A classic band from the Baltimore music scene. They’ve been around for more than 10 years, releasing four albums in very different situations. There was a time when they had their ups and downs with 4AD,but that’s a thing of the past. Celebration is composed of singer Katrina Ford and her husband and multi-instrumentalist, Sean Antanaitis, along with drummer David Bergander, Tony Drummond and Walker Teret.
His career hasn’t been a bed of roses. After leaving 4AD they released an album themselves, “Hello Paradise” in 2010, and now they’re back with “Albumin”, released in Bella Union. Their style is quite unique, and has been described as cabaret-punk-rock. Joining Future Islands in the European tour, we got the chance to talk to them before their show in Madrid. Sigue leyendo →
Llevan más de 10 años en el negocio, pero su nombre se hace querer. Desde Baltimore, Celebration han lanzado ya cuatro discos y han tenido sus idas y venidas con una de las discográficas independientes de más renombre como es 4AD. La banda está formada por Katrina Ford, su marido y multi-instrumentista Sean Antanaitis, y el batería David Bergander. A ellos les acompañan Tony Drummond y Walker Teret.
The list of artists is pretty impressive. Dum Dum Girls, DIIV, Mac DeMarco, Beach Fossils, Wild Nothing, Holograms, Minks, or PerfectPussy among others have something in common. They were all discovered and raised by Captured Tracks, the same independent label that has just signed Mourn, one of Barcelona’s newest young talents. Founded in 2008 by Mike Sniper, they shared offices with Mexican Summer and Academy Records before settling in Brooklyn and making themselves a name being a world reference for emerging bands.
It is a pleasure to inaugurate a new section in Rockast of the less known side of the music industry, with its owner Mike Sniper. With nearly 200 releases since 2008, they have very clear ideas, and their expansion has become a reality this year with the creation of Omnian Music Group, which includes companies like Body Double, Fantasy Memory, New Zealand’s Flying Nun, Seattle’s Couple Skate, or NY’s Thing Squirrel.
Mike knows what he’s talking about, and he gives his opinion in an interesting conversation about the industry problems, the big labels, internet or the future plans for the Captured Tracks family.
Mike, what would you think it must be the philosophy of a record label?
I always liked Daniel Miller‘s quote about Mute, that it’s firstly about finding artists you and your staff are passionate about and then working together to get it as far as you can. In 2014, I still agree with that, but I think there needs to be more of a commitment these days. Anyone can start a «label» with a bandcamp and do 100 releases a year. There needs to be a focal aspect to A&R and seeing projects through to their completion.
Is the fact of taking risks a main point for a record label? In the sense of signing artists that are yet to be discovered like you do?
Absolutely. And that refers back to the above question, really. You need to be willing to commit 100% to the project. Even our smaller first record bands is a very large financial and time consumer for us, so you need to think long term. You know, a marathon, not a 100m dash.
«Internet is probably making a very jaded audience»
What it is necessary in this decade or in these days in order to make a record label work? Why do the big labels complain so much?
Big labels don’t understand the market. They’re entertainment conglomerates more than labels and they’re using the same marketing ploys that worked 10 years ago today and it’s not working. To add to that, their new ideas are bad. They’re not A&R companies. There’s no David Geffen finding Joni Mitchell or Ahmet Ertegun and Jac Holtzman with The Doors… those kinds of people aren’t in the major labels in the A&R perspective.
Is the internet culture of “Now and Here” making it difficult to release reissues like you’re doing? Or do you think that’s a different part of the market for another type of consumer?
Completely different market. Reissues are a physical market, 100%.
«Big labels have given up on selling music. They’re all about branding a character or persona»
What’s your opinion about the internet and the massive information we have each day? Is it positive or the music and their professionals? Who is the most affected?
It’s a lot of noise to sift through. You need to curate. If you add to that noise you’re just over saturating. I think it’s positive for musicians in that the indie audience is around to hear you and it’s not like the 90’s where you need a huge college radio and print campaign to even get your music into stores. From the listener standpoint it’s great. For quality of music, it’s pretty bad. For the same reason. You don’t need to financially commit to creating an LP so you can release willy-nilly with no rhyme or reason. It’s a lot to sift through without a buyer’s commitment to give a release a real chance. If you spend $10-$15 on a record, you’re going to listen to it a few times at least before trading it. But now, people can just sift through the miasma for free, so if you don’t like something the first time, you’ll likely not return to it. About half of my favorite artists I didn’t like at first, but I paid my money to hear it so I kept listening.
Is the internet dehumanising the way we consume music or are we getting scared or too negative as it’s a market which is relatively new?
I don’t think it’s dehumanizing. I think it’s abject to natural taste forming. For example, I used to hit the $1.00 bin cassette cutout bin at my neighborhood record store all the time. That’s how I heard my first Wire, Gang of Four, The Wipers, all that great stuff. I heard of these bands but never HEARD them. The excitement of finding it and putting it in my car stereo on the way home was a real experience. The fact that everything is at the touch of a button and a whole catalog of an artist can be consumed in a day and then it’s «move on» to the next thing is probably making a very jaded audience. Those were revelations to me and now it’s very ho-hum.
Should we change the typical question about “Digital or Analog”, as it seems more obvious that today is a matter of balance?
I don’t think the means of listening matters, it’s just personal preference. I think the real difference is the passive music experience vs. the whole idea of choosing an LP, CD or tape, maybe having a drink and sitting down and listening to it. I think most music is now consumed in a collapsed YouTube video or randomized Spotify.
According to Billboard, there are no platinum albums from 2014 yet. Is it just statistics or should we think about what this means?
It’s just streaming. Artists who would be platinum are on labels who have given up on actually selling music, they’re all about branding a character or persona. You buy into the image and lifestyle of Nikki Minaj. You stream it, you read about whatever she’s doing in the dailies. I don’t think there’s a clamoring of people waiting to get an LP.
«Indie culture is like Normcore fashion translated into music»
There’s a lot of talk now in Spain about the indie concept, the hipster culture and why it is cool or uncool. Do you think when we talk about “indie” and “mainstream”, they’re words that are becoming outdated as sometimes it get more difficult to make a difference about them?
There’s a conscious effort on «indie» bands to become mainstream these days. More overt than in the 80’s or 90’s where you had crossover bands likeR.E.M. or Nirvana or Smashing Pumpkins. There’s no idea of toppling what mainstream music is like there was at the time of those acts. «Indie» culture embraces mainstream music in a detrimental way to me. If you read about most top-tier indie artists they are jumping over the moon to collaborate and be accepted by Beyonce, Rihanna, etc. It’s like Normcore fashion translated into music. Indie music is like a «lesser» mainstream if that’s the case, which is stupid. It should be what it’s always been, a smaller niche catering to other tastes, and within that you’ll have breakthrough artists and new ideas.
I actually want indie artists to be contrived and even pretentious. Those words are considered evil but I think it would be refreshing for someone to cultivate an idea from a lot of laborious thought (Contrived) while trying to be something more than they are (Pretentious).
C/T bands sounds very fresh and very different, but is there a style that you’re sure you wouldn’t release?
No! I listen to a ton of jazz, metal, samba, hip hop… I’d never release anything we couldn’t service really well but I would sign any band I really liked.
Here in Spain we have some bands that are doing good lately, like Deers, Mourn, El Último Vecino or even Ataque de Caspa, is there something from down here you’d like for C/T?
Watch Pitchfork tomorrow in response to newer bands, you’ll be pleasantly surprised? I love Ataque Du Caspa, but they’re an 80’s band, no?
You have released some of the most interesting bands in the last few years, but do you have a favourite or the best is always yet to come?
I can’t really pick roster favorites.
Would it change something for C/T if a massive anthem came out of one of your bands? (I personally think you’ve got at least some bands that are there, and think about Diiv, Beach Fossils, Wild Nothing…)
Yeah, we do have our «anthems.» I think «How Long Have You Known» by DIIV, «Daydream» by Beach Fossils, «Ode to Viceroy» by Mac DeMarco, «Summer Holiday» by Wild Nothing are anthems in their own worlds. I don’t know if there are really anthems in indie these days?
What’s the best and worst part of managing C/T?
The answer to both: working with artists. No one is always happy!
What are your expectations of Omnian at this point?
We just want to work with more people and expand the types of music we service while growing at a rate that no project feels left behind. We want to be a holistic company that isn’t a hinderance to growth but isn’t lacking what an artist needs to grow to the next step.
Any short/long term plans that you have in mind at this point?
We’re starting a whole slough of projects for 2015. It’s going to be a massive year for us. I’m preparing myself for the insanity…
La lista de artistas es envidiable. Dum Dum Girls, DIIV, Mac DeMarco, Beach Fossils, Wild Nothing, Holograms, Minks, Perfect Pussy o Axxa/Abraxasentre otros tienen algo en común. Todos fueron descubiertos y aupados por Captured Tracks, la misma discográfica independiente que acaba de fichar a las jovencísimos Mourn de Barcelona. Fundada en 2008 por Mike Sniper, empezaron compartiendo oficina con Academy Records o MexicanSummer, para terminar asentándose en Brooklyn y ser una referencia mundial en el lanzamiento de jóvenes promesas.
Es un placer inaugurar una nueva sección dedicada al lado musical de la industria que menos se ve, con su dueño y fundador Mike Sniper. Con casi 200 lanzamientos desde su inauguración, tienen las ideas muy claras, y la expansión de Captured Tracks se ha hecho visible este año con la creación de Omnian Music Group, que engloba a compañías como Body Double, Fantasy Memory, la neozelandesa Flying Nun, Couple Skate de Seattle o Squirrel Thing de NY.
Mike habla con conocimiento de causa, y se moja en los problemas de la industria, las carencias de las grandes compañías, internet o los proyectos de la gran familia de Captured Tracks.
Mike, ¿Cuál crees que es debe ser la filosofía de una discográfica?
Siempre me ha gustado la frase de Daniel Miller sobre Mute, que dice que primeramente tiene que consistir en encontrar artistas que a ti y a tu staff les apasione, y luego trabajar todos juntos para llegar tan lejos como puedas. En 2014, todavía estoy de acuerdo con eso, pero creo que tiene que haber más compromiso en estos tiempos. Cualquiera puede empezar una discográfica con un Bandcamp y sacar 100 lanzamientos al año. Es necesario que se focalice en el A&R (Artist & Repertoire) y seguir los proyectos hasta su terminación.
El hecho de tomar riesgos, ¿Resulta primordial para la discográfica? En el sentido de firmar artistas que no han sido descubiertos aún, como es vuestro caso.
Absolutamente. Y eso vuelve a la cuestión anterior. Necesitas estar dispuesto a comprometerte al 100% en el proyecto. Incluso los primeros discos de nuestras bandas más pequeñas suponen una financiación y una dedicación de tiempo muy grandes, así que necesitas pensar a largo plazo. ¿Sabes? Esto es una maratón, no los 100 metros lisos.
«Internet está creando un público muy hastiado»
¿Qué es necesario en esta década, en los tiempos actuales, para hacer que una compañía funcione? ¿Por qué se quejan tanto las grandes compañías?
Las grandes compañías no entienden el mercado. Son conglomerados de entretenimiento, más que discográficas. Están utilizando las mismas tácticas de marketing que hace diez años y no funciona. Y algo más que añadir, sus nuevas ideas son malas. No son compañías con A&R. No existe un David Geffen que encuentre a Joni Mitchell o Ahmet Ertegun y Jac Holtzman con los Doors. Este clase de personas ya no se encuentran en las grandes discográficas desde una perspectiva del A&R.
La cultura del “aquí y ahora” de internet ¿Dificulta de alguna manera los re-lanzamientos que también hacéis? ¿O es un sector diferente? Es un mercado completamente diferente. Los re-lanzamientos son un mercado físico 100%.
Captured Tracks team
«Las compañías ahora quieren hacer marcas de las personas»
¿Qué opinión tienes de internet y el tópico de la sobre-información a la que estamos expuestos? ¿Es positivo para la música y los profesionales? ¿Quién es el más afectado?
Hay mucho ruido para poder hacer una criba. Necesitas seleccionar. Si te unes al ruido terminas sobre-saturado. Creo que es positivo para los músicos que el público indie este ahí para escucharte, y que no sea como en los 90, cuando necesitabas una radio universitaria al completo y una campaña impresa para poder llevar tu música a las tiendas. Desde el punto de vista del oyente es genial. Para la calidad de la música, es muy malo. Por la misma razón. No tienes que comprometerte económicamente para crear un LP, así que puedes lanzarlo de cualquier manera, sin ton ni son. Hay mucho que filtrar y no puedes contar con que el oyente se comprometa a dar una verdadera oportunidad al disco. Si te gastas 10-15$ en un disco, lo vas a escuchar al menos unas cuantas veces antes de ponerlo a un lado. Pero ahora, la gente puede hacer una criba del miasma gratis, de manera que si algo no te gusta la primera vez, seguramente no vayas a volver a escucharlo. Como la mitad de mis artistas favoritos, no me gustaron al principio, pero pagué dinero para escucharlos, así que sigues escuchándolos.
¿Internet está deshumanizando la manera de consumir música, o tenemos miedo, o somos muy negativos al ser un mercado relativamente nuevo?
No creo que lo esté deshumanizando. Es algo que desgraciadamente sucede de forma natural. Por ejemplo, yo solía ir siempre al cesto de los cassettes a 1 dólar en la tienda de discos de mi barrio. Así es como escuché por primera vez a Wire, Gang Of Four,The Wipers y muchas cosas geniales. Había oído de estas bandas pero nunca los había escuchado realmente. La emoción de encontrarlo y ponerlo en el coche mientras vuelves a casa era una experiencia real. El hecho de que todo esté al alcance de un botón, y que todo el catálogo de un artista pueda ser consumido en un día y luego sea solo cuestión de pasarnos a lo que haya después, probablemente esté creando un público muy hastiado. Aquello fueron revelaciones para mi, y ahora es todo muy “psche…”
¿Deberíamos cambiar la típica pregunta de “Analógico o Digital”, ahora que parece más obvio que hoy en día es una cuestión de balances?
No creo que los medios de escucha importen, creo que es solamente una cuestión de preferencia personal. Creo que la diferencia real está en la experiencia de la música pasiva contra toda la idea de elegir un LP, CD o cassette, quizás tomarte algo para beber, sentarte tranquilamente y escucharlo. Pienso que la mayoría de la música ahora se consume en un vídeo colapsado de YouTube o en el modo aleatorio de Spotify.
Según Billboard, aún no hay discos de platino en los casi once meses que llevamos de 2014. ¿Pura estadística o deberíamos pensar en lo que significa?
Es solo streaming. Los artistas que deberían ser platino están en compañías que se han dado por vencidos a la hora de vender música. Ahora quieren hacer de una persona una marca. Compras la imagen y el estilo de vida de Nikki Minaj. Lo escuchas por streaming, y lees en los diarios sobre lo que quiera que esté haciendo. No creo que haya un clamor de gente esperando para conseguir un disco.
«El indie actual es como la moda Normcore traducida a música»
Se habla mucho ahora en España sobre el concepto indie, la cultura hipster y porqué es lo más o deja de serlo. ¿Crees que cuando hablamos de conceptos como “indie” y “mainstream”, son palabras que se están quedando obsoletas, al ver que cada vez es más difícil diferenciarlas?
Hay un esfuerzo consciente en bandas “indie” por llegar a ser mainstream ahora mismo. Mucho más que en los 80 o 90, donde tenías bandas que mezclaban estilos como R.E.M., Nirvana o Smashing Pumpkins. No hay una idea de derrocar la música mainstream, como sucedía en la época de estas bandas. Para mi la cultura “indie” abraza la música mainstream de una manera dañina. Si lees sobre los artistas indies más destacados, se desviven por colaborar y ser aceptados por Beyonce, Rihanna, etc… Es como la moda Normcore traducida en música. La música “indie” es como mainstream con menos trascendencia si es el caso, lo que es estúpido. Debería ser lo que siempre ha sido, un pequeño nicho que cubra todos los gustos, y con eso tendrás artistas rompedores y nuevas ideas. Yo de hecho quiero artistas indies que sean ingeniosos e incluso pretenciosos. Esas palabra se consideran nocivas pero pienso que sería algo innovador para alguien el cultivar una idea desde muchos pensamientos laboriosos (ingenio) mientras intentan ser algo más de lo que son (pretencioso).
Las bandas de C/T suenan muy frescas y diferentes, pero ¿Hay algún estilo del que estés seguro que no lanzarías nada? No! Escucho toneladas de jazz, metal, samba, hip/hop… Nunca lanzaría nada que no pudiéramos apoyarlo realmente bien, pero firmaría cualquier banda que de verdad me gustase.
Aquí en España hay algunas bandas que están haciendo mucha música interesante últimamente, como Deers, Mourn o El Último Vecino. ¿Hay algo que te gustaría para Captured?
Estate atento a Pitchfork mañana en respuesta a nuevas bandas, creo que vas a estar agradablemente sorprendido. (NOTA: A las pocas horas nos confirman la contratación de Mourn)
Habéis lanzado algunas de las bandas más interesantes en estos últimos años. ¿Tienes alguna favorita o lo mejor siempre está por llegar?
La verdad es que no puedo hacer un listado de los favoritos.
¿Cambiaría algo para Captured si surgiera un himno masivo desde alguna de vuestras bandas? Personalmente pienso que hay bandas que están ya ahí, como DIIV, Beach Fossils o Wild Nothing.
Sí, nosotros tenemos nuestros “himnos”. Pienso que “How Long Have You Known” de DIIV, “Daydream” de Beach Fossils, “Ode To Victory” de Mac Demarco o “Summer Holiday” de Wild Nothing son himnos en sus propios mundos. No sé si existen himnos realmente en el indie en estos tiempos.
¿La mejor y peor parte de trabajar para C/T?
La respuesta para ambas: trabajar con artistas. Nunca nadie está siempre feliz.
¿Cuales son tus expectativas con Omnian en este momento?
Queremos trabajar con más gente y expandir los tipos de música que ofrecemos mientras crecemos a un nivel en el que ningún proyecto se quede atrás. Queremos ser una compañía holística que no sea un impedimento para crecer, que no carezca de lo que un artista necesita para crecer y alcanzar el siguiente nivel.
¿Planes a corto/largo plazo que tengas en mente en estos momentos?
Estamos empezando a meternos de lleno en un montón de proyectos para 2015. Va a ser un año enorme para nosotros. Me estoy preparando para la demencia… David Bernardo @rockasting
Su nombre ha dado ya muchas vueltas por las salas españolas. Este talentoso manchego emigrado años atrás a Gran Bretaña y de vuelta ya en España, se ha ganado el cariño de los fans y el respeto de la crítica de un plumazo. «Don’t Give Up», es el LP debut de Jacobo Serra, un disco donde lleva la canción de autor a su mejor versión. Muestra un repertorio rico en texturas saliéndose de la clásica línea de cantautor con guitarra acústica en mano. Su música guiña el ojo al folk más cálido, con reminiscencias a RufusWainwright o a los mismos Beatles.
Hablamos con él para descubrir un poco más acerca de su nuevo álbum y cómo lleva la vuelta a España en un momento en que la situación aboga por lo contrario.
Qué tal estás Jacobo? Presentas tu primer álbum después del EP “The Word I Never Say” el pasado año ¿Cuáles son tus sensaciones?
Muy bien, gracias. The Word I Never Say me dejó con muchas de grabar un largo y al fin lo he podido hacer. La verdad es que me siento muy ilusionado por tocar este disco y por visitar muchos sitios para presentarlo.
El álbum es auto-producido pero grabas con los mismos músicos de Jero Romero si no estoy mal informado. ¿Cómo ha sido la experiencia?
Colaboré en la grabación del álbum con Nacho García y Alfonso Ferrer, dos de los miembros de la banda que acompaña a Jero Romeroy con los que, a parte de grabar, también estoy presentando el disco. Nacho se encargó de grabar la percusión y la batería mientras que Alfonso se ocupó de los bajos. Además hice la mezcla del álbum con Alfonso. En Don’t Give Up han colaborado también muchos otros amigos músicos, aunque de manera más puntual. La experiencia ha sido genial, son todos unos músicos estupendos y grandísimas personas. Quizás lo más duro fue asumir la producción del álbum y la manera en que decidí hacerlo, pues a parte de las bases, el resto lo fui grabando yo solo con mi estudio casero entre Valentia Island, Londres y Madrid. Supongo que a veces me resultó extenuante y que fueron numerosas las veces en las que pensé que no volvería a hacerlo de aquella manera… sin embargo, he de reconocer que, una vez acabado el disco, comencé a pensar en el siguiente…
Empiezas cantando “Don’t Give Up” casi en la primera frase del disco, ¿Una auto-declaración de intenciones viendo las buenas críticas recibidas?
Supongo que es intencionado, en realidad quería que todo el disco girara en torno a esta canción. Es un mensaje optimista y el tema surgió con motivo de una especie de carta que me escribí a mi mismo animándome a no rendirme.
¿Buscas alguna reacción en particular en el oyente?
En realidad no sé qué reacción busco o si busco una reacción concreta. Me quedo con el silencio del oyente que escucha atento y quizás lo que me gustaría es transportar al espectador a estados de ánimo implícitos en mi música y que no sé exteriorizar de otra manera.
¿Cómo se ve la universalidad de la música habiendo viajado tanto y tocado en pequeños recintos? Especialmente en Reino Unido, ¿Qué es lo que uno aprende allí en un país tan culturalmente rico en música?
Aprendí muchísimo de mi etapa en el Reino Unido. Cambió mi manera de ver la música y creo que fue allí donde realmente comencé a definirme como artista.
¿Imagino que te influye o te inspira ideas de alguna manera el hecho de vivir y escuchar lo que se hace allí?
Supongo que si. La mayoría de las canciones que componen Don’t Give Up están escritas allí y de alguna manera son expresiones de aquellas vivencias.
¿Se te hace extraño la vuelta a España después de tanto tiempo viviendo fuera?
Me encanta volver, me gusta mucho la sensación que uno tiene al regresar a una ciudad después de mucho tiempo. Quizás lo más extraño o tal vez interesante es ver cómo las modas cambian tan rápidamente hoy en día. Creo que eso se aprecia mucho cuando uno va y viene.
El disco tiene una mezcla muy rica de instrumentació ¿Te has querido demarcar un poco del binomio clásico cantautor-guitarra acústica para añadir más texturas a los temas?
Quizás esto obedezca a la necesidad, reconozco que a veces exacerbada, que tengo por tratar de incluir los distintos matices sonoros que quiero expresar en cada canción. Me encanta que los temas tengan pasajes de mucha riqueza instrumental y también que haya cierto contraste sonoro aunque por otro lado también aprecie mucho la presencia del silencio. Las canciones también han de funcionar desnudas, algún día me encantaría hacer un disco con guitarra y voz pero no sé si lo conseguiré.
Hay una carga de melancolía presente a lo largo del disco. ¿Es más sencillo o inspirador hacer canciones que tiendan más la melancolía que temas abiertamente alegres o festivos?
No sabría decir si es más sencillo. Es cierto que la melancolía me resulta más atractiva e inspiradora. Y que la tristeza es tal vez un elemento muy presente en algunos pasajes de este álbum, pero la mía es aquella tristeza de la más profunda felicidad de la que habló Nietzsche.
Se te compara con autores modernos como Ron Sexmith o Rufus Wainwright. pero realmente ¿creciste escuchando otro tipo de música? ¿Cómo llevas que te comparen con autores tan influyentes?
Que me comparen con autores así es para mi un gran halago y un honor. Crecí escuchando mucha música clásica y mucha ópera. También canté polifonía clásica durante unos años… Pero supongo que los Beatles lo cambiaron todo. Descubrí a RonSexsmith porque una amiga me dijo que le recordaba un poco a él en su manera de cantar. A veces descubro a autores modernos porque me comparan con ellos, para mi es como digo un honor.
«El público español está más preparado que nunca para consumir música de cualquier tipo»
¿Cómo llega uno a acabar tocando sus propios temas para Ron Sexsmith en casa de Ramón Arroyo como hemos llegado a leer?
Fue suerte, lo que ocurrió es que tras su concierto nos fuimos a tomar algo por Madrid con él y su banda y al final acabamos tocando en casa de Ramón… Me pidieron que cantara algo, así que acabé tocando The Word I Never Saycon Ron Sexsmith.
¿Es más difícil llegar al público español cantando en inglés? ¿O crees que por el contrario puede ser un factor positivo viendo la buena acogida que han tenido por lo general cantautores anglosajones en nuestro país?
Yo creo que el público español está más preparado que nunca para consumir música de cualquier tipo y en cualquier formato o idioma. Mi mayor reto es llegar al público.
Conseguiste que sonara alguno de tus temas en “Frágiles” de Telecinco. ¿Te ves componiendo música para cine / tv?
Creo que si tienes la necesidad de escribir música y además disfrutas haciéndolo, la composición para cine o tv puede ser algo muy divertido. He escrito música para tres documentales independientes y la verdad es que me gustaría seguir haciéndolo.
¿Cuáles son tus planes a corto y largo plazo en estos meses venideros y en 2015?
Tocar mucho. Ahora estoy centrado enteramente en Don’t Give Up y me gustaría seguir presentándolo por todas partes.
Alguien debió decir alguna vez aquello de baila como si nadie te estuviese mirando. Y seguramente Samuel T. Herring se lo tomó al pie de la letra, personalizando su estilo de manera electrizante. Future Islands se han convertido en una de las sensaciones del 2014 gracias a un claro contendiente a disco del año. Pero si hay algo que les ha catapultado a la altura del excepcional disco, son sus directos. Y en especial la figura de su cantante, que eclipsa inevitablemente al resto de la banda. Un showman con todas las letras. De los que no abundan. El repertorio de movimientos que muestra Herring en el escenario es salvaje e irracional. Y la teatralidad de su puesta en escena resulta tan real que abruma.
Calma antes de la tormenta. Samuel se distrae horas antes del concierto.
El concierto, con todo vendido desde hace semanas, repasa la mayor parte de “Singles”, lanzando “Back In The Tall Grass”, “A Dream Of You And Me” y “Sun In The Morning” a las primeras de cambio. El shynthpop de los de Baltimore funciona en directo casi mejor que en el álbum. La energía de la banda se canaliza en Herring y sus desafíos a la gravedad, que solo ven un momento de calma durante “The Great Fire” y “A Song For Our Grandfathers”. La interacción con el público es radical. Se asegura de transmitir su mensaje mirando a los ojos a las primeras filas, dándoles la mano y cantando a la cara mientras se desgañita mostrando su faceta más emocional. Sirva de ayuda la mezcla explosiva que consigue transformando su voz de crooner clásico con el sonido gutural de cantante de death metal en cuestión de segundos.
Los momentos más populares llegan de la mano de los clásicos viejos y nuevos. “Balance” y “Seasons” son dos de los temas más celebrados, pero sería en “Tin Man”, “Long Flight” y “Vireo’s Eye” cuando vemos al Herring más poseído, lanzándose en plancha por el escenario provocando incluso que la sangre llegue a sus brazos. Las tablas y el equilibrio que aportan sus compañeros aguantan la marea, resultando en un directo muy completo y contundente, que deja a más de uno en fuera de juego.
Una banda con un directo de excepción, que pretende dar saltos definitivos a las esferas más altas de la industria musical.
No es una sorpresa que la banda de Faris Badwan siempre haya sentido curiosidad por explorar nuevas ideas en sus discos. Por eso la ruleta de estilos e influencias a la que nos han acostumbrado en cada nuevo álbum no podía faltar en esta ocasión. En el cuarto álbum de la banda, llamado Luminous (XL Recordings, 2014), los sintetizadores y ganchos habituales siguen aún presentes, pero es en el giro a la electrónica donde la banda ha encontrado el nicho a explotar, particularmente visible en temas como “First Day Of Spring” o “In And Out Of Sight”.
El sonido de la banda se expande, dando también lugar a intensas partes instrumentales, como en el tema que abre el disco, “Chasing Shadows”, o el contagioso “I See You”. Sigue habiendo muestras de psicodelia, shoegaze, y música pop, aunque el disco a la larga se hace más difuso, y puede engañar el hecho de no contener un gran éxito que sobresalga, como ocurría en “Skying” o “Primary Colours”.
“Luminous” es un buen disco que bien puede ser el punto de inflexión que marque la carrera de los británicos, postulados como una de las bandas más interesantes del Reino Unido.
Glass Animals son una de las comidillas de este año en lo que nuevas bandas se refiere. Hubo jaleo antes de que sacaran su debut, y lo hay después. La banda de Dave Bayley propone seguir las huellas que dejan bandas como Wild Beasts en Reino Unido y tiran con “Zaba”(Wolf Tone, 2014) por el camino de en medio. Su sonido cálido parece poner a prueba los gustos británicos, y utilizan bases de trip-hop, con texturas electrónicas suaves y rápidamente adictivas. Un nuevo easy-listening para los nuevos tiempos, quizás. La voz de Bayley nunca se levanta en demasía y logra una sensualidad inusual, convirtiéndolo quiera o no, en un álbum ideal para bajar las luces.
Se inspira en el RnB y en formas sinuosas que ya hemos observado en Alt-J o Jungle sin ir más lejos. Apoyándose constantemente en la voz de Bayley y con influencias africanas en las percusiones, trazos de música ambiental y psicodelia plana.
Los primeros singles en darse a conocer, “Pools” y “Gooey”, fueron causa de una cálida acogida por parte de los medios. Pero el disco esconde detalles, voces y pequeños sonidos que se descubren con cada escucha, dejando al descubierto un álbum elegante con una producción muy lograda. Lo publican en Wolf Tone, del productor Paul Epworth, manija de los éxitos de Florence And The Machine o Adele. Entonces, ¿me están vendiendo indie o mainstream? En fin.
«Zaba» es uno de los discos destacados del año, y Glass Animals estarán presentándolo en directo la próxima semana en España de mano de Cooncert, los días 22 y 23 en La [2] de Apolo en Barcelona, y la sala Charada de Madrid respectivamente. Una buena oportunidad de ver uno de los hypes del año en su punto de ebullición.
De Lydia Loveless. Luego les diremos porqué. Esta americana tenía una historia con el country perfecta. Creció en una granja en Ohio, donde tocaba en sus ratos libres en una banda, en la que estaba acompañada por su padre y sus hermanas. Llega a grabar su primer álbum a las 17 años, donde tira de country clásico y recibe una buena acogida. Pero en el tercer álbum es donde decide cambiar el banjo por la guitarra acústica.
Es posible que sea en este «Somewhere Else», en el que el efímero nivel de fama de la americana se iguale con la alta consideración que le guarda la crítica. Aunque complicado cuando prácticamente no cuenta con promoción alguna.
En esta ocasión se inclina definitivamente al folk-rock de cantautor, con un emotivo disco que ha pulido los fuertes elementos country-rock de sus dos primeros trabajos, si bien algo se podía intuir en el maravilloso EP “Boy Crazy» del año pasado. Las comparaciones e influencias de Neko Case, Lucinda Williams o Patti Smith están ahí, pero con solo 24 años, Lydia Loveless consigue minimizarlas para impregnar su presencia y carisma a lo largo de todo el disco. El timbre de su voz hace que suene convincente tanto en los temas más dramáticos como en los más seguros.
Tiene talento y se ve cómoda en medios tiempos redondos como “Chris Isaac” (+1, en el anterior álbum tenía un tema llamado y dedicado a «Steve Earl») o “Wine Lips”, donde termina literalmente lanzando besos, pero también en las unas enérgicas “To Love Somebody” o “Really Wanna See You Again» que ganan con banda completa
“Somewhere Else” es una inyección de buenrollo que puede acercar el género a nuevas generaciones de oyentes ávidos por escuchar música nueva interesante. Es un disco contundente, que suena sincero, y que devuelve la fe en el mejor folk rock americano de raíces.
Las alarmas no han tardado en saltar. Tras un reporte de la agencia Populous, que cuenta entre sus clientes con la Fifa, la SuperBowl o el Comité Olímpico Internacional, todos el entorno que rodea el legendario festival hace un análisis de los problemas más llamativos del festival.
El reporte viene a raíz del horrible siniestro del pasado año, cuando un individuo atropelló mortalmente a dos personas y dejó 24 heridos. La organización del festival, que siempre se ha tomado muy en serio el feedback que recibe de artistas, asistentes y lugareños, ha decidido replantearse su modus operandi antes de que sea demasiado tarde. Para ello, ha encargado a una prestigiosa agencia que contemple todas las variables presentes y futuras para la viabilidad del macro evento más importante de Austin.
Esto es lo que sugiere Populous y que está empezando a levantar ampollas:
“Si SXSW no puede mantener el éxito y el crecimiento en el futuro, como cualquier negocio, eventualmente tendrán que tomar decisiones acerca de si pueden o no seguir existiendo en su formato y ubicación actual. Es muy posible que SXSW no tenga otra opción que trasladar los conceptos de oferta su evento a otras ciudades para sostener su modelo de negocio. Esto sería un asunto muy serio para todas las partes teniendo en cuenta el significativo impacto financiero significativo y el retorno que SXSW ofrece a la comunidad, así como la contribución a la marca y el Valor de la Ciudad (PR)”
Aunque los mismos fundadores, de la voz de Roland Swenson han afirmado que no contemplan el traslado de SXSW fuera de Austin, la reflexión en torno al tema cobra mucho sentido.
El plan de seguridad incluye cacheos en las entradas de 6th Street, y otorgar a la organización un mayor control sobre las zonas comunes de la ciudad y los actos no oficiales. También contempla la creación de una denominada “Zona Limpia” que si bien no se ha especificado en que consistiría con exactitud, sería parecido a lo que acontece en eventos como la Super Bowl, quedando bloqueados todos los actos ajenos a la organización de SXSW en un amplio radio de acción. En términos cuantitativos, imaginen la desaparición de los míticos eventos de Hype Hotel, Fader o la práctica totalidad de los eventos de Rainey Street.
El informe, objetivo aparentemente, apuesta por mantener la “equidad de los esponsors”, viendo injusto que algunas marcas paguen cantidades astronómicas por patrocinar grandes eventos, veáse Doritos con Lady Gaga, por ejemplo, mientras otras puedan obtener buenos ingresos patrocinando pequeños eventos en establecimientos de menor capacidad, véase Spotify House, o Dr Martens en el Bar 96 de la mencionada Rainey Street.
La pelota está en el tejado de la propia organización. Empeñada históricamente en hacer un festival lo más organizado posible, escuchando a todas las partes y haciendo crítica constructiva de cada edición, ha llegado el momento en que deben decidir si restringen los eventos no oficiales, con el beneplácito de los mandatarios de la ciudad, o si consideran alejarse a una zona cerrada y acotada al estilo clásico de cualquier festival. En el primer caso, dar portazo a los actos no oficiales supondría mermar drásticamente el espíritu de SXSW. Pero en el segundo caso también, ya que SXSW es la calle, sus gentes, el bullicio y el hecho de que cada rincón de la ciudad tenga una banda tocando a cualquier hora del día y de la noche.
El corporativismo que mece la cuna de SXSW parece estar moviendo sus hilos para no encontrarse con competencia desleal. Por el momento las advertencias y sugerencias vienen en forma de distinguidos reportes, pero ya se ha abierto el debate en Texas y los cambios pueden tener consecuencias ya en la próxima edición.
SXSW se pregunta qué quiere ser viendo en que se ha convertido. Difícil lograr un consenso que deje satisfecho a todas las partes.
La historia dará que hablar.
R O C K A S T / / 