La historia de esta banda, como casi todas las historias de bandas que tienen éxito, forma parte del más puro azar. Y en su caso funciona así: Big Deal está formada por la británica Alice Costelloe y el californiano Kacey Underwood. El azar dictaminó que Kacey enseñara música en la misma escuela donde imparte clases la madre de Alice. Y el mismo azar hizo que ésta insistiera a Kacey en echar un vistazo a la banda de Alice por entonces, Pull In Emergency, y terminara enseñando a su hija a tocar temas de Dinosaur Jr y Sonic Youth.
La química (antes de que lo pregunten no, no son pareja) surtió efecto musicalmente hablando en 2011, cuando lanzaron como dúo un lucido debut llamado Lights Outque tuvo su pequeño reconocimiento. Ahora regresan como cuarteto con June Gloom, en lo que supone uno de los mejores discos de rock que han aparecido este año. El álbum ha sido grabado en un barco en el este del Támesis llamado Lightship 95 con el mismo productor de PAWS, con quien Alice ya había colaborado para el tema y clip de Sore Tummy. Su sonido ha ganado muchos enteros con banda completa (concretamente con Mel Rugby y Huw Webb de S.C.U.M.). Su sonido tiene ahora más peso sobre todo teniendo en cuenta la inclusión de la batería. Sus guitarras apuntan al rock low-fi de los 90, un serio revival que empieza a ser una realidad palpable. Cuentan con elementos de Mazzy Gray o unos pulidos Joy Formidable sin ir más lejos. Incluso encontramos ecos de la mejor Jenny Lewis de Rilo Kiley.
Pero su mecha empieza a prender. Antes solía dar la impresión de que las bandas lideradas por chicas lo tenían más difícil. Pero nada más lejos de la realidad lejos de una moda pasajera. La chispa de Big Deal, es ese contraste casi único entre la voz dulce de Alice Costelloe y el muro de sonido que crea Kacey. El contraste entre felicidad y tristeza
June Gloom habla de relaciones chico/chica y cuenta con buenos pilares donde sostenerse como son In Your Car, Dream Machines, Teradactolo Catch Up. Pero el sentido se lo da el álbum al completo. Parecen haber recolectado cuidadosamente lo mejor de los 90 y haberlo plantado con aún más sigilo. El resultado es un álbum muy completo que crece de inmediato y que se hará con toda seguridad un hueco entre los más destacados del 2013.
Alice, 20, y Kacey, 29, tienen un enorme potencial que esperamos ver pronto si se animan y atreven los promotores musicales en España. Uno de los discos del verano y el renacimiento de una gran banda.
Porque no sólo de Palma Violets, Haim o Savages vive el hombre, en el infinito mundo de la música actual, es más posible que nunca encontrar bandas excitantes en cada rincón del planeta.
Hoy traemos 13 bandas indispensables que están tomando forma en este 2013 y que empiezan a hacerse notar a medida que avanza su onda expansiva. Algunas sin álbum siquiera publicado, la mayoría lanzando su primer EP o LP, todas tienen puestas sus ilusiones en este año y por ello se marcarán importantes giras para demostrarlo. Para prueba un botón, los must de 2012.
Estos son 13 de los artistas que más nos han llamado la atención en lo que va de año:
1. PAPA
Dejar una banda como Girls es sin duda una decisión cuanto menos arriesgada. No fue lo que pensó Darren Weis, cuando sin pensárselo dos veces dejó la banda del bueno de Christopher Owens para lanzar su propio proyecto. El ex-batería de Girls hizo caso omiso a sus allegados y formó Papa, originaria de LA que sigue teniendo en su haber detalles que atesoraban los mejores Girls, con grandes melodías y temas sencillos. Sencillos pero también trepidantes, algunos rozando lo comercial, lo que para el momento en el que estamos, podría considerarse enteramente comercial. En 2011 lanzaron su EP debut, con buenos temas como I Am The Lion King o Ain’t It So. Su mezcla de americana con el rock de Springsteen y cierta dosis de importante locura les abre los oídos de los oyentes de par en par. Su último sencillo se llama Put Me To Work y nos lo presentan a ritmo de esqueletos bailongos.
2. RHYE
Este dúo de LA envuelto en la moda del misterio, lanzaron en San Valentín un gran single presentación como fue Open dentro de una estrategia hábilmente marcada, que les llevó al lanzamiento de The Fall, otro enorme single, y a su consiguiente EP debut. Formado por el productor canadiense Milosh y el danés Robin Hannibal, este año han publicado Woman, que es su álbum presentación. Una apuesta elegante y altamente adictiva como pocas encontraremos este año. Hablamos de ellos en Febrero
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3. POPSTRANGERS
Popstrangers son un trío de Nueva Zelanda ideal para quienes no llegaron al apogeo de Nirvana o My Bloody Valentine. Después de mostrar algunos singles han tenido la oportunidad de lanzar su largo con Flyin Nun Records, una independiente neozelandesa basada en la filosofía del DIY y con más de 30 años de recorrido, que ha dejado a los chicos de Auckland grabar a sus anchas. Su debut se llama Antipodes y contiene buenas dosis de un noise pop retorcido, más habitual últimamente en América, guitarras distorsionadas y uso de reverb y ecos en las voces. Sin duda un gran debut que probablemente traspase fronteras.
4. BLACK LIGHT DINNER PARTY
Black Light Dinner Party es un emotivo proyecto de 4 amigos, tres de NY y uno de Boston, que a raíz del cáncer diagnosticado a la madre del cantante, decidieron dejar su música experimental a un lado y hacer algo más accesible para ella. Desafortunadamente falleció con el lanzamiento de su primer single, Older Together, pero se encontraron con reacciones tan positivas que decidieron continuar.
Al contrario que Rhye o Lana del Rey, la falta de información no responde a una estrategia, sino más bien a la ausencia de esta, debido principalmente a la alta demanda que ha tenido su música y al hecho de haberles cogido con el paso cambiado. Ellos mismos aceptan su estilo como electrónico aunque se consideran una banda de rock. Solamente han publicado un EP el año pasado, si bien su debut, Sons And Lovers, programado para Mayo, es inminente. Han teloneado a Icona Pop y próximamente visitarán Europa después de una mini gira por las costas americanas. Se atreven con una versión del Your Drums, Your Love de AlunaGeorge, (otro de los grandes nombres del año), y en su web puedes incluso entretenerte con un videojuego.
5. TOM ODELL
Tom Odell es un pianista y compositor inglés, en el que Columbia puso sus ojos y billetes apenas supieron de su existencia a través de su EP. Su debut, Long Way Downse retrasó hasta Junio para no coincidir con Bowie, Depeche Mode, Timberlake y Strokes entre otros. Con sólo 22 años, Tom Odell ha llegado a ganar un Brit a la mejor promesa sin tener álbum publicado. Ahí vemos la velocidad que empieza a tomar todo en el mundo de la música. Pero razón no les faltaba. A pesar de contar con una famosa madrina como es Lilly Allen, su EP Songs From Another Lovees sensacional. A finales de Junio podremos comprobar la intensidad y la fuerza de sus temas con el nuevo álbum, con Hold Me como primer single y tema estrella. Todo apunta al nacimiento de una sensación británica.
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6. LOCAL NATIVES
La banda de Silver Lake (L.A.) que lanzó su debut en 2009 consiguiendo un discreto reconocimiento, ha logrado por fin este año hacerse un hueco con su segundo álbum, Hummingbird (Infectious / Frenchkiss Records). Cuentan con un gran productor como es Aaron Dessner de The National, que se limita a sacar lo mejor de la banda sin muchos experimentos. Muestran influencias de algunas de las bandas más destacadas de los últimos 15 años como Broken Social Scene o Grizzly Bear.
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7. SPLASHH
Con un nombre casi tan sonoro como visual, esta formación utiliza una cuidada fórmula shoegazer a través de guitarras directas, ritmos casi hipnóticos y rock psicodélico. Establecidos en Londres, sus miembros proceden de Nueva Zelanda, Australia y Reino Unido, y han participado anteriormente en Colours o Brain Slaves.
Después de lanzar los singles de Need It y Vacation el año pasado, con los que consiguieron girar la cabeza de numerosos blogs y páginas especializadas, acaban de lanzar su álbum debut, llamado Comfort, un LP que también contiene notables temas como Headspins o All I Wanna Do.
8. MAC DEMARCO
Mac Demarco es un multi instrumentista canadiense que a finales de 2012 lanzaba su segundo álbum, denominado sencillamente 2 (Captured Tracks), donde apuesta por un rock sesgado y de aspecto perezoso que cuenta con riffs precisos que empezaremos a oir sampleados pronto. Su estilo mezcla psicodelia con el jangle pop de los 60. El resultado es un álbum que bien podría ser la banda sonora de cualquier ola de calor veraniega o del típico verano indio americano. Su personalidad y la puesta en escena con banda completa se hace querer.
9. GUARDS
Hablamos de los de Brooklyn hace unos meses, una banda cuya voz cantante la lleva el hermano de Madeline Follin de Cults. In Guards We Trust [PIAS 2013], es un debut prometedor cargado hasta los dientes de himnos a través de temas fáciles y resolutivos. Uno de esos álbumes para escuchar de principio a fin del tirón y anotar temas favoritos distintos en cada escucha. Los guitarrazos y la escuela power pop dejan gran sabor de boca en un álbum que quizá cojea en su duración. Veremos cuánto da de sí el sonido Brooklyn, pero de momento parece más fuerte que nunca.
10. PARQUET COURTS
Estos tipos de Texas afincados en Brooklyn no son muy amigos de adaptarse al entorno cool del barrio neoyorquino y prefieren llevarse sus propios hábitos. En 2011 lanzaron su debut exclusivamente en una edición limitada de cassette, (American Specialties), para un año más tarde lanzar su primer LP a gran escala, llamado Light Up Golden Dull Tools, que sería relanzado este 2013 globalmente por el sello de Brooklyn What’s Yr Rupture. Su naturaleza extrovertida mezclada con un punk sin experimentos ha calado en su nuevo barrio y les ha valido para expandirse rápidamente por todo el area metropolitana de NY. El trepidante Stoned and Starving es su carta de presentación.
11. CHEATAHS
Porque no todos los efectos de la globalización tienen que ser negativos. Esta formación del East London es una de las más excitantes del año. Cuenta con un cantante inglés, un bajista americano, un guitarrista canadiense, y un batería alemán. Wichita Records se apresuró a ficharlos apenas tuvieron oportunidad de escucharlos y les brindaron el lanzamiento mundial de un EP llamadoSans EP. Su bonita gráfica de procedencia es directamente proporcional a los estilos de los que hacen gala. Guitarrazos épicos ganadores se funden en un sello personal que mezcla shoegazer noventero, grunge y rock psicodélico. Beben de Dinosaur Jr, Teenage Fanclub o Lemonheads y vienen para quedarse.
12. PEACE
La escena de Birmingham siempre ha contado con grandes bandas, y parece que siguen con buen nivel. La banda favorita de sus paisanos Ocean Colour Scene, han lanzado un debut provocador que hace las delicias de la prensa británica. In Love, tira de Stone Roses, Happy Mondays, Blur o Vampire Weekend, pero el resultado del cocktail resulta gratamente positivo. Con todo se convierte rápidamente en uno de los grandes debuts de la temporada. Temas como Wraith, Follow Baby o un Lovesick embadurnado de azúcar, harán realidad uno de los discos más radiados del año. Pronto habrá una sorpresa de ellos en ROCKAST.
13. NIGHT BEDS
Night Beds es el proyecto de Winston Yellen, un cantautor de Colorado ubicado en Nashville, que había publicado ya 3 EP’s, Night Beds, Every Fire; Every Joy y Hide From It, y que lanza este año primer largo denominado Country Sleep. Este debut posiblemente le agradará si es seguidor del binomio Bon Iver / Fleet Foxes. Y además cuenta con su propia historia. Para escribir el álbum, Yellen alquiló hace 2 años una casa a las afueras de Nashville que anteriormente había pertenecido al mismísimo Johnny Cash y June Carter, y en la que se encerró durante 10 meses escribiendo canciones que luego grabaría en un estudio local. De ahí salieron estos temas, que van desde la americana clásica, al nuevo folk. Las letras tienden al pesimismo – el disco empieza con un I know you get lost sometimes man acapella- pero hay espacio para temas que se salen de esa tangente como Ramona. Incluso en los videoclips se esfuerzan por momentos en contrarrestar tanta desesperanza, como en el magnífico Even If We Try. Country Sleep está editado por Dan Oceans (The Tallest Man On Earth, Phosphorescent).
Sonic Youth, Nirvana, Dinosaur Jr, Pixies. There are so many bands that wouldn’t exist without them. You can imagine the honor of interviewing a band that has managed to build themselves a name through almost 30 years.
Dinosaur Jr is one of the most influential band of the last 3 decades and many bands try to imitate their unique sound. Singer, lead guitarist, and even Pope candidate if it were for his fans, J Mascis turned down Kurt Cobain invitation to join Nirvana not one but actually TWO times. That speaks for itself and shows the band faith and consistency to get their own sound.
Massachusetts trio (or duo?) is coming to Barcelona to play Primavera Sound festival and present their latest album,I Bet On The Sky ([PIAS]2012). We have a chat with bassist Lou Barlow, whose role in the band sometimes seems like a job, but that doesn’t mince words about Murph‘s sudden leaving, the tensions in the band, the family,John Agnello‘s job, or Nirvana. Not to be missed.
How are you Lou? First gig of your European leg, how do you feel?
I’m ok… Well our drummer actually run away the day before we were supposed to leave, so we have a replacement drummer, it’s very strange.
He just run away?
Yeah. He didn’t get on the plane. (laughs)
But is he coming for the rest of the Tour?
No.
So what happened?
He just changed his mind.
Lou, what’s the worst part of being on Tour?
I guess trying to stay healthy. That’s hard. And staying far from home. That’s terrible. But I love being travelling too so… And I love playing shows. So I can’t say that I’m miserable, I’m quite happy being on Tour. But it’s always like a confusing balancing between the people you love and what you do.
Some bands reunion end up pretty bad. Were you afraid of that?
Maybe I was afraid in the beginning, but as soon as we started playing I wasn’t afraid. As soon as I played the first note I knew I was not afraid.
«The band is more important than our personal relationship with each other»
Does the fact of having kids affect the atmosphere and the relationship between you guys in the band?
I don’t know. (Thinks for a while) Maybe. (More thinking) I mean having kids seem so natural for me now, that I can’t imagine not doing it. It’s hard to imagine what I would do without them. Before I had children actually my life was very prepared for children
What’s the most important thing in a band in order to make it work? Do you need to be friends or it’s just a matter of chemistry?
The musical chemistry, I gonna tell. The music is the most important thing. You know, the band is more important than the personal relationship with each other.
You know? Music is the most important thing. The band is more important than your personal relationship, with each other. But music is the most important thing. Then if you’re not the greatest friends, if you recognize that music is the most important thing, you can get over these things, because you’re focusing in a common goal.
How do you feel when you know you’ve created your own sound which is actually copied from other bands?
Well I recognize that the band has an unique sound, and as a music fan I recognize that a band with a unique sound is unusual. There’s a few. Well Ramones had a sound and people imitated that sound. And of course there are other bands too but in general, it surprises how interchangeable rock music is. I think we’re very happy, to have a sound. But that’s just because we dramatically focus on something so intensively when we were young, that it became like a second nature to us.
So in a way I don’t think about it, but in another way, as A music fan I understand it.
Which bands do you reckon can have their own sound here in Primavera Sound?
I think Animal Collective has made a very unique sound. And also Grizzly Bear have a very unique sound. Whenever I hear them I’m like «oh, that’s Grizzly Bear». But it’s funny how other bands, even bands I like, sound like comeditians of other bands.
«We could do the same sound without a producer. J is really the producer»
You’ve been working a lot with John Agnello, Is that important the producer’s job in a band?
I think without a producer we could do the same sound. The sound really comes down to J. I mean, J is really the producer of the sound. I mean, John Agnello records with other bands and they sound totally different than Dinosaur Jr. And when he records with Dinosaur he listen what J wants. J tells John what to do. John has been working with J since very early in the 90’s. Almost 20 years. Actually 20 years. I think it’s really the relationship that J has with John. I think if we, Dinosaur made a record, we could maintain the sound of the band at any time because J is so particular about what he wants.
You’ve played Terminal 5 in NYC to celebrate You’re Living All Over Me with lots of friends. How was it?
I loved it! (laughs) Yeah it was a top show. That was great for sure.
J said it would be impossible to make an album like that again. Are you agree?
Yeah I would agree with that. I mean is that way with so many other bands. Could Pink Floyd ever do The Piper At The Gates Of Dawn again? No. ¿Could Black Sabbath ever do Master Of Reality? No. Or the Ramones. Is Lou Reed ever gonna do The Velvet Underground & Nico again? No, he’s not. (laughs)
But it’s lucky. We were lucky. Like I said, when we were young we were very focused to create our own sound, and make the band unique. And we got it.
«We were lucky to make an album like You’re Living All Over Me»
The relationship with J in the past have been pretty tense, but in this last album you participate a lot. Could you imagine Dinosaur Jr without J?
Without J?? Of course not! (laughs) He named the band, he came up with the concept of the band, his guitar sound… I mean you can’t really hear the bass and drums on the records. J is the dominant voice of the band. (laughs)
Would you change something in the band’s?
Yeah I’d like to change some things. Like on the records, when J plays the lead guitar that there’s like no other guitar, it just goes down to the bass and drums… Like it does live. I would like to reflect our live sound a bit more. Luckily someday. And that’s about it. I’m only dreaming! (laughs) I’m able to do that when I record my own songs, so I’m able to do what I like.And everytime I record or make a song for Dinosaur Jr I do it like thinking, I wanna make a song that has these elements because I’ve never heard them you know?
As for me, I think what makes a band truly great it’s when the live performance surpass the record, which is your case.
Yeah, we know it. Maybe in the future. I would like to make it, a little more minimal I guess.
How long will we be blessed with Dinosaur Jr?
I don’t know.
Is for good?
I don’t know. Now that our drummer run away I really don’t know you know? (laughs)
Would you change something from the past if you could? Don’t you think you could have become a huge phenomenon like Nirvana
I don’t know. J always says that Dinosaur could have never been as big as Nirvana because of his voice. Because his voice is too screamy. Kurt Cobain had a great rock & roll voice. I think the original Dinosaur, if we had stayed together we might have become a little bit bigger, but not Nirvana.
What about your project with Sebadoh?
We’ve just finished the record. We have an EP coming out on vinyl, sometime around september, on Domino, so there’s a lot of music coming out soon.
Are you happy?
Am I happy? (laughs) I’m not unhappy. I got a lot of things going on.
Sonic Youth,Nirvana, Dinosaur Jr, Pixies. Cuántas bandas no habrían nacido de no ser por estos padres. Se pueden imaginar el placer y el honor de entrevistar hoy a una banda que durante casi 30 años ha marcado tanto y a tantos. Una banda cuyo líder, J Mascis, llegó a rechazar ser el guitarrista de los Nirvana de Don Kurt Cobain hasta en DOS ocasiones. De ahí la fe de una banda que ya existía antes que Nirvana y cuya confianza compulsiva en sí mismos les ha llevado a lo más alto que una banda puede pedir: Tener un sonido propio, hacer buenos discos, triunfar, no venderse, y mantenerse en lo más alto.
Con apenas unas horas de preaviso, el trío (o ex-trío) de Massachusetts nos concede una entrevista que tarda apenas unos segundos en incendiarse. Hablamos con Lou Barlow, que parece tomarse su participación en Dinosaur Jr más bien como un trabajo. El bajista, que antes de la reunión de la banda en 2005 había dedicado a J algunos bonitos improperios, está contento con la vuelta, acepta la situación dictatorial del grupo aunque las viejas rencillas no desaparecen. La primera en la frente:
¿Qué tal estás Lou? Es el primer concierto de vuestra gira europea, ¿cómo te sientes?
Estoy bien. Bueno, de hecho Murph nuestro batería huyó el día anterior en que se supone que cogíamos el avión para venir a Barcelona, así que tenemos un batería que le sustituye. Es un poco extraño.
¿Ha huido?
Sí… No se subió al avión. (risas)
¿Pero viene para el resto del Tour?
No, no viene.
¿Hay algún problema?
No. Ha cambiado de opinión y eso es todo.
Lou, ¿Cuál es la peor parte de estar de gira?
Supongo que tratar de estar sano, es duro. Hecho de menos estar en casa. Es horrible. Pero también me gusta viajar y hacer conciertos, así que no puedo decir que estoy triste, porque soy bastante feliz cuando estoy de gira. Es un balance bastante desconcertante entre la gente que amas y lo que haces.
Algunas reuniones de bandas acaban bastante mal, pero no sucedió con vosotros. ¿Temíais que no pudiera terminar bien cuando empezasteis? (la pregunta estaba prevista antes de saber lo de Murph)
Bueno quizás sí que tenía miedo al principio pero tan pronto como empezamos a tocar ya no sentía ningún temor.
«La banda es más importante que las relaciones entre nosotros.»
¿El hecho de tener familia y niños os ayuda a mantener la normalidad dentro de la banda?
No lo sé. Pero tener niños es tan natural para mí ahora que no puedo imaginarme sin ellos. Es duro imaginar que haría sin ellos. Antes de tener niños, mi vida estaba ya bastante preparada para tenerlos.
¿Qué es lo más importante para que una banda funcione? ¿Necesitáis ser amigos o solo hace falta que exista química entre vosotros?
¿Sabes? La música es lo más importante. La banda es más importante que las relaciones personales, las relaciones entre nosotros. Pero la música es lo más importante. Sin ser los mejores amigos posibles, si reconoces que la música es lo más importante puedes sobreponerte, porque te centras en un objetivo común.
¿Cómo se siente uno cuando sabes que has creado escuela y has creado tu propio sonido del que copian muchas bandas?
Reconozco que la banda tiene un sonido único. Pero como fan de la música también reconozco que una banda que tenga un sonido propio es bastante inusual. Hay muy pocas. Los Ramones tenían un sonido propio, y las bandas imitaban ese sonido. Y por supuesto hay otras bandas pero en general me sorprende lo intercambiable que es la música rock. Creo que somos muy afortunados de tener ese sonido. Pero es porque nos centramos en ello cuando éramos jóvenes. Nos centramos en hacer un sonido que era muy intenso y que llegó a ser algo instintivo para nosotros.
En cierta manera no pienso en ello, pero como fan de la música lo entiendo. Aquí en Primavera creo que Animal Collective puede tener un sonido bastante único. O Grizzly Bear también, que cada vez que los escucho sé que son ellos. Pero es divertido como la mayoría de las bandas, incluso algunas que me gustan, suenan como comediantes de otras bandas.
«Tendríamos el mismo sonido sin un productor»
Habéis trabajado mucho con John Agnello. ¿Es tan importante la labor del productor en el sonido de la banda?
Bueno creo que sin productor tendríamos el mismo sonido… Aunque el sonido realmente le cae a J, J es realmente el productor de sonido. Quiero decir que John Agnello graba a otras bandas y el sonido es totalmente diferente a Dinosaur Jr. Y cuando graba con Dinosaur escucha lo que J quiere. J le dice a John lo que hay que hacer. Solo que John… como productor tiene… J ha trabajado con John desde principio de los 90. Casi 20 años de hecho. Creo que es más bien la relación que tiene J con John. Pero realmente pienso que podríamos mantener el sonido de la banda en cualquier momento porque J es muy particular en lo que quiere.
Tocasteis en el Terminal 5 de NY en el aniversario de You’re Living All Over Me con muchos amigos. ¿Cómo fue?
¡Oh sí, claro! ¡Me encantó. Lo pasé muy bien en ese concierto. Fue uno de los mejores.
«Hacer un álbum como You’re Living All Over Me es cuestión de suerte»
J dijo que era imposible hacer ese álbum otra vez. ¿Estás de acuerdo?
Sí, quizás. Sí creo que estaría de acuerdo en eso. Pero pasa con muchas otras bandas. ¿Haría Pink Floyd de nuevo The Piper At The Gates Of Dawn? No. ¿Haría Black Sabbath alguna vez Master Of Reality? No. O los Ramones. No puedes. O Lou Reed. ¿Haría Lou Reed The Velvet Underground & Nico? No. (risas)
Es suerte. Tuvimos suerte. Pero como he dicho, éramos muy jóvenes y estábamos muy concentrados en conseguir nuestro propio sonido y en hacer una banda única. Y lo conseguimos.
Las relaciones con J en el pasado han sido muy tensas, pero en este último álbum has participado más que nunca. ¿Te imaginarías Dinosaur Jr sin J?
¿Sin J? ¡Por supuesto que no! (risas). El puso el nombre a la banda, el creó el concepto de la banda, el sonido de su guitarra… (risas) él es la banda. No puedes ni siquiera escuchar el bajo o la batería en los discos. J es la voz dominante de la banda (risas).
¿Cambiarías algo en el sonido de la banda?
Sí me gustaría cambiar cosas. Como en los discos. J toca la guitarra principal y no hay más guitarras, luego baja hasta la batería y el bajo. Sería como sucede en el directo; me gustaría reflejar nuestro sonido en directo un poco más. Con suerte algún día. Y así es. Pero tan solo estoy soñando.
Pero para mí por ejemplo una banda me gana cuando definitivamente su directo supera con creces sus discos. Como es vuestro caso.
Sí, bueno lo sabemos pero… A lo mejor en el futuro. Creo que me encantaría hacerlo algo más minimalista.
¿Cuánto tiempo podremos contar con Dinosaur Jr?
No lo sé. No lo sé. Ahora que nuestro batería se fue corriendo no lo sé…
¿Cómo va tu proyecto con Sebadoh?
Acabamos de terminar el disco, tenemos un EP que sale en vinilo el mes que viene, y luego un LP que saldrá en vinilo por septiembre en Domino. Así que hay bastante música que saldrá pronto.
¿Cambiarías algo del pasado? ¿Crees que podrías haber sido un fenómeno tan grande como Nirvana?
No lo sé. J siempre dice que Dinosaur nunca podría haber sido tan grande como Nirvana por su voz, porque es muy chillona. Y Kurt Cobain tenía una gran voz para el rock and roll. Pero creo que si los Dinosaur originales hubiéramos seguido juntos podíamos haber sido un poquito más grandes. Pero nunca como Nirvana.
Y última pregunta: ¿Eres feliz?
¿Si soy feliz? (risas) Bueno, no soy infeliz. Tengo muchas cosas en mente.
Hoy tenemos el inmenso placer de entrevistar a Ocean Colour Scene, una formación tan interesante como mítica, sutilmente menospreciada y sacudida por la crítica snob dentro de su país, a pesar de ser una de las mejores bandas y mas representativas de la música británica de finales de los 90. Los de Birmingham estuvieron salpicados en todo momento por el auge del Brit Pop, pero consiguieron no mojarse a base de empuje y calidad, y sobre todo de ser fieles al estilo en que creían, desbancando al inmortal What’s The Story (Morning Glory) de Oasis del #1, a pesar de las tendencias delimitadas de la época, y de las jugarretas de su discográfica.
En plena gira española para la presentación de su décimo álbum (Painting, [PIAS] 2013), tenemos la oportunidad de acceder a la casa con ruedas de la banda, para hablar con Simon Fowler y Steve Cradock, cantante y guitarrista respectivamente de la banda y sus líderes naturales. Cerveza en mano y sin pelos en la lengua, se sueltan para hablar del Brit Pop, drogas, Oasis, Paul Weller, Neil Young, Peace, tiendas de discos, su próximo trabajo o de qué música tocar para llenar grandes estadios. También hay sección de consejos, pullas y peloteo. Imprescindible.
«Nos lo tomábamos muy en serio para no ser considerados una banda de Brit Pop»
¿Cómo estáis chicos, cómo va el Tour hasta ahora?
SIMON FOWLER: Está yendo bastante bien gracias. Hemos hecho 3 conciertos hasta ahora en España: Zaragoza, Santiago y San Sebastián. Muy buenos bolos.
He visto que tocabais en la calle esta misma mañana.
STEVE CRADOCK: Sí, en la estación. (Príncipe Pío, para ¡Atención Obras! de La 2). Justo a 5 minutos andando de aquí. Ha sido un poco extraño, fuera de nuestra rutina.
Painting es ya vuestro décimo álbum y ha sido muy bien recibido. ¿Cuáles son vuestras impresiones? ¿Había ganas ya de grabar con OCS después de vuestros proyectos en solitario?
SF: Teníamos muchas ganas de hacerlo. Queríamos hacer un nuevo álbum porque queríamos tener canciones nuevas para tocar. Y tocarlas en directo. El año pasado estuvimos preparando la gira y necesitábamos algo nuevo. Descubrí que una vez que lanzas el álbum, es como si lo olvidaras. Hemos estado escuchando cosas en las que Steve ha estado trabajando para el siguiente disco. Lo hemos estado escuchando anoche.
Pero habéis lanzado Painting hace menos de 2 meses.
SC: La verdad es que no te quedas sentado escuchando tus discos.
SF: Yo nunca me he sentado a escuchar mis propios discos una vez que están hechos.
SC: Creo que puede ser por la intensidad que hay mientras lo estás grabando ¿verdad? Lo escuchas tantas veces que…
SF: Que es lo último que quieres escuchar! Pero puedes escuchar ZZ Top o el último disco de Billie Piper! (carcajadas)
«En el Brit Pop todo el mundo tomaba muchas drogas y pensaban que estaban en los Beatles o los Stones»
¿Algún álbum del que estéis más orgullosos?
SC: Me encanta B-Sides, Seasides and Freerides.
SF: Sí, también es mi disco favorito.
En los 90 la prensa hablaba de Brit Pop, y ahora parece que todo gira alrededor de shows de televisión y artistas descafeinados. Entonces ¿Al final el Brit Pop no fue tan malo para vosotros?
SF: ¡Era muy divertido! ¡Muy divertido a todas horas! ¿Verdad? Todo el mundo era joven, y todo el mundo tomaba muchas drogas. ¡Todo el mundo pensaba que estaban en los Beatles, los Stones, los Who o los Kings! (risas) Era un poco como estar en el colegio. Pero no estoy seguro de que fuéramos Brit Pop, imagino que para ti lo seremos…
SC: ¿Lo somos?
SF: Imagino que lo éramos, pero no nos sentimos identificados.
«Paul Weller era nuestro guardián. Nuestro hermano mayor.»
Quizá os ponían la etiqueta por estar ahí en ese momento.
SF: Exacto, tan solo porque estuvimos ahí. Pero nos tomábamos demasiado en serio para no ser considerados una banda de pop. Y no creo que lo fuéramos, de verdad.
SC: Yo pienso también que todo eso pasó en Londres, y nosotros vivíamos en Birmingham, a 120 millas. Y todas las bandas vivían realmente en Londres.
SF: Tan pronto como Oasis hizo algo de dinero, ¿Qué es lo que hicieron? Mandaron a la mierda a Manchester y se fueron a Londres.
SC: Creo que todo el mundo salía y frecuentaba los mismos sitios, y nosotros nunca estuvimos ahí.
Pero por aquél entonces tocasteis con Paul Weller y Oasis. ¿Supuso eso un empuje definitivo para OCS o no fue tan decisivo como se decía?
SF: Probablemente no es tan importante como la gente imagina, en términos de cómo nos hicimos populares. Son diferentes. Paul era nuestro guardían, nuestro sponsor, un hermano mayor. Steve había estado tocando con él y por eso empezamos a salir de gira en esos tours, yendo en buses como éste, en hoteles y ciudades por toda Europa… Parecía que era real, más que un hobby.
Y Oasis… (piensa unos segundos), bueno, probablemente tocar con Oasis no supuso nada para nosotros. Nos puso en la órbita del público guay. Pero si nos referimos a popularidad, no hizo nada. Cuando les teloneamos durante la primera gira, cuando ellos eran muy famosos, honestamente te digo que nadie en el público venía a vernos a nosotros. Lo que pasó es que hubo un DJ, Chris Evans, (Radio 1) que puso nuestra canción (The Riverboat Song) e hizo que nuestro disco llegara al número 2 y se mantuviese durante 6 meses ahí. Creo que si no llega a ser por Chris, solamente habría llegado al #38 durante 2 semanas o algo así. Esa fue la diferencia. La diferencia fue la radio.
«En cuanto Oasis hizo dinero mandaron a la mierda Manchester y se marcharon a Londres»
Lleváis juntos más de 20 años y en este tiempo muchas bandas se han quedado por el camino. ¿Existe alguna fórmula secreta para estar siempre en primera línea?
SC: Creo que es porque somos amigos.
SF: Y creo que tener ese éxito en el 96, significó que era algo que podíamos continuar haciendo, y algo con lo que podíamos decir “así es como vamos a vivir nuestra vida adulta”, ¿sabes? Y ganarnos la vida con ello. Si no hubiera pasado en el 96, no sé lo que hubiera pasado en realidad. Me gustaría pensar que no nos hubiéramos separado pero… No sé lo que hubiera pasado la verdad. Así que creo que es el hecho de que somos amigos, y de que llegamos a ser una verdadera banda, una banda de directo, muy profesional.
SC: Y también que ninguno de nosotros cayó en la heroína. Creo que eso es importante.
Si tuvierais que empezar de nuevo, ¿Cambiaríais algo?
SF: ¡Le cambiaría a Steve su chaqueta! (risas) Bueno, la verdad es que hubiera trabajado más duro. Hubiera escrito más canciones, creo.
Pero solías escribir 3 canciones en una tarde ¿verdad?
SF: Sí, es cierto. Solía escribir para que tuviéramos algo que hacer. Steve y yo en particular, en el estudio que teníamos cerca de donde vivíamos. ¡Si no escribía un par de canciones por la noche no teníamos nada que hacer el día siguiente! Yo creo que deberíamos haber seguido escribiendo más. Pero aparte de eso, no cambiaría nada, porque incluso las cosas que fueron mal fueron divertidas. (risas) La mayoría de las veces que nos metíamos en problemas horribles era divertido también. Y todavía lo es.
«No escuchéis bandas viejas. Conseguid un buen abogado y evitad la heroína»
La manera de hacer música ha cambiado desde que comenzasteis. ¿Consideras que ahora es más fácil para los músicos?
SC: Por supuesto. Es mucho más fácil. Cuando empezamos grabábamos en cintas de 2 pulgadas, como grababan en los años 40, 50 o 60. Y en los últimos 10 o 15 años ha cambiado totalmente. No creo que hayan vuelto a hacer cintas.
SF: Es cierto, no creo que las hagan ya ¿verdad?
SC: En la era digital viene todo hecho. Incluso en los discos de Neil Young. Él todavía graba en cintas pero al mismo tiempo lo graba con software digital.
SF: Yo soy un inútil con la tecnología. No puedo usar ordenadores. Nunca los uso. Pero Steve ha aprendido a grabar con una maquina así de pequeña en vez del tamaño de este bus, como solía ser. Creo que podríamos grabar un disco en esta habitación. Que de algun modo creo que… ¿No es triste?
SC: Yo creo que es una gran idea.
SF: De hecho es divertido, es como la vuelta de la actitud punk, nadie sabía cómo encajarlo. Hay una democratización en la música, cualquiera puede empezar a grabar discos, y no necesitan 100.000 libras de una discográfica para que les digan qué deben hacer.
¿Créeis que los oyentes se vuelven más vagos o superficiales a la hora de escuchar música, con todas las opciones que tienen ahora? Da la impresión de que ya nadie compra discos.
SF: Eso es una de las preocupaciones cuando estás en una banda, vender discos. Para ser honesto, no lo sé porque no soy de esa generación. Hay tanta información que en segundos puedes escuchar cualquier disco, de cualquier banda, de cualquier era y de cualquier tipo de música. Eso tiene que ser bueno. Pero si vas a las tiendas de discos, tiendas de segunda mano, pagas una fortuna por los discos. Recuerdo pagar £30 por un disco que había vendido por £5 cuando estaba en la puerta de la tienda sin dinero y sin droga. Es una locura. Algunos valen £12, otros £27, otros £30, no tiene sentido…
SC: Creo que tiene que ver con el grosor del vinilo, los más pesados creo que normalmente cuestan £20 en Inglaterra.
Ahora que os podemos considerar músicos veteranos, ¿Cuál sería vuestro consejo para las bandas que intentan hacerse un nombre?
SF: No escuchar a viejas bandas. Y conseguir un abogado. Consigue alguien en quien puedas confiar. Estoy seguro de que muchas bandas tienen problemas aquí y allá con el dinero. Pero no sé, realmente no sé.
SC: Consigue un abogado y evita la heroína, diría yo.
«U2, Coldplay y Oasis son bandas muy sosas.»
Birmingham tiene un enorme potencial musical. ¿Alguna recomendación de algo que os llame la atención últimamente?
SC: The Boatyman, pero no están en Internet. Bueno, solamente hay una canción grabada en el Irish Centre. Ah, y Peace. ¿Conoces a Peace?
Sí, han tenido mucha aceptación en la prensa allí. Creo que suenan un poco a Stone Roses en determinadas canciones. (Nos referimos a Waste Of Saint, por ejemplo)
SC: No lo creo, yo creo que suenan más Brit Pop, con voces poppies…
Si tuvierais la oportunidad de tocar en cualquier sitio o en cualquier momento de la historia, ¿Cuál sería?
SF: El festival de Monterrey. Creo que es el mejor festival que recuerdo haber visto. ¿Pero qué hay de esta noche en Madrid?
SC: King’s Road, 1967, cuando todo se volvió de colores extravagantes.
¿Qué creéis que le sucede a la música cuando una banda de calidad como OCS, no toca en pabellones a menudo?
SF: Bueno, el hecho de tocar en Arenas creo que es solo para U2, Colplay y probablemente Oasis, pero son todos muy sosos ¿verdad? No creo que sean muy cercanos.
SC: Quizás solo hay que tocar mierda como esa para ser así de famoso.
¿Sois felices?
SC: ¡Claro!
SF: Sí, soy muy feliz. Esta noche sí.
SC: Nunca es feliz. Siempre está de mal humor. Es un viejo miserable.
SF: ¡No, no lo soy! (risas)
Paintings ha sido publicado por [PIAS] en 2013. Ya a la venta.
We’ve had the opportunity to interview some very fascinating people here in Rockast, and probably the best part of interviewing somebody whose entire life is made of music, is to look at their eyes and realize they’re really up for the moment and won’t dodge any question. It’s just a little way of having contact with the fans and try to explain themselves from another point of view. Without the help of their music.
And some of those artists have always something to say and must always be heard. Especially the most experienced ones.
It’s an honour for us having Simon Fowler and Steve Cradock from Ocean Colour Scene here today. They’ve just released their 10th album called ‘Painting’ ([PIAS] 2013), and right in the middle of their Spanish tour, they let us get on their massive tour bus to have a chat about Brit Pop, drugs, record stores, Oasis, Paul Weller, Peace, bands that make shitty music, and even their next record! Definitely not to be missed.
«We were taking ourselves too seriously to not be considered a Brit Pop band»
How is the tour going so far?
SIMON FOWLER: It’s going pretty well, thanks. We’ve played 3 gigs so far in Spain. Zaragoza, Santiago and San Sebastián. Very good gigs.
I’ve seen you’ve also played outdoors this morning
STEVE CRADOCK: Yeah at the station, it was just 5 minutes walking from here. That was a bit strange, out of our routine
Painting is your 10th album, it’s been very well received, how do you feel about it? Were you looking forward to make it after your solo albums?
SF: Ahm, I think we really wanted to do it. We wanted to make a new album because we wanted to have new songs to play. And to play live. We spent the year before doing most of the shows up. And we needed something new. I found out that once an album it’s released, you kind of forget about it. We’ve been listening to some things Steve has been working on for the next record, we’ve been listening that the other night.
But you’ve released Paintings less than 2 months ago.
SC: You just don’t sit around and listen to albums really.
SF: I’ve never sat around listened to our own albums once they’ve been made.
SC: I think the reason might be that it’s quite intense when you’re recording it, isn’t it? You hear it so much when you’re recording that…
SF: Is the last thing you want to listen!
SF: You can listen to ZZ Top or Billie Piper’s new cd instead! (Laughs)
«During the Brit Pop everyone thought they were in the Beatles or the Stones»
Which is the album your most proud of?
SC: I love the B-sides, Seasides and Freerides.
SF: Yeah that’s my favourite album too.
Back on the 90’s, the press was talking about Brit Pop, but now seems like everything is about TV shows and non-sense pop acts. So I guess, after all the Brit Pop scene wasn’t that bad, was it?
SF: It was good fun! Good fun all the time! Wasn’t it? Everyone was young, and everyone was taking lots of drugs. Everyone thought they were in the Beatles or Stones or the Who or the Kings! (laughs). It was a bit like being at school. But I’m not sure that we were Brit pop, I guess to you we are…
SC: Are we?
SF: I guess we were, but we didn’t feel.
«Paul Weller was our guardian. A big brother.»
But you’re always tagged as Brit pop, maybe just because you were there at that time.
SF: Yeah it was just because we were there. But we were taking us as far too seriously so that we were never a pop band. And I don’t think we were a pop band really.
SC: I think all that happen in London as well, and we lived in Birmingham. There’s 120 miles distance. And all bands lived in London really.
SF: As soon as Oasis made any money what did they do? They fucked off from Manchester and went to London.
SC: I think that everybody was going out and circulating in the same places that we never were really.
But you played with Paul Weller and Oasis back then, did that suppose a decisive boost for Ocean Colour Scene or is not that important?
SF: It’s probably not as important as people imagine, in terms of how we actually became popular. The two are different. Paul was our guardian I guess, our sponsor, a big brother. Steve started playing with him, and because of that we started going out on those early tours doing the support, going in coaches like this, into hotels and cities across Europe… It seemed that it was real, rather than just a hobby.
And Oasis… (thinks for few seconds), well playing with Oasis probably did nothing for us. It put a name in the cool crowd. But in terms of making us popular it didn’t. When we supported them on the first tour, when they were very popular, quite frankly no-one in the crowd wanted to see us. What really happened is that DJ Chris Evans played our song and made our album reached number 2 and stayed 6 months there. I think if it hadn’t been for Chris, it could have only been number 38 for 2 weeks, or something like that. That was the difference, the difference was radio.
«As soon as Oasis made any money they fucked off from Manchester and went to London»
You’ve been together more than 20 years, in these years many bands have come and gone, is there like a secret formula to be in the front line all this time?
SC: I think it’s because we stay friends.
SF: And I think the other thing is that, in reality, having that success in 1996, meant that it was something we could carry on doing and something that we could say that’s how we’re going to live adult lives, you know? And make a living. If it hadn’t happen in ’96, I don’t know what would have happen in reality. I’d like to think that we wouldn’t have split up but… I don’t know what would have happen really. So I guess it’s the fact that we are friends, and also became a real band, a real touring band, very professional.
SC: And also none of us got into heroin. I think that’s probably important.
If you had to start all over again, would you change something?
SF: I would change his jacket! (Pointing Steve’s jacket and laughing hard) Well I would have worked harder. I would have written more songs, I think.
But you used to write 3 songs in an afternoon right?
SF: Yeah that’s right. I used to write so that we had something to do. Me and Steve in particular, when we got into the recording studio near to where we lived. If I hadn’t written a couple of songs that night we wouldn’t have nothing to do the following day. And we should carry on writing more I think. But apart from that, no, because even the things that went wrong were funny. (Laughs) Most of the times we got into horrible trouble, that was funny as well. And still is.
«New bands shouldn’t listen to old bands. Just get a lawyer and avoid heroin.»
The way to make music has changed a lot since you started, but do you reckon it’s actually easier for musicians this way than it was before?
SC: Yeah definitely. It’s much easier. When we started we recorded in 2’’ tapes, like the way they recorded in the 40’s, 50’s or 60’s. And the last 10 or 15 years, it’s totally changed. I don’t think they make tapes anymore.
SF: Yeah they probably don’t, do they?
SC: It’s all made on the digital age. Even Neil Young records, he records on tapes still, but he left digital computer software running alongside it.
SF: Well I’m useless with technology, I can’t use computers, I never use them, but Steve has learnt to record using a machine like this big, instead of the size of this bus, like they used to be. I think that we could make an album in this room. Which in a way I think… Is it sad?
SC: I think it’s a great idea.
SF: It’s actually funny, it’s like the punk ethos, has come around and no one knew how would fulfill it. There’s a democratization of music, anyone can really start making records, and they don’t need a hundred thousand pounds from a major record label, who are going to tell them how to make it.
Do you think listeners are getting lazy or superficial when listening music with the new options they have now? Seems like no one buys albums anymore.
SF: That’s a bit of a concern, when you’re in band, selling records. I don’t know to be honest, because I’m not of the generation. There’s so much information, within seconds you can listen any record, from any artist, from any era, and whatever type of music it is, that’s got to be good. But if you go to record shops, second hand record shops, you pay a fortune for records, £30 for a record I remember I sold for about a fiver when I was on the door with no money and no drugs. That’s crazy. Some of them are £12, some of them are £27, some of them are 30 quid, they don’t seem to have a…
SC: I think it’s the thickness of the vinyl, it makes the heaviest vinyl they normally are £20 in England I think.
Now that we can consider you music veteran, what would be your advice to the bands trying to make themselves a name out there?
SF: Don’t listen to old bands. Get a lawyer. I’d say. Get somebody who you can trust. I’m sure that a lot of bands have problems here and there with money, but I don’t know really.
SC: Get a lawyer and avoid heroin, I would say.
«U2, Coldplay and Oasis are very bland bands. Maybe you just have to play shit like that to get that big»
Birmingham’s got a huge musical background. Do you have any recommendations on new bands that you’re currently listening to?
SC: The Boatyman, but they’re not on the internet. Well, there’s just a song recorded at the Irish Centre. Oh and Peace. Do you know Peace?
Yes indeed, they got lot of press. I think they sound a little bit like The Stone Roses in some songs. (I’m thinking in Waste Of Saint, for instance)
SC: I don’t think they do, I think they sound more Brit Pop, poppy vocals…
If you had the chance to play your music anywhere or anytime in history, which place would it be?
SF: Monterrey festival, I think that’s the best festival I remember. But what about tonight in Madrid?
SC: King’s Road 67, when all went colourful.
What’s happening in music when a quality band like OCS doesn’t get to play Arenas more often?
SF: Well to play arenas, I think it’s just U2, Coldplay and probably Oasis, but they’re kind of all very bland don’t they? I don’t think they’re very intimate.
SC: Maybe you just have to play shit like that to get that big.
Are you happy?
SC: Yeah!
SF: Yeah I’m pretty happy, tonight yeah!
SC: He’s never happy. He’s always moody. He’s a miserable old man.
Lo primero que hace uno al entrar en el emblemático Royal Albert Hall londinense, es mirar hacia arriba y suspirar. Porque amén de los pequeños detalles que marcan lo especial del centenario teatro, hay momentos, hay artistas, y hay conciertos que parecen irremediablemente concebidos para tocar en este lugar.
El escenario es inmejorable. Ya haceun año que Adams acabó su última gira y es el único concierto previsto para 2013. Además presenta temas nuevos. Y, por primera vez en 4 años, lo hace con banda completa. Y qué banda. Su amigo Noel Gallaguer, que organiza el acto para la asociación benéfica Teenage Cancer Trust, aparece después de la fabulosa actuación de Beth Orton, para presentarla entre bromas como “una superbanda a excepción del batería”, que no es otro que su propio batería con los “High Flying Birds”, Jeremy Stacey. Y no es para menos. A los teclados nos encontramos a Benmont Tench, uno de los fundadores de Tom Petty & The Heartbreakers. El multi-instrumentista y productor Ethan Jones a la guitarra, Don Was, de Was (Not Was) y productor de Dylan o Stones al bajo y contrabajo, y Cindy Cashdollar (Dylan, Van Morrison) con la steel guitar.
Con puntualidad británica, Adams aparece junto a su flamante nueva banda y lo hace recomendando irónicamente, hacer uso de nuestros cascos de carreras para aguantar la velocidad de la música que nos espera. El comienzo tira del último álbum con Dirty Rain y Ashes & Fire. El público está ensimismado y escucha con atención. El sonido está a la altura de la majestuosidad del auditorio, y la disposición del escenario consigue una cercanía inusual a los músicos, creando un ambiente mágico. La banda muestra una gran presencia. Enriquece las canciones y se entiende sin apenas mirarse. Guardan los tiempos y destacan en los momentos precisos. Así, Ethan Johns tendrá la ocasión de esparcir su guitarra con un espeluznante solo en una Nobody Girlinterpretada en forma de jam. Aunque no sería hastaLet It Ride o una poderosa versión blues de Fix It, cuando abandonen las balas de fogueo y muestren todo el peso de sus tablas sobre el escenario.
La declaración de intenciones del repertorio se destapa con My Winding Wheel, una de las canciones que sonarían del aclamado “Heartbreaker”, junto a Why Do They Leave, Oh My Sweet Carolina y Come Pick Me Up. Adams está a gusto. Empatiza con el público y la balanza emocional que ofrece se equilibra por su buen sentido del humor. Así, la anécdota de la noche se produciría justo antes del Please Do Not Let Me Go, cuando entre las peticiones que grita el público, Ryan entiende “loaf of bread” (barra de pan) e improvisa un tema de 3 minutos rimando ingeniosamente y con la banda acompañándole en una jam session que encandila a un público entregado.
Uno de los momentos más esperados de la noche, fueron las canciones nuevas, Where I Meet You In My Mind, con una buena melodía y un tempo hipnotizante que no desentonaría en Ashes & Fire, y un elegante blues llamado In The Shadows, que se envenena por momentos y queAdams interpreta literalmente como “un vampiro conduciendo un Cadillac por las afueras de la ciudad matando a un hombre lobo”. Ambas pueden tranquilizar a los fans más clásicos viendo el sonido continuista que atesoran.
Acto seguido, la banda se retira. Adams hace del silencio virtud echando mano de harmónica y de su inseparable Harmony Buck Owens tricolor, para interpretar una sobrecogedora Oh My Sweet Carolina y un guiño inesperado en forma de English Girls Approximately, que consigue alargar el clímax con una interpretación brillante, donde la mirada de Adams se intensifica mientras susurra “you meant everything” al final de la misma. El momento más que nunca es aquí y ahora.
Ya con la banda de vuelta, ejecutan Dear John y Do I Waitcon una maestría y un peso que les vale la felicitación pública del propio Adams.
Para el bis final deslizaI Love You But I Don’t Know What To Say, la joya que cierra Ashes & Fire. Cocinada a fuego lento y de especial belleza, consigue detener el tiempo y llenar de emoción contenida cada hueco del auditorio. Sin apenas pausa, sería un conmovedor Come Pick Me Up el que logra poner en pie a los 5500 asistentes antes del final, para dedicar al de Jacksonville una larga y merecida ovación.
Sabemos que Adams es un genio de otra pasta, obsesionado con pasar desapercibido y caminar tranquilo como David Ryan Adams. De esos pocos que rebosan talento pero se empeñan en mostrarlo a cuentagotas como si la música no fuera con ellos. Aún así, se agradece sobremanera que se haga notar, aunque sea con apariciones excepcionales, para poder comprobar in situ el gran estado de gracia en el que se encuentra. Confiemos en que su colaboración con esta banda no sea solo fruto de esta ocasión, y puedan seguir llevando la emoción por bandera en un futuro cercano. Por el bien de la música y sus amantes.
Guardsno deja de ser el enésimo grupo surgido y alzado del boca oreja de la red. Pero tiene algo. De Brooklyn por defecto, esta banda está formada por un “hermano de”, en este caso Richie James Follin, hermano de Madeline Follin, de los también neoyorquinos Cults, -aunque musicalmente hablando no tienen nada que ver con ellos- como voz principal y guitarra, Loren Humphrey a la batería y Kaylie Church teclados y voz. En 2010 regalaron un EP homónimo donde se veían sus intenciones y que ya contaba con temas destacables como I See It Coming, Resolution Of One, Sailt it Slow donde cuentan con la colaboración de Cults, o Trophy Queen con la de Carolina Polacheck, cantante de Chairlift.
Ahora presentan In Guards We Trust (PIAS, 2013), un más que notable debut cargado de balas en forma de riffs y estribillos ganadores que seguramente serán coreados incesantemente de aquí a la vuelta del invierno. Han conseguido un rock noventero desenfadado y altamente adictivo, que mezcla power pop y guitarras distorsionadascon algunos elementos pop de los 60, y que resultan en el álbum más divertido en lo que llevamos de año.
Sus letras son un sí pero no. Posiblemente el contrapunto que equilibra el conjunto del álbum. Mientras sus temas son abiertamente radiantes, sus letras hablan en su mayoría de inseguridades, de miedo, de perder la cabeza, de volver la vista atrás, de sentimientos, pero cuentan con mucha sinceridad y en ocasiones con esos «20 segundos de coraje irracional», como en I Know It’s You o Coming True.
En definitiva, In Guards We Trust, aunque quizás algo extenso, es uno de los discos más resultones de 2013, con una colección perfectamente uniformada de himnos de verano que con toda seguridad para muchos quedarán arraigados a un momento y un instante, en alguno de los festivales que la banda piensa visitar este verano. La cuestión ahora radica en si conseguirán pasar el examen del tiempo y no quedar estancados en lo que seguramente algunos escépticos consideren un bonito álbum de verano. A su favor, un gran potencial y sobre todo temas. Buenos temas que demuestran crear a puñados con este debut.
En la actualidad se encuentran de gira taloneando a Joy Formidable, aunque su próximo paso serán festivales como Coachella, Primavera Soundo el Field Day londinense, o giras con Best Coast o Alt-J.
Se dice que es el disco que algun@s están dejando ya en el buzón de sus ex-parejas. Y no es para menos. Pequeños Trastornos Sin Importancia (Ernie Records, 2013) el último trabajo del jerezano Julio de la Rosa, es un compendio visceral y sincero de la realidad más habitual y menos vistosa de las relaciones humanas. Su particular punto de vista, logra golpear al oyente y hacerle cuanto menos pensar. Aunque el leitmotiv principal en este disco puede ser haber conseguido transmitir emoción sin caer en aburridos tópicos. Tarea harto complicada, habitualmente barrida de la memoria reciente por burdas distracciones en movimiento.
El quinto disco ya en solitario de Julio de la Rosa, cuenta con colaboraciones importantes que aportan su granito de arena en la justa medida. La lista no es precisamente corta: Bunbury, Pau Roca de La Habitación Roja, Xoel López, Juan Alberto Martínez de Niños Mutantes, Josephine Ayling (Boat Beam), Ana Franco (Coffee & Wine), Nahúm García (Clint), Miren Iza (Tulsa), Nieves Lázaro (J.F.Sebastian), Ainara LeGardon, Dani Llamas (Gas Drummers), Hannot Mintegia (Audience) o Miguel Rivera (Maga).
Un disco trabajado minuciosamente y cargado con toda la intención. Seguramente de lo mejor que escuchemos entre el rock nacional este año. Si echa en falta originalidad en la música en español, ha llegado al lugar adecuado.
Así fue la entrevista con ROCKAST:
El disco ha recibido muy buenas críticas desde su publicación, ¿te esperabas un recibimiento tan bueno o te ha pillado de sorpresa?
Supongo que la gente agradece que se hagan las cosas con ganas. La sorpresa genera miedo, y no, no tengo miedo, así que supongo que esperaba que la gente entendiera todo el amor que le he puesto al disco.
¿Piensas en algún momento durante la composición de Pequeños Trastornos Sin Importancia en la reacción que puede tener el oyente cuando escuche el disco? ¿Es importante para un artista?
Soy de los que piensa que es inevitable que el receptor aparezca en un momento u otro del proceso. La experiencia estética existe gracias al destinatario, y si no piensas en ello no habrá experiencia alguna. Yo quiero que el oyente se quede satisfecho, pero por supuesto el primero que tiene que quedar satisfecho soy yo.
En el disco pones las cartas de las relaciones encima de la mesa ¿Para qué mal podría ser éste disco la receta ideal?
Para ninguno. Lamentablemente este disco no es un medicamento. Y ya me gustaría. Sería todo mucho más fácil.
«El poder está consiguiendo que los ciudadanos se conviertan en policías del prójimo»
Nos gustó mucho la idea del videoclip para Maldiciones Comunes porque junto con La Fiera Dentro son temas que hacen quizás una buena síntesis de la temática del disco. Pero ¿Has recibido algún tirón de orejas por no ser políticamente correcto en este video? ¿o más bien todo lo contrario?
Sí, por supuesto. Especialmente por la portada del disco. Hay ciertos temas tabú y en este país la libertad artística está cada vez peor vista. La gente no quiere pensar, es peligroso lanzar preguntas. El poder está consiguiendo su objetivo: que los ciudadanos se conviertan en policías del prójimo. Por otro lado, a los que han entendido tanto la portada como el videoclip, que son la mayoría, les ha encantado.
¿Con quién de todos te identificas en Gigante?
Con el narrador, el sociópata. ¿Quién no se ha comportado alguna vez como un pequeño sociópata celoso que ve al prójimo como amenaza para su amor?
Hablábamos hace poco en Rockast con Ál Carmona, un músico español afincado en Munich que recientemente estuvo tocando para las tropas alemanas en Afganistán, y que aún así estaba convencido de que sí que puede uno ser profeta en su tierra, siempre que los temas lleguen a las personas adecuadas. ¿Estás de acuerdo? ¿Cómo ves la situación de la música en España?
No conozco a este señor, y seguro es muy majo e interesante, pero en mi caso jamás tocaría para un ejército; y aquí sí que me atrevo a decir eso de ‘de este agua jamás beberé’. Y hombre, demostrado está que hay mucha gente que es profeta en su tierra. La situación de la música en España está mal, muy mal, como absolutamente todo. Están destrozando el país y no terminamos de hacer nada para intentar remediarlo.
Pequeños Trastornos Sin Importacia es un álbum muy honesto. ¿Crees que le falta sinceridad u originalidad a la música española? ¿O puede ser un reflejo de la crisis general que vive la sociedad?
A la primera pregunta digo sí, sin duda, y la extendería al extranjero. Ambas cosas, sinceridad y originalidad. De hecho, creo que van unidas: a más sinceridad, más originalidad. No puede fallar. A la segunda, no. Es un reflejo de la vanidad de la gente, que prefiere hacerse famoso antes que hacer buena música.
Este debería ser el disco con el que se hace por fin justicia a Julio de la Rosa, pero ¿eso sería algo que llega tarde o que pasó a un segundo plano cuando uno lleva tantos años haciendo música?
Son cosas que no me planteo, que no me interesan. Voy a seguir haciendo lo que pueda y quiera, así que lo suceda más allá queda fuera de mi alcance. No puedo más que alegrarme si de repente mi música le gusta a un mayor número de personas. Pero con cada disco he ido subiendo un peldaño en una escalera que, en realidad, no sé a dónde lleva. Y es que, ya te digo, no hago discos para subir escaleras. Así que me da igual en el escalón que me pongan, porque sé que todos, todos los peldaños, son una ilusión y, como tal, no puedo creérmelo. Sé quién soy y dónde estoy: a partir de ahí, que cada cual haga conmigo lo que quiera.
No conseguiste el Goya a la “Mejor Música Original” este año por la película Grupo 7, con una banda sonora no sinfónica, pero ¿el hecho de estar nominado anima a seguir trabajando con banda sonoras en un futuro próximo?
Y aunque así no hubiera sucedido, también. Es algo que me encanta hacer, musicar películas, y para colmo me pagan por ello. En cualquier caso, anima el reconocimiento de la gente de la profesión, por supuesto que sí.
¿Como te sientes más a gusto, haciendo música para películas, con tus propios discos, o escribiendo novelas, como la recién publicada “Peaje”?
No sé, me gusta todo. Cada cosa tiene su magia, sus propias recetas, su diversión intrínseca, sus satisfacciones, y es emocionante descubrirlas, y jugarlas.
¿Hay alguna pregunta que hayas deseado siempre que te pregunten en una entrevista y nunca hay manera? Si existe, ¿te animarías a respondértela?
Pues no, la verdad. No es algo que me haya planteado nunca: ‘A ver si un día me preguntan esto que voy a dar una respuesta cojonudísima’. No (risas).
¿Eres feliz?
(más risas) ¿Me la das tú, entonces? Estoy satisfecho, bastante, y sin ánimo de ser presuntuoso, conmigo mismo. Aunque sé que tengo aun muchas cosas que mejorar. Soy de los que piensa que la felicidad es algo que se respira en determinados momentos, no creo en la felicidad como una constante. Estoy con Aristóteles en que es la aspiración última, y primera, de los seres humanos. Pero creo que es sólo una meta y que lo interesante es el camino, aunque empiece esto a sonar ya a Paulo Coelho (risas). La respiro a veces. Otras no. Aspiro más a esa felicidad que llaman serenidad de espíritu. No sé qué es la felicidad, ahora que lo pienso. Veamos: “ 1. f. Estado del ánimo que se complace en la posesión de un bien”. Pues oye, ya decía yo que no tenía especial interés en ser feliz.
Porque de un tiempo a esta parte parece que son ellas las que mueven los hilos más interesantes de la escena musical actual. Las modas cambian y vuelven más rápido que nunca y el sentido de la orientación se pierde con facilidad. El gato por liebre empieza a ser una constante molesta y aunque los refritos de refritos estén a la orden del día, lo cierto es que la calidad sigue ahí fuera y cada vez es más habitual encontrar talentosas bandas emergentes donde las chicas toman la iniciativa.
Lo hemos comprobado con infinidad de bandas que entran sin permiso y no están dispuestas a marcharse a las primeras de cambio: Desde Vivian Girls a Best Coast; de Dum Dum Girls a Beach House, Cristal Castles o Anna Calvi , o fueras de serie como Natasha Khan de Bat For Lashes o Brittany Howardde Alabama Shakes.
Por eso, hoy queremos hacer un rápido análisis de 10 bandas emergentes que poseen los ingredientes necesarios para pegar fuerte, y tienen interesantes propuestas que presentar y defender a lo largo de este 2013, la gran mayoría, álbumes debuts o EP’s.
HAIM
Lanzábamos la primicia ya en el pasado Mayo, cuando aun no tenían discográfica que lanzara su debut. Danielle, Alana y Este Haim, las 3 hermanas californianas acostumbradas a tocar con sus padres, al mas puro estilo Kitty Daisy & Lewis, decidieron dejar a estos a un lado para marcarse un EP con 3 temas, que regalaron en su web. Sería en Junio cuando Polydor- Universal se fijaran en ellas y no dudaran en pagar 2 millones (DOS) de dólares para deshacerse en la puja de Sony y Warner.
Su mezcla de folk, r’nb y POP con mayúsculas suena sincera como pocas, y es de esas formaciones que te ganan con el directo. Su debut se espera con ganas para Marzo. Si imprescindibles era ya su single presentacion,Forever, no se pierdan el más reciente Falling o Don’t Save Me.
MS MR
Este dúo de chill wave establecido en NY, se apunta a la última moda que no es otra que ofrecer datos de la banda a cuentagotas, en ocasiones solamente un nombre y un link a un single. Les mencionamos en Junio, cuando lanzaban el single debut llamado Hurricane. Un tema nostálgico, de tintes épicos y detalles de Bat For Lashes, y una voz muy similar a la de Florence Welch de Florence & The Machine. Han sido fichados por Sony y su álbum debut verá la luz el 14 de Mayo.
TORRES
Detrás de Torres está la cantautora de Nashville de 22 años Mackenzie Scott, que acaba de lanzar digitalmente su álbum debut homónimo, y que contiene un enorme primer single llamado Honey. Le basta distorsionar los sonidos de su Gibson y manejar a su antojo una gran voz, en este caso intencionadamente ruda para lograr un tema de intensidad contenida y rico liricamente. «Honey, while you were ashing in your coffee, I was thinking of telling you’ve what you done to me». Su álbum debut homónimo acaba de salir al mercado.
Parece que Sharon Van Etten ya tiene competencia.
SAY LOU LOU
Estas gemelas de procedencia sueca-australiana, Saint Lou Lou hasta hace unos días, sorprendieron a propios y extraños con el lanzamiento de un gran single, Maybe You, con el que consiguieron que los ojos de los blogs mas meticulosos se fijaran ellas. Incluidos los fashionistas de Kitsuné que se apresuran a ficharlas. Poco después lanzan un video resultón dirigido por el director Philippe Tempelman y la bola está montada.
El siguiente paso serán son singles a cuentagotas como Skylights o Julian, desaparecidos practicamente de la red, y anuncio de nuevo álbum. Aún con todo, amantes de Au Revoir Simone, Cocteau Twins o Beach House, aquí hay material.
VERONICA FALLS
La banda londinense de Roxanne Clifford sorprendió en 2011 con un debut que tiraba de sonido C-86, Vivian Girls o Dum Dum Girls, y ahora presentan un segundo disco más colorista con un Lo-fi más trabajado que tiende más a Best Coast que a las propias Vivian Girls. De hecho parece que sea el segundo álbum que estaba buscando Bethany Cosentino con The Only Place.
Waiting For Something To Happen, que así se llama, ha sido producido por Rory Atwell (The Vaccines, Yuck), que pretende conseguir que la banda pueda dar ese gran salto que se le resiste a los anteriormente mencionados, con un sonido que a menudo parece demasiado trillado, pero que por lo escuchado aquí parece no tener los días contados como creía más de uno. Buenas melodías, juegos vocales y guitarras trepidantes para un álbum óptimo que apunta alto en este recién estrenado año.
LAURA MVULA
Esta británica de 25 años, natural de Birmingham pero con raíces caribeñas, ha conseguido gran atención con la publicación de apenas 2 singles, como fue el emotivo Sheel año pasado y el más reciente Green Garden. Encariñada desde primaria al piano y al violín, su estilo recuerda a Erykah Badu o Amy Winehouse. Hace apenas un año dejaba su trabajo en la recepción de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham para dar rienda suelta a su imaginación a través del Garage Band de su ordenador. El resultado es una mezcla de R&B, soul y gospel que le ha valido para ganar la atención de los críticos de la BBC, y para que Sony se apresurara a ficharla. Su debut se llama Sing To The Moon y está programado para el 4 de Marzo.
WOLF ALICE
La primera impresión que se pueden llevar de la banda de Ellie Rowsell seguramente no sea la adecuada. Este trío londinense de psychofreak poprock, como ellos mismos se auto-etiquetan, decidieron dejar el folk que paseaban por el Norte de Londres para coger las guitarras eléctricas y tocar en todos los garitos de la ciudad que pudieran. A mediados del año pasado publicaban un EP homónimo y auto-producido, desaparecido del mercado, de solamente 3 canciones. Más tarde lanzarían Leaving You y ahora el single físico de Fluffy, con videoclip incluido. Un tema con el que pretenden posicionar su sonido, ensuciándolo intencionadamente y dándole una forma que tiene la figura del éxito dibujada. La versatilidad del sonido de la banda y el carisma de Ellie forman una ecuación que apunta maneras.
DEAP VALLY
Las Black Keys femeninas que no se cortaban a la hora de acosar a los Horrors quieren dar un salto adelante. Hacen garaje salvaje. Unrock blusero rudo y cabezón utilizando solamente guitarra y batería, aunque quizás su sonido se acerca más a Wolfmother y White Stripes. El descaro y la actitud que muestra la cantante y guitarrista Lindsay Troy es un gran valor añadido que seguro les vale para salirse del tiesto. Además de una voz punzante que recuerda a Juliette Lewis o Karen O.
La historia de Deap Vally se desarrolla en el corto plazo. Hace apenas año y medio que Lindsay conocía a Julie Edwards, en Los Angeles, mientras esta trabajaba en un taller de costura. Después de hacerse amigas e intercambiarse discos de Led Zeppelín, Lindsey convencía a Julie para formar la banda. 5 temas después y algunos videos en la red les ha valido para llamar la atención de Iggy Pop, con quien ya han tocado, de Queens Of The Stone Age, quienes quieren llevárselas de gira, o Mumford & Sons, de quienes son las teloneras de su gira actual. Su álbum debut se espera este 2013.
CHVRCHES
Chvrches son un trío electrónico de Glasgow que hacen synthpop adictivo y que cuentan con la voz de Lauren Mayberry como principal atractivo. Se conocieron en Octubre de 2011 aunque todos ellos tenían proyectos musicales alternativos antes de formar la banda. La BBC se fijó en ellos para su porra de nuevos talentos y han conseguido una buena porción de atención desde entonces. El año pasado lanzaban Liesy The Mother We Share, y el 25 de Marzo lanzarán Recover, el que será su EP debut
F.U.R.S.
Poco se sabe de este trío londinense que hace música americana influenciada por música inglesa. Elle Wade ejerce de líder, aunque en la banda también se encuentra su hermano Liam. Su primer single es un contagioso tema llamado Striptease, que tira de revival pero con buenas maneras. Johnny Marr personalmente les ha elegido para talonear su inminente gira por UK. Se encuentran grabando su debut aunque este single verá la luz física el 25 de Marzo. Seguramente no será la última vez que escuchemos su nombre.
Y no son las únicas. Si quieren alguna más, bandas como Savages, PINS, Valerie June, of Verona, Christine & The Queens, Indiana, Eddie The Gun, Sally Shapiro o las hermanas suecas First Aid Kit también esperan un 2013 lo más movido posible.
Recuerden que podrán adquirir los discos de estas bandas también a través de tiendas online y encontrar algunas ofertas en la web deDscuento.com
R O C K A S T / / 
«New bands shouldn’t listen to old bands» OCEAN COLOUR SCENE Interview.
We’ve had the opportunity to interview some very fascinating people here in Rockast, and probably the best part of interviewing somebody whose entire life is made of music, is to look at their eyes and realize they’re really up for the moment and won’t dodge any question. It’s just a little way of having contact with the fans and try to explain themselves from another point of view. Without the help of their music.
And some of those artists have always something to say and must always be heard. Especially the most experienced ones.
It’s an honour for us having Simon Fowler and Steve Cradock from Ocean Colour Scene here today. They’ve just released their 10th album called ‘Painting’ ([PIAS] 2013), and right in the middle of their Spanish tour, they let us get on their massive tour bus to have a chat about Brit Pop, drugs, record stores, Oasis, Paul Weller, Peace, bands that make shitty music, and even their next record! Definitely not to be missed.
How is the tour going so far?
SIMON FOWLER: It’s going pretty well, thanks. We’ve played 3 gigs so far in Spain. Zaragoza, Santiago and San Sebastián. Very good gigs.
I’ve seen you’ve also played outdoors this morning
STEVE CRADOCK: Yeah at the station, it was just 5 minutes walking from here. That was a bit strange, out of our routine
Painting is your 10th album, it’s been very well received, how do you feel about it? Were you looking forward to make it after your solo albums?
SF: Ahm, I think we really wanted to do it. We wanted to make a new album because we wanted to have new songs to play. And to play live. We spent the year before doing most of the shows up. And we needed something new. I found out that once an album it’s released, you kind of forget about it. We’ve been listening to some things Steve has been working on for the next record, we’ve been listening that the other night.
But you’ve released Paintings less than 2 months ago.
SC: You just don’t sit around and listen to albums really.
SF: I’ve never sat around listened to our own albums once they’ve been made.
SC: I think the reason might be that it’s quite intense when you’re recording it, isn’t it? You hear it so much when you’re recording that…
SF: Is the last thing you want to listen!
SF: You can listen to ZZ Top or Billie Piper’s new cd instead! (Laughs)
Which is the album your most proud of?
SC: I love the B-sides, Seasides and Freerides.
SF: Yeah that’s my favourite album too.
Back on the 90’s, the press was talking about Brit Pop, but now seems like everything is about TV shows and non-sense pop acts. So I guess, after all the Brit Pop scene wasn’t that bad, was it?
SF: It was good fun! Good fun all the time! Wasn’t it? Everyone was young, and everyone was taking lots of drugs. Everyone thought they were in the Beatles or Stones or the Who or the Kings! (laughs). It was a bit like being at school. But I’m not sure that we were Brit pop, I guess to you we are…
SC: Are we?
SF: I guess we were, but we didn’t feel.
But you’re always tagged as Brit pop, maybe just because you were there at that time.
SF: Yeah it was just because we were there. But we were taking us as far too seriously so that we were never a pop band. And I don’t think we were a pop band really.
SC: I think all that happen in London as well, and we lived in Birmingham. There’s 120 miles distance. And all bands lived in London really.
SF: As soon as Oasis made any money what did they do? They fucked off from Manchester and went to London.
SC: I think that everybody was going out and circulating in the same places that we never were really.
But you played with Paul Weller and Oasis back then, did that suppose a decisive boost for Ocean Colour Scene or is not that important?
SF: It’s probably not as important as people imagine, in terms of how we actually became popular. The two are different. Paul was our guardian I guess, our sponsor, a big brother. Steve started playing with him, and because of that we started going out on those early tours doing the support, going in coaches like this, into hotels and cities across Europe… It seemed that it was real, rather than just a hobby.
And Oasis… (thinks for few seconds), well playing with Oasis probably did nothing for us. It put a name in the cool crowd. But in terms of making us popular it didn’t. When we supported them on the first tour, when they were very popular, quite frankly no-one in the crowd wanted to see us. What really happened is that DJ Chris Evans played our song and made our album reached number 2 and stayed 6 months there. I think if it hadn’t been for Chris, it could have only been number 38 for 2 weeks, or something like that. That was the difference, the difference was radio.
You’ve been together more than 20 years, in these years many bands have come and gone, is there like a secret formula to be in the front line all this time?
SC: I think it’s because we stay friends.
SF: And I think the other thing is that, in reality, having that success in 1996, meant that it was something we could carry on doing and something that we could say that’s how we’re going to live adult lives, you know? And make a living. If it hadn’t happen in ’96, I don’t know what would have happen in reality. I’d like to think that we wouldn’t have split up but… I don’t know what would have happen really. So I guess it’s the fact that we are friends, and also became a real band, a real touring band, very professional.
SC: And also none of us got into heroin. I think that’s probably important.
If you had to start all over again, would you change something?
SF: I would change his jacket! (Pointing Steve’s jacket and laughing hard) Well I would have worked harder. I would have written more songs, I think.
But you used to write 3 songs in an afternoon right?
SF: Yeah that’s right. I used to write so that we had something to do. Me and Steve in particular, when we got into the recording studio near to where we lived. If I hadn’t written a couple of songs that night we wouldn’t have nothing to do the following day. And we should carry on writing more I think. But apart from that, no, because even the things that went wrong were funny. (Laughs) Most of the times we got into horrible trouble, that was funny as well. And still is.
The way to make music has changed a lot since you started, but do you reckon it’s actually easier for musicians this way than it was before?
SC: Yeah definitely. It’s much easier. When we started we recorded in 2’’ tapes, like the way they recorded in the 40’s, 50’s or 60’s. And the last 10 or 15 years, it’s totally changed. I don’t think they make tapes anymore.
SF: Yeah they probably don’t, do they?
SC: It’s all made on the digital age. Even Neil Young records, he records on tapes still, but he left digital computer software running alongside it.
SF: Well I’m useless with technology, I can’t use computers, I never use them, but Steve has learnt to record using a machine like this big, instead of the size of this bus, like they used to be. I think that we could make an album in this room. Which in a way I think… Is it sad?
SC: I think it’s a great idea.
SF: It’s actually funny, it’s like the punk ethos, has come around and no one knew how would fulfill it. There’s a democratization of music, anyone can really start making records, and they don’t need a hundred thousand pounds from a major record label, who are going to tell them how to make it.
Do you think listeners are getting lazy or superficial when listening music with the new options they have now? Seems like no one buys albums anymore.
SF: That’s a bit of a concern, when you’re in band, selling records. I don’t know to be honest, because I’m not of the generation. There’s so much information, within seconds you can listen any record, from any artist, from any era, and whatever type of music it is, that’s got to be good. But if you go to record shops, second hand record shops, you pay a fortune for records, £30 for a record I remember I sold for about a fiver when I was on the door with no money and no drugs. That’s crazy. Some of them are £12, some of them are £27, some of them are 30 quid, they don’t seem to have a…
SC: I think it’s the thickness of the vinyl, it makes the heaviest vinyl they normally are £20 in England I think.
Now that we can consider you music veteran, what would be your advice to the bands trying to make themselves a name out there?
SF: Don’t listen to old bands. Get a lawyer. I’d say. Get somebody who you can trust. I’m sure that a lot of bands have problems here and there with money, but I don’t know really.
SC: Get a lawyer and avoid heroin, I would say.
Birmingham’s got a huge musical background. Do you have any recommendations on new bands that you’re currently listening to?
SC: The Boatyman, but they’re not on the internet. Well, there’s just a song recorded at the Irish Centre. Oh and Peace. Do you know Peace?
Yes indeed, they got lot of press. I think they sound a little bit like The Stone Roses in some songs. (I’m thinking in Waste Of Saint, for instance)
SC: I don’t think they do, I think they sound more Brit Pop, poppy vocals…
If you had the chance to play your music anywhere or anytime in history, which place would it be?
SF: Monterrey festival, I think that’s the best festival I remember. But what about tonight in Madrid?
SC: King’s Road 67, when all went colourful.
What’s happening in music when a quality band like OCS doesn’t get to play Arenas more often?
SF: Well to play arenas, I think it’s just U2, Coldplay and probably Oasis, but they’re kind of all very bland don’t they? I don’t think they’re very intimate.
SC: Maybe you just have to play shit like that to get that big.
Are you happy?
SC: Yeah!
SF: Yeah I’m pretty happy, tonight yeah!
SC: He’s never happy. He’s always moody. He’s a miserable old man.
SF: No I’m not!! (laughing)
Paintings has been released by [PIAS] in 2013.
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