Cada año se hace más difícil concretar cuales han sido nuestros discos favoritos. Se hace cada vez más y más música a pesar de las innumerables crisis del sector. Y el talento cada año parece crecer en pos de la creatividad y la búsqueda de ese elemento diferenciador que haga al artista sobresalir del resto.
Se nos quedan fuera montones de grandes artistas, muchos de ellos emergentes, que pueden disfrutar en la lista de singles y en las entradas que vamos publicando con más o menos frecuencia.
Estos han sido los 40 discos favoritos de ROCKAST de 2014. Y aquí la lista completa vía Spotify.
20 horas de música y más de 300 canciones con los mejores artistas emergentes de 2014, junto a la mejor nueva música que se está haciendo en la actualidad.
Todo al alcance de un click. Que no se lo cuenten.
Teatro del Arte, Madrid Son Estrella Galicia 13/10/2014
Si es cierto aquello de que la primera impresión es la que cuenta, sin duda la que nos ha dejado esta noche el músico de Portland ha sido ciertamente inmejorable. Peter Broderick es un multi-instrumentista curtido en muchas batallas, que por primera vez se presenta en directo con banda completa en nuestro país. Podría ser un decir cuando él mismo es una banda andante, imitando incluso la trompeta con la boca en alguna ocasión. Pero viene bien acompañado con tres músicos con los que ha grabado su último disco, el EP “(Colours Of The Night) Satellite” (Bella Union, 2014). Especial mención para su percusionista, el cual lleva una colección de artilugios considerable, que le sirve para llevar firme el timón en muchos de los temas. La banda le aporta peso en muchas canciones, especialmente aquellas que empiezan en clave de folk y terminan en jam session de distintos estilos. Un acierto que esperemos sea un proyecto a largo plazo.
La sueca-japonesa Sumie ha sido la encargada de telonear a Broderick, interpretando sus delicados temas, que se bastan con su guitarra acústica y su voz como instrumento adicional. Broderick, que interpreta los dos últimos temas de Sumie, aparece como por arte de magia en el escenario para cantar a capella«Sideline«, mientras anima a los últimos rezagados a tomar sus asientos, antes de sentarse él mismo a finalizar el tema en un piano situado en una esquina de la sala. El Teatro del Arte proporciona una intimidad que le viene como anillo al dedo a la música de Broderick. La sala resulta muy familiar, con un silencio casi sepulcral. Apenas tiene capacidad para unas 100-150 personas, que se disponen alrededor de un funcional escenario situado a ras de suelo.
El concierto deja latente la extremada versatilidad del músico, mezclando géneros que van desde el folk, al funk o el soul, pasando por el jazz, el blues, música hablada, bases de hip-hop, momentos para la psicodelia e incluso algo de post-rock. Si alguien pregunta por innovación que llame por esta puerta. Hay momentos para cantar con el público, como en la interpretación de su ultimo single, “Colours Of The Night”, o dejando a un lado los micrófonos para aprovechar la buena acústica de la sala, como es el caso de “With The Notes In My Ears” o “Below”, con todos los músicos en primera fila en pie haciendo coros a Broderick y su guitarra acústica. Su música tira de raíces americanas clásicas, pero sin apego alguno por mezclar para conseguir un abanico musical realmente único.
Aprovecha para presentar temas de su último EP pero también para deleitarnos con alguna versión personalísima, como el “Get On With Your Life” de Stina Nordenstam, u otra canción de la americana Shelley Short, con Sumie a las voces devolviéndole el favor inicial. El cantante incluso acepta bises y se anima con el primer tema que le lanzan desde la primera fila, “Hello To Nils” incluido en el álbum “How They Are” de 2007.
Quizás Broderick no tenga el reconocimiento que se merece. Y seguramente el boca a oreja pueda ser uno de sus grandes aliados, pero apuesto a que cada persona que tiene oportunidad de verlo no duda en repetir y atraer más fieles. Su interpretación, o performance, que parece que la primera se queda corta, es muy original, es atrevida e innovadora. Su música está muy lejos de ser comercial, con un tímido intento quizá en este último EP, pero lo que transmite con todo su talento, su naturalidad innata y la imagen que deja tras un espectáculo en directo no son muy comunes.
Esperemos que el lleno que ha habido esta noche sirva para poder ver en más ocasiones a un músico excepcional con apego a salirse de las normas convencionales.
De Lydia Loveless. Luego les diremos porqué. Esta americana tenía una historia con el country perfecta. Creció en una granja en Ohio, donde tocaba en sus ratos libres en una banda, en la que estaba acompañada por su padre y sus hermanas. Llega a grabar su primer álbum a las 17 años, donde tira de country clásico y recibe una buena acogida. Pero en el tercer álbum es donde decide cambiar el banjo por la guitarra acústica.
Es posible que sea en este «Somewhere Else», en el que el efímero nivel de fama de la americana se iguale con la alta consideración que le guarda la crítica. Aunque complicado cuando prácticamente no cuenta con promoción alguna.
En esta ocasión se inclina definitivamente al folk-rock de cantautor, con un emotivo disco que ha pulido los fuertes elementos country-rock de sus dos primeros trabajos, si bien algo se podía intuir en el maravilloso EP “Boy Crazy» del año pasado. Las comparaciones e influencias de Neko Case, Lucinda Williams o Patti Smith están ahí, pero con solo 24 años, Lydia Loveless consigue minimizarlas para impregnar su presencia y carisma a lo largo de todo el disco. El timbre de su voz hace que suene convincente tanto en los temas más dramáticos como en los más seguros.
Tiene talento y se ve cómoda en medios tiempos redondos como “Chris Isaac” (+1, en el anterior álbum tenía un tema llamado y dedicado a «Steve Earl») o “Wine Lips”, donde termina literalmente lanzando besos, pero también en las unas enérgicas “To Love Somebody” o “Really Wanna See You Again» que ganan con banda completa
“Somewhere Else” es una inyección de buenrollo que puede acercar el género a nuevas generaciones de oyentes ávidos por escuchar música nueva interesante. Es un disco contundente, que suena sincero, y que devuelve la fe en el mejor folk rock americano de raíces.
Las alarmas no han tardado en saltar. Tras un reporte de la agencia Populous, que cuenta entre sus clientes con la Fifa, la SuperBowl o el Comité Olímpico Internacional, todos el entorno que rodea el legendario festival hace un análisis de los problemas más llamativos del festival.
El reporte viene a raíz del horrible siniestro del pasado año, cuando un individuo atropelló mortalmente a dos personas y dejó 24 heridos. La organización del festival, que siempre se ha tomado muy en serio el feedback que recibe de artistas, asistentes y lugareños, ha decidido replantearse su modus operandi antes de que sea demasiado tarde. Para ello, ha encargado a una prestigiosa agencia que contemple todas las variables presentes y futuras para la viabilidad del macro evento más importante de Austin.
Esto es lo que sugiere Populous y que está empezando a levantar ampollas:
“Si SXSW no puede mantener el éxito y el crecimiento en el futuro, como cualquier negocio, eventualmente tendrán que tomar decisiones acerca de si pueden o no seguir existiendo en su formato y ubicación actual. Es muy posible que SXSW no tenga otra opción que trasladar los conceptos de oferta su evento a otras ciudades para sostener su modelo de negocio. Esto sería un asunto muy serio para todas las partes teniendo en cuenta el significativo impacto financiero significativo y el retorno que SXSW ofrece a la comunidad, así como la contribución a la marca y el Valor de la Ciudad (PR)”
Aunque los mismos fundadores, de la voz de Roland Swenson han afirmado que no contemplan el traslado de SXSW fuera de Austin, la reflexión en torno al tema cobra mucho sentido.
El plan de seguridad incluye cacheos en las entradas de 6th Street, y otorgar a la organización un mayor control sobre las zonas comunes de la ciudad y los actos no oficiales. También contempla la creación de una denominada “Zona Limpia” que si bien no se ha especificado en que consistiría con exactitud, sería parecido a lo que acontece en eventos como la Super Bowl, quedando bloqueados todos los actos ajenos a la organización de SXSW en un amplio radio de acción. En términos cuantitativos, imaginen la desaparición de los míticos eventos de Hype Hotel, Fader o la práctica totalidad de los eventos de Rainey Street.
El informe, objetivo aparentemente, apuesta por mantener la “equidad de los esponsors”, viendo injusto que algunas marcas paguen cantidades astronómicas por patrocinar grandes eventos, veáse Doritos con Lady Gaga, por ejemplo, mientras otras puedan obtener buenos ingresos patrocinando pequeños eventos en establecimientos de menor capacidad, véase Spotify House, o Dr Martens en el Bar 96 de la mencionada Rainey Street.
La pelota está en el tejado de la propia organización. Empeñada históricamente en hacer un festival lo más organizado posible, escuchando a todas las partes y haciendo crítica constructiva de cada edición, ha llegado el momento en que deben decidir si restringen los eventos no oficiales, con el beneplácito de los mandatarios de la ciudad, o si consideran alejarse a una zona cerrada y acotada al estilo clásico de cualquier festival. En el primer caso, dar portazo a los actos no oficiales supondría mermar drásticamente el espíritu de SXSW. Pero en el segundo caso también, ya que SXSW es la calle, sus gentes, el bullicio y el hecho de que cada rincón de la ciudad tenga una banda tocando a cualquier hora del día y de la noche.
El corporativismo que mece la cuna de SXSW parece estar moviendo sus hilos para no encontrarse con competencia desleal. Por el momento las advertencias y sugerencias vienen en forma de distinguidos reportes, pero ya se ha abierto el debate en Texas y los cambios pueden tener consecuencias ya en la próxima edición.
SXSW se pregunta qué quiere ser viendo en que se ha convertido. Difícil lograr un consenso que deje satisfecho a todas las partes.
La historia dará que hablar.
It’s been an intensive journey for Band Of Skulls. Their new album evokes bluesy rock at its best and shows an increasingly distinctive sound. They have released “Himalayan”(Psycollective / [PIAS] 2014) this year and it has received very positive reviews from critic and fans.
Tired of being compared to QOTSA or White Stripes, the new album confirms they’re one of the most interesting bands in the british rock nowadays.
We got the chance to talk to Emma, Russell and Matt at their last visit to Spain during last edition of the DCode festival.
How are you? How is the tour going on?
Emma – Good. Yeah. We had a bit of time off but we’ve been touring from February this year, really.
Because now you’re playing until November I think and then going to Australia?
Russell – Yeah it never stops.
I think Himalaya it’s a pretty loud record. I don’t know if you agree but, Was that your intention after releasing Sweet Sour?
Emma – The loud sound.
Russell – Yeah I guess we compare our work with the other work we’ve done. So yeah we listened to the other records before we went into this new album. I guess we have to try to better ourselves, you know. I think this record’s quite a good combination of all the elements of the band. It almost sits in the middle of the other two records.
Your live performances are very powerful, were you trying to reflect that energy in the album?
Russell – Yeah, to a certain amount, but it is difficult. Making records is a different thing completely to playing a gig. But we try and keep the records not too, what’s the word? We try to keep them free. So when we record we might try and take a whole take and we don’t use any click tracks or anything if we can help it. We recorded all of the backing tracks together, which was a first for us really.
Are you still all involved in the writing process? Do you think is something important in order to keep a band together?
Russell – It takes a long time but it does produce really great songs I think. It’s the way we work. It just takes a long time for everyone to show their ideas and then we all start working on everything all at once. When we first start making a record there’s hundreds of ideas and we have to then edit them down into probably twelve songs.
Is there something in this album you’re particularly proud of, that for instance, you couldn’t hear in previous albums?
Russell – Particularly proud? No.
What makes this album special?
Emma – I think every record is special. We worked with Nick Launay for the first time. He produced this album. He mixed Sweet Sour so that’s how we got to know him. But he came in and brought his head and his ideas with it, which was a really great process and we learnt a lot. We were pushed and we pushed ourselves to follow through new ideas.
How’s been working with producer Nick Launay?
Russell – There’s freedom to try new ideas. Also it gave us the feeling that we could work with other people. We started to realise what elements are us and we can recognize what elements other people bring in. We learnt a lot. We understand our band a bit more after this record I think.
Do you kind of, get rid of pressure with the 3rd album?
Russell – Different kind of pressure.
Matt – There’s always pressure but it’s pressure we but on ourselves. Not from an outside kind of point of view. We want to make something we’re 100% proud of. That’s a big pressure in itself. So we were very pleased at the end of the process when we could sit and listen to this record and be 100% proud.
Russell – And having three records now has almost taken the pressure off. At our gigs, we’ve got enough songs now to make our show how we’ve always wanted it to be I think. But then you’ve got this responsibility of all this other music. It gets difficult to choose the songs to play.
«Everyone is putting synthesizers on a record because they feel they have to»
I reckon Band Of Skulls is a band that don’t complicate too much when recording an album, but are you tempted to add digital sounds, synthesizers or something like that?
Russell – We have lots of things on are records and we always have done. We just never talk about it so no one ever says, “there’s a synthesizer there.” If you really listen there’s a lot of things that are not quite as they seem. That’s what making records is. It’s not the powerful live thing. It’s making an experience for your headphones. So we’re really open minded in the studio. We use small, subtle sounds that just make the record more interesting. And just under a hundred guitars.
Emma – It’s all for the good of the song. It’s got to benefit the song somehow if we’re going to use a different instrument. There’s got to be a reason for it.
Matt – Yeah. Anyone putting synthesizers on a record because they feel they have to, because everyone else is, that’s a very bad way to approach making records.
In fact, you’re pretty difficult to label or to tag you in a specific style. Is that the secret to survive in the music industry today?
Russell – The secret really is to be yourself and then if someone criticises your music you go, “OK we’re just being ourselves”. You’re not trying to be of a certain style or era or fashion. And then when people do like what you’re doing you can feel 100% proud because it’s your work. That’s probably our secret. We believe in our music because it really is from us. There’s no other thing going on.
The album has been out for only few months, but do you already have an idea of how do you want to sound like in the next album?
Russell – It comes naturally. I think in the next few months we’ll start talking about it. You always learn from making a record and then touring that record. So I think we’ve learnt a bit more about ourselves by playing these songs live. We tried to write quite challenging songs this time. They weren’t easy to play. It might be nice to play some more natural songs. Songs that come a bit more naturally. We’ll have to see though. Who knows?
I want to ask you something. Talking with Liam from The Courteeners, he said that it comes down to one person, in the UK to get on Radio 1. Is it really that hard? Is it something that you worried about or do you consider yourselves more of a word of mouth band?
Russell – We definitely started out as a word of mouth band. But we have also had some moments of being played on the radio. And it’s true, it’s a very small amount of people that can say yes or no to which music goes on the radio. The trick is not to be too disheartened if this particular moment is not yours. You just have to carry on working and it comes around again. You can’t have the same ten songs on the radio all year long. Just go and write another song.
Also, I’d like to ask you about your covers, they look very psychologic.
Emma – They’re kind of abstract. It’s a collaboration usually. We came up with a theme that we wanted from the beginning and that’s fed through all three albums. So the first was a painting of mine, the second was a sculpture we had made by someone else and the third was a computer generated image of the sound waves of Himalayan, the song. So we just tried to keep a theme.
Russell – The covers are much more difficult than the music. Coming up with another idea to beat digital soundscapes is going to be… who knows?
What about the name of the album?
Russell – It was something to aim for. There was a lyric and then a song. And then Emma came in with the title, put it in the pot for consideration like we do with everything. It felt like a good thing to call the record that we hadn’t finished. It gave us something to aim for. You can’t make a record call Himalayan and it be damp. It has to be proud of itself. So that’s when the record got even louder – when it got it’s title. And last quesiton. Are you happy?
Emma – Yeah
Russell – We’re in Spain so if today we weren’t happy it would be bad. So we’re very happy. And why not?
El tercer álbum de Band Of Skulls no debería pillarnos de sorpresa. Los de Southampton continúan en “Himalayan” (Psycollective / [PIAS] 2014) un intenso viaje cargado de rock blusero y ganchos directos evocativos a la época del glam. Sus intensas giras con Queens Of The Stone Age o Muse, parecen haberles servido para encerar un sonido que empieza a ser rápidamente reconocible. Cansados de las comparaciones con White Stripes, QOTSA, o BRMC, vienen a presentar un nuevo disco que arriesga sin escatimar en riffs y les coloca en una cómoda posición entre el mejor rock británico del momento.
Hoy tenemos la oportunidad de hablar con el trío aprovechando su paso por España. Emma Richardson,Russell Marsden y MattHayward nos explican sus impresiones del nuevo álbum, la industria británica y sus secretos en la composición.
¿Qué tal estáis? ¿Cómo está yendo el tour?
Emma: Bien, tuvimos algo de tiempo libre pero realmente hemos estado de gira desde Febrero este año.
Estáis de gira hasta Noviembre y luego Australia ¿Verdad?
Russell: Sí, esto nunca se detiene.
Pienso que Himalaya es un álbum que suena muy potente. No sé si estáis de acuerdo, pero ¿era esa vuestra intención después de lanzar Sweet Sour?
Emma: El sonido tenía que ser fuerte.
Russell: Sí supongo que comparamos nuestro trabajo con los otros álbumes que hemos hecho. Escuchamos los otros discos antes de ponernos con este álbum. Supongo que tenemos que intentar superarnos a nosotros mismos. Creo que este disco es una buena combinación de todos los elementos de la banda. Se encuentra entre los otros dos álbumes.
Vuestros directos son muy potentes, ¿Intentabais recoger esa energía en el álbum?
Russell: Sí, hasta cierto punto, pero es difícil. Hacer discos es algo completamente diferente a los directos. Pero intentamos que los discos no sean… ¿Cómo es la palabra? Intentamos que se mantengan libres. Así que cuando grabamos podemos probar y hacerlo todo en una toma sin metrónomo si lo podemos evitar. Grabamos todas las bases juntos, lo que ha sido algo nuevo para nosotros.
¿Seguís componiendo los tres juntos? ¿Ayuda de alguna manera a mantener la banda unida?
Russell: Lleva mucho tiempo, pero sí que hace que de verdad se produzcan grandes canciones yo creo. Es la manera en que trabajamos. Solo que lleva más tiempo para todos el mostrar las ideas y luego comenzar a trabajarlo todo a la vez. Cuando empezamos a hacer un disco siempre hay cientos de ideas y tenemos que editarlas y dejarlas en 12 canciones probablemente.
¿Hay algo de este álbum de lo que estéis particularmente orgullosos?
Russell: Particularmente orgullosos no…
¿Qué hace especial este álbum?
Emma: Yo creo que cada disco es especial. Hemos trabajado con Nick Launeay por primera vez. Él ha sido quien ha producido el álbum. Había mezclado “Sweet Sour” así que así es como le conocimos. Pero vino y se trajo su cabeza y sus ideas, lo que resultó en un gran proceso del que aprendimos mucho. Nos presionaba y nos presionábamos a nosotros mismos para conseguir nuevas ideas.
¿Cómo ha sido trabajar con Nick Launay?
Russell: Hay libertad para intentar nuevas ideas. También nos dio la confianza de saber que podíamos trabajar con otra gente. Empezamos a darnos cuenta de los elementos que son nuestros y los que ha traído otra gente. Aprendimos mucho. Entendemos nuestra banda un poco más después de este disco.
¿Se sacude uno la presión al tratarse del tercer álbum?
Russell: Es un tipo de presión diferente.
Matt: Siempre hay presión, pero es presión que nosotros mismos nos imponemos. No desde un punto de vista del exterior. Queremos hacer algo de lo que estemos 100% orgullosos. Eso es ya una gran presión en sí mismo. Así que estábamos encantados al final del proceso, cuando nos pudimos sentar a escuchar el disco y estar orgullosos al 100%
Russell: El hecho de tener tres discos ya nos ha quitado casi toda la presión. En los conciertos ahora tenemos suficientes canciones para hacer el espectáculo como siempre hemos querido que fuera. Pero luego tienes toda la responsabilidad para toda esta otra música. Se vuelve difícil qué canciones elegir para tocar.
«Hay muchas cosas que no son lo que parecen»
Creo que Bands Of Skulls es una banda que parece que no tiende a complicarse demasiado a la hora de grabar añadiendo sonidos digitales, capas y sintetizadores.
Russell: Tenemos muchas cosas en nuestros discos y siempre las hemos tenido. Nunca hablamos de ello así que nunca nadie dice “hay un sintetizador ahí”. Si te fijas bien hay muchas cosas que no son lo que parecen. De eso se trata al hacer discos. No solo es el tema de directos potentes. Es el hecho de hacer una experiencia para tus auriculares. Tenemos la mente realmente abierta en el estudio. Utilizamos pequeños sonidos, imperceptibles que consiguen hacer el disco más interesantes. Y unas cien guitarras.
Emma: Todo es por el bien de la canción. Tiene que ser en beneficio de la canción de alguna manera si vamos a usar un instrumento diferente. Tiene que haber una razón para ello.
Matt: Sí, todo el mundo está poniendo sintetizadores en los discos porque sienten que lo tienen que hacer, porque todo el mundo lo hace, y es una mala estrategia para hacer discos.
De hecho, sois bastante complicados para etiquetaros en un estilo. ¿Es ese el secreto para sobrevivir en la música hoy en día?
Russell: El secreto realmente es ser tu mismo y luego si alguien critica tu música puedes decir “Vale, estamos siendo nosotros mismos”. No estás intentado ser de un estilo, de una era o de una moda. Entonces cuando a la gente le gusta lo que haces te puedes sentir orgulloso al cien por cien porque es tu trabajo. Ese es probablemente nuestro secreto. Creemos en nuestra música porque viene de verdad de nosotros. No hay nada más.
“Himalaya” ha salido hace solo unos meses, pero tenéis en mente ya alguna idea de cómo queréis que suene el próximo álbum?
Russell: Surge de forma natural. Creo que en los próximos meses empezaremos a hablar sobre ello. Siempre aprendes de hacer un disco y salir de gira con ese disco. Así que creo que hemos aprendido un poco más sobre nosotros al tocar esas canciones en directo. Hemos intentado escribir canciones más exigentes esta vez. No eran fáciles de tocar. Puede ser bonito tocar canciones más naturales esta vez. Canciones que surjan manera más natural. Tenemos que ver eso, ¿quién sabe?
Quería preguntaros algo. Hablando con Liam Fray de los Courteeners, me comentaba que en Reino depende de una sola persona salir en BBC Radio 1. ¿Es realmente tan duro? ¿Es algo que os preocupe u os consideráis una banda de boca a boca?
Russell: Definitivamente empezamos como una banda de boca a boca. Pero hemos tenido algunos momentos en los que nos han puesto en la radio. Y es verdad, hay una cantidad muy pequeña de personas que pueden decir sí o no a qué música sale en la radio. El tueco está en no desanimarte si este momento en particular no es el tuyo. Solo tienes que seguir trabajando y volverá de nuevo. No puedes tener las mismas diez canciones sonando en la radio todo el año. Tienes que ir y escribir otra canción.
¿Qué hay de las portadas? Parecen muy psicológicas.
Emma: Son algo abstractas. Normalmente son una colaboración. Salió un tema que queríamos desde el principio y es lo que se ha ido alimentando a lo largo de los tres discos. Así que el primero era un cuadro mío, el segundo era una escultura que nos hicieron, y el tercero es una imagen generada por ordenador de las curvas de sonido de “Himalayan”, la canción. Intentamos mantener una temática.
Russell: Las portadas son mucho más difíciles que la música. Conseguir otra idea que supere los paisajes digitales a va a ser… ¿Quién sabe?
¿Y el nombre del álbum?
Russell: Era algo que teníamos como objetivo. Había una letra y luego una canción. Y luego Ema sugirió el título y lo puso sobre la mesa para considerarlo como hacemos con todo. Nos pareció buena idea llamarlo así a un disco que no habíamos terminado. Nos dio un objetivo que teníamos que conseguir. No puedes hacer un disco llamado Himalaya y que sea una decepción. Tiene que estar orgulloso en sí mismo. Y es ahí cuando el disco se volvió incluso más potente, cuando le pusimos el título.
Última pregunta. ¿Sois felices?
Emma: ¡Claro!
Russell: Estamos en España así que si hoy no somos felices eso sería triste. Somos muy felices, ¿Porqué no serlo?
Son una de las bandas de rock más sofisticadas que ha parido América en los últimos 20 años. Habituales en esa vistosa etiqueta del Alt-Country en los últimos tiempos, Drive-By Truckers llevan haciendo ese bluesey rock tan característico desde hace ya casi veinte años.a
Probablemente no se hagan ya más famosos ni guapos de lo que ahora son, pero cuando hablamos de música no podemos escatimar adjetivos. Han sufrido varios cambios en la formación, algunos notorios como la marcha de Jason Isbell, pero al final no parece ser un síntoma que les afecte en lo musical. English Oceans([PIAS] 2013) no iba a ser una excepción, y después de algunos otros proyectos, los Truckers vuelven sonando más fuertes que nunca.
Hoy tenemos la oportunidad de volver a hablar con Patterson Hood, con quien hablamos hace un año y medio, cuando vino a presentar su disco en solitario de la mano de Craig Finn de The Hold Steady y Will Johnson.
¿Qué tal Patterson, cómo estás?
Bien, estoy en Athens, Georgia. En mi casa. Hemos hecho algunos conciertos y nos vamos de nuevo mañana.
Ya ha salido English Oceans, vuestro nuevo álbum, que ha supuesto probablemente el mayor espacio entre discos. ¿Sentíais que necesitabais más tiempo que en los discos anteriores?
Sí. Necesitábamos el tiempo desesperadamente. Hemos trabajado muy duro para este disco. Con un éxito tan rápido necesitábamos recargarnos de nuevo, investigar y arreglar algunas cosas que estaban rotas en la banda. Todo el mundo estaba realmente preparado el año pasado. Ha sido mágico.
English Oceans suena más a puro Rock & Roll que la mayoría de los álbumes anteriores. ¿Era algo buscado? ¿Cómo te sentiste una vez que terminasteis el álbum?
Este disco es mi favorito de todo lo que hemos hecho en por lo menos los diez últimos diez años. Estoy muy emocionado por eso. Hemos disfrutado mucho saliendo ahí fuera y tocándolo en directo. Tengo mucha confianza en él. Funciona muy bien en directo.
«Cada vez que hemos tenido cambios en la formación, hemos resurgido con algo nuevo”
La banda ha tenido durante su trayectoria varios cambios en su formación original, pero siempre habéis demostrado que sabéis sobreponeros y seguir haciendo discos de calidad. ¿Es algo que al final terminas por aprender y controlar? ¿O es duro cada vez que un miembro deja la banda?
Sí, Cooley y yo llevamos tocando juntos 29 años, tenemos esta banda desde hace 18 años… Hemos hecho cerca de 2000 conciertos y doce discos… ¿Sabes? La gente se puede cansar, y a veces tienen que continuar con otras cosas. Pero creo que es genial que hayamos mantenido el núcleo del grupo unido tanto tiempo. Y parece que cada vez que hemos cambiado hemos surgido con algo nuevo.
¿Merece la pena el tiempo que pasas en los escenarios, todo el tiempo que se pasa en el bus de la gira, entrevistas, promoción, etc…?
Eso es la parte más dura. La promoción y las entrevistas son la parte dura (risas). Me encanta estar de gira, y estoy disfrutando de los conciertos como nunca lo he hecho. Y todavía me encanta grabar.
Patterson, cuando terminas un álbum se lo pones a tu familia para obtener su aprobación, ¿Sigues haciendo ese ritual?
Sí, siempre toco para mi esposa y mis hijos. Son muy comprensivos con todo lo que hago. No sería capaz de hacerlo si no estuvieran ahí.
¿Veremos otro álbum conceptual como Southern Rock Opera?
Lo dudo. Todos los discos tienden a fluir libremente, todos tienen un tema que recorre todo el álbum, a veces más obvio en unos que en otros. Pero no creo que volviera a hacer un álbum así de nuevo. Nunca se sabe, pero no apostaría por ello.
«La perseverancia es el secreto del éxito»
¿Resulta más fácil tocar en solitario que hacerlo con Drive-By Truckers?
Me encanta tocar con Drive-By Truckers. Y me divierto haciendo los conciertos en solitario también, pero echaría de menos a los Truckers si no pudiera tocar con ellos. A veces es bueno hacer un descanso y hacer otras cosas, pero yo siempre quiero volver con los Tuckers. Nunca se sabe, pero no apostaría por ello.
Lleváis juntos casi 20 años. ¿Alguna vez pensaste que tendrías una banda durante todo este tiempo?
Si hubiera sabido que íbamos a estar en la banda tanto tiempo, hubiera puesto más cuidado en cómo íbamos a llamara. Hubiera elegido un nombre mejor.
¿Cambiarías algo de tu carrera?
No tengo demasiados arrepentimientos. Hemos intentado cosas a veces que no han funcionado. Pero no me arrepiento de intentarlas, porque he aprendido de ellas. Yo por lo menos tengo que aprender de mis errores, y los discos que no han funcionado tan bien como otros provienen de intentar hacer algo bien o diferente. A veces funciona, a veces no. Estoy muy feliz con el último. Pienso que este es una de las cosas que parecen que realmente funcionan.
Sois una banda que trabaja duro. Después de todos estos años, ¿Podrías decirnos si hay algún secreto para el éxito?
Perseverancia. (No duda ni un segundo) Nosotros seguimos trabajado. Seguimos trabajando hasta que lo conseguimos. Al final, me encanta tocar con estos chicos. Y eso es lo que me hace seguir adelante.
“No me arrepiento de intentar cosas que no han funcionado, porque he aprendido de ellas”
Patterson, internet ha multiplicado las posibilidades de la música en gran medida. ¿Se hace más difícil clasificar la buena música de la mediocre?
Sí, es más duro. Hay cosas buenas y malas, como en todo. Hay cosas que puedes encontrar ahora que no tenías la posibilidad de encontrar antes. Pero también tienes que escarbar más hondo entre la basura para encontrarlo.
Ponéis mucha intención en las portadas de vuestros discos. English Oceans no iba a ser una excepción.
Sí que lo hacemos. Wes Freed, el artista que ha dibujado casi todas ellas, es uno de mis artistas favoritos también. Particularmente me encanta la última.
¿Qué podemos esperar de vuestro concierto en Primavera Sound?
Va a ser realmente bueno. La banda nunca ha estado tan bien como ahora. La mayoría de la gente que ha visto a la banda últimamente, en este tour, está diciendo que está mucho mejor de lo que nunca ha estado.
Última pregunta, siempre preguntamos esta cuestión a todos los músicos que entrevistamos, y ya nos contestaste cuando viniste en tu gira en solitario hace un año y medio que eras muy feliz. Pero, como músico, después de todos estos discos, directos, felicitaciones y tiempos más duros, ¿Qué es lo que te hace feliz? ¿Qué te mantiene haciendo música?
Soy feliz en la banda, tocamos realmente bien juntos, lo estamos pasando bien y nos las arreglamos. Mi familia está sana y la vida en general está bien.
One of the finest rock bands America has given to the world is back to present their 12th album. Nowadays they seem to fit into what we call Alt-Country, but they’ve been making bluesy rock and roll for 2 decades now.
They probably won’t become more famous or handsome than they are now, but when it comes to the music you can’t save good adjectives. Drive-By Truckershave suffered some important changes to the line-up, but they always prove to know how to move on and get the best out of the band with every new release. English Oceans ([PIAS] 2013) is no exception, and after spending some time on other projects, they’re back and they’re as powerful as they’ve ever been.
Today we had the chance to talk with Mr. Patterson Hood, with whom we already spoke about a year and a half ago when he visited Spain with his friends, Craig Finn from The Hold Steady and Will Johnson. Today, he talks about music, life, and the career of the Truckers.
Hi Patterson, how you doing?
I’m fine thanks. I’m in Athens, Georgia, at my house. We’ve made some dates and we’re leaving again tomorrow.
So English Oceans is already out, and it is probably the biggest gap between albums. How was the moment when you put the band together and decide to put out a new album? Did you feel that you need more time than the previous albums?
Yeah we needed the time really badly. We worked really hard for this new record. With such a quick success we needed to recharge, research and fix few things that were broken in the band. Everybody was really ready last year. It was kind of magical.
What were you’re feelings when you finish recording English Oceans? I think it sounds more rock and roll than most other albums, don’t know if that was something you wanted before making the record.
It’s my favourite thing of what we’ve done in at least 10 years.I’m very excited about it. It’s been a lot of fun trying out and playing it live too. I’m very confident with it. It works really well as a live show.
«If I had known we were gonna be stuck with the band so long, I’d have picked a better name»
The band has had some changes on the line-up, but you proved you always stand up and keep making quality records. Is it something that at the end of the day you just got to learn to manage? Or does it get really hard whenever a member has left the band?
Yeah, Cooey and I we’ve been playing together for 29 years now. And we’ve had this band for 18 years now. We’ve played close to 2000 shows live. We’ve made 12 albums, so you know, people kind of get tired, and sometimes have to move on… But I think it’s pretty great that we’ve kept the core of the band together so long. And seems like each time we change we come up with something new.
Does the time you spend on stage worth all the time spent on the bus, promotion, etc…?
That’s the hard part. The promotion and interview it’s the hard part. I love touring, and I like the live shows as much as I ever did, and I still love recording.
Patterson, I’ve heard that whenever you finish and album you need to get the approval of your family, are you still doing it?
Yeah I always play for my wife and the kids. They pretty supportive with what I’m doing. I wouldn’t be able to do it if they weren’t.
I’m sure you got ask this question a lot but I have to ask, will we see another conceptual album like «Southern Rock Opera».
I doubt it. They all tend to kind of have a little bit of loose flow or sometimes a theme that runs through them, sometimes more obvious than others. But I don’t think I would ever do another full-on one again. You never know, unless you get inspired by something, but you never set out to.
«I don’t regret trying things that didn’t work, because I’ve learnt from them.
Is it easier playing solo that playing with a Drive-By Truckers? Could you choose between one of the two or both options have its time and moment?
I really love playing with Drive-By Truckers. And I enjoy doing the solo shows too, but I would miss the truckers if I wasn’t able to do that too. Sometimes it’s good to take a break and go out to do the other, but I always want to go back with the Truckers.
You’ve been together for almost 20 years. You ever thought you were going to have a band this long?
No, I would have picked a better name. If I had known we were gonna be stuck with the band so long, I would have put more care into what we named it.
Would you change anything from your career?
I don’t have too many regrets. We’ve tried things sometimes that didn’t work.
But I can’t regret trying them, because I learned from them. I at least have to learn from my mistakes, and the records that haven’t worked as well as others, they all came from a place of trying to do something good or different. Sometimes it works, sometimes they don’t. I’m very happy with the last one. I think this is one of the things that has seemed to really work out.
You are a really hard-working band, after all these years, can you tell if there’s a secret for success?
Persistence. We just keep working. We just keep working until we get it right. At the end of the day I love playing with these guys. That’s what makes me keep going.
Patterson, internet has multiply the music choices a lot. Is it getting harder to classify the good music from the average?
Yes , it is getting harder. There’s good and bad to it, like with anything else. There’s things you can find now that you wouldn’t have been able to find but you also have to dig deeper through bullshit to find it.
You put a lot of effort in your covers right?
Yes I do. Wes Freed, the artist that has drawn almost all of them is one of my favourite artist. I love working with him and love what he does. I particularly love the new one.
What can we expect from your concert at Primavera Sound?
It’s gonna be really good. The band has never been better than it is right now. I think most people who have seen the band lately on this tour have been saying that it’s as good as it’s ever been.
We did it in 2006 and it was great then. But it’ll be better this time.
Last question, I always ask this question to every musician I interview, and you actually already answered me this question a year and a half ago, so I have to change it a little bit. I asked if you were happy and you said that you were. But, as a musician, after all the records, live shows, compliments and hard times, what’s the thing that makes you happier? What keeps you doing this?
I’m happy with the band, we’re playing really well together, we’re having fun and getting along. My family is very happy. I’m happy that the band is a good place. We’re playing really well together and having fun and getting along. My family is overall healthy and life is overall good.
Solamente hacen falta unos segundos para comprobar el poder hipnótico de la música de Soledad Vélez. Esta chilena afincada en Valencia tiene talento y mucho que aportar. Su folk emocional tiene mucha fuerza, y aunque es posible ver las influencias de PJ Harvy o Patti Smith, no es una compositora al uso. la belleza oscura que destilan sus temas se alejan del pop y folk tradicional para buscar caminos más profundos, más cercanos a la música de raíces americana.
Conseguimos charlar con ella el pasado mes durante el festival de South By Southwest de Austin (Texas), donde nos contaba sus experiencias. Su segundo álbum, Run With Wolves, ya está a la venta.
¿Qué tal en Austin? ¿Cómo ves el SXSW?
He llegado hace unas 12 horas, llegamos anoche y no tengo jet lag la verdad. No me ha dado tiempo de ver casi nada, estamos aquí disfrutando a tope del South By Southwest.
¿Cómo le explicarías a un texano la música que hace Soledad Vélez?
Es difícil. Siempre me cuesta un poco definir la música que hago. Es una mezcla de muchas cosas, de muchos estilos. Prefiero no encasillarme, y le diría que por favor me fuese a ver para que lo entendiese.
¿Cuánto tiempo tenéis pensado estar y cuantos conciertos teneos pensado hacer?
Teníamos pensado estar aquí en Austin una semana, nos iremos el 16. Tenemos tres conciertos, el de hoy en Sounds From Spain, mañana en el Russian House, y pasado mañana en el Lucille Patio Lounge, que también vamos a tocar con varios españoles. Y eso de momento, conociendo gente y disfrutando.
¿Merece la pena para un músico venir a este festival?
Yo creo que merece la pena más que nada porque es este festival. ¡Es el South By Southwest tío! Y este plan… Sounds From Spain… El hecho de que te inviten es un placer. Es un plan que tienes que hacerlo cueste lo que cueste.
¿Cuáles son las diferencias que observáis en este festival y que no hay en otros?
Pues que este es super-hiper-masivo, es el festival más masivo que he estado, creo que son dos mil y pico bandas las que tocan en el festival en cinco días. Esa es básicamente una de las diferencias, está todo muy bien organizado. No sé, es la primera vez que estoy en EEUU tío, ¡todo es genial! (Risas)
¿Cuáles son vuestras expectativas?
Básicamente mis expectativas de esto es que voy a aprender mucho, que va a ser una experiencia muy buena para mí y es algo que quieras o no me va a dar un poco más de tablas también el hecho de visitar un país en el que no has estado antes.
¿Crees que te puede cambiar un poco la forma de ver las cosas? En España hay cierto pesimismo. Ayer salía un reportaje en que en España el directo caía en picado. ¿Puede ser un impulso este festival?
No sé si puede cambiar mi forma de ver las cosas, porque vayan las cosas bien o mal, voy a seguir haciendo música, porque no consigo hacer otra cosa con mi vida. Yo creo que más que nada, esto lo que hace es brindarte mucha más experiencia, y por otra parte vamos a sacar muchas cosas buenas porque sí que es una plataforma para llegar a muchos más medios, tanto latinoamericanos como de aquí de Estados Unidos, que es enorme. Y estamos haciendo muchos contactos, muchas entrevistas… Estamos aprovechando a tope.
Se ha criticado mucho el hecho de que el festival este demasiado abierto a marcas, perdiendo la esencia del músical y con casi más protagonismo de las marcas que de la música. ¿Qué os parece? ¿Os importa o es parte del espectáculo?
No sabría decirte. Yo creo que hoy en día ya es difícil mover la música, hacer música, organizar festivales y tener dinero para poder hacerlo. Muchas veces depende de la forma en que enfocas las cosas y la perspectiva que tengas.
¿Volveréis el año que viene?
No lo sé. Yo espero que sí. Tengo visado hasta el dos mil veinticinco así que espero que sí. Hay que aprovechar la oportunidad.
Y última pregunta, ¿Eres feliz?
Sí. Soy feliz porque si me muero ahora mismo, estoy haciendo lo que realmente quiero hacer.
R O C K A S T / / 