va a polarizar a la gente»
Habéis estado tocando durante 15 años sin moveros nunca hacia sonidos más comerciales. ¿Cómo es vuestra relación con los medios? ¿Os importan las críticas o comentarios?
Bueno, normalmente si haces música que tiene algo que decir, va a polarizar a la gente. Va a ser amada, a ser odiada… eso si lo estás haciendo bien. Pero eso no quiere decir que duela, o que te vaya a hundir cuando la gente habla mierda de tu música. Es parte de ello. Si hiciéramos un disco poppie que todo el mundo adorase… Estaría más nervioso si todo el mundo dijera gracias! (risas) Es un lugar sospechoso en el que estar.
¿Hay algo que os gustaría hacer en la música que no habéis hecho todavía? Como bandas sonoras por ejemplo.
Sí, de hecho estamos trabajando en una banda sonora ahora mismo, y mirando para algunas películas. Es una cosa totalmente diferente crear música para una escena creada para una película. Eso es algo que siempre hemos querido hacer. Nunca hemos tenido tiempo porque hemos estado mucho tiempo en la carretera. Vamos a empezar a hacer esas cosas, y buscar más de ese estilo ahora. Es algo que realmente nos inspira y que nunca habíamos hecho antes.
«Hay muchos caminos aparte de la felicidad, y no he terminado de explorarlos todos.»
Si tuvieras la oportunidad de tocar vuestra música en cualquier lugar o época en la historia, ¿Cuál sería ese sitio o momento?
Lo único que lamento es el día que no sea capaz de tocar. Es como si en un futuro pudiéramos ser demasiado viejos, o nos hayamos separado o cualquier problema, porque el sentimiento que tienes, que estoy seguro que todas las bandas lo tienen incluso después de separarse, es de que algo bueno tiene que salir de ahí. Y lo que me preocupa es no ser capaz de estar ahí para ese día. No me preocupa el ir hacia atrás. No hace falta fantasear, pero estar en una banda en los 60, justo ahí, eso estaría bien.
Algunas bandas se ponen una fecha de caducidad, o de número de álbumes para dejarlo. ¿Cómo lo ves?
Nunca puedes saber qué es lo que va a suceder después. Nunca puedes estar seguro de que no vaya a aparecer un sentimiento, una intuición o una canción el año siguiente que puedas querer probar. Nunca podrás saberlo.
Las únicas bandas que creo que dicen que lo van a dejar después del siguiente álbum o que quieren conocerse a sí mismos, son las que ya no se encuentran a gusto tocando en esas circunstancias, con esa gente a lo mejor, y ese sentimiento es algo que ves venir, yo creo, cuando ya no funciona más. Y es un día duro. Lo puedo ver. Aunque no creo que nadie lo haga intencionadamente.
Robert, cogimos prestado vuestro logo en una de las portadas de Baby 81 para nuestra página. ¿Os importa si lo seguimos utilizando o debemos de buscarnos uno nuevo?
(risas) ¡No tío, no me importa! Por mi está bien. ¡Adelante con ello!
Gracias, os lo agradezco. Y la última pregunta. ¿Eres feliz?
¡Me asusta esa palabra! (risas) Conozco mucha gente que está obsesionada con la felicidad sobre todo lo demás, y a veces piensan que todo lo demás es un poco más interesante. Hay muchos caminos aparte de ese, y no he terminado de explorarlos todos.(risas)
Porque no sólo de Palma Violets, Haim o Savages vive el hombre, en el infinito mundo de la música actual, es más posible que nunca encontrar bandas excitantes en cada rincón del planeta.
Hoy traemos 13 bandas indispensables que están tomando forma en este 2013 y que empiezan a hacerse notar a medida que avanza su onda expansiva. Algunas sin álbum siquiera publicado, la mayoría lanzando su primer EP o LP, todas tienen puestas sus ilusiones en este año y por ello se marcarán importantes giras para demostrarlo. Para prueba un botón, los must de 2012.
Estos son 13 de los artistas que más nos han llamado la atención en lo que va de año:
1. PAPA
Dejar una banda como Girls es sin duda una decisión cuanto menos arriesgada. No fue lo que pensó Darren Weis, cuando sin pensárselo dos veces dejó la banda del bueno de Christopher Owens para lanzar su propio proyecto. El ex-batería de Girls hizo caso omiso a sus allegados y formó Papa, originaria de LA que sigue teniendo en su haber detalles que atesoraban los mejores Girls, con grandes melodías y temas sencillos. Sencillos pero también trepidantes, algunos rozando lo comercial, lo que para el momento en el que estamos, podría considerarse enteramente comercial. En 2011 lanzaron su EP debut, con buenos temas como I Am The Lion King o Ain’t It So. Su mezcla de americana con el rock de Springsteen y cierta dosis de importante locura les abre los oídos de los oyentes de par en par. Su último sencillo se llama Put Me To Work y nos lo presentan a ritmo de esqueletos bailongos.
2. RHYE
Este dúo de LA envuelto en la moda del misterio, lanzaron en San Valentín un gran single presentación como fue Open dentro de una estrategia hábilmente marcada, que les llevó al lanzamiento de The Fall, otro enorme single, y a su consiguiente EP debut. Formado por el productor canadiense Milosh y el danés Robin Hannibal, este año han publicado Woman, que es su álbum presentación. Una apuesta elegante y altamente adictiva como pocas encontraremos este año. Hablamos de ellos en Febrero
.
3. POPSTRANGERS
Popstrangers son un trío de Nueva Zelanda ideal para quienes no llegaron al apogeo de Nirvana o My Bloody Valentine. Después de mostrar algunos singles han tenido la oportunidad de lanzar su largo con Flyin Nun Records, una independiente neozelandesa basada en la filosofía del DIY y con más de 30 años de recorrido, que ha dejado a los chicos de Auckland grabar a sus anchas. Su debut se llama Antipodes y contiene buenas dosis de un noise pop retorcido, más habitual últimamente en América, guitarras distorsionadas y uso de reverb y ecos en las voces. Sin duda un gran debut que probablemente traspase fronteras.
4. BLACK LIGHT DINNER PARTY
Black Light Dinner Party es un emotivo proyecto de 4 amigos, tres de NY y uno de Boston, que a raíz del cáncer diagnosticado a la madre del cantante, decidieron dejar su música experimental a un lado y hacer algo más accesible para ella. Desafortunadamente falleció con el lanzamiento de su primer single, Older Together, pero se encontraron con reacciones tan positivas que decidieron continuar.
Al contrario que Rhye o Lana del Rey, la falta de información no responde a una estrategia, sino más bien a la ausencia de esta, debido principalmente a la alta demanda que ha tenido su música y al hecho de haberles cogido con el paso cambiado. Ellos mismos aceptan su estilo como electrónico aunque se consideran una banda de rock. Solamente han publicado un EP el año pasado, si bien su debut, Sons And Lovers, programado para Mayo, es inminente. Han teloneado a Icona Pop y próximamente visitarán Europa después de una mini gira por las costas americanas. Se atreven con una versión del Your Drums, Your Love de AlunaGeorge, (otro de los grandes nombres del año), y en su web puedes incluso entretenerte con un videojuego.
5. TOM ODELL
Tom Odell es un pianista y compositor inglés, en el que Columbia puso sus ojos y billetes apenas supieron de su existencia a través de su EP. Su debut, Long Way Downse retrasó hasta Junio para no coincidir con Bowie, Depeche Mode, Timberlake y Strokes entre otros. Con sólo 22 años, Tom Odell ha llegado a ganar un Brit a la mejor promesa sin tener álbum publicado. Ahí vemos la velocidad que empieza a tomar todo en el mundo de la música. Pero razón no les faltaba. A pesar de contar con una famosa madrina como es Lilly Allen, su EP Songs From Another Lovees sensacional. A finales de Junio podremos comprobar la intensidad y la fuerza de sus temas con el nuevo álbum, con Hold Me como primer single y tema estrella. Todo apunta al nacimiento de una sensación británica.
.
6. LOCAL NATIVES
La banda de Silver Lake (L.A.) que lanzó su debut en 2009 consiguiendo un discreto reconocimiento, ha logrado por fin este año hacerse un hueco con su segundo álbum, Hummingbird (Infectious / Frenchkiss Records). Cuentan con un gran productor como es Aaron Dessner de The National, que se limita a sacar lo mejor de la banda sin muchos experimentos. Muestran influencias de algunas de las bandas más destacadas de los últimos 15 años como Broken Social Scene o Grizzly Bear.
.
7. SPLASHH
Con un nombre casi tan sonoro como visual, esta formación utiliza una cuidada fórmula shoegazer a través de guitarras directas, ritmos casi hipnóticos y rock psicodélico. Establecidos en Londres, sus miembros proceden de Nueva Zelanda, Australia y Reino Unido, y han participado anteriormente en Colours o Brain Slaves.
Después de lanzar los singles de Need It y Vacation el año pasado, con los que consiguieron girar la cabeza de numerosos blogs y páginas especializadas, acaban de lanzar su álbum debut, llamado Comfort, un LP que también contiene notables temas como Headspins o All I Wanna Do.
8. MAC DEMARCO
Mac Demarco es un multi instrumentista canadiense que a finales de 2012 lanzaba su segundo álbum, denominado sencillamente 2 (Captured Tracks), donde apuesta por un rock sesgado y de aspecto perezoso que cuenta con riffs precisos que empezaremos a oir sampleados pronto. Su estilo mezcla psicodelia con el jangle pop de los 60. El resultado es un álbum que bien podría ser la banda sonora de cualquier ola de calor veraniega o del típico verano indio americano. Su personalidad y la puesta en escena con banda completa se hace querer.
9. GUARDS
Hablamos de los de Brooklyn hace unos meses, una banda cuya voz cantante la lleva el hermano de Madeline Follin de Cults. In Guards We Trust [PIAS 2013], es un debut prometedor cargado hasta los dientes de himnos a través de temas fáciles y resolutivos. Uno de esos álbumes para escuchar de principio a fin del tirón y anotar temas favoritos distintos en cada escucha. Los guitarrazos y la escuela power pop dejan gran sabor de boca en un álbum que quizá cojea en su duración. Veremos cuánto da de sí el sonido Brooklyn, pero de momento parece más fuerte que nunca.
10. PARQUET COURTS
Estos tipos de Texas afincados en Brooklyn no son muy amigos de adaptarse al entorno cool del barrio neoyorquino y prefieren llevarse sus propios hábitos. En 2011 lanzaron su debut exclusivamente en una edición limitada de cassette, (American Specialties), para un año más tarde lanzar su primer LP a gran escala, llamado Light Up Golden Dull Tools, que sería relanzado este 2013 globalmente por el sello de Brooklyn What’s Yr Rupture. Su naturaleza extrovertida mezclada con un punk sin experimentos ha calado en su nuevo barrio y les ha valido para expandirse rápidamente por todo el area metropolitana de NY. El trepidante Stoned and Starving es su carta de presentación.
11. CHEATAHS
Porque no todos los efectos de la globalización tienen que ser negativos. Esta formación del East London es una de las más excitantes del año. Cuenta con un cantante inglés, un bajista americano, un guitarrista canadiense, y un batería alemán. Wichita Records se apresuró a ficharlos apenas tuvieron oportunidad de escucharlos y les brindaron el lanzamiento mundial de un EP llamadoSans EP. Su bonita gráfica de procedencia es directamente proporcional a los estilos de los que hacen gala. Guitarrazos épicos ganadores se funden en un sello personal que mezcla shoegazer noventero, grunge y rock psicodélico. Beben de Dinosaur Jr, Teenage Fanclub o Lemonheads y vienen para quedarse.
12. PEACE
La escena de Birmingham siempre ha contado con grandes bandas, y parece que siguen con buen nivel. La banda favorita de sus paisanos Ocean Colour Scene, han lanzado un debut provocador que hace las delicias de la prensa británica. In Love, tira de Stone Roses, Happy Mondays, Blur o Vampire Weekend, pero el resultado del cocktail resulta gratamente positivo. Con todo se convierte rápidamente en uno de los grandes debuts de la temporada. Temas como Wraith, Follow Baby o un Lovesick embadurnado de azúcar, harán realidad uno de los discos más radiados del año. Pronto habrá una sorpresa de ellos en ROCKAST.
13. NIGHT BEDS
Night Beds es el proyecto de Winston Yellen, un cantautor de Colorado ubicado en Nashville, que había publicado ya 3 EP’s, Night Beds, Every Fire; Every Joy y Hide From It, y que lanza este año primer largo denominado Country Sleep. Este debut posiblemente le agradará si es seguidor del binomio Bon Iver / Fleet Foxes. Y además cuenta con su propia historia. Para escribir el álbum, Yellen alquiló hace 2 años una casa a las afueras de Nashville que anteriormente había pertenecido al mismísimo Johnny Cash y June Carter, y en la que se encerró durante 10 meses escribiendo canciones que luego grabaría en un estudio local. De ahí salieron estos temas, que van desde la americana clásica, al nuevo folk. Las letras tienden al pesimismo – el disco empieza con un I know you get lost sometimes man acapella- pero hay espacio para temas que se salen de esa tangente como Ramona. Incluso en los videoclips se esfuerzan por momentos en contrarrestar tanta desesperanza, como en el magnífico Even If We Try. Country Sleep está editado por Dan Oceans (The Tallest Man On Earth, Phosphorescent).
Sonic Youth, Nirvana, Dinosaur Jr, Pixies. There are so many bands that wouldn’t exist without them. You can imagine the honor of interviewing a band that has managed to build themselves a name through almost 30 years.
Dinosaur Jr is one of the most influential band of the last 3 decades and many bands try to imitate their unique sound. Singer, lead guitarist, and even Pope candidate if it were for his fans, J Mascis turned down Kurt Cobain invitation to join Nirvana not one but actually TWO times. That speaks for itself and shows the band faith and consistency to get their own sound.
Massachusetts trio (or duo?) is coming to Barcelona to play Primavera Sound festival and present their latest album,I Bet On The Sky ([PIAS]2012). We have a chat with bassist Lou Barlow, whose role in the band sometimes seems like a job, but that doesn’t mince words about Murph‘s sudden leaving, the tensions in the band, the family,John Agnello‘s job, or Nirvana. Not to be missed.
How are you Lou? First gig of your European leg, how do you feel?
I’m ok… Well our drummer actually run away the day before we were supposed to leave, so we have a replacement drummer, it’s very strange.
He just run away?
Yeah. He didn’t get on the plane. (laughs)
But is he coming for the rest of the Tour?
No.
So what happened?
He just changed his mind.
Lou, what’s the worst part of being on Tour?
I guess trying to stay healthy. That’s hard. And staying far from home. That’s terrible. But I love being travelling too so… And I love playing shows. So I can’t say that I’m miserable, I’m quite happy being on Tour. But it’s always like a confusing balancing between the people you love and what you do.
Some bands reunion end up pretty bad. Were you afraid of that?
Maybe I was afraid in the beginning, but as soon as we started playing I wasn’t afraid. As soon as I played the first note I knew I was not afraid.
«The band is more important than our personal relationship with each other»
Does the fact of having kids affect the atmosphere and the relationship between you guys in the band?
I don’t know. (Thinks for a while) Maybe. (More thinking) I mean having kids seem so natural for me now, that I can’t imagine not doing it. It’s hard to imagine what I would do without them. Before I had children actually my life was very prepared for children
What’s the most important thing in a band in order to make it work? Do you need to be friends or it’s just a matter of chemistry?
The musical chemistry, I gonna tell. The music is the most important thing. You know, the band is more important than the personal relationship with each other.
You know? Music is the most important thing. The band is more important than your personal relationship, with each other. But music is the most important thing. Then if you’re not the greatest friends, if you recognize that music is the most important thing, you can get over these things, because you’re focusing in a common goal.
How do you feel when you know you’ve created your own sound which is actually copied from other bands?
Well I recognize that the band has an unique sound, and as a music fan I recognize that a band with a unique sound is unusual. There’s a few. Well Ramones had a sound and people imitated that sound. And of course there are other bands too but in general, it surprises how interchangeable rock music is. I think we’re very happy, to have a sound. But that’s just because we dramatically focus on something so intensively when we were young, that it became like a second nature to us.
So in a way I don’t think about it, but in another way, as A music fan I understand it.
Which bands do you reckon can have their own sound here in Primavera Sound?
I think Animal Collective has made a very unique sound. And also Grizzly Bear have a very unique sound. Whenever I hear them I’m like «oh, that’s Grizzly Bear». But it’s funny how other bands, even bands I like, sound like comeditians of other bands.
«We could do the same sound without a producer. J is really the producer»
You’ve been working a lot with John Agnello, Is that important the producer’s job in a band?
I think without a producer we could do the same sound. The sound really comes down to J. I mean, J is really the producer of the sound. I mean, John Agnello records with other bands and they sound totally different than Dinosaur Jr. And when he records with Dinosaur he listen what J wants. J tells John what to do. John has been working with J since very early in the 90’s. Almost 20 years. Actually 20 years. I think it’s really the relationship that J has with John. I think if we, Dinosaur made a record, we could maintain the sound of the band at any time because J is so particular about what he wants.
You’ve played Terminal 5 in NYC to celebrate You’re Living All Over Me with lots of friends. How was it?
I loved it! (laughs) Yeah it was a top show. That was great for sure.
J said it would be impossible to make an album like that again. Are you agree?
Yeah I would agree with that. I mean is that way with so many other bands. Could Pink Floyd ever do The Piper At The Gates Of Dawn again? No. ¿Could Black Sabbath ever do Master Of Reality? No. Or the Ramones. Is Lou Reed ever gonna do The Velvet Underground & Nico again? No, he’s not. (laughs)
But it’s lucky. We were lucky. Like I said, when we were young we were very focused to create our own sound, and make the band unique. And we got it.
«We were lucky to make an album like You’re Living All Over Me»
The relationship with J in the past have been pretty tense, but in this last album you participate a lot. Could you imagine Dinosaur Jr without J?
Without J?? Of course not! (laughs) He named the band, he came up with the concept of the band, his guitar sound… I mean you can’t really hear the bass and drums on the records. J is the dominant voice of the band. (laughs)
Would you change something in the band’s?
Yeah I’d like to change some things. Like on the records, when J plays the lead guitar that there’s like no other guitar, it just goes down to the bass and drums… Like it does live. I would like to reflect our live sound a bit more. Luckily someday. And that’s about it. I’m only dreaming! (laughs) I’m able to do that when I record my own songs, so I’m able to do what I like.And everytime I record or make a song for Dinosaur Jr I do it like thinking, I wanna make a song that has these elements because I’ve never heard them you know?
As for me, I think what makes a band truly great it’s when the live performance surpass the record, which is your case.
Yeah, we know it. Maybe in the future. I would like to make it, a little more minimal I guess.
How long will we be blessed with Dinosaur Jr?
I don’t know.
Is for good?
I don’t know. Now that our drummer run away I really don’t know you know? (laughs)
Would you change something from the past if you could? Don’t you think you could have become a huge phenomenon like Nirvana
I don’t know. J always says that Dinosaur could have never been as big as Nirvana because of his voice. Because his voice is too screamy. Kurt Cobain had a great rock & roll voice. I think the original Dinosaur, if we had stayed together we might have become a little bit bigger, but not Nirvana.
What about your project with Sebadoh?
We’ve just finished the record. We have an EP coming out on vinyl, sometime around september, on Domino, so there’s a lot of music coming out soon.
Are you happy?
Am I happy? (laughs) I’m not unhappy. I got a lot of things going on.
Sonic Youth,Nirvana, Dinosaur Jr, Pixies. Cuántas bandas no habrían nacido de no ser por estos padres. Se pueden imaginar el placer y el honor de entrevistar hoy a una banda que durante casi 30 años ha marcado tanto y a tantos. Una banda cuyo líder, J Mascis, llegó a rechazar ser el guitarrista de los Nirvana de Don Kurt Cobain hasta en DOS ocasiones. De ahí la fe de una banda que ya existía antes que Nirvana y cuya confianza compulsiva en sí mismos les ha llevado a lo más alto que una banda puede pedir: Tener un sonido propio, hacer buenos discos, triunfar, no venderse, y mantenerse en lo más alto.
Con apenas unas horas de preaviso, el trío (o ex-trío) de Massachusetts nos concede una entrevista que tarda apenas unos segundos en incendiarse. Hablamos con Lou Barlow, que parece tomarse su participación en Dinosaur Jr más bien como un trabajo. El bajista, que antes de la reunión de la banda en 2005 había dedicado a J algunos bonitos improperios, está contento con la vuelta, acepta la situación dictatorial del grupo aunque las viejas rencillas no desaparecen. La primera en la frente:
¿Qué tal estás Lou? Es el primer concierto de vuestra gira europea, ¿cómo te sientes?
Estoy bien. Bueno, de hecho Murph nuestro batería huyó el día anterior en que se supone que cogíamos el avión para venir a Barcelona, así que tenemos un batería que le sustituye. Es un poco extraño.
¿Ha huido?
Sí… No se subió al avión. (risas)
¿Pero viene para el resto del Tour?
No, no viene.
¿Hay algún problema?
No. Ha cambiado de opinión y eso es todo.
Lou, ¿Cuál es la peor parte de estar de gira?
Supongo que tratar de estar sano, es duro. Hecho de menos estar en casa. Es horrible. Pero también me gusta viajar y hacer conciertos, así que no puedo decir que estoy triste, porque soy bastante feliz cuando estoy de gira. Es un balance bastante desconcertante entre la gente que amas y lo que haces.
Algunas reuniones de bandas acaban bastante mal, pero no sucedió con vosotros. ¿Temíais que no pudiera terminar bien cuando empezasteis? (la pregunta estaba prevista antes de saber lo de Murph)
Bueno quizás sí que tenía miedo al principio pero tan pronto como empezamos a tocar ya no sentía ningún temor.
«La banda es más importante que las relaciones entre nosotros.»
¿El hecho de tener familia y niños os ayuda a mantener la normalidad dentro de la banda?
No lo sé. Pero tener niños es tan natural para mí ahora que no puedo imaginarme sin ellos. Es duro imaginar que haría sin ellos. Antes de tener niños, mi vida estaba ya bastante preparada para tenerlos.
¿Qué es lo más importante para que una banda funcione? ¿Necesitáis ser amigos o solo hace falta que exista química entre vosotros?
¿Sabes? La música es lo más importante. La banda es más importante que las relaciones personales, las relaciones entre nosotros. Pero la música es lo más importante. Sin ser los mejores amigos posibles, si reconoces que la música es lo más importante puedes sobreponerte, porque te centras en un objetivo común.
¿Cómo se siente uno cuando sabes que has creado escuela y has creado tu propio sonido del que copian muchas bandas?
Reconozco que la banda tiene un sonido único. Pero como fan de la música también reconozco que una banda que tenga un sonido propio es bastante inusual. Hay muy pocas. Los Ramones tenían un sonido propio, y las bandas imitaban ese sonido. Y por supuesto hay otras bandas pero en general me sorprende lo intercambiable que es la música rock. Creo que somos muy afortunados de tener ese sonido. Pero es porque nos centramos en ello cuando éramos jóvenes. Nos centramos en hacer un sonido que era muy intenso y que llegó a ser algo instintivo para nosotros.
En cierta manera no pienso en ello, pero como fan de la música lo entiendo. Aquí en Primavera creo que Animal Collective puede tener un sonido bastante único. O Grizzly Bear también, que cada vez que los escucho sé que son ellos. Pero es divertido como la mayoría de las bandas, incluso algunas que me gustan, suenan como comediantes de otras bandas.
«Tendríamos el mismo sonido sin un productor»
Habéis trabajado mucho con John Agnello. ¿Es tan importante la labor del productor en el sonido de la banda?
Bueno creo que sin productor tendríamos el mismo sonido… Aunque el sonido realmente le cae a J, J es realmente el productor de sonido. Quiero decir que John Agnello graba a otras bandas y el sonido es totalmente diferente a Dinosaur Jr. Y cuando graba con Dinosaur escucha lo que J quiere. J le dice a John lo que hay que hacer. Solo que John… como productor tiene… J ha trabajado con John desde principio de los 90. Casi 20 años de hecho. Creo que es más bien la relación que tiene J con John. Pero realmente pienso que podríamos mantener el sonido de la banda en cualquier momento porque J es muy particular en lo que quiere.
Tocasteis en el Terminal 5 de NY en el aniversario de You’re Living All Over Me con muchos amigos. ¿Cómo fue?
¡Oh sí, claro! ¡Me encantó. Lo pasé muy bien en ese concierto. Fue uno de los mejores.
«Hacer un álbum como You’re Living All Over Me es cuestión de suerte»
J dijo que era imposible hacer ese álbum otra vez. ¿Estás de acuerdo?
Sí, quizás. Sí creo que estaría de acuerdo en eso. Pero pasa con muchas otras bandas. ¿Haría Pink Floyd de nuevo The Piper At The Gates Of Dawn? No. ¿Haría Black Sabbath alguna vez Master Of Reality? No. O los Ramones. No puedes. O Lou Reed. ¿Haría Lou Reed The Velvet Underground & Nico? No. (risas)
Es suerte. Tuvimos suerte. Pero como he dicho, éramos muy jóvenes y estábamos muy concentrados en conseguir nuestro propio sonido y en hacer una banda única. Y lo conseguimos.
Las relaciones con J en el pasado han sido muy tensas, pero en este último álbum has participado más que nunca. ¿Te imaginarías Dinosaur Jr sin J?
¿Sin J? ¡Por supuesto que no! (risas). El puso el nombre a la banda, el creó el concepto de la banda, el sonido de su guitarra… (risas) él es la banda. No puedes ni siquiera escuchar el bajo o la batería en los discos. J es la voz dominante de la banda (risas).
¿Cambiarías algo en el sonido de la banda?
Sí me gustaría cambiar cosas. Como en los discos. J toca la guitarra principal y no hay más guitarras, luego baja hasta la batería y el bajo. Sería como sucede en el directo; me gustaría reflejar nuestro sonido en directo un poco más. Con suerte algún día. Y así es. Pero tan solo estoy soñando.
Pero para mí por ejemplo una banda me gana cuando definitivamente su directo supera con creces sus discos. Como es vuestro caso.
Sí, bueno lo sabemos pero… A lo mejor en el futuro. Creo que me encantaría hacerlo algo más minimalista.
¿Cuánto tiempo podremos contar con Dinosaur Jr?
No lo sé. No lo sé. Ahora que nuestro batería se fue corriendo no lo sé…
¿Cómo va tu proyecto con Sebadoh?
Acabamos de terminar el disco, tenemos un EP que sale en vinilo el mes que viene, y luego un LP que saldrá en vinilo por septiembre en Domino. Así que hay bastante música que saldrá pronto.
¿Cambiarías algo del pasado? ¿Crees que podrías haber sido un fenómeno tan grande como Nirvana?
No lo sé. J siempre dice que Dinosaur nunca podría haber sido tan grande como Nirvana por su voz, porque es muy chillona. Y Kurt Cobain tenía una gran voz para el rock and roll. Pero creo que si los Dinosaur originales hubiéramos seguido juntos podíamos haber sido un poquito más grandes. Pero nunca como Nirvana.
Y última pregunta: ¿Eres feliz?
¿Si soy feliz? (risas) Bueno, no soy infeliz. Tengo muchas cosas en mente.
We’ve had the opportunity to interview some very fascinating people here in Rockast, and probably the best part of interviewing somebody whose entire life is made of music, is to look at their eyes and realize they’re really up for the moment and won’t dodge any question. It’s just a little way of having contact with the fans and try to explain themselves from another point of view. Without the help of their music.
And some of those artists have always something to say and must always be heard. Especially the most experienced ones.
It’s an honour for us having Simon Fowler and Steve Cradock from Ocean Colour Scene here today. They’ve just released their 10th album called ‘Painting’ ([PIAS] 2013), and right in the middle of their Spanish tour, they let us get on their massive tour bus to have a chat about Brit Pop, drugs, record stores, Oasis, Paul Weller, Peace, bands that make shitty music, and even their next record! Definitely not to be missed.
«We were taking ourselves too seriously to not be considered a Brit Pop band»
How is the tour going so far?
SIMON FOWLER: It’s going pretty well, thanks. We’ve played 3 gigs so far in Spain. Zaragoza, Santiago and San Sebastián. Very good gigs.
I’ve seen you’ve also played outdoors this morning
STEVE CRADOCK: Yeah at the station, it was just 5 minutes walking from here. That was a bit strange, out of our routine
Painting is your 10th album, it’s been very well received, how do you feel about it? Were you looking forward to make it after your solo albums?
SF: Ahm, I think we really wanted to do it. We wanted to make a new album because we wanted to have new songs to play. And to play live. We spent the year before doing most of the shows up. And we needed something new. I found out that once an album it’s released, you kind of forget about it. We’ve been listening to some things Steve has been working on for the next record, we’ve been listening that the other night.
But you’ve released Paintings less than 2 months ago.
SC: You just don’t sit around and listen to albums really.
SF: I’ve never sat around listened to our own albums once they’ve been made.
SC: I think the reason might be that it’s quite intense when you’re recording it, isn’t it? You hear it so much when you’re recording that…
SF: Is the last thing you want to listen!
SF: You can listen to ZZ Top or Billie Piper’s new cd instead! (Laughs)
«During the Brit Pop everyone thought they were in the Beatles or the Stones»
Which is the album your most proud of?
SC: I love the B-sides, Seasides and Freerides.
SF: Yeah that’s my favourite album too.
Back on the 90’s, the press was talking about Brit Pop, but now seems like everything is about TV shows and non-sense pop acts. So I guess, after all the Brit Pop scene wasn’t that bad, was it?
SF: It was good fun! Good fun all the time! Wasn’t it? Everyone was young, and everyone was taking lots of drugs. Everyone thought they were in the Beatles or Stones or the Who or the Kings! (laughs). It was a bit like being at school. But I’m not sure that we were Brit pop, I guess to you we are…
SC: Are we?
SF: I guess we were, but we didn’t feel.
«Paul Weller was our guardian. A big brother.»
But you’re always tagged as Brit pop, maybe just because you were there at that time.
SF: Yeah it was just because we were there. But we were taking us as far too seriously so that we were never a pop band. And I don’t think we were a pop band really.
SC: I think all that happen in London as well, and we lived in Birmingham. There’s 120 miles distance. And all bands lived in London really.
SF: As soon as Oasis made any money what did they do? They fucked off from Manchester and went to London.
SC: I think that everybody was going out and circulating in the same places that we never were really.
But you played with Paul Weller and Oasis back then, did that suppose a decisive boost for Ocean Colour Scene or is not that important?
SF: It’s probably not as important as people imagine, in terms of how we actually became popular. The two are different. Paul was our guardian I guess, our sponsor, a big brother. Steve started playing with him, and because of that we started going out on those early tours doing the support, going in coaches like this, into hotels and cities across Europe… It seemed that it was real, rather than just a hobby.
And Oasis… (thinks for few seconds), well playing with Oasis probably did nothing for us. It put a name in the cool crowd. But in terms of making us popular it didn’t. When we supported them on the first tour, when they were very popular, quite frankly no-one in the crowd wanted to see us. What really happened is that DJ Chris Evans played our song and made our album reached number 2 and stayed 6 months there. I think if it hadn’t been for Chris, it could have only been number 38 for 2 weeks, or something like that. That was the difference, the difference was radio.
«As soon as Oasis made any money they fucked off from Manchester and went to London»
You’ve been together more than 20 years, in these years many bands have come and gone, is there like a secret formula to be in the front line all this time?
SC: I think it’s because we stay friends.
SF: And I think the other thing is that, in reality, having that success in 1996, meant that it was something we could carry on doing and something that we could say that’s how we’re going to live adult lives, you know? And make a living. If it hadn’t happen in ’96, I don’t know what would have happen in reality. I’d like to think that we wouldn’t have split up but… I don’t know what would have happen really. So I guess it’s the fact that we are friends, and also became a real band, a real touring band, very professional.
SC: And also none of us got into heroin. I think that’s probably important.
If you had to start all over again, would you change something?
SF: I would change his jacket! (Pointing Steve’s jacket and laughing hard) Well I would have worked harder. I would have written more songs, I think.
But you used to write 3 songs in an afternoon right?
SF: Yeah that’s right. I used to write so that we had something to do. Me and Steve in particular, when we got into the recording studio near to where we lived. If I hadn’t written a couple of songs that night we wouldn’t have nothing to do the following day. And we should carry on writing more I think. But apart from that, no, because even the things that went wrong were funny. (Laughs) Most of the times we got into horrible trouble, that was funny as well. And still is.
«New bands shouldn’t listen to old bands. Just get a lawyer and avoid heroin.»
The way to make music has changed a lot since you started, but do you reckon it’s actually easier for musicians this way than it was before?
SC: Yeah definitely. It’s much easier. When we started we recorded in 2’’ tapes, like the way they recorded in the 40’s, 50’s or 60’s. And the last 10 or 15 years, it’s totally changed. I don’t think they make tapes anymore.
SF: Yeah they probably don’t, do they?
SC: It’s all made on the digital age. Even Neil Young records, he records on tapes still, but he left digital computer software running alongside it.
SF: Well I’m useless with technology, I can’t use computers, I never use them, but Steve has learnt to record using a machine like this big, instead of the size of this bus, like they used to be. I think that we could make an album in this room. Which in a way I think… Is it sad?
SC: I think it’s a great idea.
SF: It’s actually funny, it’s like the punk ethos, has come around and no one knew how would fulfill it. There’s a democratization of music, anyone can really start making records, and they don’t need a hundred thousand pounds from a major record label, who are going to tell them how to make it.
Do you think listeners are getting lazy or superficial when listening music with the new options they have now? Seems like no one buys albums anymore.
SF: That’s a bit of a concern, when you’re in band, selling records. I don’t know to be honest, because I’m not of the generation. There’s so much information, within seconds you can listen any record, from any artist, from any era, and whatever type of music it is, that’s got to be good. But if you go to record shops, second hand record shops, you pay a fortune for records, £30 for a record I remember I sold for about a fiver when I was on the door with no money and no drugs. That’s crazy. Some of them are £12, some of them are £27, some of them are 30 quid, they don’t seem to have a…
SC: I think it’s the thickness of the vinyl, it makes the heaviest vinyl they normally are £20 in England I think.
Now that we can consider you music veteran, what would be your advice to the bands trying to make themselves a name out there?
SF: Don’t listen to old bands. Get a lawyer. I’d say. Get somebody who you can trust. I’m sure that a lot of bands have problems here and there with money, but I don’t know really.
SC: Get a lawyer and avoid heroin, I would say.
«U2, Coldplay and Oasis are very bland bands. Maybe you just have to play shit like that to get that big»
Birmingham’s got a huge musical background. Do you have any recommendations on new bands that you’re currently listening to?
SC: The Boatyman, but they’re not on the internet. Well, there’s just a song recorded at the Irish Centre. Oh and Peace. Do you know Peace?
Yes indeed, they got lot of press. I think they sound a little bit like The Stone Roses in some songs. (I’m thinking in Waste Of Saint, for instance)
SC: I don’t think they do, I think they sound more Brit Pop, poppy vocals…
If you had the chance to play your music anywhere or anytime in history, which place would it be?
SF: Monterrey festival, I think that’s the best festival I remember. But what about tonight in Madrid?
SC: King’s Road 67, when all went colourful.
What’s happening in music when a quality band like OCS doesn’t get to play Arenas more often?
SF: Well to play arenas, I think it’s just U2, Coldplay and probably Oasis, but they’re kind of all very bland don’t they? I don’t think they’re very intimate.
SC: Maybe you just have to play shit like that to get that big.
Are you happy?
SC: Yeah!
SF: Yeah I’m pretty happy, tonight yeah!
SC: He’s never happy. He’s always moody. He’s a miserable old man.
Guardsno deja de ser el enésimo grupo surgido y alzado del boca oreja de la red. Pero tiene algo. De Brooklyn por defecto, esta banda está formada por un “hermano de”, en este caso Richie James Follin, hermano de Madeline Follin, de los también neoyorquinos Cults, -aunque musicalmente hablando no tienen nada que ver con ellos- como voz principal y guitarra, Loren Humphrey a la batería y Kaylie Church teclados y voz. En 2010 regalaron un EP homónimo donde se veían sus intenciones y que ya contaba con temas destacables como I See It Coming, Resolution Of One, Sailt it Slow donde cuentan con la colaboración de Cults, o Trophy Queen con la de Carolina Polacheck, cantante de Chairlift.
Ahora presentan In Guards We Trust (PIAS, 2013), un más que notable debut cargado de balas en forma de riffs y estribillos ganadores que seguramente serán coreados incesantemente de aquí a la vuelta del invierno. Han conseguido un rock noventero desenfadado y altamente adictivo, que mezcla power pop y guitarras distorsionadascon algunos elementos pop de los 60, y que resultan en el álbum más divertido en lo que llevamos de año.
Sus letras son un sí pero no. Posiblemente el contrapunto que equilibra el conjunto del álbum. Mientras sus temas son abiertamente radiantes, sus letras hablan en su mayoría de inseguridades, de miedo, de perder la cabeza, de volver la vista atrás, de sentimientos, pero cuentan con mucha sinceridad y en ocasiones con esos «20 segundos de coraje irracional», como en I Know It’s You o Coming True.
En definitiva, In Guards We Trust, aunque quizás algo extenso, es uno de los discos más resultones de 2013, con una colección perfectamente uniformada de himnos de verano que con toda seguridad para muchos quedarán arraigados a un momento y un instante, en alguno de los festivales que la banda piensa visitar este verano. La cuestión ahora radica en si conseguirán pasar el examen del tiempo y no quedar estancados en lo que seguramente algunos escépticos consideren un bonito álbum de verano. A su favor, un gran potencial y sobre todo temas. Buenos temas que demuestran crear a puñados con este debut.
En la actualidad se encuentran de gira taloneando a Joy Formidable, aunque su próximo paso serán festivales como Coachella, Primavera Soundo el Field Day londinense, o giras con Best Coast o Alt-J.
Porque de un tiempo a esta parte parece que son ellas las que mueven los hilos más interesantes de la escena musical actual. Las modas cambian y vuelven más rápido que nunca y el sentido de la orientación se pierde con facilidad. El gato por liebre empieza a ser una constante molesta y aunque los refritos de refritos estén a la orden del día, lo cierto es que la calidad sigue ahí fuera y cada vez es más habitual encontrar talentosas bandas emergentes donde las chicas toman la iniciativa.
Lo hemos comprobado con infinidad de bandas que entran sin permiso y no están dispuestas a marcharse a las primeras de cambio: Desde Vivian Girls a Best Coast; de Dum Dum Girls a Beach House, Cristal Castles o Anna Calvi , o fueras de serie como Natasha Khan de Bat For Lashes o Brittany Howardde Alabama Shakes.
Por eso, hoy queremos hacer un rápido análisis de 10 bandas emergentes que poseen los ingredientes necesarios para pegar fuerte, y tienen interesantes propuestas que presentar y defender a lo largo de este 2013, la gran mayoría, álbumes debuts o EP’s.
HAIM
Lanzábamos la primicia ya en el pasado Mayo, cuando aun no tenían discográfica que lanzara su debut. Danielle, Alana y Este Haim, las 3 hermanas californianas acostumbradas a tocar con sus padres, al mas puro estilo Kitty Daisy & Lewis, decidieron dejar a estos a un lado para marcarse un EP con 3 temas, que regalaron en su web. Sería en Junio cuando Polydor- Universal se fijaran en ellas y no dudaran en pagar 2 millones (DOS) de dólares para deshacerse en la puja de Sony y Warner.
Su mezcla de folk, r’nb y POP con mayúsculas suena sincera como pocas, y es de esas formaciones que te ganan con el directo. Su debut se espera con ganas para Marzo. Si imprescindibles era ya su single presentacion,Forever, no se pierdan el más reciente Falling o Don’t Save Me.
MS MR
Este dúo de chill wave establecido en NY, se apunta a la última moda que no es otra que ofrecer datos de la banda a cuentagotas, en ocasiones solamente un nombre y un link a un single. Les mencionamos en Junio, cuando lanzaban el single debut llamado Hurricane. Un tema nostálgico, de tintes épicos y detalles de Bat For Lashes, y una voz muy similar a la de Florence Welch de Florence & The Machine. Han sido fichados por Sony y su álbum debut verá la luz el 14 de Mayo.
TORRES
Detrás de Torres está la cantautora de Nashville de 22 años Mackenzie Scott, que acaba de lanzar digitalmente su álbum debut homónimo, y que contiene un enorme primer single llamado Honey. Le basta distorsionar los sonidos de su Gibson y manejar a su antojo una gran voz, en este caso intencionadamente ruda para lograr un tema de intensidad contenida y rico liricamente. «Honey, while you were ashing in your coffee, I was thinking of telling you’ve what you done to me». Su álbum debut homónimo acaba de salir al mercado.
Parece que Sharon Van Etten ya tiene competencia.
SAY LOU LOU
Estas gemelas de procedencia sueca-australiana, Saint Lou Lou hasta hace unos días, sorprendieron a propios y extraños con el lanzamiento de un gran single, Maybe You, con el que consiguieron que los ojos de los blogs mas meticulosos se fijaran ellas. Incluidos los fashionistas de Kitsuné que se apresuran a ficharlas. Poco después lanzan un video resultón dirigido por el director Philippe Tempelman y la bola está montada.
El siguiente paso serán son singles a cuentagotas como Skylights o Julian, desaparecidos practicamente de la red, y anuncio de nuevo álbum. Aún con todo, amantes de Au Revoir Simone, Cocteau Twins o Beach House, aquí hay material.
VERONICA FALLS
La banda londinense de Roxanne Clifford sorprendió en 2011 con un debut que tiraba de sonido C-86, Vivian Girls o Dum Dum Girls, y ahora presentan un segundo disco más colorista con un Lo-fi más trabajado que tiende más a Best Coast que a las propias Vivian Girls. De hecho parece que sea el segundo álbum que estaba buscando Bethany Cosentino con The Only Place.
Waiting For Something To Happen, que así se llama, ha sido producido por Rory Atwell (The Vaccines, Yuck), que pretende conseguir que la banda pueda dar ese gran salto que se le resiste a los anteriormente mencionados, con un sonido que a menudo parece demasiado trillado, pero que por lo escuchado aquí parece no tener los días contados como creía más de uno. Buenas melodías, juegos vocales y guitarras trepidantes para un álbum óptimo que apunta alto en este recién estrenado año.
LAURA MVULA
Esta británica de 25 años, natural de Birmingham pero con raíces caribeñas, ha conseguido gran atención con la publicación de apenas 2 singles, como fue el emotivo Sheel año pasado y el más reciente Green Garden. Encariñada desde primaria al piano y al violín, su estilo recuerda a Erykah Badu o Amy Winehouse. Hace apenas un año dejaba su trabajo en la recepción de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham para dar rienda suelta a su imaginación a través del Garage Band de su ordenador. El resultado es una mezcla de R&B, soul y gospel que le ha valido para ganar la atención de los críticos de la BBC, y para que Sony se apresurara a ficharla. Su debut se llama Sing To The Moon y está programado para el 4 de Marzo.
WOLF ALICE
La primera impresión que se pueden llevar de la banda de Ellie Rowsell seguramente no sea la adecuada. Este trío londinense de psychofreak poprock, como ellos mismos se auto-etiquetan, decidieron dejar el folk que paseaban por el Norte de Londres para coger las guitarras eléctricas y tocar en todos los garitos de la ciudad que pudieran. A mediados del año pasado publicaban un EP homónimo y auto-producido, desaparecido del mercado, de solamente 3 canciones. Más tarde lanzarían Leaving You y ahora el single físico de Fluffy, con videoclip incluido. Un tema con el que pretenden posicionar su sonido, ensuciándolo intencionadamente y dándole una forma que tiene la figura del éxito dibujada. La versatilidad del sonido de la banda y el carisma de Ellie forman una ecuación que apunta maneras.
DEAP VALLY
Las Black Keys femeninas que no se cortaban a la hora de acosar a los Horrors quieren dar un salto adelante. Hacen garaje salvaje. Unrock blusero rudo y cabezón utilizando solamente guitarra y batería, aunque quizás su sonido se acerca más a Wolfmother y White Stripes. El descaro y la actitud que muestra la cantante y guitarrista Lindsay Troy es un gran valor añadido que seguro les vale para salirse del tiesto. Además de una voz punzante que recuerda a Juliette Lewis o Karen O.
La historia de Deap Vally se desarrolla en el corto plazo. Hace apenas año y medio que Lindsay conocía a Julie Edwards, en Los Angeles, mientras esta trabajaba en un taller de costura. Después de hacerse amigas e intercambiarse discos de Led Zeppelín, Lindsey convencía a Julie para formar la banda. 5 temas después y algunos videos en la red les ha valido para llamar la atención de Iggy Pop, con quien ya han tocado, de Queens Of The Stone Age, quienes quieren llevárselas de gira, o Mumford & Sons, de quienes son las teloneras de su gira actual. Su álbum debut se espera este 2013.
CHVRCHES
Chvrches son un trío electrónico de Glasgow que hacen synthpop adictivo y que cuentan con la voz de Lauren Mayberry como principal atractivo. Se conocieron en Octubre de 2011 aunque todos ellos tenían proyectos musicales alternativos antes de formar la banda. La BBC se fijó en ellos para su porra de nuevos talentos y han conseguido una buena porción de atención desde entonces. El año pasado lanzaban Liesy The Mother We Share, y el 25 de Marzo lanzarán Recover, el que será su EP debut
F.U.R.S.
Poco se sabe de este trío londinense que hace música americana influenciada por música inglesa. Elle Wade ejerce de líder, aunque en la banda también se encuentra su hermano Liam. Su primer single es un contagioso tema llamado Striptease, que tira de revival pero con buenas maneras. Johnny Marr personalmente les ha elegido para talonear su inminente gira por UK. Se encuentran grabando su debut aunque este single verá la luz física el 25 de Marzo. Seguramente no será la última vez que escuchemos su nombre.
Y no son las únicas. Si quieren alguna más, bandas como Savages, PINS, Valerie June, of Verona, Christine & The Queens, Indiana, Eddie The Gun, Sally Shapiro o las hermanas suecas First Aid Kit también esperan un 2013 lo más movido posible.
Recuerden que podrán adquirir los discos de estas bandas también a través de tiendas online y encontrar algunas ofertas en la web deDscuento.com
Tiene mérito como el dúo electrónico Capital Citieslograron expandir su música por todo el mundo sin la ayuda de una compañía discográfica ni nada que se le parezca. Muchos blogs empezaron a hablar de ellos cuando lanzaron un hit como es Safe & Sound. Ryan Merchant y Sebu Simonian lanzaron su EP debut el pasado año, y tuvo un éxito considerable, que les hizo tocar en Canadá, Sudamérica o Europa. También han conseguido encabezar las listas de Hype Machine y ser tildados por el gurúPerez Hilton como «la mejor banda de LA».
Hace un mes han conseguido por fin el reconocimiento que merecen y han sido fichados por la enorme Capitol Records, lo que augura su álbum debut para este año y una exposición mayor en todos los medios.
ROCKASThabló con el cantante Ryan Merchant con motivo de su visita a Madrid en el festival DCode, donde se convirtieron en uno de los mejores actos del fin de semana.
Solamente habéis publicado un EP y está funcionando bastante bien, sobre todo gracias al boca-oreja y a Internet. ¿Ha sido autoproducido o hay una compañía apoyando el álbum?
Sí, lo hemos autoproducido y lo hemos lanzado nosotros mismos, y por suerte la música se ha extendido a través del boca a boca.
Os encontrasteis de hecho por medio de Craiglist (el equivalente en San Francisco al Gumtree londinense), y también con Manny, vuestro bajista. ¿Cómo veis los medios y cómo creéis que ayudan a llevar vuestra música por el mundo?
Hay muchas formas en la media y es importante utilizar todas ellas para crear una base de fans. Inicialmente captamos la atención de los blogs. Así es como empiezas a hacerte un nombre ahí fuera. Al final saltas a la radio y a las revistas grandes. Al mismo tiempo conectamos con nuestros fans en Facebook y Twitter. Es una época increíble para ser un músico independiente. Las compañías aún tienen mucho poder, pero es más democrático ahora.
«En los tiempos que corren tienes que tomar el control de tu propio destino y crear la oportunidad.»
Hicisteis una versión del Breathe de Pink Floyd bastante buena con el sampler de Tupac, y también el Nothing Compares To You de Sinead O’Connor o el Holiday de Madonna con gran resultado. ¿Tenéis algo en la cabeza para vuestro siguiente cover o mashup que deseéis hacer?
No estoy seguro de qué versionaremos lo siguiente. Puede que sea un tema de los Beatles, pero no uno que te esperes de una banda pop electrónica.
¿Es más duro que antes el hecho de conseguir apoyo de una discográfica?
Aún no tenemos una discográfica que nos respalde así que no te sabría decir. Todo lo hacemos nosotros mismos con la ayuda de nuestro excelente manager y representante. Ahora mismo en estos tiempos que corren tienes que tomar el control de tu propio destino y crear la oportunidad. No puedes contar en los llamados “profesionales” para hacer que las cosas sucedan.
«Safe and Sound es una canción de amor a la raza humana»
Safe & Sound es tan eufórica como parece. ¿Cómo surgió? El saxofón se está conviertiendo últimamente en un instrumento muy popular de nuevo en la música electrónica pero esa trompeta… ¿Cuál es la historia detrás de este tema?
Safe & Sound nos llevó mucho tiempo hasta conseguir lo que es ahora. Producimos 10 versiones antes de quedarnos satisfechos. Temáticamente la canción habla de no preocuparse acerca de si el final del mundo está llegando. Cada generación piensa que estamos caminando hacia el Armageddon, pero nunca llega. Los humanos tienen una increíble capacidad de adaptarse y resolver problemas. Es una canción de amor a la raza humana.
¿Qué artista o banda ves como una referencia musical?
Tenemos muchas referencias musicales, pero una de las más grandes es Michael Jackson. Sus temas eran muy funkies y bailables, pero también tenía letras y melodías increíbles.
¿Qué es lo más escuchado en vuestros iPods, iPhones, Walkmans…?
Me gusta mucho Beach House. Cada canción de sus álbumes es tan buena que puedes escucharla constantemente y no rallarte. Whitest Boy Alive es también espectacular.
Hablemos de vuestros directos. Con toda esta interminable recesión sobre nuestras cabezas, creo que la gente realmente viene a vuestros conciertos a desconectar y trae una gran predisposición a pasar un buen rato. ¿Qué podemos esperar de vuestros conciertos?
Nos gusta entretener a las audiencias cuando actuamos. No nos sentamos directamente y nos hacemos los guays. Bailamos, interactuamos y nos divertimos nosotros mismos sobre el escenario. También tenemos una buena mezcla de músicos en directo y música electrónica que hace que la gente baile.
¿Habéis considerado alguna vez alguna idea extravagante como por ejemplo, la bola de hamster gigante de los Flaming Lips o algo del estilo?
Ví a los Flaming Lips usando esa bola de hamster y me molestó. Fui a ver la actuación de su increíble “Yoshimi Battles The Robots” y se dedicaron a hacer el ridículo en el escenario en vez de tocar sus temas. Así que no creo que hagamos nada que se salga de la presentación de nuestras canciones. La gente quiere oír música.
DB
Capital Cities estarán actuando el 4 de Abril en la Joy Eslava de Madrid. Entradas en http://www.ticketmaster.es
R O C K A S T / / 
«New bands shouldn’t listen to old bands» OCEAN COLOUR SCENE Interview.
We’ve had the opportunity to interview some very fascinating people here in Rockast, and probably the best part of interviewing somebody whose entire life is made of music, is to look at their eyes and realize they’re really up for the moment and won’t dodge any question. It’s just a little way of having contact with the fans and try to explain themselves from another point of view. Without the help of their music.
And some of those artists have always something to say and must always be heard. Especially the most experienced ones.
It’s an honour for us having Simon Fowler and Steve Cradock from Ocean Colour Scene here today. They’ve just released their 10th album called ‘Painting’ ([PIAS] 2013), and right in the middle of their Spanish tour, they let us get on their massive tour bus to have a chat about Brit Pop, drugs, record stores, Oasis, Paul Weller, Peace, bands that make shitty music, and even their next record! Definitely not to be missed.
How is the tour going so far?
SIMON FOWLER: It’s going pretty well, thanks. We’ve played 3 gigs so far in Spain. Zaragoza, Santiago and San Sebastián. Very good gigs.
I’ve seen you’ve also played outdoors this morning
STEVE CRADOCK: Yeah at the station, it was just 5 minutes walking from here. That was a bit strange, out of our routine
Painting is your 10th album, it’s been very well received, how do you feel about it? Were you looking forward to make it after your solo albums?
SF: Ahm, I think we really wanted to do it. We wanted to make a new album because we wanted to have new songs to play. And to play live. We spent the year before doing most of the shows up. And we needed something new. I found out that once an album it’s released, you kind of forget about it. We’ve been listening to some things Steve has been working on for the next record, we’ve been listening that the other night.
But you’ve released Paintings less than 2 months ago.
SC: You just don’t sit around and listen to albums really.
SF: I’ve never sat around listened to our own albums once they’ve been made.
SC: I think the reason might be that it’s quite intense when you’re recording it, isn’t it? You hear it so much when you’re recording that…
SF: Is the last thing you want to listen!
SF: You can listen to ZZ Top or Billie Piper’s new cd instead! (Laughs)
Which is the album your most proud of?
SC: I love the B-sides, Seasides and Freerides.
SF: Yeah that’s my favourite album too.
Back on the 90’s, the press was talking about Brit Pop, but now seems like everything is about TV shows and non-sense pop acts. So I guess, after all the Brit Pop scene wasn’t that bad, was it?
SF: It was good fun! Good fun all the time! Wasn’t it? Everyone was young, and everyone was taking lots of drugs. Everyone thought they were in the Beatles or Stones or the Who or the Kings! (laughs). It was a bit like being at school. But I’m not sure that we were Brit pop, I guess to you we are…
SC: Are we?
SF: I guess we were, but we didn’t feel.
But you’re always tagged as Brit pop, maybe just because you were there at that time.
SF: Yeah it was just because we were there. But we were taking us as far too seriously so that we were never a pop band. And I don’t think we were a pop band really.
SC: I think all that happen in London as well, and we lived in Birmingham. There’s 120 miles distance. And all bands lived in London really.
SF: As soon as Oasis made any money what did they do? They fucked off from Manchester and went to London.
SC: I think that everybody was going out and circulating in the same places that we never were really.
But you played with Paul Weller and Oasis back then, did that suppose a decisive boost for Ocean Colour Scene or is not that important?
SF: It’s probably not as important as people imagine, in terms of how we actually became popular. The two are different. Paul was our guardian I guess, our sponsor, a big brother. Steve started playing with him, and because of that we started going out on those early tours doing the support, going in coaches like this, into hotels and cities across Europe… It seemed that it was real, rather than just a hobby.
And Oasis… (thinks for few seconds), well playing with Oasis probably did nothing for us. It put a name in the cool crowd. But in terms of making us popular it didn’t. When we supported them on the first tour, when they were very popular, quite frankly no-one in the crowd wanted to see us. What really happened is that DJ Chris Evans played our song and made our album reached number 2 and stayed 6 months there. I think if it hadn’t been for Chris, it could have only been number 38 for 2 weeks, or something like that. That was the difference, the difference was radio.
You’ve been together more than 20 years, in these years many bands have come and gone, is there like a secret formula to be in the front line all this time?
SC: I think it’s because we stay friends.
SF: And I think the other thing is that, in reality, having that success in 1996, meant that it was something we could carry on doing and something that we could say that’s how we’re going to live adult lives, you know? And make a living. If it hadn’t happen in ’96, I don’t know what would have happen in reality. I’d like to think that we wouldn’t have split up but… I don’t know what would have happen really. So I guess it’s the fact that we are friends, and also became a real band, a real touring band, very professional.
SC: And also none of us got into heroin. I think that’s probably important.
If you had to start all over again, would you change something?
SF: I would change his jacket! (Pointing Steve’s jacket and laughing hard) Well I would have worked harder. I would have written more songs, I think.
But you used to write 3 songs in an afternoon right?
SF: Yeah that’s right. I used to write so that we had something to do. Me and Steve in particular, when we got into the recording studio near to where we lived. If I hadn’t written a couple of songs that night we wouldn’t have nothing to do the following day. And we should carry on writing more I think. But apart from that, no, because even the things that went wrong were funny. (Laughs) Most of the times we got into horrible trouble, that was funny as well. And still is.
The way to make music has changed a lot since you started, but do you reckon it’s actually easier for musicians this way than it was before?
SC: Yeah definitely. It’s much easier. When we started we recorded in 2’’ tapes, like the way they recorded in the 40’s, 50’s or 60’s. And the last 10 or 15 years, it’s totally changed. I don’t think they make tapes anymore.
SF: Yeah they probably don’t, do they?
SC: It’s all made on the digital age. Even Neil Young records, he records on tapes still, but he left digital computer software running alongside it.
SF: Well I’m useless with technology, I can’t use computers, I never use them, but Steve has learnt to record using a machine like this big, instead of the size of this bus, like they used to be. I think that we could make an album in this room. Which in a way I think… Is it sad?
SC: I think it’s a great idea.
SF: It’s actually funny, it’s like the punk ethos, has come around and no one knew how would fulfill it. There’s a democratization of music, anyone can really start making records, and they don’t need a hundred thousand pounds from a major record label, who are going to tell them how to make it.
Do you think listeners are getting lazy or superficial when listening music with the new options they have now? Seems like no one buys albums anymore.
SF: That’s a bit of a concern, when you’re in band, selling records. I don’t know to be honest, because I’m not of the generation. There’s so much information, within seconds you can listen any record, from any artist, from any era, and whatever type of music it is, that’s got to be good. But if you go to record shops, second hand record shops, you pay a fortune for records, £30 for a record I remember I sold for about a fiver when I was on the door with no money and no drugs. That’s crazy. Some of them are £12, some of them are £27, some of them are 30 quid, they don’t seem to have a…
SC: I think it’s the thickness of the vinyl, it makes the heaviest vinyl they normally are £20 in England I think.
Now that we can consider you music veteran, what would be your advice to the bands trying to make themselves a name out there?
SF: Don’t listen to old bands. Get a lawyer. I’d say. Get somebody who you can trust. I’m sure that a lot of bands have problems here and there with money, but I don’t know really.
SC: Get a lawyer and avoid heroin, I would say.
Birmingham’s got a huge musical background. Do you have any recommendations on new bands that you’re currently listening to?
SC: The Boatyman, but they’re not on the internet. Well, there’s just a song recorded at the Irish Centre. Oh and Peace. Do you know Peace?
Yes indeed, they got lot of press. I think they sound a little bit like The Stone Roses in some songs. (I’m thinking in Waste Of Saint, for instance)
SC: I don’t think they do, I think they sound more Brit Pop, poppy vocals…
If you had the chance to play your music anywhere or anytime in history, which place would it be?
SF: Monterrey festival, I think that’s the best festival I remember. But what about tonight in Madrid?
SC: King’s Road 67, when all went colourful.
What’s happening in music when a quality band like OCS doesn’t get to play Arenas more often?
SF: Well to play arenas, I think it’s just U2, Coldplay and probably Oasis, but they’re kind of all very bland don’t they? I don’t think they’re very intimate.
SC: Maybe you just have to play shit like that to get that big.
Are you happy?
SC: Yeah!
SF: Yeah I’m pretty happy, tonight yeah!
SC: He’s never happy. He’s always moody. He’s a miserable old man.
SF: No I’m not!! (laughing)
Paintings has been released by [PIAS] in 2013.
Comparte esto:
Deja un comentario
Publicado en Blues, british rock, folk, indie, rock
Etiquetado ocean colour scene 2013, ocean colour scene comments, ocean colour scene interview 2013, ocean colour scene new album 2013, ocean colour scene paintings, ocean colour scene paul weller, ocean colour scene vs oasis