Había mucha expectación creada en torno a las confirmaciones del Primavera Sound 2013, ya que por primera vez se anunciaba todo el cartel de una sola vez, en vez de ir soltando poco a poco las confirmaciones, con la excepción de Blur, que fueron los primeros y únicos anunciados.
El cartel definitivo incluye a:
Adam Green & Binki Shapiro, Aliment, Animal Collective, Antònia Font, Apparat, Band Of Horses, Barry Hogan DJ, Betunizer, Blur, Bob Mould, Bored Spies, Camera Obscura, Cayucas, Christopher Owens, Crime & The City Solutions, Crystal Castles, Dan Deacon, Daniel Johnston, Daphni, Daughn Gibson, Daughter, Death Grips, Deerhunter, Degreaser, Delorean, Dexys, DIIV, Dinosaur Jr., Disclosure, DJ Coco, Do Make Say Think, Dope Body, El Inquilino Comunista, Ethan Johns, Extraperlo, Fidlar, Fiona Apple, Foxygen, Fred i Son, Fuck Buttons, Fucked Up, Ghost Digital, Glass Candy, Goat, Grizzly Bear, Guadalupe Plata, Guardian Alien, Guards, Hidrogenesse, Hot Chip, Hot Snakes, How To Dress Well, Jackmaster, James Blake, Jessie Ware, The Jesus & Mary Chain, Jim Jarmusch & Jozef van Wissem, John Talabot DJ, Killer Mike, King Tuff, Kurt Vile & The Violators, L’Hereu Escampa, La Bien Querida, La Brigada, Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, Liars, Local Natives, Los Planetas, Mac Demarco, Manel, Matthew E. White, Meat Puppets, Melody’s Echo Chamber, Menomena, Merchandise, Metz, Mount Eerie, Mulatu Astatke, My Bloody Valentine, Neko Case, Neurosis, Nick Cave & The Bad Seeds, Nick Waterhouse, Nils Frahm, Nurse With Wound, OM, Omar Souleyman, Paus, Peace, Phoenix, Pony Bravo, Poolside, Rodriguez, Roll The Dice, Savages, Sean Nicholas Savage, Shellac, Simian Mobile Disco, Solange, Swans, Tame Impala, Tarántula, The Babies, The Bots, The Breeders, The Free Fall Band, The Knife, The Magician, The Postal Service, The Sea And Cake, The Suicide Of Western Culture, The Vaccines, Thee Oh Sees, Tinariwen, Titus Andronicus, Toundra, White Fence, Wild Nothing, Woods, Wu-Tang Clan, Four Tet, Chris Cohenb, Blue Willa, Hal Flavin, Honeybird & The Birdies, etc…
Suponiendo que la objetividad suele empezar donde termina la espalda en este tipo de listas, desde aquí vamos a aportar los discos que hemos considerado más importantes del 2012. Para nosotros prima la originalidad, creatividad, el aporte de los artistas y la influencia que pueden tener.
Lo hemos visto otros años y sigue sucediendo. Es curioso comprobar como importantes medios siguen empecinados en sacar su lista con una antelación cada vez más ridícula, expulsando Diciembre del calendario y produciendo situaciones cómicas, como dejar fuera de sus Best Of2011el que fuera uno de los álbumes del año, El Camino de Black Keys, lanzado a principios de Diciembre.
Pero aunque 2012 no haya sido un mal año musicalmente hablando, siempre echamos de menos que se multipliquen las grandes referencias musicales, esas que juegan en otras ligas, y eso es algo que parece que tiende a desaparecer. No obstante, el 2012 nos prometía grandes cosas y ha cumplido con creces lo esperado:
30. POP LEVI – Medicine (Ninja Tune)
Jonathan Levi, mas (o quizás menos) conocido como el ex bajista de Ladytron, sigue su camino en solitario con la publicación de su cuarto álbum en solitario, afianzando este proyecto al resto (Ladytron, Super Numeri, etc…). Este compendio glam electrónico ha sido grabado según Levi por “una diferente versión de mí, en otra dimensión”. Un lugar indudablemente original para grabar un disco. Aún con todo, nos deja un álbum que aunque algo extenso, recuerda los buenos tiempos e intentos de Eagles Of Death Metal por sacudir éste género, aunque Levi no deseche los medios tecnológicos que le ofrece la actualidad. Contiene llenapistas y buenrollismo a raudales. Un imprescindible de sábado noche.
29. MAPS & ATLASES – Beware and be grateful (Barsuk Records)
Estos minuciosos músicos de Chicago lanzaron en 2012 su 2º álbum, después de un sinfín de EP’s y lugares recorridos para hacer sonar su música. Demasiado meticulosos para algunos, están en constante búsqueda de sonidos. Como ya vimos aquí, no les importa sobreponer ritmos o hacer tapping, aunque en éste disco hayan dejado la experimentación más aparcada que en sus anteriores lanzamientos. Beware And Be Grateful es un álbum vistoso que consigue enganchar de primeras. Hablamos de ellos en Abril.
28. THE WALKMEN – Heaven (Fat Possum Records / Bella Union)
Los siempre correctos neoyorquinos cumplen 10 años desde su debut, y lo hacen lanzando el que es ya su séptimo largo. De perfil bajo, no cuentan con presiones añadidas, y son más que nunca conocedores de que nunca contarán con el apoyo unánime de la crítica especializada. Así Heaven, que cuenta con la colaboración de Robin Pecknold de Fleet Foxes en el primer tema, es un álbum donde la banda se encuentra en ese punto en que no sienten la necesidad de demostrar nada, a pesar de que muchos echan de menos un gran trabajo que les coloque en el mismo mapa que otras americanas más consagradas. Con todo, y sin esa presión, componen los mejores temas de su carrera como podemos ver en Line By Line o The Witch.
27. FATHER JOHN MISTY – Fear Fun (Sub Pop)
“Para que aparezca una nueva vida, algo tiene que morir”. Menos conocido como Josh Tillman, el hasta hace un año batería de los laureados Fleet Foxes dejaba la banda al no sentirse completamente feliz con ellos. Así retomaba en 2012 sus proyectos personales con un notable éxito. Su 8º disco de estudio ha sido parido a través de viajes sin destino por la costa este de los EEUU en una furgoneta donde no faltaban setas alucinógenas que le ayudasen a encontrarse a sí mismo. El resultado es un trabajo exquisito de folk que no ha pasado desapercibido.
26. TWO GALLANTS – The Bloom And The Light (PIAS)
Estos 2 tipos de San Francisco llevan tocando juntos desde que tenían 5 años. The Bloom And The Light y su sonido marca de la casa les ha valido la aceptación de crítica y público si bien no se encuentran comercialmente hablando al nivel de otros grandes dúos con los que se les compara como White Stripes o Black Keys. Su propuesta de rock garajero afilado con intención psicodélica, triunfa allá donde va si bien a ellos las cifras no es algo que parezca importarles. Les entrevistamos en su visita a España.
25. PATTERSON HOOD – Heat Lightning Rumbles In The Distance (PIAS)
Padre de una de las mejores bandas de alt-country que se puede uno llevar a los oídos, el hijo del mítico David Hood deja a un lado a sus Drive-By Truckers para presentarnos su tercer disco en solitario. Éste disco confirma la plenitud compositiva en la que parece encontrarse Patterson, quien está deseando lanzar nuevo disco con Drive-By Truckers en 2013. Un placer entrevistarlo hace un par de meses.
24. JOHN TALABOT – ƒIN (Permanent Vacation)
El DJ y productor barcelonés lanza su primer LP de la mano de Permanent Vacation después de publicar multitud de singles y remixes para terceros.ƒIN es un trabajo que le ha supuesto los elogios de la crítica especializada y que le ha valido para que le coloquen rápidamente en la estela de gurús electrónicos como Four Tet, Burial o Caribou. Con éste album consigue introducir la electrónica en un confortable salón familiar. Cuenta con buenas colaboraciones como Pional en el primer single o Ekhi.
23. THE MACCABEES – Given To The Wild (Fiction Records)
Los londinenses del sur del Thamesis llevan desde 2004 que lanzaron su debut buscando ese pedazo de ratio mainstream que parece reservado de unos años a esta parte a bandas con más éxitos extra musicales que musicales propiamente dichos. Su lucha ha sido constante, pero después de un 2º álbum que no convenció, lanzan un 3º que ha sido carne de cañón de Mercury Prize y que por fin parece haber puesto a todo el mundo de acuerdo. La propia madre de uno de los miembros recomendaba su debut en una tienda de discos del Kensington High St. de Londres que ya no existe. Su nominación a los Mercury les hace justicia.
Jack Tatum hace un álbum continuista de su gran debut de 2010, el celebrado Gemini, y lo hace destilando su dream pop de manera más práctica, aunque sin grandes temas que resalten sobre los demás como ocurría en Gemini. Sin embargo, Paradise, Nocturne, Shadow o Counting Days bien podrían ser las patas que sostienen el álbum.
21. THE VACCINES – Come Of Age (Columbia)
Veni, vidi, vici. La máxima de Julio César la llevan los londinenses a cada escenario que pisan, pero también la aplican a su segundo álbum. Come Of Age no es un desfile de hits tan radical como lo fue su debut, pero sigue la misma línea de pegada y deja joyas como Teenage Icon o No Hope. Los Vaccines no van a cambiar la forma de ver el rock ni van a arreglar nada que esté por arreglar, pero han demostrado que hacen grandes singles como churros y sin ninguna pretensión. Rock directo, efectivo, y sin complicaciones.
20. RICHARD HAWLEY – Standing At The Sky’s Edge (EMI)
El de Sheffield es uno de esos músicos en peligro de extinción. Se volvió a hacer justicia con su nominación a los Mercury otra vez éste año, pero sin ser el claro favorito, volvió a perder como aquella vez que le arrebataron el premio unos inconmensurables Arctic Monkeys. En cualquier caso, Hawley ha vuelto para publicar Standing At The Sky’s Edge, un ábum que hace gala del desencanto que percibe su autor y que tira de épica y pop elegante e inteligente.
19. PASSION PIT – Gossamer (Columbia)
La banda de Michael Angelakos encandila al público de los EEUU pero no logra hacerse un hueco en Reino Unido. Después de un EP rompedor como fue Chunk Of Change y de un debut que les abriría un hueco aún poco explotado, Gossamer pone de manifiesto una habilidad especial para abrir un abanico de posibilidades musicales que no muchas bandas poseen. Sus temas están radicalmente abiertos a ser mezclados, remezclados y dados la vuelta, para obtener un sinfín de interpretaciones, desde el RnB más comercial al cierrapistas más multitudinario.
18. GRIMES – Visions (4AD)
La ola que se levanta en Canadá empieza a ser demasiado grande para ser obviada. Claire Boucher presentaba su tercer álbum y primero con 4AD, denominado Visions. La mezcla de sintetizadores con su voz aniñada y oscurantismo le ha valido la etiqueta de goth-electro entre otros. Lo cierto es que después de ser expulsada de la universidad y de recorrerse el Mississippi con lo puesto en un pequeña embarcación, Claire logró plasmar sus ideas en un álbum que le ha supuesto el reconocimiento internacional. Hablamos de ella en nuestra lista de artistas a seguir de 2012.
17. CAT POWER – Sun (Matador)
La imprevisible solista norteamericana da una acertada vuelta de tuerca a su estilo y juega con la electrónica en su 9º álbum. Se puede decir que la vida de Charlyn Marie Marshall no ha sido fácil. Después de cambiar 10 veces de colegio, estar en bancarrota, intentar suicidarse, ser desahuciada, utilizar su fondo de pensiones para financiarse las grabaciones, separarse o pedir cobijo en la casa de su productor, tampoco este año iban a venir buenas noticias para ella. A finales de año Chan Marshall se veía obligada a cancelar la gira por un angioedema y se confirmaba que podría estar de nuevo en bancarrota. En el ámbito meramente musical, nos encontramos con el lanzamiento de un notable trabajo. La delicadeza que encontramos en Sun muestra también un equilibrio entre la tristeza y el optimismo, propiciado por la cierta hartura de Chan con su lado más depresivo, como ella misma ha afirmado. Confiamos en poder verla pronto sobre los escenarios.
16. CHROMATICS – Kill For Love (Italians Do It Better)
Probablemente nadie ofrezca mejor banda sonora a las luces de neon en las noches de las grandes ciudades como la banda de Seattle. Cinco años después de su último álbum, regresan hilando fino, con atmósferas hipnóticas en el que es posiblemente su mejor álbum. El impulsoque ha dado la banda sonora de la película Drive les ha valido, al igual que a todos los participantes, para llegar a un público más amplio, pero no ha cambiado un ápice en su modus operandi. Es paradójicamente un trabajo muy cinematográfico y elegante, que une la electrónica al new wave, con guitarras eléctricas, musica disco, beats lentos y voz auto-tuneada en ocasiones que funciona bien en su conjunto y que ofrece un eficaz medio de transporte a la imaginación.
15. DJANGO DJANGO – Django Django (Because Music)
Ésta banda escocesa, que se ha tomado literalmente todo el tiempo del mundo en terminar su álbum, ha demostrado que efectivamente la paciencia es una virtud. Añadiendo pros a esa emergente oleada de nueva música psicodélica, Django Django están irremediablemente influidos por la mítica Beta Band, ya que el cantante David MacLean es precisamente el hermano pequeño del que fuera teclista de aquellos, John MacLean. También hablamos de ellos en nuestra lista de artistas a seguir de 2012. Default es sin duda uno de los mejores temas de 2012.
14. CRYSTAL CASTLES – (III) (Fiction Records, Lies Records, Last Gang Records)
El proyecto de Ethan Kath con la colaboración de Alice Glass, se convertiría en definitivo con el lanzamiento de su álbum debut en 2008. Su consagración al gran público, si se puede llamarlo así se confirmaría con el enorme (II) de 2011, y ahora parece que en vez de seguir el ancho camino abierto por aquel disco, deciden hacer lo que realmente ellos y no su discográfica quieren. Con (III) se ponen el traje de los domingos y lanzan un álbum de punk electrónico mucho más moderado que los anteriores álbumes. Es más lineal y más serio de lo que nos tenían acostumbrados pero que no baja una mica de calidad a su talento. El próximo año estarán de gira y podremos comprobar como funciona (III) en la salvaje experiencia que son sus directos, más que recomendables. O no.
13. JAKE BUGG – Jake Bugg (Mercury Records)
No hay duda de que estamos ante un compositor con mucho talento y una voz con mucho gancho. Con apenas 19 años, éste británico de Nottingham, ha lanzado un álbum debut que ha sorprendido a propios y extraños. El llamado Dylan británico bebe de los Arctic Monkeys que ha mamado desde niño, superándolos en algunos aspectos, pasando por Beatles y Oasis. Era hora de que Reino Unido empezase otra vez a aportar cosas interesantes a la música después de pasar tanto tiempo inadvertido. Este fenómeno va a dar mucho que hablar y Universal lo ha visto claro.
12. NORAH JONES – …Little Broken Hearts (Blue Note)
La cantante y actriz neoyorquina, hija del recientemente fallecido Ravi Shankar, – el músico hindú más influyente del mundo-, publicaba en 2012 nuevo álbum de la mano del prestigioso Danger Mouse, el productor gurú que convierte en oro todo lo que toca y que apunto estuvo de tomar las riendas de U2 cuando U2 creían aún en sus propias posibilidades. Después de la exitosa colaboración del año pasado con la estupenda Rome, produce en este caso el disco entero de Jones confirmando que poniendo sobre la mesa solamente su música y nada más, es una de las cantantes con más calidad y más interesantes de la escena musical de los últimos años. Norah tiene la voz, tiene el misterio y tiene el talento innatos. Y por eso tiene especial mérito no hacer el mismo primer disco una y otra vez.
11. TAME IMPALA – Lonerism (Modular Recordings)
Corren definitivamente nuevos tiempos para la psicodelia musical. Y si no que se lo digan al bueno de Kevin Parker. El introspectivo líder de los australianos Tame Impala afirmaba que cuando terminaron Lonerism dudaba de si habían hecho algo realmente bueno o todo lo contrario. Su particular forma de crear, llevando la máxima del “mejor sólo que mal acompañado” al extremo, nos hace dudar de sí realmente se puede crear música sin que exista influencia alguna del mundo exterior. Lonerism, que es el 2º álbum de TI, experimenta con la psicodelia de los 60 y 70 y consigue crear un sonido con sentido, tomando como referencia elementos de hace 50 años y usando la tecnología en su justa medida para que sorprendentemente no suene a refrito de refrito del revival de turno. No hay temas que destaquen sobremanera sobre el resto, ni estribillos que corear pero el álbum forma un conjunto uniforme, casi indivisible que puede ser extrapolado y armoniza un sinfín de puntos de vista.
10. CALEXICO – Algiers (City Slang)
Existen pocas bandas que posean una variedad de estilos tan rica como la del dúo de Tucson. Y menos aún que sepan sacarle el provecho que éstos le saben sacar. En su country folk de serie, en esta ocasión tienen cabida rancheras, ritmos cubanos o temas en castellano. Calexico sabe llevar la elegancia en temas extremadamente cuidados y que cuentan buenas historias. Algiers es el 7º álbum de la banda.
9. CLOUD NOTHINGS – Attack On Memory (Carpark Records / Wichita)
Sin duda los de Ohio son una de las formaciones más geniales del panorama musical. No solo haciendo videoclips han demostrado que son de lo mejorcito que se puede uno encontrar. La energía que desprende la banda de Dylan Balde es fácilmente contagiosa. Garaje noventero y descarado rock a corto plazo con el que están decididos a hacer un álbum por año, gran noticia después del espectacular homónimo de 2011.
8. BAT FOR LASHES – The Haunted Man (EMI)
Natasha Khan es esencia de talento. Es apetito musical. Palpable y real Una extraña belleza más oída que escuchada por siluetas con derecho a voto. Como si a pesar de sus 3 grandes trabajos aún se esperase de ella un gran golpe sobre la mesa. Original de la playa de Londres con descendencia paquistaní, Khan presentaba este año The Haunted Man envuelto en un continente que tristemente parecía dar que hablar más que el contenido. Multi-instrumentista pero gran pianista y compositora, se gradúa con nota con uno de los mejores temas del año que es Laura, en un álbum muy cuidado en el que también destacan temas como Marilyn, A Wall o All Your Gold.
7. JACK WHITE – Blunderbuss (Third Man Records)
Obsesionado consigo mismo y perfeccionista hasta la médula, Jack White ofrece un compendio de rock blusero de manual. Nadie consigue hacer sonar el rock clásico tan moderno como él. Rodeado de grandes músicos de su Nashville natal, su fastuosidad creativa le pide en esta ocasión llevarse dos bandas de gira, una totalmente masculina, The Buzzards, y otra femenina, The Peacocks, siendo su feeling en el momento del desayuno quien decida quién va a tocar en el concierto de cada noche. Elegancia musical sin igual. Imprescindible.
6. JAPANDROIDS – Celebration Rock (Polyvinyl)
Japandroids o el rock agarrado a un clavo ardiendo. Su abismo sonoro lleva al límite. El dúo de Vancouver lleva el experimentalismo al extremo opuesto y no pide sino ofrece. Celebration Rock, un álbum que apunto estuvo de no publicarse, ya que estuvieron apunto de separarse, escupe rock sin paliativos. Rock que te zarandea hasta dejarte K.O. Todo actitud en un álbum para ser sudado en directo como si no hubiera un mañana.
5. SMASHING PUMPKINS – Oceania (Martha’s Music)
Contra todo agorero pronóstico, el octavo álbum de Billy Corgan con Smashing Pumpkins es muy digno de estar en toda lista álbumes del año. El puñado de grandes temas que atesora Oceaniano se cuentan con una sola mano. Y cuenten el resto de la lista. El mayor problema de Smashing Pumpkins en 2012 es que son Smashing Pumpkins. Y el mayor pecado de Oceanía es que no es 1997 y éste no es el álbum que va a seguir a Mellon Collie.
Pero hace tiempo que la industria pasó a vender politonos y la memoria colectiva musical, cargada de estúpidos prejuicios, se acomodó en un corto plazo cuanto menos inquietante. Oceania es un álbum que le sobra lo que otros añoran y tardan tanto en conseguir. Es encomiable la capacidad de Billy Corgan para crear melodías de tan bella factura y dotarles del peso de guitarras y los arreglos justos. Oceanía pide a gritos volver a confiar en un tipo que sabe muy bien lo que se hace.
4. BEACH HOUSE – Bloom (Bella Union)
Bloom continúa en la línea del estupendo Teen Dream, añadiendo quizás algo más de epicidad y haciendo más espacioso su sonido, convirtiéndose cada vez más en una influencia para muchas bandas. La palpitante Wild es uno de los temas del año, pero no olvidemos la creciente Irene o la majestuosidad de New Year. La voz de Victoria está mejor que nunca y la calidad que consiguen en todos sus álbumes les ha valido para ganarse el respeto de todos.
3. REDD KROSS – Researching The Blues (Sweet Nothing Records)
15 años llevaban sin publicar nuevo disco la banda de los hermanos prodigio californianos. Y menudo regreso. Researching The Blues está a la par de sus trabajos en los 90. Los padres del primer punk-rock californiano se marcan un álbum señor de arriba a abajo, que suena a Beatles o Byrds y te deja KO a las primeras de cambio. Ellos no saben de modas, pero levantan la bandera del power pop al punto más alto y consiguen un disco soberbio que funciona bien ahora y hubiera funcionado igual de bien hace 15 años. Solamente 10 temas en treinta y pocos minutos que después de tanto tiempo dejan un inmejorable sabor de boca y ganas de más. Un álbum que suena incluso mejor escuchado del final al principio, y es que dejan para el final el mejor tema, el beatleHazel Eyes.
2. ALABAMA SHAKES – Boys & Girls (Rouge Trade)
Curioso como un panfleto británico, otrora referencia musical por excelencia, les dedicaba una portada bajo el título de “The World’s Greatest New Band” y apenas meses después no tenía cabida en sus 50 discos del año. Alabama Shakes es una banda que camina con pies de plomo, mirada fija, y la recamara llena de balas. Sus directos son una experiencia sensacional, sencillamente bonitos, cargados de calidad y de mucha emoción. Es increíble la unanimidad que ha conseguido esta banda en torno a ella, que ha logrado que se pongan a sus pies ilustres como Robert Plant, Jack White o Drive-By Truckers.
La magia que tiene ésta banda reside principalemente en su cantante, que es comparada y con razón con Aretha Franklyn. Es la banda con mayor potencial y proyección de la lista. No encuentro ninguna razón para que Alabama Shakes no lleguen a lo más alto. Brittany Howard es un regalo para la música. Algo intuíamos ya el pasado mes de Abril.
1. (Δ) ALT-J – An Awesome Wave (PIAS)
Y la joya de la corona de 2012. Sinceramente tenían reservado el Nº1 y hasta la foto de éste artículo desde la publicación de An Awesome Wave a la espera de que algo o alguien pudiera arrebatárselo. Estos británicos tienen una clase descomunal y han hecho un álbum para quitarse el sombrero. Contiene hasta 7 temas que perfectamente podrían ser singles cualquiera de ellos. Un estilo que mezcla de manera sublime elemenos folk con dubstep, trip-hop y unas armonías vocales muy cuidadas. Su álbum es uno de los mejores debuts de los últimos años, y eso va a provocar precisamente que sea extremadamente difícil superarlo en el segundo álbum. Aunque para entonces quizás la media haya girado 180 grados y no les espere con los brazos abiertos precisamente. En ROCKAST hablamos de ellos apenas publicaron su debut, y con ellos en Agosto en una interesante entrevista.
The Brooklyn indiepop band are about to finish their large tour and found some time to talk with us about how the whole tour has been, their experiences and how’s life in their famous neighborhood.
The Pains Of Being Pure At Heart released their second album last year and will now have some rest before getting into the studio to record the 3rd LP.
ROCKAST talk with singer Kip Berman right after their last shows in Spain. This is what he told us:
How is the Tour going so far? Is it over or are you still planning an extra leg somewhere?
It’s all finished. We’re playing a Christmas show in New York, but aside from that there’s nothing planned except working on new songs and recording.
You started playing in Birthday parties and just after few years and only with 2 albums and an EP released, you have pretty much played all over the world. Europe, Japan, Malaysia, Brazil China… Was that huge change or did you see it coming?
It’s actually been nearly 6 years that we’ve been playing as a band. Peggy’s birthday party was March of 2007, and we formed a couple months before that.
I don’t know how to say how thoroughly unexpected even playing a show outside of New York was for us. I don’t take anything for granted, as most of the bands I grew up admiring never really got much attention or got that far out of their hometown. I hope we get to keep being a band and making records, it’s all I want out of life.
I read somewhere that you were working in a call-centre before starting the band. When was the moment you realize that you were going to follow other path?
Kip: Well, I did work at a call center out, but I had another job when I started the band. I got fired right before our first real tour (supporting The Wedding Present) so I didn’t really have much of a choice. I had no job, no prospects, no other option than to try to play music and exist that way.
«Maybe people think I walk around in a cardigan all the time crying in my tea.»
How do you think the listeners or fans feel your music? I mean, at the end of the day, do you think your music it’s seen like an escape from routines or hectic big city life?
Kip: That’s a good question. I don’t know how the people who listen to our music feel about it, or what it means to them. To me, our music feels like the opposite of escape. It’s very much connected to the things I’ve lived and the things I’ve felt.
I’m pretty sure you’ve been labelled or stereotyped a lot within the last 3 years. But which one was the most original or the weirdest one?
Kip: Maybe people think I walk around in a cardigan all the time crying in my tea? I mean, I’m drinking some tea right now, but my sweater is crewneck and I am far from tears.
I must admit that your debut album was like an instant classic since the 1st time I heard it. Many people thought it wasn’t possible to make a second album as good as the 1st one, but you did it. Is there any pressure for the 3rd one? Do you already know how would you like it to sound?
Kip: Thank you very much. Well, I’m glad you think what we’ve done is worthwhile. But I don’t think we’ve really put it all together yet. Classics can never really be instant – it requires time to reflect and see if a record sounds good in 10 years, in 20 years. I don’t know if anyone will even care about us next year, let alone that far in the future.
As for the next record, we haven’t started recording it yet so it seems to soon to say what it will sound like. Every band eventually says «our new record is our best record,» which sounds like a stale sort of publicity statement. But we’ll probably say something like that at some point, so pardon the hypocrisy. Hopefully it’ll be true.
«There are no cons, only pros. I wake up and get to be in the band of my dreams every day»
Alan Moulder (Depeche Mode,The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentince) and Flood (U2, Nick Cave, Smashing Pumpkins) produced Belong. How was the experience of working with such a big names? How do they work?
They work hard, but still have fun, make jokes and all that. It’s probably the same as anyone else who is committed their life to making records. The reason their names are big is that they’re really talented at what they do and have worked with lot of great bands. But they are not arrogant or jerks or anything like that. I think it’s a good lesson to learn for a young band. People that are really good at what they do, don’t walk around and shove it in your face all the time. I’m really grateful we got to work with those guys, it was a special time for sure.
Could you tell me the pros and cons of being in TPOBPAH?
There are no cons, only pros. I wake up and get to be in the band of my dreams every day. I can’t think of a better life than that, there’s nothing I’d rather do.
There’s no doubt Brooklyn is one-of-a-kind and every year there is loads of good music coming out of there, and many bands pushing to be the best one. Does the fact of being from Brooklyn help somehow to be a better band? as Brooklyn neighbour, what are your impressions?
Brooklyn is wonderful because it forces you to do your best just to survive. If you want any attention or recognition, you have to really focus and make your work the best it can be. It’s not really competitive – we love lots of other bands that live here, but it does compel you to make something that’s remarkable, something out of the ordinary.
As for living here, it’s wonderful because you get to see so many great bands all the time. If you’re a fan of music, there’s never a night where there isn’t something happening. Plus, when bands tour the US they usually don’t skip New York, so there’s always the opportunity to see bands from all over the country and world.
What’s the best Brooklyn act you’ve listened to lately?
I love Cults a lot, they’re cool. Kurt’s new band, The Ice Choir is really fantastic as well. My Teenage Stride, The Secret History and Hooray For Earth are really good and pretty underrated (at least in my view). Crystal Stilts and Vivian Girls are great, as are Twin Shadow, Violens, Beach Fossils and Twin Sister. There’s so much great stuff here, I feel pretty lucky just to see these bands play so often.
«All the marketing in the world can’t make someone like something that isn’t good.»
You’ve played all over the world and in many festivals also. What’s the best thing you’re learning?
There’s no quick path to success, or at least for us it’s a slow thing. I don’t know if it even ends in a good way, but you just have to stay true to the things you care about and make music you believe in. I know that sounds like a cliche, but to me there’s no other way.
I’ve seen you guys 4 times already, and I always manage to bring new people with me as they never get disappointed whenever they discover your music. Do you believe in the word-of-mouth or is the internet these days the best way to get attention?
Well, the best way to get attention is to do something worthy of attention. All the marketing in the world can’t make someone like something that isn’t good. I find out about bands a lot from my friends recommendations, so I think that’s a good way. But there’s also so much you can learn about music through the internet, and I’ve certainly found out a lot about new or old bands from mp3 blogs or a site like Allmusic.
I know you’ve visited Spain many times, Did you get to listen any Spanish music by any chance?
Tachenko! We love Sergio so much, he’s the coolest. We’ve also played with Odio Paris and Los Dolores last time we were in Spain. We were also fans of the band Aias and Le Mans, though I don’t think either of those are still around.
Which band or artist or would you like to share stage with?
T-Rex, The Pastels, Huggy Bear and Felt.
Any projects for next year? Is there any particular goal in your mind?
I just want to make a record. Hopefully we will.
Last question… Are you happy?
Yes.
The Pains Of Being Pure At Heart – Belong (2011, PIAS/Fortuna Pop!)
Nadie puede dudar que Jim Jones es uno de los estandartes del rock garajero de vieja escuela. El que fuera líder de Thee Hypnotics, ha pasado por España para descargar la adrenalina de Jim Jones Revuey presentar un nuevo álbum que le consagra como la banda a batir del rock británico.
Jim Jones es un personaje con una personalidad arrolladora cuya chulesca puesta en escena hace las delicias de todos sus fieles allá donde pisa un escenario. Un concierto de Jim Jones Revue se traduce en intensidad, sudor, química, buen rollo y años perdidos.
ROCKASTentrevista hoy a un tipo de vuelta de todo. Británico de nacimiento, con corazón musical americano, se sabe de antemano que va a tener mucho que decir. Hablemos entonces de rock, de punk, de shows y de la vida misma:
¿Qué tal estás Jim? He visto que estáis tocando 6 y 7 noches consecutivas durante este Tour.
Estamos bien, genial. Hicimos 5 conciertos en Francia, luego Barcelona, Valencia, Alicante, Madrid ésta noche, Bilbao mañana y luego vuelta a Francia.
¿Cómo puedes mantener la voz después de todas estas noches?
Bueno, puedes escuchar que está ronca. Solamente tienes que tener cuidado. Una de las peores cosas sucede justo después de un concierto, si vas a una habitación ruidosa e intentas hablar con la gente es lo peor que te puede pasar. Siempre intento tomarme 5 o 10 minutos después de cada actuación para dejar que mi voz se calme. Hay quien piensa ah eres una estrella y no quieres venir a hablar con nosotros, pero es un descanso, mi voz tiene que cantar para todo el mundo mañana para no tener que cancelar el show ¿me entiendes? Lo más importante es el show, así que empleo el resto del día en prepararme para ello. Lo mejor para la voz es dormir. Pero estás siempre de gira, tocas tarde, vuelves tarde al hotel, luego te lleva un rato calmarte y cuando te levantas por la mañana a veces tienes que conducir durante 6 horas.
Vuestro anterior trabajo, Burning Your House Down, fue muy bien recibido. ¿Añade esto presión en el momento de hacer The Savage Heart?
No. Quiero decir, creo que es algo bueno. Obviamente piensas sobre ello pero no le das importancia. Porque si te empiezas a preocuparte empiezas a cambiar la forma en la que haces las cosas. Es importante hacer la música que crees que es la correcta. Piensas lo que le gusta a la gente, porque cuando tocas en directo puedes ver lo que funciona. Pero para ser creativo tienes que sentir que estás innovando todo el tiempo, que estás abriendo nuevos caminos de alguna manera. Si intentas ir hacia atrás es un error. Nunca lo he intentado así que no lo sé, quizás sea el secreto del éxito (risas).
«Mira, si vienes a ver a Jim Jones Revue, tienes que llevarte algo del show»
En The Savage Heart trabajáis con Jim Sclavunos (Sonic Youth, percursionista de Nick Cave & The Bad Seeds) y Jim Abbis (Arctic Monkeys, Adele, The Verve) ¿Consiguen sacar lo mejor de vosotros?
Sí, creo que sí. Creo que hacíamos un buen equipo. Estábamos intentando conseguir sonidos. Creo que la mejor manera de tener un álbum que suena diferente a todos los demás es tener un sonido de batería, un sonido de guitarra, y un sonido vocal que suene diferente a todos los demás. Y eso requiere un cierto tipo de persona. Jim Sclavunos es muy bueno. Sabe el procedimiento standard pero también está muy abierto a intentar algo si piensa que con eso vamos a conseguir un sonido mejor. Puedes pedirle hacer cualquier cosa, si le dices, Jim, necesitamos matar a 5 niños para conseguir el sonido perfecto para ésto, Jim diría, ok, ¿dónde encontramos los niños? Quiero decir, lo que quiero decir es que él normalmente no se impresiona.
Y para la mezcla, primero escuché a Jim Abbiss por el single de The Heavy, How You Like Me Now?(lo canta). Sonaba más que contundente pero también realista, lo que puedes escuchar en todos sus discos, y eso me gustó bastante. Descubrí que el productor era Jim Abbiss asi que le contactamos y tuvimos la suficiente suerte de que estaba libre para hacer la mezcla. Ya sonábamos bastante fuerte pero creo que él nos dio ese impulso yendo un poco más allá con el sonido, y ha sido muy interesante trabajar con él.
En vuestros conciertos hacéis que la gente salte, baile y que lo pasen realmente bien, y no es algo muy usual hoy en día. ¿Es el directo donde una verdadera banda de rock tiene que mostrarse convincente?
Tienes que intentarlo. Considero que la gente que viene a nuestros conciertos no es un espectador. Si vienes tienes que involucrarte. Por supuesto no tienes que hacerlo si no quieres, hay gente que lo que le gusta es quedarse quieto en las sombras mirando nada mas lo que pasa. Mira, si vienes a ver a Jim Jones Revue tienes que llevarte algo del show. Tienes que hacer que valga la pena.
Vuestros conciertos están llenos de energía y rock contundente, pero ¿sientes que recibes de la audiencia la misma energía que ofreces?
Sí, sí, si estás ahí empujando al final consigues una reacción de la gente.
«La mayoría de la gente acepta la música y solo lo aceptan porque sí; no te dan ningún ejemplo de cómo hacer algo por ellos mismos, solamente toman lo que les han dado.»
¿Crees que el Rock and Roll es menos popular ahora o son los medios que no prestan la suficiente atención a lo que las bandas están haciendo?
No lo se, los valores de la gente son un poco diferentes hoy en día. Hay como 3 o 4 generaciones de gente que crecieron sin tener ningún ejemplo de lo que realmente significa ir al grano y hacer algo ¿sabes? Ha pasado mucho tiempo desde el movimiento del punk, y la parte real de aquello duró solo un año antes de convertirse en moda. La gente iba en plan oh sí tengo pelo verde y llevo imperdibles, pero el punk rock originalmente consistía en intentar mostrar a la gente que puedes ser individual, que puedes hacer algo diferente y que no tienes que seguir el ejemplo de todos los demás, o tener habilidades especiales. Si tienes algo que decir solo sales y lo dices. Pero muy pronto empezó a ser todo pelo verde e imperdibles y ya sabes, esa jodida moda ridícula, que no tenía nada que ver con lo que era el movimiento original. Pero no sé, realmente yo no he visto nada desde entonces a esa escala que muestre a las generaciones que pueden dar la espalda a lo que les ha sido dado. La mayoría de la gente acepta el hip/hop, o el RnB, o el heavy metal y solo lo aceptan porque sí, y no te dan ningún ejemplo de cómo hacer algo por ellos mismos, solamente toman lo que les han dado.
Mucha gente piensa que sois una banda Americana por vuestro sonido. ¿Qué le pasó al Rock en el Reino Unido?
La verdad es que no lo sé, quiero decir que estamos bastante ocupados y no tenemos tiempo de mirar otras cosas que se están haciendo. Pero la mayoría de las bandas que escucho son americanas; y las bandas con las que me inspiro son los Stooges, o Duke Ellington. Cuando era joven las bandas británicas que realmente me gustaban eran las que sonaban americanas, como los Stones, Faces, o los Beatles. Los Beatlesme sonaban a banda americana. Yo toco música americana, pero ésta música tiene su conexión con música irlandesa, escocesa, música folk, mezclado con música de raíces africanas. Pero no canto sobre cadillacs rosas. Esa no es mi vida. Yo canto sobre mi vida, lo que veo alrededor de mí y lo que siento en mis sueños ¿sabes? Es un error si tratas de seguir una moda, o tomar el rock como una moda, porque para mí eso no es verdad. Creo que es una palabra que describe una música que tiene una intensidad de sentimiento. Y lo escucho cuando estoy escuchando a Charlie Mingus o John Coltrane. Es jazz, sí, pero tiene intensidad ¿sabes? Y para mí el Rock and Roll significa intensidad. Está el termino Rock and Roll utilizado para representar una música que es una mezcla de blues, country y bluegrass, y yo lo entiendo y me gusta esa música.
Creo que Jim Jones Revue tiene mucho cuidado en intentar no estancarse. Estamos interesados en muchas cosas diferentes como para quedarnos atrapados solamente en un lugar.
¿Todavía tenéis esa gran interacción con los fans? ¿Puedo encargarme de las luces?
Sí claro que sí. Sí que puedes si quieres. ¡Aunque tienes que currártelo! Hay gente que luego no le da caña.
¿Qué música estás escuchando últimamente?
Bueno nosotros tocamos Rock muy alto cada noche así que cuando tengo tiempo escucho bastante a Duke Ellington. También música country de los comienzos,Sons of the Pioneers, Jimmy Rogers, etc… Escucho música para relajarme. Es bastante inspirador también.
¿Planes para el año que viene?
Siempre estamos tocando así que estaremos tocando en directo en algún sitio. Pero creo que vamos a intentar empezar antes, si tenemos algo de tiempo libre, y vamos a trabajar en nuevas canciones, de manera que cuando llegue el momento del nuevo álbum ya tenemos algo preparado. Cuando estábamos trabajando en The Savage Heart, hacia el final del proceso de composición, pensamos que habíamos encontrado una nueva manera de trabajar, de crear. Todos estamos entusiasmados por ver qué mas sale.
El dúo de San Francisco vuelve a escena después de 5 años para presentarnos un nuevo álbum llamado The Bloom And The Blight. En éstos años, ambos se han embarcado en sus proyectos en solitario, aunque el cantante y guitarrista Adam Stephens también ha tenido que superar el terrible accidente casi mortal que tuvo en la furgoneta de la gira de su anterior grupo. Llegado el momento y casi recuperado totalmente, vuelve a la banda en la que lleva tocando más de una decada para presentarnos posiblemente uno de sus mejores trabajos.
Adam y Tyson se conocen desde que tenían 5 años. Empezaron a tocar a la vez e hicieron sus primeros bolos en la calle, en house parties, en cuartos de estar o allá donde les dejaran. Aunque son etiquetados comunmente como una banda de folk, su último álbum destila un blues garajero desgarrador. La voz de Stephens está más afilada que nunca y en The Bloom And The Blightdemuestra que nadie en el rock actual chilla como él. Tienen talento de sobra para estar mucho más alto que donde están. Aunque esto sea algo que aparentemente no les quita el sueño.
Los californianos han estado haciendo pleno en sus conciertos en España y han tenido tiempo para sentarse a hablar con nosotros.
Han pasado 5 años desde vuestro último álbum. En este tiempo habéis lanzado cada uno vuestros propios trabajos, ¿Ha influido esto en el nuevo álbum?
TYSON VOGEL: Bueno el estudio no es el sitio más confortable para nosotros, pero creo que grabar discos distintos nos ha permitido a ambos digamos el poder explorar el estudio de una manera diferente. Esto definitivamente inspiró nuestro planteamiento sobre el disco.
En The Bloom And The Blight trabajáis con un gran productor como es John Congleton (Modest Mouse, David Byrne, Explosions In The Sky). ¿Marca la diferencia un gran productor?
ADAM STEPHENS: Es genial, es un hombre muy inteligente, una experiencia muy reveladora. Ha sido un placer trabajar con él y fue divertido. Creo que el término productor es un término grande, porque tradicionalmente el productor tenía mucho que ver con los arreglos de las canciones, y cómo una canción determinada estaba compuesta, en cierta manera. Pero todo eso básicamente lo hacemos nosotros, él más o menos nos guía. Si teníamos alguna duda sobre algo él nos ayudaba. Si Tyson y yo no nos poníamos de acuerdo en algo el era algo así como la 3ª voz, y nos ayudaba a movernos en la dirección correcta ¿sabes? Pero creo que es mas bien un ingeniero con mucha perspicacia y mucha opinión. Quiero decir… quizás no le debería haber llamado eso.
TV: Asegúrate de que no salga en América. (risas)
Empezásteis en Alive Records, luego Saddle Creek y ahora con la compañía de Dave Matthews, ATO Records. ¿Significa eso que desconfiáis de las grandes compañías?
TV: Absolutamente. Pero la mayoría de nuestros planteamientos digamos que necesitan un ambiente artístico, con gente que innova, que tiene maneras creativas de promocionar la música y la cultura. En realidad Dave Matthews no tiene nada que ver con ATO Records, excepto que lo empezó e invirtió en ello pero básicamente es un socio ¿sabes? ATO lo lleva un grupo de 15 tipos realmente buenos.
AS: Es más un tema de relación personal, queríamos sentirnos en casa en algún sitio y ser amigos de la gente con la que trabajamos. No creo que tuviéramos esa clase de relación en una gran discográfica.
«En la música es bueno tener que pasar apuros.»
¿Cómo el el proceso de elaboración del álbum? ¿Construís los temas juntos?
TV: Sí bueno, creo que el método cambia con cada canción. Nunca es muy consistente realmente.
¿De donde sacáis la inspiración?
TV: Supervivencia.
Habéis tocado mucho en la calle, en fiestas, en bares… ¿Es algo que todo músico debería hacer?
AS: No creo que todo el mundo toque la música apropiada para estos ambientes. En la música es bueno empezar humildemente, tener que pasar muchos apuros y hacer muchos conciertos cutres. Adquieres un sentimiento de gratitud hacia cualquier logro que consigues. Pero esos conciertos fueron los más divertidos. Nunca hacíamos dinero, pero básicamente aprendimos a tocar y a montar un show. El estar tan cerca de la gente, cuando tocas en casa de alguien o en una pequeña habitación, todos sudando, es una experiencia muy impactante, estar tocando o incluso sólo mirando.
¿Lo echáis de menos?
AS: Bueno, lo cierto es que hicimos 3 giras por EEUU como esa, tocando en casas y espacios de arte y realmente en cualquier sitio que podíamos y fue duro ¿sabes? Muchas veces aparecías en una ciudad y no venía nadie a verte, o no había concierto, o el tipo que lo organiza se le olvida, o tocas en un salón con un tío y su hermano y cosas así. Todavía hacemos algo de eso cuando podemos, sobre todo en San Francisco, en casas y tal…
¿Intentáis reflejar las buenas vibraciones de los directos en el álbum?
TV: Intentamos ser lo más honestos que podemos en el disco. Cada álbum que hemos hecho ha sido un intento por capturar el sentimiento de un ambiente de directo. En las actuaciones las cosas cambian, el ambiente etc… así que intentamos encontrar esa pequeña área de control. El directo es probablemente la mejor manera de convencer a la gente.
«El directo es probablemente la mejor manera de convencer a la gente.»
¿Alguna vez habéis pensado añadir algún instrumento o incluso algún miembro a la banda?
AS: Lo hicimos cuando empezamos, pero enseguida fuimos un dúo y según íbamos tocando la gente pensaba que era bueno, así que lo decidimos así. No hacíamos otra cosa que tocar tocar y tocar y nos dimos cuenta de que estaba funcionando así que genial.
¿Parece que Brooklyn y Nashville se llevan la fama como cunas de escenas musicales pero cómo está la cosa en San Francisco?
TV: Es divertido porque SF siempre ha sido un lugar con gente muy artística. Hay muchas bandas haciendo mucha música allí. De hecho, en cierto modo, prefiero que no tenga la reputación de Brooklyn o Nashville, porque así lo hace único. Hay una cantidad ecléctica increíble de música en el corazón de San Francisco. Y así es como fuimos capaces de tocar nuestros primeros conciertos. Aprendimos que nos lo podíamos montar en la calle básicamente en cualquier lugar. Hacíamos conciertos callejeros robando electricidad de la estación de autobús. Éramos 3 bandas tocando 3 canciones cada una y compartíamos los instrumentos. A veces aparecían 150, 200 personas. Es algo que ya no existe pero representa de alguna manera el espíritu de San Francisco.
¿Influye de algún modo el lugar donde naces en vuestro estilo? ¿Sonarías igual si hubierais nacido en algún otro lugar?
AS: Creo que SF realmente nos ha permitido ser músicos y ser excéntricos ¿sabes? Sentirnos cómodos haciendo lo que queríamos hacer. Las condiciones en las que hemos crecido estaban muy ligadas a la creatividad. No era una locura la idea de intentar ser músico. Quiero decir, mis padres no parecían muy contentos al principio, pero en otros lugares hubiera sido en plan “ah, quieres ser músico, vaya pérdida de tiempo” pero en SF no sé, hay tal sensación de libertad artística y expresiva que tuvo mucho que ver en que lo intentáramos ¿sabes?
«Cuando estás fuera de casa lo único estable es lo inestable»
¿Qué escucháis fuera de Two Gallants?
TV: Escuchamos muchas cosas diferentes, desde el country al hip/hop. Pero ambos, como músicos que somos, digamos que es nuestra obligación escuchar música y aprender lenguajes que provengan de diferentes formas. Es importante ser abierto e intentar escuchar tanto como podamos. Además creo que nos mantiene sanos! (risas)
Habéis sido comparados en muchas ocasiones con White Stripes o Black Keys, pero ¿Con qué bandas os gustaría que os comparasen? ¿Qué bandas os influyen?
AS: Creo que no es una buena idea. Quiero decir, cuando empezamos a tocar era música de los años 20 y 30 y cosas de ese estilo, música americana, música de raíces sureñas. Tyson es más de cosas contemporáneas pero no sé, hay grandes bandas, My Morning Jacket es una gran banda, Elvis Perkins in Dearland es un disco que nos gusta mucho a ambos. Cass McCombs mola también.
TV: Vamos a tocar algunos shows con Deer Tick al final del año, esa es una banda muy buena.
¿Cuáles son vuestros planes inmediatos para el año próximo?
TV: Bueno, tenemos 4 conciertos en la costa Este, luego 2 semanas libres y luego un tour por la costa Oeste, California, y luego vamos a Australia. Luego creo que volveremos aquí. Confiamos en tocar tanto como podamos.
Última pregunta. ¿Sois felices?
TV: Mmm esa es difícil.
AS: Creo que eso es como una tarea diaria. Hay algunos factores que tienen que ver, como cuando estás fuera de casa y lo único estable es la inestabilidad. Es como si nunca supieras cómo te vas a sentir en tu regreso. Pero una cosa que puedo decir, es que cada vez que subimos al escenario, me siento bien. Eso es lo que hace que el resto del día valga la pena.
DB
Two Gallants – The Bloom And he Blight (PIAS) 2012. Ya a la venta.
Today we have the chance to talk with currently one of the most talked-about bands in the UK. A worthy band that have worked hard to get where they are. They have opened for Bon Jovi at his O2 Residency in London, appeared on the cover of Kerrang! magazine, and played in US, Europe, Asia or Australia, gaining thousands of fans all over the world. Young Guns are in the european leg of the tour right now presenting their acclaimed second album called Bones.
We met the band in a very british day in Madrid and they talked about music, Thailand, social networks or the new album. A very interesting conversation with Gustav, Fraser and Simon.
How is the tour going so far?
SIMON MITCHELL (bass): It’s really really good. We have just started with the European leg, like 4, 5 days ago? Nearly a week. It’s going well and these are the biggest live shows we’ve done, over the year so…
You supported Seether in the US. How was it?
SM: With Seether? Was great, was very different. It’s a different type of crowd, it’s more varied I guess, like, you got the young and you got a lot of older people too. It was a great experience and we’re doing really well.
FRASER TAYLOR (guitar): It was our first American tour and it’s being great.
You had a quick rise. Are you in the exact place you imagined you wanted to be when you started the band?
GUSTAV WORD (frontman): Well, I think it’s difficult because, I remember when we started the band, for me, my main goal was to like, shoot a music video, do a proper tour… and then we did those things and it was like all right man, wouldn’t it be awesome if we had a whole album? And then we did that, but the point I’m trying to make it’s that I think you go pursuing goals and think ok, I’ll be satisfied if we get to do that, but then success changes, and evolve with what you do. But I’m really happy with where we are, I think we’re having an amazing year, easily the best we remember have, as a band. For me, is just about being happy with where you are at that point of time. You know if we say ok I want to play Wembley in two years, if you set goals like that you’ll certainly disappoint yourself, so we’re just trying to enjoy where we are.
You played Shepherd’s Bush recently. Some bands consider it a turning point. Then immediately they want to make Earl’s Court, Wembley, etc…
FT: Well, I mean, obviously that would be very nice, but you now, you’re always like, I want to go further, I want to go to Japan, Australia… and we’ve been lucky enough to do that, now we’re just back here again. I don’t think we really set up ourselves goals in terms of how big we want to be. Do we?
SM: We’re still progressing, and it’s exciting when we go to new places but I think it’s important to kind of like, retain and make sure you don’t lose connection with the places that you do best in.
Bones has been recorded in Thailand, how come that far? How was the experience?
GW: Well we knew we wanted to record it somewhere new. Because we felt like we weren’t starting again as a band, but we were definitely trying to push ourselves to be a better band than we were at that point of time. We though it was quite important to do something new and put ourselves in an environment we hadn’t been until that point. Up until Bones, we had written every song we ever had in exactly the same room, and we recorded everything that we released, in the same studio with the same guy. So I think there was definitely a feeling with us that we wanted to do something new and try to push ourselves to be a better band. When the chance came up to go to Thailand, it was the best way, just to remove ourselves from everything we were familiar with, and go to the other side of the planet. And hopefully that would inspire us as it did.
How do you approach the songs? How is the writing process in YG?
FT: A lot of the time we try to sit in a room all of us and try to write something… but it takes a long time
GW: It’s being painful.
Do you like to improvise in the studio or you got some ideas before getting together to play?
FT: Yeah we do that, but we probably do that for a couple of ours and then just decide that we don’t like anything that we’ve just played so… We normally start of someone bringing a briefing or a melody or something like that, and then we all work on it together.
Probably you got this question asked many times, but what are your main influences?
GW: I always find this question very hard to answer. I think a couple of years ago we were all very heavily influenced. But now I actually don’t know. I mean, I’m happy about this but we don’t really listen to, or we don’t say I want a song that sounds like that, or that band. We just try to keep it organic and hope that whatever we’re doing the 5 of us it sounds as something we want to hear. We don’t ape to anyone else or sound like similar to somebody else. We listen to pop music, metal…
Is there something in particular that you don’t like? X-Factor for instance?
GW: Yeah I really dislike it, but I know some of the guys in the band enjoy it. You know, we all like different things and that’s probably the main thing that defines as a band, in terms of how we sound, it’s the fact that we all do like different things and bring different things to the table.
How do you get on with the critics?
FT: Critics? Well, we’ve been pretty lucky really, we found very few bad write-ups really.
SM: I think is because we’re not trying to be the next punk band or metal band. I guess it’s hard for critics to be kind of like oh they don’t sound like this or like that, you know what I mean? We just write music that we love and that we feel is honest to ourselves and that we enjoy the five of us.
GW: Definitely is like whenever you find a bad review it gets you, but I think we’ve been very lucky overall. I think it’s very subjective, when one person think it’s amazing and someone else is gonna think it’s shit. No matter what anyone says, if it’s negative about you, it will always be that person’s opinion. But you can have thousand nice comments and just one bad and you go straight to the bad one. But there’s a thousand on one side so… You just have to pay no attention.
What music do you do you listen?
GW: I’m listening to the new Muse record a lot. They played in Paris and we missed them for one day. They’re amazing. I’m also listening to the last Gaslight Anthem album.
FT: I’m listening to the Mumford & Sons record and the Ellie Goulding one.
SM: I’m also listening to the new Muse record, and the latest from Kanye West
So basically there’s democracy when choosing the music on the tour bus.
SM: Yeah but we always end up playing the Xbox so… (laughs)
Do you like to get involve in extra musical facts like promotion, marketing or video making?
GW: Well we’re very actively involved with everything, from art work, or designs, to photo shoots ideas or videos… We’re always involved in every single thing. Obviously there are things we don’t have any idea about, like the business side of things.
What percentage of passion do you think there is in your work?
GW: I like to think that our music sounds real and honest. And that’s something the people has always said to us. You know, we are a rock band but there’s a little bit of heart and soul, it’s not like disposable rock club music. We really do care about what we do and we think a lot about every small thing, and I like to believe that that comes across.
SM: We hear a lot of comments of people saying that a lot of people connect with the lyrics of the songs, which is very cool, isn’t it?
FT: I think in a lot of rock music, things like the emotion behind is often not paid enough attention too. You know a lot of time is just about the feeling of rock music, the energy… and that’s cool. I like it, but I like that people connect to our music on a different way. People get really wrapped up and care about it, which is amazing.
Do you think it’s harder now that it was before to make yourself a name in the music industry?
FT: I think it’s easier to get started, you can have a Myspace account, a Facebook account, and get some recorded for cheaper, quicker, and better than it was before. But at the same time, there are much more bands than ever has been.
GW: It’s definitely harder. It’s really difficult and sad it’s not just about music. But you just kind of, have to keep working harder and do what you do no matter how difficult it is.
FT: I think that’s what separate bands nowadays, the desire and the drive to keep going no matter how. And there’s not as much money as it used to be in the music industry than it used to be. And the music industry it’s in the middle of a massive change, as people can get for free what you were selling before.
Do you think the importance of the internet media and the social networks are more relevant than the typical hard work of the bands?
GW: I think it definitely helps. But it has to be both, unless you’re a phenomenal that blows the internet. But in most cases you have to put the hard work, and then use the social networks to kind of facilitate what you’re doing.
FT: There’s nothing that can substitute a good live band. You could find something amazing online, then you go the show and if they’re crap, you’re not going to follow that band. I do think that with the internet everybody have access to anything, and that’s something there wasn’t before.
What would you do if you were not musicians?
GW: Absolutely nothing. I guess I’d be working on whatever job just to have enough money to pay rent and some stuff. I’m very glad to have the band as it gives me the opportunity of focus on it and not to give a shit about something else.
Any ideas for a new record?
GW: Well, we have some little ideas, some seeds, or little recordings on the phones. But I’m really really exciting about doing a new record, something just in my gut tells me it’s going to be the best thing that we’ve done, and I’m really excited about that. I feel like that 2nd record was a real transition or phase for us in terms of how to be a better band. I think now it’s becoming better, really quickly and with every show I feel we’re getting more confident and we’re going somewhere really great. But somehow we got to find the time to tour and to record the new album.
L.A. electro pop duo Capital Cities are spreading their music all around the world without the help of a either a big or small record company. Lots of music blogs started to talk about them when they first released their massive hit Safe & Sound. Ryan Merchant and Sebu Simonian released their debut EP last year, which did pretty well and let them played in Canada, US, South America and as soon as tomorrow also in Europe. They were also widely tipped by internet guruPerez-Hilton as «the best band in L.A.». ROCKAST reached Ryan Merchant and this is what he told us:
You have just published one EP and seems like it’s working pretty good and has been spread by word of mouth. Has it been self-produced or is there any company backing the album?
Yes, we self produced and self released our EP and lucky for us the music has spread through word of mouth. This is the best way to build a fan base.
Is it getting harder to get real support from record labels?
We don’t have a record label backing us so I would not know. We do everything ourselves with the help of our excellent manager and attorney. In this day and age you have to take control of your own destiny and create opportunity. You can’t count on so called «professionals» to make things happen.
You two actually met via Craiglist (San Francisco’s equivalent to London’s Gumtree) also Manny, your bass player. How do you see the media nowadays and how has it helped you to bring your music around the world?
There are many forms of media and it is important to utilize all of them to build your fan base. Initially we got the attention of the blogs. This is how you start getting your name out there. Eventually you move to radio and the bigger magazines. At the same time we make connections with our fans through Facebook and Twitter. It’s an amazing time to be an independent musician. The labels still have a lot of power, but it is much more democratic now.
Safe & Sound is as euphoric as it gets. Where does it come from? Saxophone is lately becoming very popular again in electronic music but that trumpet… What’s the story behind this song?
Safe and Sound took a long time to get to where it is now. We produced 10 versions before we were satisfied. Thematically, the song is about not worrying that the end of the World is coming. Every generation thinks we are headed for Armageddon, but it never comes. Humans have an amazing ability to adapt and solve problems. It’s a love song to the human race.
You covered Pink Floyd’s Breathe pretty well with the Tupac sample and also Sinead O’Connor’s Nothing Compares To You or Madonna’s Holiday with such a great result. Do you have something on your mind for a next cover or mashup you’d like to do?
I’m not sure what we will cover next. It might be a Beatles song, but not one that you would expect from an electro/pop band.
What artist or band do you see as a musical reference?
We have many musical influences, but one of the biggest is Michael Jackson. His songs were so funky and danceable, but also had amazing lyrics and melodies.
What’s the most played song on your iPods /iPhones/Walkmans…?
I really like the band Beach House a lot. Every song on their albums is good so you can listen through and not get annoyed. Whitest Boy Alive is also pretty awesome.
Let’s talk about your concerts. With all this never-ending recession we’re having in Spain, I reckon people in your concert will disconnect and will be with a really good disposition and ready to have a lot of fun. What can we expect from your gigs?
We like to entertain crowds when we perform. We don’t just sit there and act cool. We dance, interact and enjoy ourselves on stage. We also have a good mix of live musicians and electronica that makes people dance.
Ever considered any extravagant idea for your gigs like for instance, the hamster ball from Flaming Lips or something like that?
I saw The Flaming Lips use that hamster ball and it annoyed me. I went to see them perform their amazing album «Yoshimi Battles The Robots» and they just did silly stage antics instead of play the songs. So I don’t think we would do anything that would take away from actually performing the songs. People want to hear the music.
Nos encontramos a pie del último tercio del año. Tiempo de recapitulación y punto y seguido donde la massmedia ya guarda con impaciencia un borrador en sus iPads de lo que serán los mejores discos del año, a falta aún de los lanzamientos de otoño, el periodo normalmente más fructífero para el lanzamiento de grandes álbumes.
Con las nominaciones de los prestigiosos Mercury Prize a la vuelta de la esquina, hoy nos complace traer a Alt-J (∆) una formación de Leeds que lleva todas las papeletas para ganarlos de calle, a pesar de que la Biblia de Pitchfork aún no se ha dignado ni a nombrarlos.
An Awesome Wave, es uno de los álbumes del año y ROCKASTha tenido la oportunidad de hablar con Thom Green de su gran debut, de libros, conciertos, películas, música o Internet.
1. Antes de nada, una pregunta que mucha gente sigue preguntando. ¿Por qué ∆? Quién tuvo la idea después de la coincidencia con The Films? (Originalmente éste era el nombre de la banda, hasta que coincidieron con una banda del mismo nombre en el festival de Leeds)
Suena bien y queda bien, y literalmente es así. No tenemos ninguna conexión profunda con el nombre, solamente es algo con lo que todos estuvimos de acuerdo.
2. Mencionáis Radiohead como una de vuestras principales influencias musicales, pero vuestra música parece establecer ciertos vínculos de estética cinematográfica. ¿Os gustaría componer una banda sonora llegado el momento?
Nos encantaría. Nos gusta bastante la película Koyaanisqatsi, escribir música para algo así sería genial. Estamos muy abiertos a nuevas ideas y no nos importaría cual fuese el género de la película tanto como que ésta fuera interesante y estuviese bien hecha.
3. Para el video de Breezeblocks, os ponéis en contacto con el productor que más os gustó (Ellis Bahl) después de subir las ideas que teníais para el videoclip a la web de Radar Music. ¿Cómo os lleváis con Internet? ¿Ésta colaboración abierta es algo que os agrade y que estaríais dispuestos a repetir más a menudo en el futuro, digamos en nuevos videos u otras ideas que os puedan surgir?
Somos grandes fans de Internet. El video de Breezeblocks es un gran ejemplo de lo que puedes lograr utilizando Internet como fuente de búsqueda. Hemos usado Radar desde entonces y pretendemos seguir usando Internet como fuente de ideas. Puedes llegar a tanta gente online… Es fascinante encontrar cosas completamente nuevas cada día.
4. Flitzpleasure está basado en un personaje de Last Exit To Brooklyn de Hubert Selby. ¿Cuál fue el último libro que leísteis? ¿Intentáis intencionadamente leer libros que de alguna manera puedan servir para inspirar vuestros temas?
El último libro que he leído ha sido Los Juegos del Hombre. Me gustó mucho, muy agradable y fácil de leer. Joe saca mucha inspiración de libros pero no creo que deliberadamente lea para buscar material, es algo que le inspira de manera natural
5. La primera vez que escuché An Awesome Wave, me quedé totalmente impresionado. Lo considero uno de los mejores álbumes que he escuchado en años. Pero entonces pienso en cómo será vuestra puesta en escena. ¿Para alguien que nunca ha podido asistir a ninguno de vuestros conciertos, qué es lo que podemos esperar de ellos?
Gracias! Hemos estado tocando mucho todo el verano y hemos conseguido estar muy a gusto en el escenario tocando el álbum. Nunca usamos samplers, temas pregrabados o triggers. Todo lo que escuchas se está tocando en directo, lo que era complicado para aprender pero creemos que ofrece a la audiencia una experiencia mucho más auténtica de nosotros como músicos tocando el álbum. Nos han dicho que sonamos como en el álbum así que es genial.
6. He visto que utilizáis coros en el escenario con vosotros. ¿Es algo con lo que os gustaría contar en vuestros conciertos habitualmente?
No creo que lo hagamos en cada show, sino podría terminar siendo una experiencia anodina, pero sin duda la intención es contar con un coro en conciertos puntuales, más especiales. Es algo maravilloso el poder contar con ello.
7. ¿Qué instrumentos adicionales consideráis que podríais usar en próximos trabajos?
Nunca intentamos desmarcarnos para encontrar nuevos instrumentos, somos felices con lo que tenemos, pero si hay algún sonido en particular que buscamos puede que tuviéramos que utilizar algún instrumento que no hayamos usado antes como unos teclados distintos o una percusión.
8. ¿Cómo es el proceso de composición de los temas?
La mayoría de las veces Joe escribe la base de un tema con su guitarra acústica y luego nos lo lleva al resto para terminar de construirla. Somos muy demócratas en ese sentido así que dejamos nuestros egos a un lado y sólo ponemos o quitamos cosas que sean realmente necesarias, nunca comprometemos una tema o parte de un tema. A veces puede llevarnos meses para escribir una canción, y no estaremos satisfechos hasta que no sepamos que está terminada.
9. ¿Os gustaría que colaborase algún artista o banda en particular con vosotros?
Todos tenemos influencias musicales muy diferentes, asi que es difícil de decir pero Mountain Man cantó para nosotros recientemente y fue increíble. Quizás hacer algo con Hot Chip o incluso con un productor de hip hop estaría bien.
10. ¿Cómo lleváis la fama? ¿Os sentís incómodos?
Mantenemos la cabeza baja y no dejamos que nos afecte demasiado. Te acostumbras bastante rápido y sabes cómo reaccionar. Es muy halagador ver que muestran atención por tu música, somos muy afortunados. Es una locura cuando vamos a un país por primera vez y descubrimos que ya tenemos fans ahí.
11. ¿Qué estáis escuchando ahora mismo?
Sobre todo principalmente a Aardvarck, TNGHT, EPROM. Downlink, Borgore, Hot Chip, J:Kenzo, My Nu Leng, Dying Fetus o Gangoon Dubz.
12. ¿Sois felices?
Mucho. Estamos en un gran lugar en nuestra carrera y todos estamos muy emocionados de ver donde vamos después.
An Awesome Wave se publicó el 25 de Mayo por Infectious Music / Pias
Un momento de Brittany en la actuación de la Sala El Sol.
Que Brittany Howard, cantante de Alabama Shakes, ha nacido con estrella es algo que ya sabíamos y comentábamos hace meses por aquí. Que sus directos son mucho mejores que su álbum de estudio también. Pero lo que nos encontramos los 400 afortunados que pudimos asistir el Jueves pasado a la Sala El Sol de Madrid fue mágico.
Una banda buena de verdad, muy sobrada, que da la impresión de que llevan 8 discos y no uno. Una compenetración entre sus miembros excepcional y una cantante con un carisma para soñar sin límites, que posee un don natural, una estrella que saca brillo sin apenas proponérselo, y que igualmente, deja la impresión de que con todo, te está dando 10 cuando te puede dar 100. Por eso creemos que pocas bandas pueden tener a priori una progresión tan grande como ésta.
Tuvimos la ocasión de charlar con ella antes del concierto. Se mostró afable, cercana, con las mismas inquietudes que puede tener cualquier chica de 23 años, preguntando por Madrid, por la sala -que afirmó que le había encantado-, pero con la seguridad que le da que alguien con autoridad (Robert Plant?) le haya ofrecido un par de buenos consejos para nunca despegar los pies del suelo.
Curioso cuando comentaba que el concierto duraría sobre una hora, y cómo al preguntarla por covers y bises dejaba caer un «maybe… we’ll see how it goes». Y vaya cómo fue. Porque tocaron 20 temas, más que en ningún otro concierto que hayan ofrecido recientemente. Con una futura entrevista apalabrada nos dirigimos a la sala con buen feeling y convencidos de que sería una de esas noches.
Y efectivamente así fue. La banda sacó toda su artillería para crear un ambiente único, empapado del sabor del buen blues y soul americano que dejaba boquiabierto al personal con su tremebunda voz, sus solos y el peso del sonido de una banda que si nada falla, debería estar muchos años dando guerra.
Aparte de tocar su álbum debut al completo, también entonaron Heavy Chevy y Mama de su EP Heavy Chevy. Un tema que incomprensiblemente no entró en el album y que sonó especialmente bien, fue Always Alright, que demuestra sin tapujos el potencial que atesoran. Tendrían tiempos para deleitarnos con Makin’ Me Itch, una de los nuevos temas que nos presentaron, así como Worryin’ Blues. Aunque fue en temas como Heartbreaker o You Ain’t Alone especialmente, donde hizo que el silencio de la sala fuera el 6º Alabama para que terminaramos rindiéndonos, más aún si cabe, a su inconmensurable talento. En Worryin’ Blues, otro tema nuevo, nos presentó al resto de la banda, su inseparable Zac Cockrell al bajo, con el que empezó toda la aventura, el no menos bueno Heath Fogg que le acompaña a la guitarra, el teclista Ben Tanner y el batería Steve Johnson, sujetando a la banda en todo momento.
Tuvieron incluso tiempo para atreverse con el tema de la serie animada Squidbillies o el How Many Times More de Led Zeppelin. Se despedirían con otro tema que no está en Boys & Girls, que sonó portentoso para dejarnos un sabor de boca inmejorable, como fue Heat Lightning.
Un concierto memorable que sin duda recordaremos en años venideros cuando la música les coloque en el lugar alto que merecen. Si tienen la oportunidad, no se los deben perder.
R O C K A S T / / 
«There’s no quick path to success» Interview with The Pains Of Being Pure At Heart
The Brooklyn indiepop band are about to finish their large tour and found some time to talk with us about how the whole tour has been, their experiences and how’s life in their famous neighborhood.
The Pains Of Being Pure At Heart released their second album last year and will now have some rest before getting into the studio to record the 3rd LP.
ROCKAST talk with singer Kip Berman right after their last shows in Spain. This is what he told us:
How is the Tour going so far? Is it over or are you still planning an extra leg somewhere?
It’s all finished. We’re playing a Christmas show in New York, but aside from that there’s nothing planned except working on new songs and recording.
You started playing in Birthday parties and just after few years and only with 2 albums and an EP released, you have pretty much played all over the world. Europe, Japan, Malaysia, Brazil China… Was that huge change or did you see it coming?
It’s actually been nearly 6 years that we’ve been playing as a band. Peggy’s birthday party was March of 2007, and we formed a couple months before that.
I don’t know how to say how thoroughly unexpected even playing a show outside of New York was for us. I don’t take anything for granted, as most of the bands I grew up admiring never really got much attention or got that far out of their hometown. I hope we get to keep being a band and making records, it’s all I want out of life.
I read somewhere that you were working in a call-centre before starting the band. When was the moment you realize that you were going to follow other path?
Kip: Well, I did work at a call center out, but I had another job when I started the band. I got fired right before our first real tour (supporting The Wedding Present) so I didn’t really have much of a choice. I had no job, no prospects, no other option than to try to play music and exist that way.
How do you think the listeners or fans feel your music? I mean, at the end of the day, do you think your music it’s seen like an escape from routines or hectic big city life?
Kip: That’s a good question. I don’t know how the people who listen to our music feel about it, or what it means to them. To me, our music feels like the opposite of escape. It’s very much connected to the things I’ve lived and the things I’ve felt.
I’m pretty sure you’ve been labelled or stereotyped a lot within the last 3 years. But which one was the most original or the weirdest one?
Kip: Maybe people think I walk around in a cardigan all the time crying in my tea? I mean, I’m drinking some tea right now, but my sweater is crewneck and I am far from tears.
I must admit that your debut album was like an instant classic since the 1st time I heard it. Many people thought it wasn’t possible to make a second album as good as the 1st one, but you did it. Is there any pressure for the 3rd one? Do you already know how would you like it to sound?
Kip: Thank you very much. Well, I’m glad you think what we’ve done is worthwhile. But I don’t think we’ve really put it all together yet. Classics can never really be instant – it requires time to reflect and see if a record sounds good in 10 years, in 20 years. I don’t know if anyone will even care about us next year, let alone that far in the future.
As for the next record, we haven’t started recording it yet so it seems to soon to say what it will sound like. Every band eventually says «our new record is our best record,» which sounds like a stale sort of publicity statement. But we’ll probably say something like that at some point, so pardon the hypocrisy. Hopefully it’ll be true.
Alan Moulder (Depeche Mode,The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentince) and Flood (U2, Nick Cave, Smashing Pumpkins) produced Belong. How was the experience of working with such a big names? How do they work?
They work hard, but still have fun, make jokes and all that. It’s probably the same as anyone else who is committed their life to making records. The reason their names are big is that they’re really talented at what they do and have worked with lot of great bands. But they are not arrogant or jerks or anything like that. I think it’s a good lesson to learn for a young band. People that are really good at what they do, don’t walk around and shove it in your face all the time. I’m really grateful we got to work with those guys, it was a special time for sure.
Could you tell me the pros and cons of being in TPOBPAH?
There are no cons, only pros. I wake up and get to be in the band of my dreams every day. I can’t think of a better life than that, there’s nothing I’d rather do.
There’s no doubt Brooklyn is one-of-a-kind and every year there is loads of good music coming out of there, and many bands pushing to be the best one. Does the fact of being from Brooklyn help somehow to be a better band? as Brooklyn neighbour, what are your impressions?
Brooklyn is wonderful because it forces you to do your best just to survive. If you want any attention or recognition, you have to really focus and make your work the best it can be. It’s not really competitive – we love lots of other bands that live here, but it does compel you to make something that’s remarkable, something out of the ordinary.
As for living here, it’s wonderful because you get to see so many great bands all the time. If you’re a fan of music, there’s never a night where there isn’t something happening. Plus, when bands tour the US they usually don’t skip New York, so there’s always the opportunity to see bands from all over the country and world.
What’s the best Brooklyn act you’ve listened to lately?
I love Cults a lot, they’re cool. Kurt’s new band, The Ice Choir is really fantastic as well. My Teenage Stride, The Secret History and Hooray For Earth are really good and pretty underrated (at least in my view). Crystal Stilts and Vivian Girls are great, as are Twin Shadow, Violens, Beach Fossils and Twin Sister. There’s so much great stuff here, I feel pretty lucky just to see these bands play so often.
You’ve played all over the world and in many festivals also. What’s the best thing you’re learning?
There’s no quick path to success, or at least for us it’s a slow thing. I don’t know if it even ends in a good way, but you just have to stay true to the things you care about and make music you believe in. I know that sounds like a cliche, but to me there’s no other way.
I’ve seen you guys 4 times already, and I always manage to bring new people with me as they never get disappointed whenever they discover your music. Do you believe in the word-of-mouth or is the internet these days the best way to get attention?
Well, the best way to get attention is to do something worthy of attention. All the marketing in the world can’t make someone like something that isn’t good. I find out about bands a lot from my friends recommendations, so I think that’s a good way. But there’s also so much you can learn about music through the internet, and I’ve certainly found out a lot about new or old bands from mp3 blogs or a site like Allmusic.
I know you’ve visited Spain many times, Did you get to listen any Spanish music by any chance?
Tachenko! We love Sergio so much, he’s the coolest. We’ve also played with Odio Paris and Los Dolores last time we were in Spain. We were also fans of the band Aias and Le Mans, though I don’t think either of those are still around.
Which band or artist or would you like to share stage with?
T-Rex, The Pastels, Huggy Bear and Felt.
Any projects for next year? Is there any particular goal in your mind?
I just want to make a record. Hopefully we will.
Last question… Are you happy?
Yes.
The Pains Of Being Pure At Heart – Belong (2011, PIAS/Fortuna Pop!)
Comparte esto:
1 comentario
Publicado en indie, pop, Uncategorized
Etiquetado kip berman interview, the pains interview 2012, the pains of being pure at heart 2013, the pains of being pure at heart comments, the pains of being pure at heart interview