Hoy tenemos con nosotros a una gran banda granadina que ha sido apadrinada por Los Planetas y que acaba de publicar un álbum debut que sorprenderá a propios y extraños. Auroraestá formada por los hermanos Javier y Julio Bolívar, Ignacio Buhígas y José Alberto Solana que llevan tocando juntos desde 2008, y que hoy nos presentan Géminis([PIAS] 2013).
Anteriormente habíamos podido escucharles en 2 EP’s autoeditados como son Astromelia y Vértigo. Durante este tiempo Auroraha ganado el concurso Emergentes de la Diputación de Granada o teloneado a bandas como The Wave Pictures, además de participar en diversos festivales como Primavera Sound el pasado año, o de colaborar en recopilatorios como el tributo “Coloreando a Daniel Johnston”.
Este 2013 lanzan su debut apoyados en la producción de Banin Fraile y Carlos Díaz. El resultado es un gran álbum que no deja indiferente. Géminis cuenta con buenos temas que van desde el pop británico de décadas doradas, a cuidados sonidos psicodélicos y lo-fi que estamos más acostumbrados a oír y valorar fuera de nuestras fronteras. Un álbum que seguramente estará entre lo mejor de la música nacional a finales de año y que contiene temas como Desaparecer, Transparente , Hiperdesierto, o Ave Fenix, con guiño al Eloise de Barry Ryan incluído, que pueden ser carne de festival este verano.
Con un debut tan completo entre las manos, ROCKASTtiene el placer de entrevistarlos para conocer algo más de ellos.
Nos gustaría que nos comentaseis un poco cómo empezó la banda y cuándo decidisteis que ibais en serio.
Los cuatro veníamos de proyectos distintos y por amistades mutuas nos acabamos encontrando para dar forma a un nuevo grupo que recogiera sonidos de los grupos que más nos gustaban. Después de estar un tiempo auto gestionandonos (enviando maquetas a radios y blogs, perdiendo dinero en los pocos bolos que hacíamos) nos encontró una agencia de management y rápidamente firmamos contrato con ellos. a partir de ese momento nos dimos cuenta de que esto iba en serio y que tendríamos que grabar un disco.
¿Cómo surge el nombre de Aurora? ¿Hay alguna historia o anécdota detrás?
El nombre nos encontró a nosotros. Una historia de amor a primera vista.
Tenéis 2 EPs auto-producidos, y en este vuestro álbum debut contáis con la ayuda de Banin de Los Planetas, cómo surgió esa colaboración?
Otra historia de amor a primera vista. Banin era el jurado en un concurso de bandas emergentes del que salimos ganadores. El premio del concurso era grabar un disco y el se ofreció a producirlo. No pudimos decir que no.
¿Qué os aporta esa colaboración y la de Carlos Díaz como ingeniero de sonido que no pudierais obtener en vuestros trabajos auto-producidos?
Todo. Nosotros no sabíamos grabar ni teníamos experiencia en sonido y producción. Ellos nos han aportado experiencia, sabiduría, han grabado arreglos y sobre todo han hecho las cosas con cariño y paciencia.
¿Con qué estáis más orgullosos de Géminis?
Con el hecho de que hayamos grabado el disco que queríamos y del esfuerzo invertido tanto por los que han trabajado con nosotros como del nuestro propio.
El año pasado actuabais en el Primavera Sound de Barcelona, y este año vais a participar en el próximo South By SouthWest de Austin, posiblemente el festival, si es que se puede llamar así, más ecléctico del mundo y del que salen más bandas de cara al exterior los últimos años. ¿Cómo surgió la idea y qué esperáis de vuestra participación?
Lo de actuar en el Primavera fue un regalo y una experiencia que no se nos olvida, a pesar de tocar bajo el sol de las cinco de la tarde en el bus de Redbull. En el caso del SXSWy a pesar de estar confirmados, no sabemos aún si vamos a ir pero si finalmente fueramos seriamos muy muy felices.
¿Las nuevas tecnologías hacen realmente más fácil la vida de los músicos hoy en día o se puede volver en contra de alguna manera? ¿Creéis que existe un exceso de música hoy en día?
La tecnología digital nos ha permitido grabar nuestro disco en el corto espacio de tiempo del que disponiamos y no creemos que se pueda volver en nuestra contra (por ahora). La segunda pregunta es interesante: es verdad que hay un exceso de musica y que se esta perdiendo la costumbre de escuchar un disco entero con calma pero sigue habiendo filtros que facilitan la tarea de seleccionar aquello que más nos interesa.
¿Es difícil eso de ser profeta en su tierra? O preguntado de otra manera, ¿sería más fácil si Aurora fueran originarios de Brooklyn y no de Granada?
Un poco sí, para qué vamos a engañarnos. La industria de la musica alli es inmensa y teniendo en cuenta el tamaño del país, sabemos que girar por EE.UU no tiene nada que ver con hacerlo por aquí.
¿Qué inquietudes tenéis aparte de la música? ¿Alguna que utilicéis particularmente y que os ayude a la hora de componer por ejemplo? (libros, cine…)
Hay algún que otro guiño literario en el disco, por ejemplo a Roberto Bolaño (en el título de la canción Real Visceral).
¿Cómo son vuestros directos? ¿es ahí donde realmente una banda se la juega?
Ahora mismo estamos trabajando en el local de ensayo para que las canciones suenen ligeramente distintas de como suenan en el disco. La idea es hacerlas más grandes y más potentes.
¿Cuáles son vuestros objetivos a corto plazo?
Tocar mucho fuera de Granada y hacer una buena promoción de Geminis
¿Sois felices?
Si tenemos a gente como vosotros que nos entrevista, sí.
Geminis([PIAS] 2013) está ya a la venta. Aquí pueden ver el videoclip de Transparente que la banda ha estrenado en Metropoli, y a continuación las fechas de sus próximos conciertos.
15 FEB – AURORA DJs, Peatón // Granada 22 FEB – AURORA DJs, Planta Baja // Granada 24 FEB – Festival GRANADA en OFF // Granada 9 MAR – Sala Espaciu // Málaga 15 MAR – Sala Milwaukee // El Puerto Santa Maria 16 MAR – La Farándula // Algeciras 5 ABR – Sala 101 // Sevilla 6 ABR – Planta baja // Granada 25 ABR – Sala Mercantil// Badajoz 26 ABR – Sala Siroco // Madrid
Damos por hecho que la música está dentro de nosotros, pero no conviene olvidar que también está dentro de los demás, de cada uno de ellos. Con sus historias y parafernalias particulares. Hoy, a pesar de estar en un bar, no venimos a hablar de fútbol ni de política. Vamos a hablar de música con un músico. Vamos a charlar desde el punto de vista de alguien que se sube al escenario para observar.
Hoy no estamos haciendo una excepción. Si se fijan, esta esquina siempre ha sido un sitio musical para mentes abiertas. Por eso hoy traemos un punto de vista desde otra perspectiva. Porque, si bien en estas páginas estamos habituados a hablar de bandas emergentes con algún disco en el mercado o pequeñas promesas internacionales que creemos que puedan dar el salto, hoy hablamos con un músico español (ya mencionamos aquí su single de debut] instalado actualmente en Múnich que continúa, a su ritmo, con una trayectoria musical humilde pero que le ha llevado a girar recientemente por lugares tan exóticos como Afganistán (!?!?!), a ser presentado por Javier Vielba (mejor dicho: El Meister cuando se dedica a sus labores) de Arizona Baby en el especial de Navidad del Borsalino, o ser uno de los favoritos de la prestigiosa revista Jot Down. Incluso el mismísimo Pablo Carbonell ha declarado que le gusta su primer single, LOS 4 Trillones De Dioses De Dólares.
Nos encontramos con Ál Carmona en El Farolito. Ese bar canalla de Valladolid cuyo nombre está inspirado en Bajo el volcán, novela de Malcolm Lowry con película de John Huston. La casualidad nos hace coincidir con Leo Harlem y el actor David Muro como parroquianos ocasionales. Pucela es así…
La primera en la frente: ¿Cómo demonios termina un músico español tocando para las tropas de la OTAN en Afganistán?
Estoy trabajando de técnico de sonido en un estudio de Múnich. A la banda de un compañero, a través de su bajista, que era militar, les ofrecieron ir a tocar allí para las tropas alemanas de la OTAN en Afganistán. Sólo tenían una hora de repertorio y necesitaban dos. Se lo comentaron a mi jefe, que es batería, y él me propuso ir, yo con el bajo y a cantar. Todo versiones. Entre mi jefe y dos de la otra banda, montamos en cinco días una hora de versiones.
Fue todo por azar, unido a que la gente del estudio conocía mi motivación por tocar. No entiendo el ejército, ni me gusta la guerra, ni hacer versiones… pero me dije «tengo que aceptar». Supongo que tenía más miedo de no ir y arrepentirme después, que de lo que hubiera podido pasar allí.
Entonces ¿te topas de frente con las consecuencias de la guerra? Quiero decir, la guerra de verdad, la que aparece en nuestros plasmas.
Sí, bueno, fue toda una experiencia, pero tampoco estuvimos en mitad de una batalla… No salimos de las bases de la OTAN. En teoría, creo que están en alerta amarilla. Una de ellas no encendía las farolas por la noche para evitar ataques y, entre el aeropuerto y la base en sí, íbamos con chaleco antibalas y casco, en unos vehículos blindados rarísimos… pero yo no oí ni un tiro, gracias a Dios.
Sanner Ariduru, batería de Sworn Iron y Ál Carmona en el aeropuerto de Mazar-e-Sahriff.
¿Cómo se lleva una mini gira de 3 conciertos por las ciudades de Termez, Mazar-e-Shariffy Kunduz?
La experiencia ha sido bonita, pero extraña. Lo primero porque yo no hablo alemán, sólo inglés, y fuimos a bases alemanas. Estaba todo el mundo armado hasta los dientes y en una de las bases había un rollo, no digo de miedo, pero sí de tensión. Yo nunca he estado en un sitio parecido. Conoces a mucha gente que no es como tú. Que no tiene nada que ver contigo.
Musicalmente, yo he salido al escenario allí como no he salido nunca. Porque estaba muy lejos de mi casa. Y estaba solo. Solo.Pero cuando subes al escenario no piensas en nada. Tu quieres subir cuanto antes, y tocar. Y hay veces que quieres que se acabe, y veces que quieres que siga toda la vida. Pero no piensas en nada más que en la canción, estés donde estés.
«Después del trabajo, el azar es muy importante en nuestra vida, es algo que no valoramos lo suficiente ya no como músicos, sino como personas.»
¿Eres un músico español que se ha visto obligado por las circunstancias a emigrar de su país en busca de una oportunidad? Resulta muy difícil para uno ser profeta en su tierra ¿no?
Bueno, yo llegué a Alemania hace casi dos años para estudiar sonido durante tres meses. No tenía intención de quedarme allí a trabajar, ni nadie me obligó. Tenía la suerte de tener otras opciones. Pero vi una oferta de trabajo en castellano, en un estudio de grabación, les envié un mail y en la entrevista conectamos. Y allí estoy por el momento…
Y creo que sí que se puede ser profeta en tu tierra: hay música en español que triunfa, que permite a las bandas vivir de la música. Deberían de ser más, claro. Pero si te esfuerzas en hacer buenas canciones, tal vez le lleguen a alguien con tu mismo criterio. Luego, que cuentes o no con apoyo es otra cuestión. Pero aquí vuelve a entrar otra vez el azar para que tus canciones y su público se conozcan. Después del trabajo, el azar es muy importante en nuestra vida, es algo que no valoramos lo suficiente ya no como músicos, sino como personas.
Ál habla con un convencimiento de perro más viejo de lo que es. Su proyecto con los vallisoletanos Rober y Los Optimistas es bonito mientras dura. Cuando dura. Las distancias y circunstancias son las que han hecho mella en una banda que siempre que he escuchado y visto, y han sido un buen puñado de conciertos, pienso que es de esas bandas auténticas, de las de verdad.
Rober y Los Optimistas.
Yo siempre os he imaginado más allá. Un poco fuera de vuestro entorno para poder divulgar ese rock de pueblo que crea adeptos por su originalidad y a la gente le gusta y realmente lo sienten como algo suyo…
…sí, y a veces también se asustan… ¡¡y con razón!! (risas) Rober y Los Optimistas realmente no hemos podido salir de nuestro entorno: Valladolid, Simancas, unas cuantas veces en Madrid… Pero es que Rober es esquizofrénico. Lleva su enfermedad muy bien, es un caballero y un maestro para mi y para muchos. Puede dar sopas con ondas a los que vamos de sanos. Pero le gusta seguir una rutina y no alejarse mucho de casa. Lo necesita.
¿Te parece justo…?
A mi Rober me ha enseñado que la justicia… mejor dicho: TÚ idea de la justicia, no te puede quitar el sueño. Hay que sacar partido a lo que tienes, hay que buscar el bienestar personal. Dicho esto: como compositor y como músico, Rober se merece mucho más respeto y atención. Eso me parece a mi. Pero mucha gente se queda con las risas y la forma y la locura y se pierden cosas muy bonitas y muy intensas de sus canciones y de nuestros conciertos.
También yo tengo que hacer justicia con Rober: tengo que acabar de mezclar un EP que grabamos en Madrid. En Afganistán me perdieron un disco duro con las premezclas, así que tendré que empezar de nuevo… A ver qué tal nos queda.
Has pasado la mayor parte de tu vida musical con Rober y Los Optimistas y ahora parece que llega el momento de presentar tus propios temas y de volar solo. ¿Te encuentras con más dificultades?
Bueno, la dificultad principal es que necesito una banda (risas). En Múnich estoy tocando con Paperas Theremín y estoy montando mis temas con ellos. Son un batería y un bajista. Pero no sé hasta qué punto podremos grabar o salir a tocar por España. Ellos están menos implicados que yo en dedicarle tiempo y dinero a la música. Necesito una banda que le gusten mis canciones, que aporten algo o que las hagan como yo quiero, y luego dinero para grabarlo. Hay temas preparados que han tenido buena acogida y a veces las tocamos en los conciertos con los Optimistas.
Mientras apura otro piti, unos entrados treintañeros se arriman a una de las estufas móviles que luchan contra los cero grados de la capital castellana, mientras se animan contando putadas varias de sus mejores despedidas de solteros. Dentro la gente está como en casa. Esperando la carta de ajuste. Son las 5 de la mañana y mañana es día de escuela.
Déjame que te mencione la industria musical, porque siempre es interesante verlo con los ojos de un músico que no aparece en MTV’s, ni otras parafernalias. La industria musical, con el reciente anuncio del posible cierre de HMV, que era ya la última gran cadena de Reino Unido que quedaba, no pasa por sus mejores momentos.
Yo no conozco nada de la industria musical, no sé de qué va, nunca he trabajado en ella. Por desgracia. Lo que sí echo de menos es no estar obligado a irme un sábado por la mañana a buscar discos y comprarlos y esa misma noche llegar a casa, abrir el celofancito, sin poner los dedos, sacar el libreto, ponerme el equipo y escuchar el disco entero. Nada de escuchar canciones. Escuchar de la primera canción a la última. El álbum. Leyendo las letras, viendo si aquí ha tocado el bajo éste o aquél, la guitarra nosequién, la batería tal, fotacas guapas… Que lo puedo hacer y lo hago de vez en cuando, pero internet es taaan grande y está todo y es casi gratis… es una tentación muy grande. Y yo soy muy vago.
La verdad es que esa nostalgia es cada vez más común en los sanedrines musicales, y me hace volver al tema de la manera en que escuchamos música actualmente. La forma en que todo ha cambiado, tan rápidamente y tan radicalmente. Muchos piensan que estamos mal educados musicalmente.
No sé. El tío que toca en la Sinfónica de Castilla Y León está educado de puta madre y seguro que te escucha el Spotify como tú y como yo. Pero creo que más que mal educados, la gente que tiene ahora 18 años se está perdiendo una emoción: la de apostar por un disco y concentrarte en él con atención. Digo lo de apostar porque antes había que pagar. Y luego también escuchar un disco, un álbum, en un equipo de puta madre. De principio a fin, con atención. Ahora se escucha en los altavoces del PC y si no te gusta, la pasas a los 10 segundos. A por otra. Yo por lo menos sé lo que era sentarte a escuchar un disco. Las canciones que más me gustan en mi vida, las he tenido que escuchar tres o cuatro veces. La primera me parecía raro, la segunda dudaba, la tercera ya sabías de que iba, y la cuarta vez ya decías, ¡vaya temazo! Y esa sensación de descubrir una canción… ¡buah! Pero bueno, yo no soy quien para decirle nada a nadie porque ahora yo también hago lo mismo, joder.
Entramos por otra ronda. Los camareros se quieren ir y así nos lo avisan. Será la penúltima entonces. El calor del amor del bar de Urrutia debería ser parecido a esto.
Pero Alemania es otra cosa.
Más que añoranza de un lugar, tengo añoranza de una época: de cuando era un chaval. Como todo el mundo. Con ganas de volver a España, sí, pero con más ganas de volver a tener 18 años.
Casi siempre me gusta preguntar a qué músicos se admira, porque a veces obtienes a clásicos pero otras veces te sorprendes.
No creo que te sorprendan mis gustos. Son muy populares. Pero por comentar algo íntimo: admiro muchísimo a Los Gandules. Me parecen unos musicazos que han hecho una deconstrucción de cientos de canciones clásicas que es una especie de jazz, pero en vez de con la música, con las letras y con la actitud. Les escuché por primera vez un sábado que llegué tarde, en la cocina de casa, mientras cenaba. !Me volaron la puta cabeza! Era un directo en Zaragoza de hace tiempo. Pero es que en los discos, además, ¡¡te sacan el sonido que quieras de quien quieras!! Son brutales. Espero ahorrar cuatro duros en breve para que me puedan grabar algo con su técnico en Zaragoza. De hecho, estamos en contacto de cuando yo estaba en bares y les traje una vez por aquí. Rober y los Optimistas les teloneamos también una vez en Madrid.
Por supuesto, a Rober de los Optimistas le admiro profundamente como compositor y como intérprete. He aprendido muchísimo con él. Muchísimo.
Lhasa de Sela también hizo música que me llega muy hondo. Preciosa y me recuerda muchas cosas. Una vez vino a tocar a Pucela y no había entradas, y me escuché el concierto entero en la calle, desde la puerta de atrás de la sala Ambigú. ¡En Diciembre!
Y, hombre, más que artistas, admiro discos, canciones… soy de escuchar mucho un disco más que de escuchar un par de veces muchos discos.
¿Cómo compones?
No me considero compositor… escribo música popular urbana. He hecho una docena de canciones que me gustan y que quiero sacar para adelante. Las letras son importantes.
A la hora de ponerte con un tema, los errores son fundamentales, buenos, beneficiosos: de un error mientras tocas te puede salir un puente nuevo, o un final perfecto, o una canción nueva. Y luego no hay que perder de vista lo indefinible de la canción, lo que la hace un poco diferente del resto aunque para todos haya doce notas…
Al final del día, entiendo que tu mente está con tu proyecto en solitario. Pero ¿prefieres que siga en solitario, o con banda?
Con banda. Absolutamente. No me gusta el formato voz y guitarra para mi. Pero, de momento, sigo buscando una banda por aquí que me traiga de vuelta a España…Volvemos otra vez al azar. ¿Sabes por qué los Stones, los U2, los Beatles, quien quieras… sabes por qué creo que están ahí? Porque han tenido la puta suerte de conocerse en el instituto, la suerte de entender la música de la misma manera, de trabajar igual, de tener todos voluntad de aprender… y ha ido todo junto ¡y eso es puta suerte! Porque si hubiera habido un miembro distinto, a lo mejor nada hubiera cuajado y se te jode la banda y acabas vendiendo pan, o siendo madero o trabajando de camarero. Es difícil tener una banda en la que todo encaje exactamente como quieres, pero hay entender la música de maneras complementarias. Y ser un yonki de tocar.
¿Con quién compartirías un escenario si tuvieras ocasión?
Pues hombre… soñaría con subir al escenario de Nick Cave & The Bad Seeds, en la época del No more shall we part. Aunque fuera para recogerles los cables o fregarles el suelo después del concierto.
Pero bueno, disfrutotanto tocando con gente de aquí de Valladolid a la que echo de menos viviendo fuera… Es que compartir escenario y que las cosas funcionen y el público se divierta… ¡es increíble! Aunque estés tocando con tu peor enemigo. (risas)
Es el gran momento. Estás a punto de salir al escenario en el concierto más importante de tu vida. ¿Quién está en la primera fila?
Pues preferiría no conocer a nadie. Es duro tocar para gente conocida. Me cuesta mirar al público. Verlo por ahí delante está bien, pero mirarlo… !buf! Te pueden subir para arriba o aplastarte. Y más en mi caso que, salvo excepciones, casi siempre toco para cuatro gatos.
Aunque desde hace poco me he propuesto observarles. Ni ver, ni mirar: observar con atención a ver qué hace la gente mientras toco. Como si el espectador fuese yo.
Ál, ¿eres feliz?
Sí. Ser feliz es una decisión, no es una circunstancia. Además, aquí tomando unas copas con los amigos es una decisión muy fácil de tomar.
Si se quedaron con sed, aquí tienen algo de beber:
Suponiendo que la objetividad suele empezar donde termina la espalda en este tipo de listas, desde aquí vamos a aportar los discos que hemos considerado más importantes del 2012. Para nosotros prima la originalidad, creatividad, el aporte de los artistas y la influencia que pueden tener.
Lo hemos visto otros años y sigue sucediendo. Es curioso comprobar como importantes medios siguen empecinados en sacar su lista con una antelación cada vez más ridícula, expulsando Diciembre del calendario y produciendo situaciones cómicas, como dejar fuera de sus Best Of2011el que fuera uno de los álbumes del año, El Camino de Black Keys, lanzado a principios de Diciembre.
Pero aunque 2012 no haya sido un mal año musicalmente hablando, siempre echamos de menos que se multipliquen las grandes referencias musicales, esas que juegan en otras ligas, y eso es algo que parece que tiende a desaparecer. No obstante, el 2012 nos prometía grandes cosas y ha cumplido con creces lo esperado:
30. POP LEVI – Medicine (Ninja Tune)
Jonathan Levi, mas (o quizás menos) conocido como el ex bajista de Ladytron, sigue su camino en solitario con la publicación de su cuarto álbum en solitario, afianzando este proyecto al resto (Ladytron, Super Numeri, etc…). Este compendio glam electrónico ha sido grabado según Levi por “una diferente versión de mí, en otra dimensión”. Un lugar indudablemente original para grabar un disco. Aún con todo, nos deja un álbum que aunque algo extenso, recuerda los buenos tiempos e intentos de Eagles Of Death Metal por sacudir éste género, aunque Levi no deseche los medios tecnológicos que le ofrece la actualidad. Contiene llenapistas y buenrollismo a raudales. Un imprescindible de sábado noche.
29. MAPS & ATLASES – Beware and be grateful (Barsuk Records)
Estos minuciosos músicos de Chicago lanzaron en 2012 su 2º álbum, después de un sinfín de EP’s y lugares recorridos para hacer sonar su música. Demasiado meticulosos para algunos, están en constante búsqueda de sonidos. Como ya vimos aquí, no les importa sobreponer ritmos o hacer tapping, aunque en éste disco hayan dejado la experimentación más aparcada que en sus anteriores lanzamientos. Beware And Be Grateful es un álbum vistoso que consigue enganchar de primeras. Hablamos de ellos en Abril.
28. THE WALKMEN – Heaven (Fat Possum Records / Bella Union)
Los siempre correctos neoyorquinos cumplen 10 años desde su debut, y lo hacen lanzando el que es ya su séptimo largo. De perfil bajo, no cuentan con presiones añadidas, y son más que nunca conocedores de que nunca contarán con el apoyo unánime de la crítica especializada. Así Heaven, que cuenta con la colaboración de Robin Pecknold de Fleet Foxes en el primer tema, es un álbum donde la banda se encuentra en ese punto en que no sienten la necesidad de demostrar nada, a pesar de que muchos echan de menos un gran trabajo que les coloque en el mismo mapa que otras americanas más consagradas. Con todo, y sin esa presión, componen los mejores temas de su carrera como podemos ver en Line By Line o The Witch.
27. FATHER JOHN MISTY – Fear Fun (Sub Pop)
“Para que aparezca una nueva vida, algo tiene que morir”. Menos conocido como Josh Tillman, el hasta hace un año batería de los laureados Fleet Foxes dejaba la banda al no sentirse completamente feliz con ellos. Así retomaba en 2012 sus proyectos personales con un notable éxito. Su 8º disco de estudio ha sido parido a través de viajes sin destino por la costa este de los EEUU en una furgoneta donde no faltaban setas alucinógenas que le ayudasen a encontrarse a sí mismo. El resultado es un trabajo exquisito de folk que no ha pasado desapercibido.
26. TWO GALLANTS – The Bloom And The Light (PIAS)
Estos 2 tipos de San Francisco llevan tocando juntos desde que tenían 5 años. The Bloom And The Light y su sonido marca de la casa les ha valido la aceptación de crítica y público si bien no se encuentran comercialmente hablando al nivel de otros grandes dúos con los que se les compara como White Stripes o Black Keys. Su propuesta de rock garajero afilado con intención psicodélica, triunfa allá donde va si bien a ellos las cifras no es algo que parezca importarles. Les entrevistamos en su visita a España.
25. PATTERSON HOOD – Heat Lightning Rumbles In The Distance (PIAS)
Padre de una de las mejores bandas de alt-country que se puede uno llevar a los oídos, el hijo del mítico David Hood deja a un lado a sus Drive-By Truckers para presentarnos su tercer disco en solitario. Éste disco confirma la plenitud compositiva en la que parece encontrarse Patterson, quien está deseando lanzar nuevo disco con Drive-By Truckers en 2013. Un placer entrevistarlo hace un par de meses.
24. JOHN TALABOT – ƒIN (Permanent Vacation)
El DJ y productor barcelonés lanza su primer LP de la mano de Permanent Vacation después de publicar multitud de singles y remixes para terceros.ƒIN es un trabajo que le ha supuesto los elogios de la crítica especializada y que le ha valido para que le coloquen rápidamente en la estela de gurús electrónicos como Four Tet, Burial o Caribou. Con éste album consigue introducir la electrónica en un confortable salón familiar. Cuenta con buenas colaboraciones como Pional en el primer single o Ekhi.
23. THE MACCABEES – Given To The Wild (Fiction Records)
Los londinenses del sur del Thamesis llevan desde 2004 que lanzaron su debut buscando ese pedazo de ratio mainstream que parece reservado de unos años a esta parte a bandas con más éxitos extra musicales que musicales propiamente dichos. Su lucha ha sido constante, pero después de un 2º álbum que no convenció, lanzan un 3º que ha sido carne de cañón de Mercury Prize y que por fin parece haber puesto a todo el mundo de acuerdo. La propia madre de uno de los miembros recomendaba su debut en una tienda de discos del Kensington High St. de Londres que ya no existe. Su nominación a los Mercury les hace justicia.
Jack Tatum hace un álbum continuista de su gran debut de 2010, el celebrado Gemini, y lo hace destilando su dream pop de manera más práctica, aunque sin grandes temas que resalten sobre los demás como ocurría en Gemini. Sin embargo, Paradise, Nocturne, Shadow o Counting Days bien podrían ser las patas que sostienen el álbum.
21. THE VACCINES – Come Of Age (Columbia)
Veni, vidi, vici. La máxima de Julio César la llevan los londinenses a cada escenario que pisan, pero también la aplican a su segundo álbum. Come Of Age no es un desfile de hits tan radical como lo fue su debut, pero sigue la misma línea de pegada y deja joyas como Teenage Icon o No Hope. Los Vaccines no van a cambiar la forma de ver el rock ni van a arreglar nada que esté por arreglar, pero han demostrado que hacen grandes singles como churros y sin ninguna pretensión. Rock directo, efectivo, y sin complicaciones.
20. RICHARD HAWLEY – Standing At The Sky’s Edge (EMI)
El de Sheffield es uno de esos músicos en peligro de extinción. Se volvió a hacer justicia con su nominación a los Mercury otra vez éste año, pero sin ser el claro favorito, volvió a perder como aquella vez que le arrebataron el premio unos inconmensurables Arctic Monkeys. En cualquier caso, Hawley ha vuelto para publicar Standing At The Sky’s Edge, un ábum que hace gala del desencanto que percibe su autor y que tira de épica y pop elegante e inteligente.
19. PASSION PIT – Gossamer (Columbia)
La banda de Michael Angelakos encandila al público de los EEUU pero no logra hacerse un hueco en Reino Unido. Después de un EP rompedor como fue Chunk Of Change y de un debut que les abriría un hueco aún poco explotado, Gossamer pone de manifiesto una habilidad especial para abrir un abanico de posibilidades musicales que no muchas bandas poseen. Sus temas están radicalmente abiertos a ser mezclados, remezclados y dados la vuelta, para obtener un sinfín de interpretaciones, desde el RnB más comercial al cierrapistas más multitudinario.
18. GRIMES – Visions (4AD)
La ola que se levanta en Canadá empieza a ser demasiado grande para ser obviada. Claire Boucher presentaba su tercer álbum y primero con 4AD, denominado Visions. La mezcla de sintetizadores con su voz aniñada y oscurantismo le ha valido la etiqueta de goth-electro entre otros. Lo cierto es que después de ser expulsada de la universidad y de recorrerse el Mississippi con lo puesto en un pequeña embarcación, Claire logró plasmar sus ideas en un álbum que le ha supuesto el reconocimiento internacional. Hablamos de ella en nuestra lista de artistas a seguir de 2012.
17. CAT POWER – Sun (Matador)
La imprevisible solista norteamericana da una acertada vuelta de tuerca a su estilo y juega con la electrónica en su 9º álbum. Se puede decir que la vida de Charlyn Marie Marshall no ha sido fácil. Después de cambiar 10 veces de colegio, estar en bancarrota, intentar suicidarse, ser desahuciada, utilizar su fondo de pensiones para financiarse las grabaciones, separarse o pedir cobijo en la casa de su productor, tampoco este año iban a venir buenas noticias para ella. A finales de año Chan Marshall se veía obligada a cancelar la gira por un angioedema y se confirmaba que podría estar de nuevo en bancarrota. En el ámbito meramente musical, nos encontramos con el lanzamiento de un notable trabajo. La delicadeza que encontramos en Sun muestra también un equilibrio entre la tristeza y el optimismo, propiciado por la cierta hartura de Chan con su lado más depresivo, como ella misma ha afirmado. Confiamos en poder verla pronto sobre los escenarios.
16. CHROMATICS – Kill For Love (Italians Do It Better)
Probablemente nadie ofrezca mejor banda sonora a las luces de neon en las noches de las grandes ciudades como la banda de Seattle. Cinco años después de su último álbum, regresan hilando fino, con atmósferas hipnóticas en el que es posiblemente su mejor álbum. El impulsoque ha dado la banda sonora de la película Drive les ha valido, al igual que a todos los participantes, para llegar a un público más amplio, pero no ha cambiado un ápice en su modus operandi. Es paradójicamente un trabajo muy cinematográfico y elegante, que une la electrónica al new wave, con guitarras eléctricas, musica disco, beats lentos y voz auto-tuneada en ocasiones que funciona bien en su conjunto y que ofrece un eficaz medio de transporte a la imaginación.
15. DJANGO DJANGO – Django Django (Because Music)
Ésta banda escocesa, que se ha tomado literalmente todo el tiempo del mundo en terminar su álbum, ha demostrado que efectivamente la paciencia es una virtud. Añadiendo pros a esa emergente oleada de nueva música psicodélica, Django Django están irremediablemente influidos por la mítica Beta Band, ya que el cantante David MacLean es precisamente el hermano pequeño del que fuera teclista de aquellos, John MacLean. También hablamos de ellos en nuestra lista de artistas a seguir de 2012. Default es sin duda uno de los mejores temas de 2012.
14. CRYSTAL CASTLES – (III) (Fiction Records, Lies Records, Last Gang Records)
El proyecto de Ethan Kath con la colaboración de Alice Glass, se convertiría en definitivo con el lanzamiento de su álbum debut en 2008. Su consagración al gran público, si se puede llamarlo así se confirmaría con el enorme (II) de 2011, y ahora parece que en vez de seguir el ancho camino abierto por aquel disco, deciden hacer lo que realmente ellos y no su discográfica quieren. Con (III) se ponen el traje de los domingos y lanzan un álbum de punk electrónico mucho más moderado que los anteriores álbumes. Es más lineal y más serio de lo que nos tenían acostumbrados pero que no baja una mica de calidad a su talento. El próximo año estarán de gira y podremos comprobar como funciona (III) en la salvaje experiencia que son sus directos, más que recomendables. O no.
13. JAKE BUGG – Jake Bugg (Mercury Records)
No hay duda de que estamos ante un compositor con mucho talento y una voz con mucho gancho. Con apenas 19 años, éste británico de Nottingham, ha lanzado un álbum debut que ha sorprendido a propios y extraños. El llamado Dylan británico bebe de los Arctic Monkeys que ha mamado desde niño, superándolos en algunos aspectos, pasando por Beatles y Oasis. Era hora de que Reino Unido empezase otra vez a aportar cosas interesantes a la música después de pasar tanto tiempo inadvertido. Este fenómeno va a dar mucho que hablar y Universal lo ha visto claro.
12. NORAH JONES – …Little Broken Hearts (Blue Note)
La cantante y actriz neoyorquina, hija del recientemente fallecido Ravi Shankar, – el músico hindú más influyente del mundo-, publicaba en 2012 nuevo álbum de la mano del prestigioso Danger Mouse, el productor gurú que convierte en oro todo lo que toca y que apunto estuvo de tomar las riendas de U2 cuando U2 creían aún en sus propias posibilidades. Después de la exitosa colaboración del año pasado con la estupenda Rome, produce en este caso el disco entero de Jones confirmando que poniendo sobre la mesa solamente su música y nada más, es una de las cantantes con más calidad y más interesantes de la escena musical de los últimos años. Norah tiene la voz, tiene el misterio y tiene el talento innatos. Y por eso tiene especial mérito no hacer el mismo primer disco una y otra vez.
11. TAME IMPALA – Lonerism (Modular Recordings)
Corren definitivamente nuevos tiempos para la psicodelia musical. Y si no que se lo digan al bueno de Kevin Parker. El introspectivo líder de los australianos Tame Impala afirmaba que cuando terminaron Lonerism dudaba de si habían hecho algo realmente bueno o todo lo contrario. Su particular forma de crear, llevando la máxima del “mejor sólo que mal acompañado” al extremo, nos hace dudar de sí realmente se puede crear música sin que exista influencia alguna del mundo exterior. Lonerism, que es el 2º álbum de TI, experimenta con la psicodelia de los 60 y 70 y consigue crear un sonido con sentido, tomando como referencia elementos de hace 50 años y usando la tecnología en su justa medida para que sorprendentemente no suene a refrito de refrito del revival de turno. No hay temas que destaquen sobremanera sobre el resto, ni estribillos que corear pero el álbum forma un conjunto uniforme, casi indivisible que puede ser extrapolado y armoniza un sinfín de puntos de vista.
10. CALEXICO – Algiers (City Slang)
Existen pocas bandas que posean una variedad de estilos tan rica como la del dúo de Tucson. Y menos aún que sepan sacarle el provecho que éstos le saben sacar. En su country folk de serie, en esta ocasión tienen cabida rancheras, ritmos cubanos o temas en castellano. Calexico sabe llevar la elegancia en temas extremadamente cuidados y que cuentan buenas historias. Algiers es el 7º álbum de la banda.
9. CLOUD NOTHINGS – Attack On Memory (Carpark Records / Wichita)
Sin duda los de Ohio son una de las formaciones más geniales del panorama musical. No solo haciendo videoclips han demostrado que son de lo mejorcito que se puede uno encontrar. La energía que desprende la banda de Dylan Balde es fácilmente contagiosa. Garaje noventero y descarado rock a corto plazo con el que están decididos a hacer un álbum por año, gran noticia después del espectacular homónimo de 2011.
8. BAT FOR LASHES – The Haunted Man (EMI)
Natasha Khan es esencia de talento. Es apetito musical. Palpable y real Una extraña belleza más oída que escuchada por siluetas con derecho a voto. Como si a pesar de sus 3 grandes trabajos aún se esperase de ella un gran golpe sobre la mesa. Original de la playa de Londres con descendencia paquistaní, Khan presentaba este año The Haunted Man envuelto en un continente que tristemente parecía dar que hablar más que el contenido. Multi-instrumentista pero gran pianista y compositora, se gradúa con nota con uno de los mejores temas del año que es Laura, en un álbum muy cuidado en el que también destacan temas como Marilyn, A Wall o All Your Gold.
7. JACK WHITE – Blunderbuss (Third Man Records)
Obsesionado consigo mismo y perfeccionista hasta la médula, Jack White ofrece un compendio de rock blusero de manual. Nadie consigue hacer sonar el rock clásico tan moderno como él. Rodeado de grandes músicos de su Nashville natal, su fastuosidad creativa le pide en esta ocasión llevarse dos bandas de gira, una totalmente masculina, The Buzzards, y otra femenina, The Peacocks, siendo su feeling en el momento del desayuno quien decida quién va a tocar en el concierto de cada noche. Elegancia musical sin igual. Imprescindible.
6. JAPANDROIDS – Celebration Rock (Polyvinyl)
Japandroids o el rock agarrado a un clavo ardiendo. Su abismo sonoro lleva al límite. El dúo de Vancouver lleva el experimentalismo al extremo opuesto y no pide sino ofrece. Celebration Rock, un álbum que apunto estuvo de no publicarse, ya que estuvieron apunto de separarse, escupe rock sin paliativos. Rock que te zarandea hasta dejarte K.O. Todo actitud en un álbum para ser sudado en directo como si no hubiera un mañana.
5. SMASHING PUMPKINS – Oceania (Martha’s Music)
Contra todo agorero pronóstico, el octavo álbum de Billy Corgan con Smashing Pumpkins es muy digno de estar en toda lista álbumes del año. El puñado de grandes temas que atesora Oceaniano se cuentan con una sola mano. Y cuenten el resto de la lista. El mayor problema de Smashing Pumpkins en 2012 es que son Smashing Pumpkins. Y el mayor pecado de Oceanía es que no es 1997 y éste no es el álbum que va a seguir a Mellon Collie.
Pero hace tiempo que la industria pasó a vender politonos y la memoria colectiva musical, cargada de estúpidos prejuicios, se acomodó en un corto plazo cuanto menos inquietante. Oceania es un álbum que le sobra lo que otros añoran y tardan tanto en conseguir. Es encomiable la capacidad de Billy Corgan para crear melodías de tan bella factura y dotarles del peso de guitarras y los arreglos justos. Oceanía pide a gritos volver a confiar en un tipo que sabe muy bien lo que se hace.
4. BEACH HOUSE – Bloom (Bella Union)
Bloom continúa en la línea del estupendo Teen Dream, añadiendo quizás algo más de epicidad y haciendo más espacioso su sonido, convirtiéndose cada vez más en una influencia para muchas bandas. La palpitante Wild es uno de los temas del año, pero no olvidemos la creciente Irene o la majestuosidad de New Year. La voz de Victoria está mejor que nunca y la calidad que consiguen en todos sus álbumes les ha valido para ganarse el respeto de todos.
3. REDD KROSS – Researching The Blues (Sweet Nothing Records)
15 años llevaban sin publicar nuevo disco la banda de los hermanos prodigio californianos. Y menudo regreso. Researching The Blues está a la par de sus trabajos en los 90. Los padres del primer punk-rock californiano se marcan un álbum señor de arriba a abajo, que suena a Beatles o Byrds y te deja KO a las primeras de cambio. Ellos no saben de modas, pero levantan la bandera del power pop al punto más alto y consiguen un disco soberbio que funciona bien ahora y hubiera funcionado igual de bien hace 15 años. Solamente 10 temas en treinta y pocos minutos que después de tanto tiempo dejan un inmejorable sabor de boca y ganas de más. Un álbum que suena incluso mejor escuchado del final al principio, y es que dejan para el final el mejor tema, el beatleHazel Eyes.
2. ALABAMA SHAKES – Boys & Girls (Rouge Trade)
Curioso como un panfleto británico, otrora referencia musical por excelencia, les dedicaba una portada bajo el título de “The World’s Greatest New Band” y apenas meses después no tenía cabida en sus 50 discos del año. Alabama Shakes es una banda que camina con pies de plomo, mirada fija, y la recamara llena de balas. Sus directos son una experiencia sensacional, sencillamente bonitos, cargados de calidad y de mucha emoción. Es increíble la unanimidad que ha conseguido esta banda en torno a ella, que ha logrado que se pongan a sus pies ilustres como Robert Plant, Jack White o Drive-By Truckers.
La magia que tiene ésta banda reside principalemente en su cantante, que es comparada y con razón con Aretha Franklyn. Es la banda con mayor potencial y proyección de la lista. No encuentro ninguna razón para que Alabama Shakes no lleguen a lo más alto. Brittany Howard es un regalo para la música. Algo intuíamos ya el pasado mes de Abril.
1. (Δ) ALT-J – An Awesome Wave (PIAS)
Y la joya de la corona de 2012. Sinceramente tenían reservado el Nº1 y hasta la foto de éste artículo desde la publicación de An Awesome Wave a la espera de que algo o alguien pudiera arrebatárselo. Estos británicos tienen una clase descomunal y han hecho un álbum para quitarse el sombrero. Contiene hasta 7 temas que perfectamente podrían ser singles cualquiera de ellos. Un estilo que mezcla de manera sublime elemenos folk con dubstep, trip-hop y unas armonías vocales muy cuidadas. Su álbum es uno de los mejores debuts de los últimos años, y eso va a provocar precisamente que sea extremadamente difícil superarlo en el segundo álbum. Aunque para entonces quizás la media haya girado 180 grados y no les espere con los brazos abiertos precisamente. En ROCKAST hablamos de ellos apenas publicaron su debut, y con ellos en Agosto en una interesante entrevista.
Nadie puede dudar que Jim Jones es uno de los estandartes del rock garajero de vieja escuela. El que fuera líder de Thee Hypnotics, ha pasado por España para descargar la adrenalina de Jim Jones Revuey presentar un nuevo álbum que le consagra como la banda a batir del rock británico.
Jim Jones es un personaje con una personalidad arrolladora cuya chulesca puesta en escena hace las delicias de todos sus fieles allá donde pisa un escenario. Un concierto de Jim Jones Revue se traduce en intensidad, sudor, química, buen rollo y años perdidos.
ROCKASTentrevista hoy a un tipo de vuelta de todo. Británico de nacimiento, con corazón musical americano, se sabe de antemano que va a tener mucho que decir. Hablemos entonces de rock, de punk, de shows y de la vida misma:
¿Qué tal estás Jim? He visto que estáis tocando 6 y 7 noches consecutivas durante este Tour.
Estamos bien, genial. Hicimos 5 conciertos en Francia, luego Barcelona, Valencia, Alicante, Madrid ésta noche, Bilbao mañana y luego vuelta a Francia.
¿Cómo puedes mantener la voz después de todas estas noches?
Bueno, puedes escuchar que está ronca. Solamente tienes que tener cuidado. Una de las peores cosas sucede justo después de un concierto, si vas a una habitación ruidosa e intentas hablar con la gente es lo peor que te puede pasar. Siempre intento tomarme 5 o 10 minutos después de cada actuación para dejar que mi voz se calme. Hay quien piensa ah eres una estrella y no quieres venir a hablar con nosotros, pero es un descanso, mi voz tiene que cantar para todo el mundo mañana para no tener que cancelar el show ¿me entiendes? Lo más importante es el show, así que empleo el resto del día en prepararme para ello. Lo mejor para la voz es dormir. Pero estás siempre de gira, tocas tarde, vuelves tarde al hotel, luego te lleva un rato calmarte y cuando te levantas por la mañana a veces tienes que conducir durante 6 horas.
Vuestro anterior trabajo, Burning Your House Down, fue muy bien recibido. ¿Añade esto presión en el momento de hacer The Savage Heart?
No. Quiero decir, creo que es algo bueno. Obviamente piensas sobre ello pero no le das importancia. Porque si te empiezas a preocuparte empiezas a cambiar la forma en la que haces las cosas. Es importante hacer la música que crees que es la correcta. Piensas lo que le gusta a la gente, porque cuando tocas en directo puedes ver lo que funciona. Pero para ser creativo tienes que sentir que estás innovando todo el tiempo, que estás abriendo nuevos caminos de alguna manera. Si intentas ir hacia atrás es un error. Nunca lo he intentado así que no lo sé, quizás sea el secreto del éxito (risas).
«Mira, si vienes a ver a Jim Jones Revue, tienes que llevarte algo del show»
En The Savage Heart trabajáis con Jim Sclavunos (Sonic Youth, percursionista de Nick Cave & The Bad Seeds) y Jim Abbis (Arctic Monkeys, Adele, The Verve) ¿Consiguen sacar lo mejor de vosotros?
Sí, creo que sí. Creo que hacíamos un buen equipo. Estábamos intentando conseguir sonidos. Creo que la mejor manera de tener un álbum que suena diferente a todos los demás es tener un sonido de batería, un sonido de guitarra, y un sonido vocal que suene diferente a todos los demás. Y eso requiere un cierto tipo de persona. Jim Sclavunos es muy bueno. Sabe el procedimiento standard pero también está muy abierto a intentar algo si piensa que con eso vamos a conseguir un sonido mejor. Puedes pedirle hacer cualquier cosa, si le dices, Jim, necesitamos matar a 5 niños para conseguir el sonido perfecto para ésto, Jim diría, ok, ¿dónde encontramos los niños? Quiero decir, lo que quiero decir es que él normalmente no se impresiona.
Y para la mezcla, primero escuché a Jim Abbiss por el single de The Heavy, How You Like Me Now?(lo canta). Sonaba más que contundente pero también realista, lo que puedes escuchar en todos sus discos, y eso me gustó bastante. Descubrí que el productor era Jim Abbiss asi que le contactamos y tuvimos la suficiente suerte de que estaba libre para hacer la mezcla. Ya sonábamos bastante fuerte pero creo que él nos dio ese impulso yendo un poco más allá con el sonido, y ha sido muy interesante trabajar con él.
En vuestros conciertos hacéis que la gente salte, baile y que lo pasen realmente bien, y no es algo muy usual hoy en día. ¿Es el directo donde una verdadera banda de rock tiene que mostrarse convincente?
Tienes que intentarlo. Considero que la gente que viene a nuestros conciertos no es un espectador. Si vienes tienes que involucrarte. Por supuesto no tienes que hacerlo si no quieres, hay gente que lo que le gusta es quedarse quieto en las sombras mirando nada mas lo que pasa. Mira, si vienes a ver a Jim Jones Revue tienes que llevarte algo del show. Tienes que hacer que valga la pena.
Vuestros conciertos están llenos de energía y rock contundente, pero ¿sientes que recibes de la audiencia la misma energía que ofreces?
Sí, sí, si estás ahí empujando al final consigues una reacción de la gente.
«La mayoría de la gente acepta la música y solo lo aceptan porque sí; no te dan ningún ejemplo de cómo hacer algo por ellos mismos, solamente toman lo que les han dado.»
¿Crees que el Rock and Roll es menos popular ahora o son los medios que no prestan la suficiente atención a lo que las bandas están haciendo?
No lo se, los valores de la gente son un poco diferentes hoy en día. Hay como 3 o 4 generaciones de gente que crecieron sin tener ningún ejemplo de lo que realmente significa ir al grano y hacer algo ¿sabes? Ha pasado mucho tiempo desde el movimiento del punk, y la parte real de aquello duró solo un año antes de convertirse en moda. La gente iba en plan oh sí tengo pelo verde y llevo imperdibles, pero el punk rock originalmente consistía en intentar mostrar a la gente que puedes ser individual, que puedes hacer algo diferente y que no tienes que seguir el ejemplo de todos los demás, o tener habilidades especiales. Si tienes algo que decir solo sales y lo dices. Pero muy pronto empezó a ser todo pelo verde e imperdibles y ya sabes, esa jodida moda ridícula, que no tenía nada que ver con lo que era el movimiento original. Pero no sé, realmente yo no he visto nada desde entonces a esa escala que muestre a las generaciones que pueden dar la espalda a lo que les ha sido dado. La mayoría de la gente acepta el hip/hop, o el RnB, o el heavy metal y solo lo aceptan porque sí, y no te dan ningún ejemplo de cómo hacer algo por ellos mismos, solamente toman lo que les han dado.
Mucha gente piensa que sois una banda Americana por vuestro sonido. ¿Qué le pasó al Rock en el Reino Unido?
La verdad es que no lo sé, quiero decir que estamos bastante ocupados y no tenemos tiempo de mirar otras cosas que se están haciendo. Pero la mayoría de las bandas que escucho son americanas; y las bandas con las que me inspiro son los Stooges, o Duke Ellington. Cuando era joven las bandas británicas que realmente me gustaban eran las que sonaban americanas, como los Stones, Faces, o los Beatles. Los Beatlesme sonaban a banda americana. Yo toco música americana, pero ésta música tiene su conexión con música irlandesa, escocesa, música folk, mezclado con música de raíces africanas. Pero no canto sobre cadillacs rosas. Esa no es mi vida. Yo canto sobre mi vida, lo que veo alrededor de mí y lo que siento en mis sueños ¿sabes? Es un error si tratas de seguir una moda, o tomar el rock como una moda, porque para mí eso no es verdad. Creo que es una palabra que describe una música que tiene una intensidad de sentimiento. Y lo escucho cuando estoy escuchando a Charlie Mingus o John Coltrane. Es jazz, sí, pero tiene intensidad ¿sabes? Y para mí el Rock and Roll significa intensidad. Está el termino Rock and Roll utilizado para representar una música que es una mezcla de blues, country y bluegrass, y yo lo entiendo y me gusta esa música.
Creo que Jim Jones Revue tiene mucho cuidado en intentar no estancarse. Estamos interesados en muchas cosas diferentes como para quedarnos atrapados solamente en un lugar.
¿Todavía tenéis esa gran interacción con los fans? ¿Puedo encargarme de las luces?
Sí claro que sí. Sí que puedes si quieres. ¡Aunque tienes que currártelo! Hay gente que luego no le da caña.
¿Qué música estás escuchando últimamente?
Bueno nosotros tocamos Rock muy alto cada noche así que cuando tengo tiempo escucho bastante a Duke Ellington. También música country de los comienzos,Sons of the Pioneers, Jimmy Rogers, etc… Escucho música para relajarme. Es bastante inspirador también.
¿Planes para el año que viene?
Siempre estamos tocando así que estaremos tocando en directo en algún sitio. Pero creo que vamos a intentar empezar antes, si tenemos algo de tiempo libre, y vamos a trabajar en nuevas canciones, de manera que cuando llegue el momento del nuevo álbum ya tenemos algo preparado. Cuando estábamos trabajando en The Savage Heart, hacia el final del proceso de composición, pensamos que habíamos encontrado una nueva manera de trabajar, de crear. Todos estamos entusiasmados por ver qué mas sale.
We have the chance to talk with Jim Jones, the ex leader of Thee Hypnotics who is in Spain to present his latest album, called The Savage Heart. An album that leaves Jim Jones Revue as the british rock band to beat right now. Their shows are a genuine mix of intensity, sweat, chemistry, good feelings and lost years.
ROCKASTtalks with Jim Jones about rock, punk, live shows and life itself. And you know when you’re talking to Jim Jones he’s going to have a lot to say.
How is the tour going so far? I’ve seen you get to play 6 or 7 consecutive nights?
We’re doing good. Cool. We did 5 shows in France, then Barcelona, Valencia, Alicante, Madrid tonight and Bilbao tomorrow and then back to France.
Can you keep your voice after all these nights?
Well you can hear is croaky. You just have to be careful. One of the worst things happens straight after the show, if you go to a noisy room and try to talk with people. I always try to take 5 or 10 minutes after the show to let my voice calm down. Some people thing like oh you think you’re a star you don’t wanna come and talk to us, but it’s a rest, my voice has to sing for everybody tomorrow so I don’t have to cancel the show you know? The most important thing is the show so I spend the rest of the day just trying to get ready for it. The best thing for your voice is sleep. But you’re always on tour, you play late, you get back to the hotel late, then it takes a while to calm down and up in the morning you have to drive for 6 hours sometimes.
Burning Your House Down was very well received, does it actually add more pressure when you made The Savage Heart?
Emm… No, I mean, I think is a good thing. Obviously you think about it but you don’t worry about it. Because if you start worrying worry about it you start changing the way you do things. Is important to make the music that you think is right. You think about what people like, because when you’re playing live you can see what works. But to be creative you have to feel like you’re breaking new grounds someway, all the time. If you try to go backwards that’s a mistake. I’ve never really tried it so I don’t know, maybe is the secret of success (laughs).
In The Savage Heart you’ve worked with 2 Jim Sclavunos (Sonic Youth, Nick Cave & The Bad Seeds drummer) and Jim Abbiss (Arctic Monkeys,Adele, Editors) how was the experience with them? Have they managed to get the best of you?
Yeah I think so, I think we had a really good team. We were trying to get sounds. I think the best way to have an album that sounds different to everyone else is to have a drum sound, an a guitar sound, and a vocal sound that sounds different from everyone else. So that takes a certain kind of person. Jim Sclavunos is very good, he knows the standard procedure but he’s also open minded to try something if he thinks is going to get a better sound. You can ask him to do anything, you can say Jim, we need to murder 5 children to get the right sound for this, and Jim will be like “ok, where do we find the children? I mean, what I’m trying to say is that he’s not usually shocked.
And then for the mixing, I first heard Jim Abbiss through The Heavy single How You Like Me Now?(sings) I thought that it sounded more than punchy but also realistic which you can hear in all their records and I quite liked that. I found out that the producer was Jim Abbiss so we contacted him and we were lucky enough that he was free to do the mixing. We sounded pretty strong already but I think he just pussed that a little bit further with the sound, and it was quite interesting working with him.
«Look, if you came out to see a Jim Jones Revue show, you should take something from it.»
On your shows you get the audience to dance, and have massive fun while you’re playing, and this is something not very usual on gigs nowadays. A truly Rock and Roll band has to convince everyone in the audience to be considered?
You need to try. I think that people that come to the show is not an spectator, if you come you should get involved. Of course you don’t have to, some people do like to stand in the shadows just watching what’s going on. Look, if you came out to see a Jim Jones Revue show you should take something from it. You should really make it worthwhile. If somebody ask you: What did you do yesterday? You’ll have “well I stood still” or “I disconnected and I had a great time”
Your live shows are full of energy and straight RnR, but Do you feel like you receive from the audience the same energy you’re giving them?
Yeah yeah, if you keep pushing eventually you get a reaction.
Do you think Rock and Roll is getting less popular for real or is just that the media pay enough attention to what bands are doing?
I don’t know, people standards are a little bit different these days. There’s like 3 or 4 generations of people that grown up not having any examples of what it really means to cut through, and do something you know… It’s been a long time since the punk movement, and the real part of that only lasted for a year before it became just a fashion. People were like oh yeah I have green hair and I wear spikes, but punk rock originally was about trying to show to people that you can be an individual, that you can do something different and that you don’t have to follow everybody else’s example or have special skills to do, if you have something to say you can just come out and say it. But pretty soon it just became about green hair and safety pins and you know, ridiculous fucking fashion thing, like nothing to do with what the original movement was about, but I don’t know, I haven’t really seen anything since then that was on that scale to show any of the generations that they can turn their back on what has been given to them. You know most people accept, ok this is hip/hop, and this is RnB, and this is heavy metal and they just accept it because it is, and they don’t have any examples on how to do something for themselves, they just take what’s been given to them.
«I don’t sing about pink cadillacs, that’s not my life»
Some people think you’re an American band because of your sound. What happened to the Rock in the UK?
Yeah well I really don’t know, I mean we are quite busy so we don’t have much time to look to other stuff that’s going on. But the bands that I listen to are mostly American, and the bands that I take the inspiration from, whether it be The Stooges or Duke Ellington, Sons of the Pioneers…many many musicians. When I was young the British bands that I really like were the ones that sounded American, like the Stones, The Faces, Beatles, The Beatles sound like an American band to me. I play American music, but this music has its connection on Irish, Scottish, Folk music, mixed with African roots music. But I don’t sing about pink cadillacs, as it’s not my life, I sing about my life and what I see around me, and what I feel in my dreams you know? It’s a mistake if you try to follow a fashion, like Rock and Roll as a fashion, because for me that’s not true. I think is a word that describes a music that has an intensity of feeling. And I hear it when I hear to Charlie Mingus or John Coltrane, that’s jazz yes, but it has intensity you know? And for me Rock and Roll means intensity. There’s the term Rock And Roll as used to represent a music that is a mixture of blues and country and bluegrass, I understand that and I like that music
I think the Jim Jones Revue are very careful trying not to stay in a little pigeon hole. We are interested in too many different things to get stuck in just one place.
Do you still have this strong interaction with your fans? Can I do the light?
Yeah I guess so. Yes you can if you want! You have to work though!
What music you’ve been listening lately?
Well we played loud RnR everynight so when I get time I listen to Duke Ellington quite a lot. Also early country music,Sons of the Pioneers, Jimmy Rogers, etc… I listen to that music to relax. It’s quite inspiring as well.
Any plans for next year?
We’re always doing live shows, so we’ll be playing live somewhere. But I think we’re going to try to make an early start whenever we have any free time, we’re going to work on new songs, so when the time comes for the next album we have something ready. Also when we were working on The Savage Heart, towards the end of the writing process, we thought that we have found a new way of working, of creativity. Everybody is keen to see what else comes out.
El dúo de San Francisco vuelve a escena después de 5 años para presentarnos un nuevo álbum llamado The Bloom And The Blight. En éstos años, ambos se han embarcado en sus proyectos en solitario, aunque el cantante y guitarrista Adam Stephens también ha tenido que superar el terrible accidente casi mortal que tuvo en la furgoneta de la gira de su anterior grupo. Llegado el momento y casi recuperado totalmente, vuelve a la banda en la que lleva tocando más de una decada para presentarnos posiblemente uno de sus mejores trabajos.
Adam y Tyson se conocen desde que tenían 5 años. Empezaron a tocar a la vez e hicieron sus primeros bolos en la calle, en house parties, en cuartos de estar o allá donde les dejaran. Aunque son etiquetados comunmente como una banda de folk, su último álbum destila un blues garajero desgarrador. La voz de Stephens está más afilada que nunca y en The Bloom And The Blightdemuestra que nadie en el rock actual chilla como él. Tienen talento de sobra para estar mucho más alto que donde están. Aunque esto sea algo que aparentemente no les quita el sueño.
Los californianos han estado haciendo pleno en sus conciertos en España y han tenido tiempo para sentarse a hablar con nosotros.
Han pasado 5 años desde vuestro último álbum. En este tiempo habéis lanzado cada uno vuestros propios trabajos, ¿Ha influido esto en el nuevo álbum?
TYSON VOGEL: Bueno el estudio no es el sitio más confortable para nosotros, pero creo que grabar discos distintos nos ha permitido a ambos digamos el poder explorar el estudio de una manera diferente. Esto definitivamente inspiró nuestro planteamiento sobre el disco.
En The Bloom And The Blight trabajáis con un gran productor como es John Congleton (Modest Mouse, David Byrne, Explosions In The Sky). ¿Marca la diferencia un gran productor?
ADAM STEPHENS: Es genial, es un hombre muy inteligente, una experiencia muy reveladora. Ha sido un placer trabajar con él y fue divertido. Creo que el término productor es un término grande, porque tradicionalmente el productor tenía mucho que ver con los arreglos de las canciones, y cómo una canción determinada estaba compuesta, en cierta manera. Pero todo eso básicamente lo hacemos nosotros, él más o menos nos guía. Si teníamos alguna duda sobre algo él nos ayudaba. Si Tyson y yo no nos poníamos de acuerdo en algo el era algo así como la 3ª voz, y nos ayudaba a movernos en la dirección correcta ¿sabes? Pero creo que es mas bien un ingeniero con mucha perspicacia y mucha opinión. Quiero decir… quizás no le debería haber llamado eso.
TV: Asegúrate de que no salga en América. (risas)
Empezásteis en Alive Records, luego Saddle Creek y ahora con la compañía de Dave Matthews, ATO Records. ¿Significa eso que desconfiáis de las grandes compañías?
TV: Absolutamente. Pero la mayoría de nuestros planteamientos digamos que necesitan un ambiente artístico, con gente que innova, que tiene maneras creativas de promocionar la música y la cultura. En realidad Dave Matthews no tiene nada que ver con ATO Records, excepto que lo empezó e invirtió en ello pero básicamente es un socio ¿sabes? ATO lo lleva un grupo de 15 tipos realmente buenos.
AS: Es más un tema de relación personal, queríamos sentirnos en casa en algún sitio y ser amigos de la gente con la que trabajamos. No creo que tuviéramos esa clase de relación en una gran discográfica.
«En la música es bueno tener que pasar apuros.»
¿Cómo el el proceso de elaboración del álbum? ¿Construís los temas juntos?
TV: Sí bueno, creo que el método cambia con cada canción. Nunca es muy consistente realmente.
¿De donde sacáis la inspiración?
TV: Supervivencia.
Habéis tocado mucho en la calle, en fiestas, en bares… ¿Es algo que todo músico debería hacer?
AS: No creo que todo el mundo toque la música apropiada para estos ambientes. En la música es bueno empezar humildemente, tener que pasar muchos apuros y hacer muchos conciertos cutres. Adquieres un sentimiento de gratitud hacia cualquier logro que consigues. Pero esos conciertos fueron los más divertidos. Nunca hacíamos dinero, pero básicamente aprendimos a tocar y a montar un show. El estar tan cerca de la gente, cuando tocas en casa de alguien o en una pequeña habitación, todos sudando, es una experiencia muy impactante, estar tocando o incluso sólo mirando.
¿Lo echáis de menos?
AS: Bueno, lo cierto es que hicimos 3 giras por EEUU como esa, tocando en casas y espacios de arte y realmente en cualquier sitio que podíamos y fue duro ¿sabes? Muchas veces aparecías en una ciudad y no venía nadie a verte, o no había concierto, o el tipo que lo organiza se le olvida, o tocas en un salón con un tío y su hermano y cosas así. Todavía hacemos algo de eso cuando podemos, sobre todo en San Francisco, en casas y tal…
¿Intentáis reflejar las buenas vibraciones de los directos en el álbum?
TV: Intentamos ser lo más honestos que podemos en el disco. Cada álbum que hemos hecho ha sido un intento por capturar el sentimiento de un ambiente de directo. En las actuaciones las cosas cambian, el ambiente etc… así que intentamos encontrar esa pequeña área de control. El directo es probablemente la mejor manera de convencer a la gente.
«El directo es probablemente la mejor manera de convencer a la gente.»
¿Alguna vez habéis pensado añadir algún instrumento o incluso algún miembro a la banda?
AS: Lo hicimos cuando empezamos, pero enseguida fuimos un dúo y según íbamos tocando la gente pensaba que era bueno, así que lo decidimos así. No hacíamos otra cosa que tocar tocar y tocar y nos dimos cuenta de que estaba funcionando así que genial.
¿Parece que Brooklyn y Nashville se llevan la fama como cunas de escenas musicales pero cómo está la cosa en San Francisco?
TV: Es divertido porque SF siempre ha sido un lugar con gente muy artística. Hay muchas bandas haciendo mucha música allí. De hecho, en cierto modo, prefiero que no tenga la reputación de Brooklyn o Nashville, porque así lo hace único. Hay una cantidad ecléctica increíble de música en el corazón de San Francisco. Y así es como fuimos capaces de tocar nuestros primeros conciertos. Aprendimos que nos lo podíamos montar en la calle básicamente en cualquier lugar. Hacíamos conciertos callejeros robando electricidad de la estación de autobús. Éramos 3 bandas tocando 3 canciones cada una y compartíamos los instrumentos. A veces aparecían 150, 200 personas. Es algo que ya no existe pero representa de alguna manera el espíritu de San Francisco.
¿Influye de algún modo el lugar donde naces en vuestro estilo? ¿Sonarías igual si hubierais nacido en algún otro lugar?
AS: Creo que SF realmente nos ha permitido ser músicos y ser excéntricos ¿sabes? Sentirnos cómodos haciendo lo que queríamos hacer. Las condiciones en las que hemos crecido estaban muy ligadas a la creatividad. No era una locura la idea de intentar ser músico. Quiero decir, mis padres no parecían muy contentos al principio, pero en otros lugares hubiera sido en plan “ah, quieres ser músico, vaya pérdida de tiempo” pero en SF no sé, hay tal sensación de libertad artística y expresiva que tuvo mucho que ver en que lo intentáramos ¿sabes?
«Cuando estás fuera de casa lo único estable es lo inestable»
¿Qué escucháis fuera de Two Gallants?
TV: Escuchamos muchas cosas diferentes, desde el country al hip/hop. Pero ambos, como músicos que somos, digamos que es nuestra obligación escuchar música y aprender lenguajes que provengan de diferentes formas. Es importante ser abierto e intentar escuchar tanto como podamos. Además creo que nos mantiene sanos! (risas)
Habéis sido comparados en muchas ocasiones con White Stripes o Black Keys, pero ¿Con qué bandas os gustaría que os comparasen? ¿Qué bandas os influyen?
AS: Creo que no es una buena idea. Quiero decir, cuando empezamos a tocar era música de los años 20 y 30 y cosas de ese estilo, música americana, música de raíces sureñas. Tyson es más de cosas contemporáneas pero no sé, hay grandes bandas, My Morning Jacket es una gran banda, Elvis Perkins in Dearland es un disco que nos gusta mucho a ambos. Cass McCombs mola también.
TV: Vamos a tocar algunos shows con Deer Tick al final del año, esa es una banda muy buena.
¿Cuáles son vuestros planes inmediatos para el año próximo?
TV: Bueno, tenemos 4 conciertos en la costa Este, luego 2 semanas libres y luego un tour por la costa Oeste, California, y luego vamos a Australia. Luego creo que volveremos aquí. Confiamos en tocar tanto como podamos.
Última pregunta. ¿Sois felices?
TV: Mmm esa es difícil.
AS: Creo que eso es como una tarea diaria. Hay algunos factores que tienen que ver, como cuando estás fuera de casa y lo único estable es la inestabilidad. Es como si nunca supieras cómo te vas a sentir en tu regreso. Pero una cosa que puedo decir, es que cada vez que subimos al escenario, me siento bien. Eso es lo que hace que el resto del día valga la pena.
DB
Two Gallants – The Bloom And he Blight (PIAS) 2012. Ya a la venta.
Race Horses son una banda galesa con un carismático líder cuya música pretende con éxito ir a contracorriente de las modas del momento. Acaban de lanzar su segundo LP, llamado Furniture, que ha recogido muy buenas críticas de la prensa especializada. Los paisanos de Super Furry Animals, sorprenden con un gran álbum que bebe del pop más brillante de los 80 pero con registros que recuerdan por momentos a Richard Hawley, Smiths, Orange Juice o Squeeze, y con una voz, la de Meilyr Jones que como el grupo, parece aún por descubrir y explotar.
Meilyr es un tipo con un karma especial. Habla detenidamente, haciendo pausas, y no duda en devolverte la pregunta cuando menos te lo esperas. Nos atiende sentado en el suelo y nos sorprende con unas respuestas que destilan una especial sinceridad.
Se encuentran en plena gira europea acompañando a Bat For Lashes. El día anterior en Barcelona había sido un poco ajetreado para la banda. El cierre apresurado de la Sala Apolo propició que tuvieran que ofrecer su concierto en la adyacente Artèria, sin tiempo prácticamente para desembarcar, ofrecieron un set acústico en medio de la sala subidos en un cubo que llevaban en la furgoneta. Con todo, llegaban a Madrid con muchas ganas y sin pensar en el duro viaje que les esperaba hasta París el día siguiente.
ROCKAST // ¿Cómo va el Tour? ¿Qué tal la experiencia de girar con Bat For Lashes?
MEILYR JONES: Increíble. Sabes? Es nuestra primera vez en Europa y son encantadores, han sido muy amables con nosotros. Es increíble tocar noche tras noche, conocer nueva gente y ver las buenas reacciones. Es una gran experiencia para nosotros. Surgió porque a la compañía les gustó y nos pidió que fuéramos los teloneros.
También habéis tocado con British Sea Power o Fanfarlo. ¿Se aprende de bandas como ellos?
Sí, se aprende mucho. Pienso que aprendes de lo que te gusta, de lo que significa para tí, pero también de lo que sientes, por eso tocar en directo para nosotros es tan importante, es muy físico y contiene mucha energía, más que cualquier otra cosa. Intentamos que sea distinto, más que hacer siempre lo mismo.
Furniture ha sido muy bien recibido, con buenas críticas en la prensa. Estaréis orgullosos, ¿verdad?
Estamos muy felices. Lo grabamos muy rápido y hemos puesto mucho de nuestra parte. Es bonito. Estamos muy emocionados de que la gente venga a nuestros conciertos, de que escuchen nuestra música y estén disfrutando del disco.
¿Cuál es la diferencia entre Goodbye Falkenberg y Furniture?
Con Goodbye Falkenberg todavía estamos, digamos, experimentando, escuchando nuevas canciones y descubriendo nuevas bandas, prácticamente nueva música cada 2 semanas. Escribíamos los temas con eso en mente, así que era como un collage realmente, pura experimentación. Básicamente lo vemos como si Furniture fuera nuestro primer álbum. En el sentido de tener una idea y un sentimiento más fuertes, mientras que Goodbye Falkenberg era más salvaje.
«Hay gente que le gusta la música insensible, pero para mí, el lado humano es lo más importante»
¿Cómo es el proceso de creación? ¿Escribís todos juntos?
Bueno, yo escribo la mayoría, escribo la letra y luego hacemos los arreglos.
Habéis pasado de ser un trío a una banda de 5 músicos. ¿Cambia la filosofía de la banda de alguna manera?
Sí que lo hace. El grupo ha cambiado mucho y tienes que adaptarte sabes?, Tener a Mali en la banda, que tiene experiencia con la música clásica, ha cambiado cosas también. Pero digamos que todos queríamos en cierto modo huir del hecho de centrarnos solamente en las guitarras y tener menos límites.
Ya no cantas en Galés en el álbum. ¿Es definitivo?
No, no lo es. Por aquella época vivía con mi novia de entonces en Londres, y solamente hablaba inglés, y todas las películas que veía eran inglesas o europeas, así que nuestra cultura era básicamente en inglés. Bueno ahora vivo en Gales de momento así que puede que nuestro siguiente álbum sea todo en galés quién sabe…
Meylir, te pusiste un traje para cantar My Year Abroad, luego te desnudaste para hacer algunos coros… Parece un modo de inspiración bastante radical.
(risas) Bueno yo pienso que todo, desde el corte de pelo, a la dieta, a las horas de dormir o lo que sea, influye en lo que haces y en tu humor. Quería experimentar entrando en diferentes tipos de mentes, y me encanta sentir que soy una persona distinta.
«Cuando haces música, te colocas en extremos opuestos. Probablemente no sea la manera más razonable de vivir»
Muchas bandas hoy en día hacen música bastante similar, con muchos samplers y sintetizadores, pero vosotros parece que queréis tomar la dirección opuesta.
Es interesante porque lo estaba hablando con la banda de Natasha anoche, y creo que hay gente que le gusta música bastante insensible, pero para mí, el lado humano es lo más importante. Incluso nosotros tenemos quizás 2 temas donde hay un secuenciador, e incluso eso es difícil porque cuando tienes ésta música tienes que atenerte a él, como una canción de apoyo, y no puedes cambiarla de una noche a otra. Pienso que cuando tocas en directo, las reacciones cambian cada noche, por eso para nosotros es importante el lado humano en ese sentido.
¿Está perdiendo la música el romanticismo?
Eso es muy interesante. Pienso que es verdad. O al menos creo que la gente es menos radical ahora. O quizás es que la música de los 50 o 60 era más rebelde. Entonces la gente empezó a hacer dinero por ello y quizás la gente que era tan radical pensó que podía sonar de tal manera y hacer algo de dinero. Creo que es cierto. El comportamiento, en general, en la sociedad, no es tan radical. De todos modos el romanticismo es realmente importante para mí.
¿Cuáles son tus principales influencias?
Creo que mucha música clásica. Pero también la Velvet Underground. Y Dexus Midnight Runners son una influencia enorme. También muchas películas.
¿Planes para el año que viene?
Me gustaría tocar todo lo que pudiera, volver al Reino Unido con la banda y luego, espero que nos quieran de vuelta. Creo que vamos a hacer un montón de festivales éste año.
¿Eres feliz?
Emm… Es una pregunta realmente buena! (piensa 10 segundos) …No. Bueno, es una pregunta muy difícil. A veces, y a veces no. Pienso que hacer música, o hacer otras cosas a las que eres normalmente adicto, te pone en una posición de extremos. Probablemente no sea la manera más razonable de vivir. Porque no tienes base. No tengo un hogar realmente. Siempre estoy viajando de ciudad a ciudad y luego vuelvo a casa y descanso pero no es una vida estable. Y es peligroso vivir en esos extremos. Así que diría que quizás no soy feliz en éste momento, pero soy optimista, en cierto modo. Llegará un momento pronto en el que seré muy feliz. Es extraño porque lo que odio de la industria de la música es que preguntas como ésta no son respondidas honestamente. Porque existe esa idea de que siempre tienes que decir que eres feliz y que lo amas todo.
Race Horses – Furniture (PIAS/2012) Ya a la venta.
Meilyr Jones is the charismatic leader of Race Horses, a young Welsh band that are here to stay. They’ve just released their second album, called Furniture, that has gathered rave reviews in the press. A truly great album with songs that’ll remind you the likes of Orange Juice, Richard Hawley, Smiths, or Squeeze.
Meilyr is an atypical guy with a special karma. He talks with us while sitting on the ground and he pauses when he talks. The band is supporting Bat For Lashes on their european leg. Last nite they had a hectic day in Barcelona as the venue they were playing at got closed the very same day. In a venue nearby Meilyr and his colleagues had managed to perform an intimate acoustic set in the middle of the audience.
Despite all the fuss, they got to Madridfull of enthusiasm and willing to make a good show, without even thinking about the long travel to Paris they had the do following day on their van.
ROCKAST: How is it to tour with Bat For Lashes? How did this opportunity come up?
MEILYR JONES: Amazing! You know, it’s our first time in Europe, and they’re lovely, they’ve been really kind to us. Is amazing playing night after night, meeting people, and see good reactions. It’s a really great experience for us. The record company liked it and asked us to support them.
You’ve also toured with bands like British Sea Power or Fanfarlo, is it a good chance to learn from them?
Yeah, really a lot. I think you learn from what you like, and what they do on you, and also from what you feel, so for us, live is really important, it is very physical, has a lot of energy, more than anything. We try to keep it differently, rather than just doing the same thing.
Furniture has been very well received with great critics in the press. You must be proud of it I guess.
We’re really happy with it, I mean, we recorded it very quick and we put a lot into it so it means a lot to us, so it’s nice. And we’re very excited that people come to the gigs, like our music and are listening to the music and enjoying the record.
What’s the difference between Goodbye Falkenberg and Furniture?
With Goodbye Falkenberg we were still kind of, experimenting, hearing new songs and discovering new bands like, new music every 2 weeks, and then we would write a song with that in our mind, so it was more like a collage really, just pure experimentation. So we almost see it like this is our first record, in terms of having a strong idea and a strong feeling, while Goodbye Falkenberg was quite wild.
«Some people like quite clinical music, but for me, the human side is the most important thing»
Do you write all the stuff together?
Well I write most, I write the words, and then we make the arrangements.
You were a trio and now you’re a 5-piece band, has that changed the band philosophy somehow?
Yes it does. The group has changed a lot and you just got to go with what it is you know? Having Mali on the band, who has a classical background, has changed things as well. But we kind of wanted to get away from just guitars and have less limits.
You’re not singing in Welsh in this album, is that for good?
No it’s not. At that time I was living in London and my girlfriend at that time spoke only English, and all the films I was watching were either European or English, so our culture was mainly English so… Well I live in Wales at the moment so maybe our next record could be all in Welsh I don’t know…
Meylir, you dressed up in a suit to sing My Year Abroad, and got naked to do some vocals as well… Seems like a very radical way of inspiration, isn’t it?
(laughs) Well I think everything, down to haircut, down to diet or down to sleep or anything, influence what you make and your mood. And I wanted to experiment with getting into different kinds of mind, and I love how I feel like a different kind of person.
«When you make music, you put yourself in a position of extremes»
Lots of bands nowadays are playing very similar music, with lots of samplers and synthesisers. But you’re going the opposite way. How does it feel?
It’s interesting because I was having a chat about it last night with the band that does all the music for Natasha and Bat For Lashes, and I think some people like quite clinical music, but for me I think the human side is the most important thing. Even we have maybe 2 songs where there’s a sequencer going through, and even that is difficult because when you’ve got this music you’ve got to stick to it, you know like a backing track, you can’t change from night to night, and I think when you’re playing live, the reactions change every night. So for us is important that human aspect in music.
Is music losing the romanticism?
That’s really interesting. I do think that’s true. Or at least I think the people are less radical now. Or maybe is that music of the 50’s or 60’s was more of a rebellious thing. Then people started to make money from it, and maybe the people who were so radical thought “I could sound like this and make some money”… I think is true. Behaviour, generally, in society is not that radical as well. So I think romanticism is really important to me anyway.
What are your main influences?
I think, a lot of classical music. But also The Velvet Underground, and Dexys Midnight Runners is a massive influence as well. But also a lot of films
What are your plans for next year?
I would like to tour as much as we can, return to the UK with the band and then, I hope they want us to come back. I think we’re going to do a lot of festivals next year.
Are you happy?
Emm… that’s a really good question. (thinks for 10 seconds). No. Well, that’s a really difficult question. Sometimes, and sometimes not. I think maybe to do music or to make things, you’re generally addicted to, you put yourself in a position of extremes. So it’s probably not the most senseful way to live really. Because there’s no grounding. I don’t really have a home. I’m always travelling from city to city and then I go back home and I rest but is not a stable life. And is dangerous to have those extremes. So I would say maybe I’m not happy at the moment, but I’m optimistic, always optimistic, in certain way. So there will be a time where I’ll be very happy soon. Is strange, because what I hate about music industry is that questions like that are not answered honestly. Because there’s always this idea that you have to say that you’re happy and that you love everything.
Nada Surfes una de esas pocas bandas que después de todos estos años aún siguen haciendo buena música. Aunque Matthew, Ira y Daniel han visitado España en numerosas ocasiones, al público parece no importarle. La última visita por la capital data del pasado Febrero, cuando vinieron a presentar su último trabajo, The Stars Are Indifferent To Astronomy, de la mano de Ernie Records, un álbum que pretende capturar la energía del directo de la banda.
Los de Brooklyn siempre ha sido capaz de lanzar buenos álbumes, consiguiendo nuevos seguidores con cada uno de ellos y lo más importante, sin perder a los más clásicos, aquellos que empezaron con el mítico Popular de High/Low (1996).
ROCKAST habla con la voz cantante, Matthew Caws, justo después de sus conciertos en España.
Matthew, ¿Cuáles son tus impresiones del Tour?
Hasta ahora está siendo un Tour fantástico. No somos la ultra-banda de 5 músicos que éramos al principio, cuando estaba Martin Wenk, ya que Calexico han lanzado un nuevo disco muy bueno y está de Tour con ellos, pero la banda se siente genial. Doug Gillard aporta mucho como guitarra solista. El público ha sido entusiasta y realmente bueno.
¿Tenéis pensado algún plan para cuando termine?
Cuando acabemos tenemos un par de semanas libres y luego tenemos un tour por los EEUU antes de parar en Navidad.
Matthew no sé si sigues residiendo en Cambridge, pero ¿Cómo os afecta el hecho de estar separados por un océano? Por ejemplo, a la hora de escribir.
Sí, sigo en Cambridge. Me mude ahí hace como un año, pero Daniel ha estado viviendo fuera de NY durante años, así que hemos trabajado a distancia durante mucho tiempo. Escribir es distinto en ese sentido. Ahora esperamos hasta que tengamos unas cuantas canciones escritas para juntarnos , así tenemos suficiente material para trabajar durante todo el día durante muchos días seguidos. Hace años, cuando todos vivíamos en NY, íbamos al local solamente unas pocas veces a la semana durante unas horas, en algunos meses. Escribíamos las canciones sobre la marcha. Echo de menos ese método de trabajo, pero éste también es bueno. Dicho esto, pienso que los años que pasamos haciéndolo de la primera manera es lo que dio a la banda su sonido, por que realmente nos podíamos tomar nuestro tiempo.
«No puedes contar con la admiración. Para tener el respeto de la gente, ayuda el respetarte a ti mismo.»
Lleváis 20 años juntos, y durante éstos años muchas bandas han ido y venido. Desde vuestro punto de vista, ¿Cuál crees que es el secreto, o la fórmula para ser tan admirado y respetado?
Bueno, la verdad es que no se como responderte… La admiración no es algo con lo que puedas contar. Para tener el respeto de la gente, supongo que ayuda el respetarte a ti mismo, y eso depende completamente de cada individuo. Nunca hemos hecho música de la que no estuviéramos orgullosos. Respetamos los sentimientos de la gente por la música y no nos lo tomamos a la ligera. Siempre hemos valorado a los fans por encima de todo, sin cancelar nunca un show y teniendo siempre tiempo para hablar con cualquiera que quisiera hablar con nosotros. Para ser sincero, a veces cuando estamos cansados o nos sentimos abrumados nos quedamos en el backstage, pero en general somos bastante cercanos.
¿Cuáles han sido los mejores y peores momentos de vuestra carrera?
Hay muchos. Uno de los mejores fue escucharnos en la radio la primera vez. El peor fue cuando nuestra discográfica decidió, mientras estábamos haciendo nuestro segundo álbum, que no iba a ver ningún single. Empezaron a mirarnos por encima del hombro y fue algo muy incómodo. Y los últimos Tours han sido tan buenos que casi cada noche ha sido uno de los mejores momentos de nuestra carrera. Suena un poco ridículo lo de casi, pero es verdad.
Imagina que puedes tocar tu música en cualquier sitio y cualquier lugar de la Historia. ¿Qué sitio o qué momento elegirías?
Abrir para los Beatles en el Cavern Club, el Monterey Pop Festival, Woodstock… o dentro de 100 años en lo que quiera que se haya convertido NY.
¿Cómo se organiza el trabajo en una banda de rock? ¿Os dedicáis a escribir y componer canciones dejando la organización y promoción a otros, u os gusta involucraros en aspectos extra musicales?
Bueno, todos tenemos nuestros diferentes roles, hasta cierto punto. Por ejemplo, la banda hace música y nuestro manager toma las decisiones de negocios, pero todos estamos un involucrados un poco en todo porque estamos juntos en esto. Después de todo éste tiempo, somos amigos de aquel con el que trabajamos, así que todos podemos coger el teléfono y hablar si queremos.
«Valoramos a los fans por encima de todo»
Matthew, ¿en qué banda te hubiera gustado tocar si pudieras?
Habría sido emocionante estar en los Byrds durante los primeros años, cuando sacaban singles pop. Luego se hicieron una banda country, pero aunque me encanta la música country y me encanta ese periodo, creo que ser parte de la explosión del comienzo, cuando tocaban en Los Ángeles todo el tiempo, habría sido muy emocionante.
¿Tenéis instrumentos favoritos que os guste tocar más a menudo? ¿Sigue Daniel tocando con el mismo bajo con el que empezó en la banda?
Sí que los tenemos. Mis 2 favoritos son una Les Paul Cusotm 1968 y una acústica 1991 J-200. Daniel sigue usando el mismo bajo, pero está en EEUU así que usa uno diferente en Europa.
¿Eres feliz?
Como músico de Rock and Roll sí, soy muy feliz. Como ser humano, cambia cada semana, pero creo que es así para todo el mundo.
Nada Surf / The Stars Are Indifferent To Astronomy (2012)Ernie Producciones
Nada Surf is one of those bands that are still making good music and releasing good records after all these years. Although Ira, Matthew and Daniel have visited our country many times, people doesn’t seem to care. They had presented the new album called TheStars Are Indifferent To Astronomylast February, an album that tries to capture the energy of the band during their gigs.
It’s not easy to make wrongly called simple songs. They manage to deliver good albums every time, get brand new fans with each of them, and most importantly, not losing any of the old ones.
ROCKASTtalk with singer Matthew Caws right after their last concerts in Spain.
Matthew, what are your impressions at this point of the tour?
This has been a fantastic tour so far. We’re not the five-piece ultra-band that we were the first time around, when Martin Wenk was also with us, as Calexico have a new very good record out and he’s on tour with them, but the band feels really great. Doug Gillard adds so much on lead guitar. The audiences have been really good and enthusiastic.
Any plans you’re willing to do after it finishes?
When it’s done, we have a couple of weeks off and then we’re doing one last tour of the States before stopping at Christmas.
«To have people’s respect helps to respect yourself»
You’ve been together for 20 years now, and in all these years many bands have come and gone. From your point of view, what do you think is the secret, or the formula for being admired and respected during all this time?
Well, I really don’t know how to answer that question. Admiration isn’t anything you can count on. To have people’s respect, I suppose it helps to respect yourself, and that is completely up to the individual. We’ve never released music we weren’t proud of, we respect people’s affection for the music and we don’t take it lightly. We’ve always valued fans over everything, never canceling a show and always taking time to talk to anyone who wants to talk to us. To be truthful, sometimes when we’re tired or feeling overwhelmed, we’ll stay backstage, but in general we’re pretty approachable.
I don’t know if you’re still residing in Cambridge, but if so, does the fact of being separated by an ocean affect you somehow, like in the writing process for instance?
I’m still in Cambridge. I moved there just over a year ago, but Daniel has been living away from New York for years, so we’ve been operating at a distance for a long time. The writing process is different in that. Now we wait to get together until there are a lot of songs written, so that we have enough to work on all day for many days in a row. Years ago, when we all lived in NY, we would go to the practice space just a few times a week for a few hours for months at a time. The songs were written as we went along. I sort of miss that type of process, but this one is good too. That being said, I think the years we spent doing it the first way are what gave the band its sound, because we could really take our time.
What is the best and worst moment of your career so far?
There are so many. One best moment was hearing ourselves on the radio for the first time. The worst moment was when our record company decided, while we were making our second album, that there wasn’t a single. They started looking over our shoulders and it was a very uncomfortable feeling. The last few tours have been so good though that almost every night feels like one of the best moments of our career. Sounds silly to say maybe, but it’s true.
Imagine you can make an appearance and play your music anywhere or anytime you wanted in time or history, which place or moment would you choose?
Opening for The Beatles at the Cavern Club, the Monterey Pop Festival, Woodstock, a hundred years from now in whatever New York City has become…
How is the work organized in a rock band? Do you dedicate yourselves to write and compose songs and leave the promotion and organization to others or do you like to get involved in more extra musical aspects?
Well, we all have our different roles to a certain extent, i.e. the band makes music and our manager makes business decisions, but we’re all involved a little bit in all of it because we’re all in it together. After all this time, we’re friends with everyone we work with and we can all pick up the phone and talk if we want to.
If you could have the chance to play in any band you wanted, which one would it be and why?
It would have been exciting to be in The Byrdsfor the first few years, when they put out pop singles. They became a country rock band later, and although I love country music and I love that period of theirs, I think being part of the early explosion, when they were playing in Los Angeles all the time, would have been so exciting. It would have been a thrill to be involved in those harmonies.
Do you have any favorite instruments do you use more often? Is Daniel still using the same bass he was using when starting the band?
Yes, my two favorite instruments are a black 1968 Les Paul Custom and a 1991 J-200 acoustic guitar. Daniel’s still using the same bass, but it lives in the States, he uses a different one in Europe.
Are you happy?
As a rock and roll musician, I am very happy. As a human being, it changes every week, but I think it’s like that for a lot of people.
R O C K A S T / / 