Archivo mensual: octubre 2014

«I want indie artists to be contrived and even pretentious» Interview with Mike Sniper

Mike Sniper

Mike Sniper (Picture by Popmontreal)

The list of artists is pretty impressive. Dum Dum Girls, DIIV, Mac DeMarco, Beach Fossils, Wild Nothing, Holograms, Minks, or Perfect Pussy among others have something in common. They were all discovered and raised by Captured Tracks, the same independent label that has just signed Mourn, one of Barcelona’s newest young talents. Founded in 2008 by Mike Sniper, they shared offices with Mexican Summer and Academy Records before settling in Brooklyn and making themselves a name being a world reference for emerging bands.

It is a pleasure to inaugurate a new section in Rockast of the less known  side of the music industry, with its owner Mike Sniper. With nearly 200 releases since 2008, they have very clear ideas, and their expansion has become a reality this year with the creation of Omnian Music Group, which includes companies like Body Double, Fantasy Memory, New Zealand’s Flying Nun, Seattle’s Couple Skate, or NY’s Thing Squirrel.

Mike knows what he’s talking about, and he gives his opinion in an interesting conversation about the industry problems, the big labels, internet or the future plans for the Captured Tracks family.

Mike, what would you think it must be the philosophy of a record label?

I always liked Daniel Miller‘s quote about Mute, that it’s firstly about finding artists you and your staff are passionate about and then working together to get it as far as you can. In 2014, I still agree with that, but I think there needs to be more of a commitment these days. Anyone can start a «label» with a bandcamp and do 100 releases a year. There needs to be a focal aspect to A&R and seeing projects through to their completion.

Is the fact of taking risks a main point for a record label? In the sense of signing artists that are yet to be discovered like you do?

Absolutely. And that refers back to the above question, really. You need to be willing to commit 100% to the project. Even our smaller first record bands is a very large financial and time consumer for us, so you need to think long term. You know, a marathon, not a 100m dash.

«Internet is probably making a very jaded audience»

What it is necessary in this decade or in these days in order to make a record label work? Why do the big labels complain so much?

Big labels don’t understand the market. They’re entertainment conglomerates more than labels and they’re using the same marketing ploys that worked 10 years ago today and it’s not working. To add to that, their new ideas are bad. They’re not A&R companies. There’s no David Geffen finding Joni Mitchell or Ahmet Ertegun and Jac Holtzman with The Doors… those kinds of people aren’t in the major labels in the A&R perspective.

Is the internet culture of “Now and Here” making it difficult to release reissues like you’re doing? Or do you think that’s a different part of the market for another type of consumer?

Completely different market. Reissues are a physical market, 100%.

Captured Tracks Team

«Big labels have given up on selling music. They’re all about branding a character or persona»

What’s your opinion about the internet and the massive information we have each day? Is it positive or the music and their professionals? Who is the most affected?

It’s a lot of noise to sift through. You need to curate. If you add to that noise you’re just over saturating. I think it’s positive for musicians in that the indie audience is around to hear you and it’s not like the 90’s where you need a huge college radio and print campaign to even get your music into stores. From the listener standpoint it’s great. For quality of music, it’s pretty bad. For the same reason. You don’t need to financially commit to creating an LP so you can release willy-nilly with no rhyme or reason. It’s a lot to sift through without a buyer’s commitment to give a release a real chance. If you spend $10-$15 on a record, you’re going to listen to it a few times at least before trading it. But now, people can just sift through the miasma for free, so if you don’t like something the first time, you’ll likely not return to it. About half of my favorite artists I didn’t like at first, but I paid my money to hear it so I kept listening.

Is the internet dehumanising the way we consume music or are we getting scared or too negative as it’s a market which is relatively new?

I don’t think it’s dehumanizing. I think it’s abject to natural taste forming. For example, I used to hit the $1.00 bin cassette cutout bin at my neighborhood record store all the time. That’s how I heard my first Wire, Gang of Four, The Wipers, all that great stuff. I heard of these bands but never HEARD them. The excitement of finding it and putting it in my car stereo on the way home was a real experience. The fact that everything is at the touch of a button and a whole catalog of an artist can be consumed in a day and then it’s «move on» to the next thing is probably making a very jaded audience. Those were revelations to me and now it’s very ho-hum.

Should we change the typical question about “Digital or Analog”, as it seems more obvious that today is a matter of balance?

I don’t think the means of listening matters, it’s just personal preference. I think the real difference is the passive music experience vs. the whole idea of choosing an LP, CD or tape, maybe having a drink and sitting down and listening to it. I think most music is now consumed in a collapsed YouTube video or randomized Spotify.

According to Billboard, there are no platinum albums from 2014 yet. Is it just statistics or should we think about what this means?

It’s just streaming. Artists who would be platinum are on labels who have given up on actually selling music, they’re all about branding a character or persona. You buy into the image and lifestyle of Nikki Minaj. You stream it, you read about whatever she’s doing in the dailies. I don’t think there’s a clamoring of people waiting to get an LP.

«Indie culture is like Normcore fashion translated into music»

There’s a lot of talk now in Spain about the indie concept, the hipster culture and why it is cool or uncool. Do you think when we talk about “indie” and “mainstream”, they’re words that are becoming outdated as sometimes it get more difficult to make a difference about them?

There’s a conscious effort on «indie» bands to become mainstream these days. More overt than in the 80’s or 90’s where you had crossover bands like R.E.M. or Nirvana or Smashing Pumpkins. There’s no idea of toppling what mainstream music is like there was at the time of those acts. «Indie» culture embraces mainstream music in a detrimental way to me. If you read about most top-tier indie artists they are jumping over the moon to collaborate and be accepted by Beyonce, Rihanna, etc. It’s like Normcore fashion translated into music. Indie music is like a «lesser» mainstream if that’s the case, which is stupid. It should be what it’s always been, a smaller niche catering to other tastes, and within that you’ll have breakthrough artists and new ideas.

I actually want indie artists to be contrived and even pretentious. Those words are considered evil but I think it would be refreshing for someone to cultivate an idea from a lot of laborious thought (Contrived) while trying to be something more than they are (Pretentious).

C/T bands sounds very fresh and very different, but is there a style that you’re sure you wouldn’t release?

No! I listen to a ton of jazz, metal, samba, hip hop… I’d never release anything we couldn’t service really well but I would sign any band I really liked.

Mike Sniper

Here in Spain we have some bands that are doing good lately, like Deers, Mourn, El Último Vecino or even Ataque de Caspa, is there something from down here you’d like for C/T?

Watch Pitchfork tomorrow in response to newer bands, you’ll be pleasantly surprised? I love Ataque Du Caspa, but they’re an 80’s band, no?

You have released some of the most interesting bands in the last few years, but do you have a favourite or the best is always yet to come?

I can’t really pick roster favorites.

Would it change something for C/T if a massive anthem came out of one of your bands? (I personally think you’ve got at least some bands that are there, and think about Diiv, Beach Fossils, Wild Nothing…)

Yeah, we do have our «anthems.» I think «How Long Have You Known» by DIIV, «Daydream» by Beach Fossils, «Ode to Viceroy» by Mac DeMarco, «Summer Holiday» by Wild Nothing are anthems in their own worlds. I don’t know if there are really anthems in indie these days?

What’s the best and worst part of managing C/T?

The answer to both: working with artists. No one is always happy!

What are your expectations of Omnian at this point?

We just want to work with more people and expand the types of music we service while growing at a rate that no project feels left behind. We want to be a holistic company that isn’t a hinderance to growth but isn’t lacking what an artist needs to grow to the next step.

Any short/long term plans that you have in mind at this point?

We’re starting a whole slough of projects for 2015. It’s going to be a massive year for us. I’m preparing myself for the insanity…

David Bernardo @rockasting

«Las canciones han de funcionar desnudas» Entrevista con Jacobo Serra

Jacobo Serra

Su nombre ha dado ya muchas vueltas por las salas españolas. Este talentoso manchego emigrado años atrás a Gran Bretaña y de vuelta ya en España, se ha ganado el cariño de los fans y el respeto de la crítica de un plumazo.  «Don’t Give Up», es el LP debut de Jacobo Serra, un disco donde lleva la canción de autor a su mejor versión. Muestra un repertorio rico en texturas saliéndose de la clásica línea de cantautor con guitarra acústica en mano. Su música guiña el ojo al folk más cálido, con reminiscencias a Rufus Wainwright o a los mismos Beatles.

Hablamos con él para descubrir un poco más acerca de su  nuevo álbum y cómo lleva la vuelta a España en un momento en que la situación aboga por lo contrario.

 Qué tal estás Jacobo? Presentas tu primer álbum después del EP “The Word I Never Say” el pasado año ¿Cuáles son tus sensaciones?

Muy bien, gracias. The Word I Never Say me dejó con muchas de grabar un largo y al fin lo he podido hacer. La verdad es que me siento muy ilusionado por tocar este disco y por visitar muchos sitios para presentarlo.

El álbum es auto-producido pero grabas con los mismos músicos de Jero Romero si no estoy mal informado. ¿Cómo ha sido la experiencia?

Colaboré en la grabación del álbum con Nacho García y Alfonso Ferrer, dos de los miembros de la banda que acompaña a Jero Romero y con los que, a parte de grabar, también estoy presentando el disco. Nacho se encargó de grabar la percusión y la batería mientras que Alfonso se ocupó de los bajos. Además hice la mezcla del álbum con Alfonso. En Dont Give Up han colaborado también muchos otros amigos músicos, aunque de manera más puntual. La experiencia ha sido genial, son todos unos músicos estupendos y grandísimas personas. Quizás lo más duro fue asumir la producción del álbum y la manera en que decidí hacerlo, pues a parte de las bases, el resto lo fui grabando yo solo con mi estudio casero entre Valentia Island, Londres y Madrid. Supongo que a veces me resultó extenuante y que fueron numerosas las veces en las que pensé que no volvería a hacerlo de aquella manera… sin embargo, he de reconocer que, una vez acabado el disco, comencé a pensar en el siguiente…

 Empiezas cantando “Don’t Give Up” casi en la primera frase del disco, ¿Una auto-declaración de intenciones viendo las buenas críticas recibidas?

Supongo que es intencionado, en realidad quería que todo el disco girara en torno a esta canción. Es un mensaje optimista y el tema surgió con motivo de una especie de carta que me escribí a mi mismo animándome a no rendirme.

 ¿Buscas alguna reacción en particular en el oyente?

En realidad no sé qué reacción busco o si busco una reacción concreta. Me quedo con el silencio del oyente que escucha atento y quizás lo que me gustaría es transportar al espectador a estados de ánimo implícitos en mi música y que no sé exteriorizar de otra manera.

 ¿Cómo se ve la universalidad de la música habiendo viajado tanto y tocado en pequeños recintos? Especialmente en Reino Unido, ¿Qué es lo que uno aprende allí en un país tan culturalmente rico en música?

Aprendí muchísimo de mi etapa en el Reino Unido. Cambió mi manera de ver la música y creo que fue allí donde realmente comencé a definirme como artista.

 ¿Imagino que te influye o te inspira ideas de alguna manera el hecho de vivir y escuchar lo que se hace allí?

Supongo que si. La mayoría de las canciones que componen Dont Give Up están escritas allí y de alguna manera son expresiones de aquellas vivencias.

¿Se te hace extraño la vuelta a España después de tanto tiempo viviendo fuera?

Me encanta volver, me gusta mucho la sensación que uno tiene al regresar a una ciudad después de mucho tiempo. Quizás lo más extraño o tal vez interesante es ver cómo las modas cambian tan rápidamente hoy en día. Creo que eso se aprecia mucho cuando uno va y viene.

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 El disco tiene una mezcla muy rica de instrumentació ¿Te has querido demarcar un poco del binomio clásico cantautor-guitarra acústica para añadir más texturas a los temas?

Quizás esto obedezca a la necesidad, reconozco que a veces exacerbada, que tengo por tratar de incluir los distintos matices sonoros que quiero expresar en cada canción. Me encanta que los temas tengan pasajes de mucha riqueza instrumental y también que haya cierto contraste sonoro aunque por otro lado también aprecie mucho la presencia del silencio. Las canciones también han de funcionar desnudas, algún día me encantaría hacer un disco con guitarra y voz pero no sé si lo conseguiré.

 Hay una carga de melancolía presente a lo largo del disco. ¿Es más sencillo o inspirador hacer canciones que tiendan más la melancolía que temas abiertamente alegres o festivos?

No sabría decir si es más sencillo. Es cierto que la melancolía me resulta más atractiva e inspiradora. Y que la tristeza es tal vez un elemento muy presente en algunos pasajes de este álbum, pero la mía es aquella tristeza de la más profunda felicidad de la que habló Nietzsche.

 Se te compara con autores modernos como Ron Sexmith o Rufus Wainwright. pero realmente ¿creciste escuchando otro tipo de música? ¿Cómo llevas que te comparen con autores tan influyentes?

Que me comparen con autores así es para mi un gran halago y un honor. Crecí escuchando mucha música clásica y mucha ópera. También canté polifonía clásica durante unos años… Pero supongo que los Beatles lo cambiaron todo. Descubrí a Ron Sexsmith porque una amiga me dijo que le recordaba un poco a él en su manera de cantar. A veces descubro a autores modernos porque me comparan con ellos, para mi es como digo un honor.

«El público español está más preparado que nunca para consumir música de cualquier tipo»

 ¿Cómo llega uno a acabar tocando sus propios temas para Ron Sexsmith en casa de Ramón Arroyo como hemos llegado a leer?

Fue suerte, lo que ocurrió es que tras su concierto nos fuimos a tomar algo por Madrid con él y su banda y al final acabamos tocando en casa de Ramón… Me pidieron que cantara algo, así que acabé tocando The Word I Never Say con Ron Sexsmith.

 ¿Es más difícil llegar al público español cantando en inglés? ¿O crees que por el contrario puede ser un factor positivo viendo la buena acogida que han tenido por lo general cantautores anglosajones en nuestro país?

Yo creo que el público español está más preparado que nunca para consumir música de cualquier tipo y en cualquier formato o idioma. Mi mayor reto es llegar al público.

Conseguiste que sonara alguno de tus temas en “Frágiles” de Telecinco. ¿Te ves componiendo música para cine / tv?

Creo que si tienes la necesidad de escribir música y además disfrutas haciéndolo, la composición para cine o tv puede ser algo muy divertido. He escrito música para tres documentales independientes y la verdad es que me gustaría seguir haciéndolo.

 ¿Cuáles son tus planes a corto y largo plazo en estos meses venideros y en 2015?

Tocar mucho. Ahora estoy centrado enteramente en Dont Give Up y me gustaría seguir presentándolo por todas partes.


El espectáculo de Future Islands

Future Islands Madrid

Alguien debió decir alguna vez aquello de baila como si nadie te estuviese mirando. Y seguramente Samuel T. Herring se lo tomó al pie de la letra, personalizando su estilo de manera electrizante. Future Islands se han convertido en una de las sensaciones del 2014 gracias a un claro contendiente a disco del año. Pero si hay algo que les ha catapultado a la altura del excepcional disco, son sus directos. Y en especial la figura de su cantante, que eclipsa inevitablemente al resto de la banda. Un showman con todas las letras. De los que no abundan. El repertorio de movimientos que muestra Herring en el escenario es salvaje e irracional. Y la teatralidad de su puesta en escena resulta tan real que abruma.

Calma antes de la tormenta. Samuel se distrae horas antes del concierto.

Calma antes de la tormenta. Samuel se distrae horas antes del concierto.

El concierto, con todo vendido desde hace semanas, repasa la mayor parte de “Singles”, lanzando “Back In The Tall Grass”, “A Dream Of You And Me” y “Sun In The Morning” a las primeras de cambio. El shynthpop de los de Baltimore funciona en directo casi mejor que en el álbum. La energía de la banda se canaliza en Herring y sus desafíos a la gravedad, que solo ven un momento de calma durante “The Great Fire” y “A Song For Our Grandfathers”. La interacción con el público es radical. Se asegura de transmitir su mensaje mirando a los ojos a las primeras filas, dándoles la mano y cantando a la cara mientras se desgañita mostrando su faceta más emocional. Sirva de ayuda la mezcla explosiva que consigue transformando su voz de crooner clásico con el sonido gutural de cantante de death metal en cuestión de segundos.

Los momentos más populares llegan de la mano de los clásicos viejos y nuevos. “Balance” y “Seasons” son dos de los temas más celebrados, pero sería en “Tin Man”, “Long Flight” y “Vireo’s Eye” cuando vemos al Herring más poseído, lanzándose en plancha por el escenario provocando incluso que la sangre llegue a sus brazos. Las tablas y el equilibrio que aportan sus compañeros aguantan la marea, resultando en un directo muy completo y contundente, que deja a más de uno en fuera de juego.

Una banda con un directo de excepción, que pretende dar saltos definitivos a las esferas más altas de la industria musical.


Luminosidad electrónica.

The Horrors 2014


No es una sorpresa que la banda de Faris Badwan siempre haya sentido curiosidad por explorar nuevas ideas en sus discos. Por eso la ruleta de estilos e influencias a la que nos han acostumbrado en cada nuevo álbum no podía faltar en esta ocasión. En el cuarto álbum de la banda, llamado Luminous (XL Recordings, 2014),  los sintetizadores y ganchos habituales siguen aún presentes, pero es en el giro a la electrónica donde la banda ha encontrado el nicho a explotar, particularmente visible en temas como “First Day Of Spring” o “In And Out Of Sight”.

El sonido de la banda se expande, dando también lugar a intensas partes instrumentales, como en el tema que abre el disco, “Chasing Shadows”, o el contagioso “I See You”. Sigue habiendo muestras de psicodelia, shoegaze, y música pop, aunque el disco a la larga se hace más difuso, y puede engañar el hecho de no contener un gran éxito que sobresalga, como ocurría en “Skying” o “Primary Colours”.

“Luminous” es un buen disco que bien puede ser el punto de inflexión que marque la carrera de los británicos, postulados como una de las bandas más interesantes del Reino Unido.

Calidez para las islas.

Glass Animals Pictures

Glass Animals son una de las comidillas de este año en lo que nuevas bandas se refiere. Hubo jaleo antes de que sacaran su debut, y lo hay después. La banda de Dave Bayley propone seguir las huellas que dejan bandas como Wild Beasts en Reino Unido y tiran con “Zaba” (Wolf Tone, 2014) por el camino de en medio. Su sonido cálido parece poner a prueba los gustos británicos, y utilizan bases de trip-hop, con texturas electrónicas suaves y rápidamente adictivas. Un nuevo easy-listening para los nuevos tiempos, quizás. La voz de Bayley nunca se levanta en demasía y logra una sensualidad inusual, convirtiéndolo quiera o no, en un álbum ideal para bajar las luces.

Se inspira en el RnB y en formas sinuosas que ya hemos observado en Alt-J o Jungle sin ir más lejos. Apoyándose constantemente en la voz de Bayley y con influencias africanas en las percusiones, trazos de música ambiental y psicodelia plana.

Los primeros singles en darse a conocer, “Pools” y “Gooey”, fueron causa de una cálida acogida por parte de los medios. Pero el disco esconde detalles, voces y pequeños sonidos que se descubren con cada escucha, dejando al descubierto un álbum elegante con una producción muy lograda. Lo publican en Wolf Tone, del productor Paul Epworth, manija de los éxitos de Florence And The Machine o Adele. Entonces, ¿me están vendiendo indie o mainstream? En fin.

«Zaba» es uno de los discos destacados del año, y Glass Animals estarán presentándolo en directo la próxima semana en España de mano de Cooncert, los días 22 y 23 en La [2] de Apolo en Barcelona, y la sala Charada de Madrid respectivamente. Una buena oportunidad de ver uno de los hypes del año en su punto de ebullición.

Peter Broderick – Teatro del Arte, Madrid.


Teatro del Arte, Madrid
Son Estrella Galicia

Si es cierto aquello de que la primera impresión es la que cuenta, sin duda la que nos ha dejado esta noche el músico de Portland ha sido ciertamente inmejorable. Peter Broderick es un multi-instrumentista curtido en muchas batallas, que por primera vez se presenta en directo con banda completa en nuestro país. Podría ser un decir cuando él mismo es una banda andante, imitando incluso la trompeta con la boca en alguna ocasión. Pero viene bien acompañado con tres músicos con los que ha grabado su último disco, el EP “(Colours Of The Night) Satellite” (Bella Union, 2014). Especial mención para su percusionista, el cual lleva una colección de artilugios considerable, que le sirve para llevar firme el timón en muchos de los temas. La banda le aporta peso en muchas canciones, especialmente aquellas que empiezan en clave de folk y terminan en jam session de distintos estilos. Un acierto que esperemos sea un proyecto a largo plazo.

La sueca-japonesa Sumie ha sido la encargada de telonear a Broderick, interpretando sus delicados temas, que se bastan con su guitarra acústica y su voz como instrumento adicional. Broderick, que interpreta los dos últimos temas de Sumie, aparece como por arte de magia en el escenario para cantar a capella «Sideline«, mientras anima a los últimos rezagados a tomar sus asientos, antes de sentarse él mismo a finalizar el tema en un piano situado en una esquina de la sala. El Teatro del Arte proporciona una intimidad que le viene como anillo al dedo a la música de Broderick. La sala resulta muy familiar, con un silencio casi sepulcral. Apenas tiene capacidad para unas 100-150 personas, que se disponen alrededor de un funcional escenario situado a ras de suelo.

El concierto deja latente la extremada versatilidad del músico, mezclando géneros que van desde el folk, al funk o el soul, pasando por el jazz, el blues, música hablada, bases de hip-hop, momentos para la psicodelia e incluso algo de post-rock. Si alguien pregunta por innovación que llame por esta puerta. Hay momentos para cantar con el público, como en la interpretación de su ultimo single, “Colours Of The Night”, o dejando a un lado los micrófonos para aprovechar la buena acústica de la sala, como es el caso de “With The Notes In My Ears” o “Below”, con todos los músicos en primera fila en pie haciendo coros a Broderick y su guitarra acústica. Su música tira de raíces americanas clásicas, pero sin apego alguno por mezclar para conseguir un abanico musical realmente único.

Aprovecha para presentar temas de su último EP pero también para deleitarnos con alguna versión personalísima, como el “Get On With Your Life” de Stina Nordenstam, u otra canción de la americana Shelley Short, con Sumie a las voces devolviéndole el favor inicial. El cantante incluso acepta bises y se anima con el primer tema que le lanzan desde la primera fila, “Hello To Nils” incluido en el álbum “How They Are” de 2007.

Peter Broderick en Madrid

Quizás Broderick no tenga el reconocimiento que se merece. Y seguramente el boca a oreja pueda ser uno de sus grandes aliados, pero apuesto a que cada persona que tiene oportunidad de verlo no duda en repetir y atraer más fieles. Su interpretación, o performance, que parece que la primera se queda corta, es muy original, es atrevida e innovadora. Su música está muy lejos de ser comercial, con un tímido intento quizá en este último EP, pero lo que transmite con todo su talento, su naturalidad innata y la imagen que deja tras un espectáculo en directo no son muy comunes.

Esperemos que el lleno que ha habido esta noche sirva para poder ver en más ocasiones a un músico excepcional con apego a salirse de las normas convencionales.

Conciertos ilimitados por 20 € al mes.

Música en directo

La propuesta es definitivamente tentadora para los asiduos a la música en directo. Y la idea es muy clara. La app de Jukely te permite asistir a conciertos ilimitados por solo 25$ al mes, prácticamente el precio de un solo concierto.

La aplicación en cuestión es una plataforma social para encontrar y recomendar conciertos. Se puede escuchar música directamente desde la app, invitar a amigos y compartir y comentar conciertos. Después de conseguir una generosa financiación de 2.4 millones de dólares , proveniente de inversores de Spotify, Pandora o Soundcloud, Jukely lanza ahora Jukely Unlimited. Su nueva variante, permitirá a los suscriptores recibir notificaciones acerca de los conciertos que más se aproximan a sus gustos musicales. Porque Jukely también aprende del usuario a medida que este interactúa con la aplicación.

De este modo la aplicación recomienda al usuario los conciertos disponibles y los amigos que potencialmente puedan estar interesados dentro de su red. Los suscriptores, una vez recibida dicha notificación, pueden confirmar su asistencia en línea (RSVP) a tantos conciertos como deseen, dependiendo siempre de la capacidad del local. Y todo por solo 25 $ al mes. Su co-fundador, Bora Celik, lo explicaba así:

“Creamos Jukely para que resulte más fácil para los aficionados a la música de todo el mundo descubrir y disfrutar de nueva música en directo. No podíamos estar más emocionados con Jukely Unlimited de llevar esto al siguiente nivel, ofreciendo conciertos ilimitados en tu área. Además Jukely Unlimited no puede ser más fácil de usar, ya que hace incluso la planificación por sí mismo”.

De momento solo está disponible en NYC, y cuenta con el respaldo de 17 locales, si bien no se ha especificado aún cuáles son, más ciudades y locales se van a añadir pronto. Actualmente solamente está activo para invitados, pero si vive en NYC, puede inscribirse para solicitar su invitación a través de este link.

Los besos de Lydia

Lydia Loveless

De Lydia Loveless. Luego les diremos porqué. Esta americana tenía una historia con el country perfecta. Creció en una granja en Ohio, donde tocaba en sus ratos libres en una banda, en la que estaba acompañada por su padre y sus hermanas. Llega a grabar su primer álbum a las 17 años, donde tira de country clásico y recibe una buena acogida. Pero en el tercer álbum es donde decide cambiar el banjo por la guitarra acústica.

Es posible que sea en este «Somewhere Else», en el que el efímero nivel de fama de la americana se iguale con la alta consideración que le guarda la crítica. Aunque complicado cuando prácticamente no cuenta con promoción alguna. 

En esta ocasión se inclina definitivamente al folk-rock de cantautor, con un emotivo disco que ha pulido los fuertes elementos country-rock de sus dos primeros trabajos, si bien algo se podía intuir en el maravilloso EP “Boy Crazy» del año pasado. Las comparaciones e influencias de Neko Case, Lucinda Williams o Patti Smith están ahí, pero con solo 24 años, Lydia Loveless consigue minimizarlas para impregnar su presencia y carisma a lo largo de todo el disco. El timbre de su voz hace que suene convincente tanto en los temas más dramáticos como en los más seguros.

Tiene talento y se ve cómoda en medios tiempos redondos como “Chris Isaac” (+1, en el anterior álbum tenía un tema llamado y dedicado a «Steve Earl») o “Wine Lips”, donde termina literalmente lanzando besos, pero también en las unas enérgicas “To Love Somebody” o “Really Wanna See You Again» que ganan con banda completa

“Somewhere Else” es una inyección de buen rollo que puede acercar el género a nuevas generaciones de oyentes ávidos por escuchar música nueva interesante. Es un disco contundente, que suena sincero, y que devuelve la fe en el mejor folk rock americano de raíces.

El futuro de SXSW


Las alarmas no han tardado en saltar. Tras un reporte de la agencia Populous, que cuenta entre sus clientes con la Fifa, la Super Bowl o el Comité Olímpico Internacional, todos el entorno que rodea el legendario festival hace un análisis de los problemas más llamativos del festival.

El reporte viene a raíz del horrible siniestro del pasado año, cuando un individuo atropelló mortalmente a dos personas y dejó 24 heridos. La organización del festival, que siempre se ha tomado muy en serio el feedback que recibe de artistas, asistentes y lugareños, ha decidido replantearse su modus operandi antes de que sea demasiado tarde. Para ello,  ha encargado  a una prestigiosa agencia que contemple todas las variables presentes y futuras para la viabilidad del macro evento más importante de Austin.

Esto es lo que sugiere Populous y que está empezando a levantar ampollas:

“Si SXSW no puede mantener el éxito y el crecimiento en el futuro, como cualquier negocio, eventualmente tendrán que tomar decisiones acerca de si pueden o no seguir existiendo en su formato y ubicación actual. Es muy posible que SXSW no tenga otra opción que trasladar los conceptos de oferta su evento a otras ciudades para sostener su modelo de negocio. Esto sería un asunto muy serio para todas las partes teniendo en cuenta el significativo impacto financiero significativo y el retorno que SXSW ofrece a la comunidad, así como la contribución a la marca y el Valor de la Ciudad (PR)”

Aunque los mismos fundadores, de la voz de Roland Swenson han afirmado que no contemplan el traslado de SXSW fuera de Austin, la reflexión en torno al tema cobra mucho sentido.
El plan de seguridad incluye cacheos en las entradas de 6th Street, y otorgar a la organización un mayor control sobre las zonas comunes de la ciudad y los actos no oficiales. También contempla la creación de una denominada  “Zona Limpia” que si bien no se ha especificado en que consistiría con exactitud, sería parecido a lo que acontece en eventos como la Super Bowl, quedando bloqueados todos los actos ajenos a la organización de SXSW en un amplio radio de acción. En términos cuantitativos, imaginen la desaparición de los míticos eventos de Hype Hotel, Fader o la práctica totalidad de los eventos de Rainey Street.

El informe, objetivo aparentemente, apuesta por mantener la “equidad de los esponsors”, viendo injusto que algunas marcas paguen cantidades astronómicas por patrocinar grandes eventos, veáse Doritos con Lady Gaga, por ejemplo, mientras otras puedan obtener buenos ingresos patrocinando pequeños eventos en establecimientos de menor capacidad, véase Spotify House, o Dr Martens en el Bar 96 de la mencionada Rainey Street.

La pelota está en el tejado de la propia organización. Empeñada históricamente en hacer un festival lo más organizado posible, escuchando a todas las partes y haciendo crítica constructiva de cada edición, ha llegado el momento en que deben decidir si restringen los eventos no oficiales, con el beneplácito de los mandatarios de la ciudad, o si consideran alejarse a una zona cerrada y acotada al estilo clásico de cualquier festival. En el primer caso, dar portazo a los actos no oficiales supondría mermar drásticamente el espíritu de SXSW. Pero en el segundo caso también, ya que SXSW es la calle, sus gentes, el bullicio y el hecho de que cada rincón de la ciudad tenga una banda tocando a cualquier hora del día y de la noche.

El corporativismo que mece la cuna de SXSW parece estar moviendo sus hilos para no encontrarse con competencia desleal. Por el momento las advertencias y sugerencias vienen en forma de distinguidos reportes, pero ya se ha abierto el debate en Texas y los cambios pueden tener consecuencias ya en la próxima edición.

SXSW se pregunta qué quiere ser viendo en que se ha convertido. Difícil lograr un consenso que deje satisfecho a todas las partes.
La historia dará que hablar.

David Bernardo