South By Southwest (SXSW) es uno de los eventos musicales más grandes del año y del que menos información se proyecta más allá de sus fronteras. Su primera edición se celebró en 1987, aunque congrega ya 3 grandes divisiones para dinamizar el crecimiento que ha supuesto en estos últimos años. Así, SXSW Film, SXSW Music, y SXSW Interactive, tienen lugar durante 10 días de Marzo en Austin, la capital del estado de Texas. También promueven nuevos eventos como SXSWedu, dedicado a las últimas innovaciones en el campo de la educación, SXSWeco, con el medio ambiente como leitmotive principal, y una edición en Las Vegas llamada SXSW V2V (Vegas To Vegas), cuya conferencia gira en torno al mundo de las startups.
Pero vamos a hablar a grandes rasgos de la idiosincrasia del festival de música. El SXSW es un singular evento en el que además del recinto oficial, el Austin Convention Centre, la ciudad se vuelca con el festival y cada rincón de Austin es un escenario improvisado o no, a disposición de las bandas de todo el mundo que hacen acto de presencia en Texas. El festival de música dura 5 días con sus respectivas noches. Es significativo porque los actos empiezan a las 9 de la mañana y duran hasta bien entrada la tarde, cuando convergen con todas las actuaciones de los locales de la ciudad. Más de 100 en total.
Más de 2000 artistas pasan oficialmente por el festival. Las bandas tienen que costearse prácticamente todos los gastos para llegar allí, especialmente si no cuentan con el apoyo de una discográfica detrás, si bien la organización les da a elegir entre 100 y 250$, o un “Music Badge” (cuyo precio original son 750$) con acceso a todos los actos musicales de la semana. Los artistas tienen un acto oficial dentro del festival, denominado showcase, de unos 40 minutos de duración, no obstante las bandas suelen aprovechar para tocar el resto de su estancia en Austin en fiestas y bares de la ciudad, ofreciendo habitualmente entre 2 y 6 actuaciones más durante la semana del festival. Algunas son semi-secretas, con line-ups e instrucciones anunciadas con pocos días de antelación, y otras pueden terminar en escenarios improvisados en jardines particulares o en las clásicas camionetas pick-ups acondicionadas sobre la marcha en el mejor escenario posible en mitad de cualquier calle.
El festival está enfocado a bandas noveles que quieren ser descubiertas, aunque el escaparate de marcas es tan alto que muchas veces eclipsan a los propios artistas. Ha sido a veces criticada la presencia de bandas contrastadas, a lo que la organización se defiende argumentando que forman parte del crecimiento del festival. Pero lo cierto es que más de uno ve una pérdida importante de encanto e identidad en la aglomeración en que se va transformando año a año.
Amén de las bandas noveles, con muchas de ellas tocando 2 conciertos por día durante toda la semana, hay artistas que aprovechan el festival para promocionar sus álbumes, aprovechándose de la confirmación instantánea que provocan sus nombres. Esto ha sucedido con Vampire Weekend, Yeah Yeah Yeahs o Flaming Lips. Además hay bandas veteranas que aprovechan para rascar nuevos fans e impulsar sus discografías, como es el caso de Blondie este año, o The Zombies el anterior.
Las entradas consisten en «badges» o acreditaciones. Se pueden comprar hasta con un año de antelación, y los precios van de los 400 a los 800$ para los Music Badges, hasta los 1800$ que pueden llegar a costar los Platinum Badges, que dan acceso total a SXSW Music, SXSW Film y SXSW Interactive. Todo ello con su correspondiente entrada garantizada a las conferencias, congresos, panels y ferias, donde se cita el 75% de la industria musical mundial. Así pues no es un festival al uso como Coachella o Glastonbury. SXSW está ideado en las bandas noveles pero el plato fuerte está en el bolsillo e ideas de la industria discográfica y las empresas que de algún modo se pueden vincular a esta. Cabe destacar que el festival deja en la ciudad más de 200 millones de dólares, y lo convierte en el principal referente de Austin.
Uno de los platos fuertes como decíamos, son las conferencias. Y la más popular es sin duda la que ofrece el conferenciante estrella, que en estos últimos años ha contado con la presencia de Bruce Springsteen, Dave Grohl o Bob Geldof, Pero para que se hagan una idea de la dimensión que tiene el evento, el honor de ser el conferenciante estrella ha llegado a contar con ilustres como Johnny Cash, Neil Young, Carl Perkins, Nick Lowe, Lou Reed, Robert Plant, Little Richard, Quincy Jones, Steve Earle o Daniel Lanois. Estamos en EEUU y de montar espectáculos de calidad saben unos años.
Toda la parafernalia del South By Southwest es digna de ser analizada en profundidad, con sus pros y sus contras, pero no debemos olvidar que hay muchos artistas que han conseguido sino salir de aquí como artistas consagrados, si dar el impulso definitivo a sus carreras a partir de este festival. Así tenemos a los hermanos Hanson, que fueron fichados en 1994, a John Mayer en el año 2000, a The Polyphonic Spree o James Blunt, o más recientemente actos ya tan familiares como José González, Odd Future, Alabama Shakes, The Lumineers,Alt-J, Japandroids, Haim, Grimes, Icona Pop o Guards sin ir más lejos.
Esto es Austin. Estamos en la denominada capital mundial de la música en directo e incluso las cosas pequeñas se hacen a lo grande. Solo queda disfrutar al máximo y dejarse llevar por el espíritu de la música como cuando abrimos nuestros primeros vinilos.
ROCKASTviaja a Austin en Marzo a la mayor celebración musical del mundo. En breve toda la información del festival y todas sus innumerables nuevas bandas.
De momento, les dejamos nuestra Playlist con los mejores nuevos y no tan nuevos artistas del festival. Más de 15 horas y 200 artistas a tan solo un click:
Ya vimos con Rhye o con Against Me! que en la música no todo es lo que parece. Y por ese camino seguimos. Estas dos hijas de la célebre Berklee School Of Music de Boston podían ser gemelas. Pero no lo son. Ni siquiera son hermanas. Afincadas en Brooklyn, han empezado a magnificar el eco conseguido a través de prestigiosos columnistas que van del NY Times hasta The Guardian o Rolling Stone.
Se hacen llamar Lucius, y desde que publicaron recientemente Wildewoman, su álbum debut, han conseguido que la vorágine digital se ponga rápidamente manos a la obra.
Su puesta en escena resulta original, muy mod y por tanto visualmente resultona. Las voces de Jess Wolfe y Holly Laessig aparecen siempre en primer plano, con indumentaria y peinados a juego, pero también hay lugar para las guitarras, baterías y mostachos del resto de la banda, que logran armonizar el cuadro final. Algo de agradecer como elemento diferenciador añadido a su talento.
En 2012 lanzaron su primer EP con 4 temas, 3 de los cuales, Turn It Around, Don’t Just Sit There y Go Home aparecen también en Wildewoman (Mom + Pop Music, 2013), y poco más tarde un EP en directo llamado Lucius Get Noisey.
Lo cierto es que suenan especialmente bien. Cuentan con buenas armonías, percusión marcada a lo Arcade Fire y momentos folk y pop que recuerdan en ocasiones a los 60, o a contemporáneos como Tegan & Sara. Ya han hecho anuncios para TV y compartido escenario con Wilco, además de una intentona de re-grabar el álbum blanco de los Beatles. Tienen un buen directo y un sello, Mom + Pop Music, que ya ha hecho de las suyas con Smith Westerns, Wavves o Sleigh Bells por citar algunos. Su ascensión total parece cuestión de tiempo, con una onda expansiva similar a la de las Haim. Que no se lo cuenten.
Su influencia se ha puesto de relevancia de una manera evidente en los últimos años. Ya fuera a través de rock espacial o de pequeños goteos constantes en muchos de los mejores álbumes que pasan por las listas de finales de año. Los nombres de Prince Rama, Unknown Mortal Orchestra, White Denim, MGMT, AnimalCollective o Foxygen por citar algunos, se han dejado abrazar sin complejos por una psicodelia cuyo vestido de moda permanece impermeable al paso de los años.
Es inevitable pensar que un estandarte contemporáneo como el Lonerism de Tame Impala ha echado más de una mano a impulsar el género. Pero no es menos cierto que vienen formaciones muy jóvenes cuya mira alcanza muchos años atrás y que están haciendo álbumes realmente excepcionales, en algunos casos sin la inestimable ayuda de un productor de renombre.
Este es el caso de estos tipos de la pequeña localidad de Kettering, al Norte de Londres. El bueno de Jeff Barrett, capo de Heavenly Records, los descubrió cuando apenas habían tocado juntos y les ofreció lanzar su primer single. Más de un año y medio después de aquello, unos meticulosos Temples lanzan hoy Sun Structures ([PIAS] 2014), un debut avalado por las buenas caras de Johnny Marr y Noel Gallaguer que viene precedido de toda clase de grandes augurios, amén de sendas apariciones en Coachella y Primavera Sound a las primeras de cambio.
ROCKAST tiene la oportunidad de hablar con Thomas E. Warmsley (bajista y co-fundador de la banda), tras su paso por Barcelona para intentar comprender el cómo y el porqué de un disco tan prometedor.
¿Qué tal estáis? Estuvisteis en Barcelona ayer ¿verdad?
Bien, sí acabamos de volver de España, ayer estuvimos en Barcelona, ha sido un viaje muy bueno. Estamos deseando ir a Madrid también, todavía no hemos estado.
Hace 2 años desde que empezasteis a sacar muy buenos temas, pero da la impresión de que lleváis haciendo esto toda la vida. ¿Era el momento justo para lanzar el disco?
Trabajamos mucho durante el último año y medio. Cuando creamos la banda, al final del verano de 2012, queríamos crear una colección de canciones que la gente pudiera escuchar de seguido. Así que decidimos subir 4 canciones a YouTube. Mientras otras bandas puede que no tengan ninguna grabación para empezar, o quizás solamente una canción, creo que a nosotros los 4 temas nos dieron a conocer y quizás hizo que la gente se sintiera más familiar con nosotros. Nos ayudó con todo lo que hemos hecho después. Y también el hecho de tener una idea fuerte de lo que queríamos conseguir con el disco y grabarlo mientras estábamos de gira. Teníamos visiones muy fuertes desde el principio de lo que queríamos conseguir.
Conseguisteis un contrato discográfico y un single justo antes de que hubierais siquiera tocado juntos.
Bueno, creo que habíamos hecho un par de shows. Y creo que fue justo después de 4 meses que habíamos escrito algunas de las canciones y organizado toda la formación, cuando Jeff Barrett de Heavenly (Records) se puso en contacto con nosotros para lanzar nuestro single. Creo que Heavenly es una de las grandes compañías independientes aquí en UK. Son muy activos. Y el hecho de que lo pudiéramos grabar nosotros mismos con todas las ideas que teníamos desde el principio ha sido un verdadero placer.
«Somos bastante privilegiados de haber nacido en esta década y tener semejante legado de buena música»
¿Qué es lo que os ha llevado a hacer este disco sin más productores que vosotros mismos?
Creo que las bandas están influenciadas por los productores. Nosotros estábamos apasionados por la producción del disco. Muchos de nuestros discos favoritos están guiados realmente por ese sonido. Gente como Brian Eno o Jack Nitzsche tienen un sonido distintivo, y consiguen algo único en las canciones en las que trabajan. Para nosotros el sonido del disco era tan importante como las canciones, y conseguir un sello que nos permitiera grabarlo a nosotros mismos era un elemento importante que teníamos que mantener, espacialmente en este primer disco. Y también tenía que ser la forma más barata, sabes, el no tener que gastar una fortuna en un estudio profesional.
¿Esperabais tan buen recibimiento?
En absoluto. La única razón por la que Temples existe es porque grabamos 4 canciones en el estudio de James. Y solo porque disfrutamos de cómo sonaban y por lo que conseguimos capturar en esos temas. El hecho de que la gente reaccione es algo de lo que estamos muy agradecidos. Capturar lo que habíamos hecho es algo que hemos trasladado al álbum. Y es fantástico si la gente entiende lo que estamos intentando conseguir en el disco.
¿Habéis grabado el disco exclusivamente con equipo analógico?
Cuando llega el momento de capturar sonidos, aunque estamos utilizando efectos analógicos, con cintas o viejos micrófonos, nos acogemos al lado digital de la tecnología, limpieza de sonidos, secuenciadores… Acogerse a ambos es muy importante. Restringirte a ti mismo a intentar crear una replica exacta de bandas de distintas épicas es probablemente bastante derrotista en muchos sentidos. Nos gusta abrazar la música contemporánea tanto como influencias más antiguas.
¿Cómo es el proceso de composición de los temas? ¿Escribís todos juntos?
Sí, todo el álbum ha sido escrito en el estudio y en cuanto teníamos una idea a menudo la grabábamos directamente. Más o menos creamos una imagen alrededor de una idea y la grabamos de inmediato. Está muy radicado en el estudio y es bastante impulsivo, en el sentido en que si una canción está a medias, continuamos trabajando en ella hasta que conseguimos la atmósfera idónea alrededor de la canción. Para nosotros parece que funciona.
Si echas un vistazo a vuestras influencias, parece que habéis nacido en la década errónea.
No creo que ninguna década tenga más influencia que otra. Supongo que tenemos el privilegio de que todas nuestras influencias favoritas son de los últimos 50 años. Descubrimos que las canciones pop de los 60 eran una influencia, los experimentos con los sonidos de los 70, la electrónica de los 80, y el sampling de los 90. Somos bastante privilegiados de haber nacido en esta década y tener semejante legado de buena música.
«Para nosotros, el sonido es tan importante como las canciones»
¿Deberíamos redefinir la palabra psicodelia?
Es una palabra que aparece un montón hoy en día, especialmente durante el último año o así. Para nosotros en particular, creo que no se puede definir algo como psicodélico en un sentido material. Creo que es más un sentimiento de la música. No importa el estilo o la influencia, sino cómo reaccionas, y la experiencia y el sentimiento es probablemente lo psicodélico, más que un sonido o imagen en particular.
Queda abierta a la interpretación de cada uno. Mientras sea así con la música, no creo que la gente se equivoque.
Podría ser peligroso si le considera una moda.
Cada década encarna un elemento psicodélico. Pienso que la gente es cada vez más consciente de esto y está en la consciencia musical de cada uno. Tiene que ver con la percepción, con un camino psicodélico. Hay tantos estilos musicales, del dance a la electrónica, del jazz al folk… tiene el poder de la imaginación, y si la gente se de cuenta de esto, entonces será algo bueno que revitalizará el interés en la música en directo también.
Tenéis un puñado de shows por delante este año, incluyendo Coachella o Primavera Sound. ¿Cuáles son vuestros planes a corto plazo?
Estamos muy emocionados de tener por fin el disco en el mercado, y creemos que quizás la gente entenderá Temples un poco mejor que están más al tanto de cada espectro de nuestro sonido. Estamos deseando poder tocar tanto como sea posible, poder defender el disco en vivo y extender lo que la gente está experimentando con el disco en el directo y todo el proceso que lleva es de lo que más emocionados estamos.
Última pregunta, ¿Sois felices?
¡Sí! Somos muy felices, estamos encantados con el disco y con muchas ganas de salir ahí fuera y tocarlo ante tantas personas como sea posible. Y espero que tú también seas feliz.
La velocidad a la que se mueve la música no es una novedad, y el hecho de llegar a un punto en que una joven promesa no llegue a sacar su álbum debut después de un EP prometedor está a la vuelta de la esquina, si es que no ha sucedido ya. Mientras tanto, disfrutemos con algunas de las bandas que más van a dar que hablar en este año 2014. Que no se lo cuenten.
TEMPLES
Es curioso cómo en los últimos años han ido apareciendo debuts cada vez mejores, de una calidad enorme, directamente proporcional al estrecho margen de aceptación o muerte que se les brinda ahora a las nuevas bandas. Este es el caso de Sun Structures, el debut de un dúo británico de la pequeña ciudad de Kettering, en el centro de Inglaterra. El disco es una genial oda a la psicodelia con motivos británicos que tiene prevista su salida para el próximo 10 de Febrero. Aunque no cuenten de momento con todo el apoyo de la BBC, los chicos cuentan con todos los ingredientescon un buen disco y padrinos de lujo, como son Johnny Marr y Noel Gallaguer, quienes les bendicen como la mejor banda de Gran Bretaña. La suerte está echada.
THUMPERS
Este duo londinense está formado por Marcus Pepperell y John Hamson Jr, amigos desde la infancia cuyos respectivos grupos no tomaron la forma que deseaban. Entre las giras de Noah and the Whale y Friendly Fires en las que Hamson participaba, fueron construyendo singles auto-producidos que llamaron la atención de la siempre exquisita BBC 6, como es el caso de Dancing’s Done. Para su primer EP ya contaron con la ayuda en la producción de David Kosten (Bat For Lashes, Everything Everything), que también está produciendo su álbum debut previsto para este año. Batería marcada, sintes y juegos vocales con la inestimable ayuda siempre de la hermana de Marcus, resultan en temas flotantes, altamente adictivos y bailables, un combo que Sub Pop no ha dejado escapar y ha aprovechado para mandar a la banda a telonear a grandes nombres como Two Door Cinema Club o Chvrches. (Sí, Chvrches)
CIRCA WAVES
La etiqueta de los siguientes Oasis ha dejado paso a la de los siguientes Arctic Monkeys. Y aquí es donde se pretende encajar a estos 4 chavales de Liverpool. Kieran Shuddall es la cabeza pensante. La misma que después de ver el éxito que tuvo su demo de Young Chasers en la red, necesitó hacerse con una banda y un nombre con el que presentarse formalmente.
Después de haber formado parte de varias bandas, está decidido a hacer un debut tan grande como Is This It o Whatever People Say I Am That’s What I’m Not. Flores aparte, los singles aparecidos hasta ahora en Transgressive tienen gancho fácil. Veremos.
CHAMPS
Desde la Isla de Wight, los hermanos Michael y David Champion presentarán en Febrero su álbum debut, Down Like Gold [PIAS], del que ya nos habían dejado una primera toma de contacto con My Spirit Is Broken. Los temas que han presentado conforman un sonido irresistible con una silueta de folk-rock épico que no pasa desapercibido.
De momento estarán girando por Reino Unido e Irlanda como teloneros de una banda australiana maravillosa como son los Jezabels y seguramente pronto les tendremos por el resto de Europa. Savannah es su primer single.
DROWNERS
Drowners son una banda neoyorquina intentando y consiguiendo hacer buena música británica de cerca de los Smiths. No obstante,cuentan con un cantante de Gales establecido en la gran manzana.
Su EP Between Us Girls tuvo un buen recibimiento que les valió para que Frenchkiss Records se fijara en ellos. Con un single más lanzado, Luv Hold Me, su debut se espera con ganas para finales de Enero.
La lista de discos favoritos del año para Rockast no podía faltar. 2013 ha sido un gran año musical, aunque no ha habido ningún álbum que arrastrase a todos sin discusión como ha sucedido en otras ocasiones.En cualquier caso y como todos los años, hoy queremos compartir los 30 álbumes que más nos han gustado en 2013. Aquí están:
30. ÓLAFUR ARNALDS – For Now I Am Winter
29. CRYSTAL FIGHTERS – Cave Rave
28. JON HOPKINS – Immunity
27. NEKO CASE – The Worse Things Get, The Harder I Fight, The Harder I Fight, The More I Love You
26. GUARDS – In Guards We Trust
25. WASHED OUT – Paracosm
24. JAGWAR MA – Howlin
23. UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA – II
22. CHVRCHES – The Bones Of What You Believe
21. JOHN GRANT – Pale Green Ghosts
20. RHYE – Woman
19. PARQUET COURTS – Light Up Cold
18. FOALS – Holy Fire
17. BIFFY CLYRO – Opposites
16. JAMES BLAKE – Overgrown
15. BEACH FOSSILS – Clash The Truth
Fueron los mismos padres de Dustin Payseur quienes le animaron a dejar su North Carolina natal para probar suerte con la música en Brooklyn. Unos años más tarde, y superando la huida de 2 de sus miembros para formar Heavenly Beat y DIIV, presenta un segundo álbum que les asienta definitivamente en la escena junto a bandas como Surfer Blood, Best Coast o Wild Nothing. Dejan a un lado el DIY y cuentan con la ayuda del productor Ben Greenberg de The Men, que ha conseguido que el sonido de la banda tenga más fuerza que su debut. A sus ya conocidos reverbs añaden un batería real que graba en directo junto con el bajista. Su dreamy shoegaze va más allá y deja grandes temas como Careless, Generational Synthetic, o un pequeño intento de himno generacional como es Clash The Truth.
14. MATTHEW E. WHITE – Big Inner
Una de las sorpresas del año la ha protagonizado este músico, productor, arreglista, y fundador de Spacebomb Records. Matthew E. White, que ya ejercía de líder en una banda de jazz vanguardista llamada Fight The Big Bull, ha lanzado Big Inner como era de suponer, en su propia discográfica. Es un debut que llama la atención por la fusión de sonidos folk, americana, groove, reggae o gospel. El álbum, originalmente de 40 minutos y 7 temas, ha sido expandido recientemente para una nueva edición del mismo que incluye 5 temas nuevos. Tiene momentos de salón como Will You Love Me o One Of These Days, y grandilocuentes como el incombustible Big Love, uno de los temas del año.
13. DAVID BOWIE – The Next Day
Anunciar el álbum sin previo aviso y entregar el primer single el día de su 66 cumpleaños ha sido uno de los momentos musicales del año. La expectación que consiguió seguramente fue mayor que si hubiera anunciado primero una portada, luego un tracklist, luego un teaser, y luego el single. A Bowie posiblemente no le emocionen estas estrategias. Este icono vivo del rock demuestra que no ha perdido la pasión por la música y mucho menos su talento en todo este tiempo. The Next Day tiene temas que podrían encajar con facilidad en décadas pasadas. Los 6 primeros temas solos pueden barrer fácilmente muchos Top 10 de los últimos años. Ahora solo queda los rumores que alimenten nuestras ganas de directo. Aunque nada más lejo de la realidad, según los agentes del artista.
12. LAURA MARLING – Once I Was An Eagle
Once I Was An Eagle es ya el cuarto álbum de Laura Marling. En esta ocasión se ha mudado a Los Angeles y ha grabado sin su habitual banda el que es uno de ellos grandes discos de folk de 2013. Parece increíble como con solo 23 años puede escribir y cantar de una manera más propia de artistas que podrían ser sus padres. Marling modula la voz con maestría y crea un espacio en el que consigue persuadir fácilmente al oyente.
El resultado son 63 minutos y 16 temas donde podemos destacar I Was An Eagle, Breathe, Master Hunter, Little Love Caster o Where Can I Go. A menudo comparada con Joni Mitchell, el talento de Marling ya hizo sorprender al mismo Ryan Adams, que al escucharla llegó a desechar un álbum completo en el que estaba trabajando. La inglesa vuelve a demostrar que es una de las grandes referencias del folk actual.
11. DAWES – Stories Don’t End
Dawes son una de las mejores bandas de americana la costa oeste. Etiquetados habitualmente junto a notables leyendas como Jackson Browne o los Eagles, el tercer álbum, Stories Don’t End, supone una declaración de intenciones sobre todo para los nuevos amantes de un género que cada vez cuenta con más seguidores. Para este disco han trabajado con Jacquire King, productor también de TomWaits, consiguiendo, un AOR perfecto, sin dejar lugar a riesgo alguno. Most People, Just My Luck, From a Window Seat o el single que abre el disco, Just Beneath The Surface, fluyen a velocidad de crucero. Gran soft-rock de manual para el nuevo milenio.
10. THE NATIONAL – Trouble Will Find Me
Resulta fácil acusar a Matt Beringer de hacer discos muy similares desde el célebre Boxer. Y no menos fácil ver en Trouble Will Find Me una continuación de High Violet. Pero es Navidad y no vamos a discutir. El talento de la banda es innegable. Amén de un líder carismático que acostumbra a beber vino en grandes cantidades para superar su miedo escénico, The National es más que el barítono del rock. Ahí quedan los proyectos de los hermanos Dessner, que se han ganado una buena reputación como serios productores / arreglistas. Demons, Graceless, Fireproof, o I Should Live In Salt destacan en un álbum de lenta digestión, altamente disfrutable. En este año también vio la luz la película – documental Mistaken For Strangers, grabada durante la gira de 2010 por el hermano pequeño de Matt, Tom Beringer. Muy recomendable.
9. PORTUGAL. THE MAN – Evil Friends
Portugal. The Man han dejado a un lado el eclecticismo de sus trabajos anteriores para encomendarse completamente a un gurú como es Danger Mouse. Evil Friends es ya el octavo álbum de la banda, y con diferencia el que presenta un lavado de cara más radical. Singles (y vídeos) resultones como churros y la mano de Danger Mouse por todo el álbum. Ordena ideas, añade texturas y pule las ideas psicodélicas para conseguir un sonido más serio y potente. Sonido que ya había aventurado en el proyecto de Rome, con las colaboraciones pesadas de Norah Jones y Jack White. Lleva todas las de ganar para convertirse en el sonido standard al que dirigirán la mirada muchas bandas atrapadas entre ideas que creen buenas, e ideas que ven funcionales. El indie es el nuevo mainstream, ya saben.
8. FOXYGEN – We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace & Magic
Una banda maldita que parece condenada a vivir situaciones cuanto menos dispares. Su segundo álbum les puso en la órbita mundial gracias a una formula que no era nueva, pero que les resulto aplastantemente efectiva. La mezcla de psicodelia y de ganchos ganadores de los 60 y 70 con sus propias ideas, resulta en temas adictivos como pocos. El álbum esta lleno de grandes momentos, desde el guiño al Sgt Pepper de los Beatles en el tema que abre el álbum, In The Darkness, pasando por un bombástico Shuggie, NoDestruction, o un enorme San Francisco donde el cantante afirma haber dejado a su amor en San Francisco, mientras una voz le contesta: “that’s ok, I was born in L.A.” Tan buenos como impredecibles, llegaron a cancelar la gira europea para “preservar la salud creativa de la banda”.
7. ANNA CALVI – One Breath
La inglesa de origen italiano tiene una fuerza que cautiva. Presenta su segundo álbum producido por John Congleton (St. Vincent) y con un miembro más en la banda, encargado de teclados y bajo eléctrico que supone una gran ayuda en el directo para su fiel instrumentista, Mally Harpaz. One Breath supone un sonido más complejo que en su debut. Lejos de amilanarse, sigue apostando por un sonido propio único, al que añade más orquestación y nuevos giros que ponen los pilares al álbum. Creadora de pausas imposibles, en One Breath desarrolla emociones como nadie. Te lleva exactamente por donde quiere y te sacude cuando menos lo esperas. Véase el mismo tema One Breath. Por favor, One Breath. El álbum parece estar hecho para ser disfrutado desde la intimidad más absoluta y silenciosa. Un vehículo fastuoso que no necesita chofer.
6. HAIM – Days Are gone.
A pesar de haber mareado la perdiz hasta la extenuación, estas hermanas de California por fin han lanzado su esperado debut en 2013. El hecho de lanzar un EP con 3 temas hace más de un año hizo que el hype empezara a rodar con una fuerza que ni ellas mismas podían creer. Pero lo cierto es que Universal pagó 2 millones de dólares por ellas sabiendo el diamante en bruto que tenían entre manos. A menudo comparadas con Fleetwood Mac, lo cierto es que tienen temas pop realmente enormes, desde el que las dio a conocer, Forever, pasando por Falling, Don’t Save Me, o el más reciente The Wire. La fórmula es la que es, pero seguramente ni los propios Fleetwood Mac lo podrían hacer mejor en la actualidad. Esperemos que el hype no acabe por engullirlas antes de tiempo.
5. ARCADE FIRE – Reflektor
Reflektor, oficiosamente lanzado por Universal, es un disco que como señalábamos en nuestro reportaje especial, está demasiado pintado de marketing, algo que le hace un gran favor a las ventas y un flaco favor a la propia esencia del disco. Esto lleva automáticamente a intentar escuchar el disco alejado del ruido. Alejado del número de disco, alejado de opiniones y alejado de prejuicios. Con todo, Reflektor es puro arte. Los canadienses tienen talento e ideas para poner encima de la mesa. A ello hay que sumar a JamesMurphy en la producción y la guinda de DavidBowie coronando su single estrella. El punto de inflexión de la banda llega también el año en que Win y Régine han estrenado paternidad. Singles como Reflektor, Here Comes The Night Time, We Exist, o Afterlife, conforman el nuevo rumbo de la que posiblemente sea ya la mejor banda del planeta.
4. VAMPIRE WEEKEND – Modern Vampires Of The City
Imprescindibles. La banda de Ezra Koenig es de lo mejor que ha salido de EEUU en los últimos años y no se entiende cómo no se les concede más crédito. El bueno de Ezra crea melodías y ritmos como nadie lo hace ahora mismo, y consigue una colección de temas espectacular. Con beats más propios del hip/hop como en Step, momentos surf rock como en Diane, o el Walcott del disco en la casi navideña WhorshipYou. Vampire Weekend se han hecho grandes con este álbum, quitándose la etiqueta cursi que muchos les colgaban, y haciendo escuchar de nuevo a los más escépticos.
3. DEERHUNTER – Monomania
“Archivar como garaje nocturno”. Curioso que antes incluso de abrir el álbum nos aconsejen la mejor opción para guardarlo. La palabra Monomanía significa literalmente “Locura o delirio parcial sobre una sola idea o un solo orden de ideas”. Y ese era el estado en que Bradford Cox decía encontrarse hace tan solo 2 años, después de sacar su último trabajo en solitario como Atlas Sound. Cox es una de las personalidades más influyentes en la música indie norteamericana, pero no oculta sus obsesiones. Este año ha lanzado el sexto álbum ya de Deerhunter, donde han sustituido al bajista y añadido una nueva guitarra. El resultado es un disco efectivamente garajero, lleno de riffs, con un sonido sucio muy cuidado que bien podría ser la banda sonora de una noche en un bar canalla. A destacar los afilados Pensacola o LeatherJacket, el accesible Missing, o el sexy Back To The Middle.
2. LOCAL NATIVES – Hummingbird
Local Natives vuelan solos. La banda que más kilómetros ha hecho en 2013, posee una personalidad tremenda a pesar de ser constantemente comparados con Fleet Foxes o Grizzly Bear. Desarrollan muy bien los temas y son de esas pocas bandas geniales cuyo directo rompe el álbum a la mitad. El sonido del nuevo álbum parece ordenar todas las ideas que se amontonaban en su debut, aunque en ocasiones se echa en falta la urgencia y la mala leche de GorillaManor. Han contado con Aaron Dessner en la producción, que ha colaborado también en la composición e interpretación, sumando a su hermano Bryce en los arreglos. Imprescindibles You and I, Heavy Feet, Ceilings, Breakers, o Colombia, el tema que el cantante Taylor Rice dedica a su madre Patricia fallecida el pasado verano: Patricia, every night I’ll ask myself, Am I giving enough? Emociones contenidas en una banda con un potencial enorme.
1. KURT VILE – Wakin On A Pretty Daze
Este año su Philadelphia natal ha declarado el 28 de Agosto como el Día Oficial de Kurt Vile. Pero el artista favorito de J Mascis (Dinosaur Jr), que llegó a comparar su sonido con el de David Gilmour, es una anti-estrella de rock de 33 años, casado desde hace 10 y con 2 hijas. Este año ha presentado Wakin On A Pretty Daze, un álbum del que ya hablamos largo y tendido por aquí en Agosto. Supone el quinto álbum de un prolífico artista que parece tele-transportado de décadas anteriores. Cuando el concepto de álbum empieza a perder fuerza, Vile ofrece un trabajo ciertamente gratificante de principio a fin. Un disco paciente, espacioso y sin apego a las prisas. Raro por atípico. Con un karma especial que solicita al oyente toda su atención.
Es un disco completamente autobiográfico, más latente en temas redondos como KV Crimes o Shame Chamber, y que carece prácticamente de estribillos. Además de los mencionados, hay temas muy destacables como el que abre el disco, Wakin On A Pretty Daze, Never Run Away,Was All Talk o una hipnotizante Goldtone que pone la guinda al pastel. Música para sus oídos.
Un premonitorio MacPhistoya lo anunciaba a bombo y platillo en una de las giras más espectaculares de todos los tiempos, realizada ya hace 20 años. La mítica Zoo TV de U2utilizó toda la tecnología que tenía a su alcance para denunciar la saturación mediática que se producía entonces. Imaginen. O recuerden. 1992.
Han pasado 20 años y cualquier comparación en esos términos con la realidad actual es casi irrisoria. Con la vida emepecuatrizada y la aparición de más artistas que días tiene el año, se tiende a desvirtuar lo esencial para quedarnos con detalles secundarios. La música en los grandes headquarters de las 3 grandes discográficas comienza a ser concebida por y para una gran masa que devora y tritura a la misma velocidad. Música que entre por los ojos y no por los oídos. Pero no hemos venido con la camiseta de viejo gruñón.
Al contrario. Como sugería MacPhisto, utilizando la tecnología disponible y a las puertas del ansiado paso al streaming de YouTube, -que hará temblar los cimientos llorones de Spotify and company- hemos querido destacar los videos y temas que más nos han llamado la atención de lo que ha caído en nuestras manos en 2013. Los géneros van del jazz espacial, al rock psicodélico, new-wave, alt-country o sencillo y efectivo pop. 400 videos y 27 horas de música resultona para mentes abiertas.
¿Dónde estaba usted en 2013?
One of the most interesting Rock ‘n’ Roll acts in the UK over the last few years is visiting Madrid for the first time. That would be good enough, but the best thing is that they’re swapping huge arenas for a cozy venue of 300 people called Moby Dick, which by the way, is one of the coolest music venues of the spanish capital.
It’s made out of wood and the acoustic is as good as it can get. And that’s hard to find around here. These marvellous mancunians are presenting their third album called Anna, and they’re about to blow up the venue just with the soundcheck. We’re talking about The Courteeners.
We had a really great chat with Liam Fray (vocals / guitar) and Michael Campbell(drums / vocalist) in a coffee chain nearby and talk about music business, live shows, BBC Radio 1, managers, Pete Doherty or Morrissey.
Not many bands manage to get 3 out of 3 in the Top Ten albums in UK. Is it somehow scary? Do you feel some pressure whenever you’re about to release an album or you just got used?
LIAM FRAY: Honestly, the pressure should have been in the second album, but we didn’t really feel it. We’ve never really felt pressure writing our songs. We put extreme pressure on ourselves trying to be the best we can be. But the pressure from labels, management or whatever, it comes when you’ve done the record and there’s nothing you can do. It’s not by chance it’s about surviving. If you sell 5 copies you won’t survive. You just have to write the songs and hope the people will like it. I think the songs are open and honest.
MICHAEL CAMPBELL: I think about the achievements of what we’ve done with our 3 albums in the UK, with the relative kind of media support that we have. That achievement for us doesn’t bring any pressure or anything else, because we know what we have achieved.
«We’ve built up great expectations of what a band should be.»
You didn’t make a St. Jude 2nd part, with Falcon, and the same happens now with Anna. What do you have in mind for your next record?
LF: Maybe yeah! I think that’s one of the thing’s we’re most proud of. The albums sound very, very different. The common thread is honesty and without sounding self-involved or whatever, it’s quite unusual for a male singer-songwriter to be that open I reckon. I take big influence from Guy Gurvey from Elbow, to a certain degree Pete Doherty is quite an honest songwriter, you know, he has mellow moments. But you know, sometimes the songs can be quite mellow but then sometimes, we’ve got such a good understanding now together musically that we feel we should really, not necessarily experiment, but go in different directions. People that stick by bands rather than sticking by a hit song, they know that we are writing for songs. It’s just what song they take from here on it. The world is our oyster.
How was working with Joe Cross in this album? Is it that important the role of the producer?
LF: I think so. We get to work with Stephen Street and Ed Buller and they’re both incredible. The good thing about Joe was that he is our age, we were more relax around him, in the studio and outside the studio. We were going for meals, a couple of drinks, and he became a real friend. There’s a great understanding between producers and musicians, well, if you can call us musicians. Guys, guys in a band. (laughs).
«People have such short attention spans. You can’t put out the same album year after year after year.»
You got to play with Morrissey and even Lou Reed in his very own club, how is it like to play with such a music icons?? How are them in the short distances?
LF: Just ask them. (laughs) At the time, it just felt like bizarre. They are, contrary to popular belief, quite normal. We’ve built up great expectations of what this band should be. We just tried to enjoy it.
Morrissey himself is incredible. Watching him play every night for like, 70 nights was just amazing.
Did he give you any advice?
LF: No, no he didn’t. We wouldn’t have taken it. He didn’t know anything. What does he know? (laughs). Don’t put that! That’s the kind of thing that they’re asking you for good reason. They wouldn’t ask you if they didn’t think you were good. And that’s good enough for us. If they think we’re great, or think we’re alright, that’s fantastic.
You have a very powerful show, Should a band put more attention to the live shows or is it more important record itself?
LF: If the album is good, it doesn’t really matter. If the album is strong enough the people will buy tickets for the show. If you have a reputation as a live band, let’s say, album 8th is not as good as the first seven, people still come to watch you, because you’re a great band.
«We don’t write songs for the magazines»
How do you think has changed in the band since you’re started playing? What do you think you’ve gain with the time and, what have you lost if there’s anything you miss?
LF: Well we can nearly play our instruments… I don’t know really, probably not a lot. Not much. We are still the same guys, still do the same things, same jokes, still annoy each other just as much as we did 10 years ago. We are definitely a lot more open minded music playing, collectively, as a group. If one person’s got a vision and one person doesn’t want to go there, that can be quite an issue. But we had to come together collectively as a group. They put a lot of trust in me. If you bring something to the table and they’re not keen on it, then where do we go?
People have such short attention spans. You can’t put out the same album year after year after year. Some people do. I don’t want to play that. Bands make a record that sounds just like their last record. There are so many bands that do that, and it sells as well and people buy it. But why are they buying the same record?
How is the mainstream music media in the UK? Are they fair with all what they do?
LF: With twitter and online, there are so many different outlets now. It’s not as important as it was 10 years ago. It can be a great thing and it can really help bands. But we’ve never really taken much notice to one thing. The NME has been really good to us as a magazine. They’re great; they were there at the beginning. It’s great to have a magazine like that support you. But you don’t write songs for the magazines, you write them for yourselves and your fans.
«It comes down to one person in the UK to get on Radio 1. It seems like a crazy system but that’s the way it is.»
Whose advice should a band listen to? The record label, producer, friends, critic, fans, or none of the above?
LF: I think the band and producer are the most important. The friends get to hear the songs first, but to be honest I wouldn’t take their advice. We’ve got a very tight group of friends. But I think we’ve got such a high threshold and quality control that a bad song wouldn’t get past the band and the producer. After that, it’s up to the public really. If it gets on the radio… it comes down to one person in the UK to get on Radio 1, and if he says no that means only a small section of people get to hear your music. It seems like a crazy system when you think about it but that’s the way it is.
What was the last thing you did as a band that you shouldn’t have done?
Probably starting a band! (laughs)
Are you happy?
LF: Yeah, I think so.
MC: We’re in Madrid for the first time and we’re very glad.
LF: I say as a group the happiest we’ve been since we started.
En los últimos años parece que se le está atragantando al rock británico salir de las islas. En muchas ocasiones, la grandeza y cariño que desatan en su tierra natal no llega a ser correspondido en Europa como sí sucedía antaño con bandas como Kaiser Chiefs, Bloc Party o Maxïmo Park.
Ese precisamente parece el caso de The Courteeners, unos tipos que no tardan en llenar Arenas y son habituales en los carteles de los mejores festivales. Bendecidos por Morrissey, que además de llevárselos de gira ha llegado a versionarles en más de una ocasión, hacen parada en Madrid y Barcelona dentro de su gira para presentar Anna (V2 Coop / [PIAS], 2013), el que es ya su tercer álbum de estudio.
Sin grandes himnos como el ya clásico «Not 19 forever» que adoptaría como propio el Manchester United para la celebración de su 20ª Premiere League, pero con mucho fondo y sonidos más pesados que les hacen crecer abriéndose a nuevos fans sin perder a los viejos.
Aprovechamos su estancia en Madrid para charlar, café corporativo mediante, con Liam Fray(cantante/guitarra) y Michael Campbell(batería) y descubrir porque Liam es uno de los personajes favoritos de la media británica. Gran sentido del humor en unos tipos que a pesar de todo, siguen creciendo musicalmente hablando y teniendo los pies en el suelo a pesar del titular. O no.
No muchas bandas consiguen meter sus 3 primeros álbumes en el Top Ten de Reino Unido. ¿Añade presión a la hora de lanzar el siguiente trabajo o estáis ya acostumbrados?
LIAM FRAY: Honestamente, la presión debería haber existido en el segundo álbum, pero realmente no la sentimos. Nunca hemos sentido presión escribiendo nuestras canciones. Nos ponemos presión extrema nosotros mismos para intentar ser lo mejor que podamos. Pero la presión de las discográficas, management o lo que sea, viene cuando el disco está hecho y no hay nada que puedas hacer. No se trata de suerte, se trata de superviviencia. Si vendes 5 copias no sobrevivirás. Solamente tienes que escribir canciones y esperar que a la gente le guste. Pienso que las canciones son abiertas y son honestas.
MICHAEL CAMPBELL: Yo pienso en los logros que hemos hecho con nuestros 3 discos en UK, con el apoyo relativo de los medios que tenemos. Esos logros para nosotros no conllevan ninguna presión añadida ni nada parecido, porque sabemos lo que hemos conseguido.
«Creamos bastantes expectativas alrededor de cómo debe ser una banda en persona»
No hicisteis una segunda parte de St Jude con Falcon, y lo mismo vuelve a pasar ahora con Anna.
LF: Exacto. Eso es una de las cosas de las que más orgullosos estamos. Los álbumes suenan muy, muy diferentes. El denominador común es la honestidad, y sin querer sonar ensimismado o lo que sea, yo considero que es bastante inusual para un cantante y compositor masculino ser así de abierto. Tengo mucha influencia de Guy Garvey de Elbow, y en cierta medida de Pete Doherty, sabes, tiene momentos suaves. Pero sabes, a veces las canciones pueden ser bastante suaves y entonces conseguimos juntos un entendimiento musical tan bueno que sentimos que debemos, no necesariamente experiementar, pero sí ir en diferentes direcciones. La gente que se aferra a las bandas en vez de aferrarse a los éxitos, saben que escribimos por las canciones. Solo es cuestión de qué canción quieran coger. El mundo está a nuestros pies.
¿Cómo ha sido trabajar con Joe Cross en este álbum? ¿Tan importante es la labor del productor en un disco?
LF: Pienso que sí. Trabajamos con Stephen Street y Ed Buller y ambos son increíbles. Lo bueno de Joe es que es de nuestra edad y nos encontramos más relajados con él en el estudio, y fuera del estudio. Salimos a comer o a tomar algo y se ha convertido en un verdadero amigo. Hay un gran entendimiento entre los productores y los musicos. Bueno, si realmente nos puedes llamar músicos. Sólo chicos, chicos en una banda. (risas)
«No puedes hacer el mismo álbum año tras año.»
Habéis tocado con Morrissey e incluso con Lou Reed en su propio Club. ¿Cómo es tocar con semejantes iconos?
LF: Les tienes enfrente, ¡pregúntanos! (risas). En el momento, resultaba algo extraño. Al contrario de lo la creencia popular, son bastante normales. Creamos bastantes expectativas alrededor de cómo debe ser en persona una banda. Nosotros solo intentamos divertirnos. Morrissey es increíble. Verle tocar cada noche durante unas 70 noches fue algo sencillamente increíble.
¿Os llegó a dar algún consejo?
LF: No, no, No lo hubiéramos aceptado. ¿Qué sabe él? Él no sabe nada. ¡No, no pongas eso! (risas). Es el tipo de cosas que te piden por una buena razón. No te lo pedirían si no pensaran que eres bueno. Y eso es suficiente para nosotros. Si creen que somos buenos o que estamos bien es fantástico.
Tenéis un directo muy potente, ¿Creéis que las bandas deben poner más atención en los directos o es más importante el disco?
LF: Si el álbum es bueno, no importa. Si el álbum es lo suficientemente bueno la gente comprará entradas para el concierto. Si tienes una reputación como banda en directo y digamos que el 8º álbum, no es tan bueno como los 7 anteriores, la gente seguirá viniendo a verte porque tienes una buena banda
«No escribimos canciones para las revistas»
¿Cómo creéis que habéis cambiado como banda desde que empezasteis?
LF: Bueno ahora ya casi sabemos tocar los instrumentos… No lo sé realmente. Probablemente no mucho. Seguimos siendo los mismos, hacemos las mismas cosas, mismas bromas, seguimos picándonos de la misma manera que hace 10 años… Pero lo que es seguro es que colectivamente, como grupo, tenemos una mentalidad mucho más abierta tocando. Ponen mucha confianza en mí. Si vienes con algo nuevo y no tienen interés en verlo, entonces ¿Dónde vamos? La gente tiene una capacidad de atención muy corta. No puedes hacer el mismo álbum año tras año tras año. Hay gente que lo hace. Yo no quiero jugar a eso. Hay bandas que hacen discos que suenan exactamente igual a su último disco. Hay muchísimas bandas que lo hacen, y también vende y la gente lo compra. ¿Pero porqué compran el mismo disco?
¿Cómo es la prensa musical en Reino Unido? ¿Son justos con lo que hacen?
LF: Ahora con Twitter e Internet hay muchos medios diferentes. No es tan importante como lo era hace 10 años. Puede ser algo grande y puede realmente ayudar a bandas. Pero nosotros nunca lo hemos tenido muy en cuenta. La NME ha sido bastante buena con nosotros como revista. Son buenos, han estado ahí desde el principio. Está bien tener revistas como esa apoyándote. Pero no escribes canciones para las revistas, las escribes para ti mismo y para tus fans.
«En Reino Unido depende de una sola persona llegar a Radio 1. Parece una locura, pero así funciona.»
¿Qué consejos debe escuchar una banda? ¿La compañía, el productor, los amigos… ninguno de ellos?
LF: Pienso que la banda y el productor son los más importantes. Los amigos consiguen escuchar las canciones primero, pero para ser honesto, no tendría en cuenta sus consejos. Tenemos un grupo de amigos muy unido. Pero pienso que tenemos un umbral y una calidad de control tan alta que la banda y el productor no pasarían por alto una mala canción.
Después de eso ya depende del público realmente. Y si llega a la radio… En el Reino Unido depende de una persona llegar a BBC Radio 1, y si él dice que no, significa que solo una pequeña parte de gente conseguirá escuchar tu música. Parece una locura de sistema cuando lo piensas, pero así funciona.
¿Qué fue lo último que hicisteis como banda que no deberíais haber hecho?
LF: Probablemente empezar la banda. (risas)
¿Sois felices?
LF: Sí pienso que sí.
MC: Estamos en Madrid por primera vez y estamos muy contentos.
LF: Creo que como grupo, este es el momento en que más felices estamos.
Lunes aparte, hace un bonito día de sol en la capital, y nada puede estropear una gran noche de rock. Una de las mejores bandas salidas del Reino Unido en los últimos 10 años visita la ciudad. Como casi todo lo que sale de allí, vienen criticados de casa y preparados para la clásica absolución europea. Aunque los gentlemen de Birmingham están curados de espanto. Con bajas importantes en la formación, pero con la cabeza más alta que de costumbre. Presentan su cuarto disco, The Weight Of Your Love([PIAS], 2013), posiblemente su mejor trabajo junto al enorme debut que les encumbró, en una Riviera, que a pesar de pecar de acústica, logra sonar sorprendentemente bien gracias a la maña de los técnicos de sonido.
Después de los belgas Balthazar (apunten y disparen), el nuevo line up de Editorshace acto de aparición para marcarse el mejor concierto de los últimos 3 que habían soltado en la capital. Más tarde insistirían en que no logran reflejar en estudio la energía del directo, pero nada más lejos de la realidad. Cuentan con un directo poderoso que conecta con facilidad con una sala entregada y llena hasta la bandera. Está visto que Madrid no entiende de lunes.
Antes del concierto, hablamos con Russell Leetch y Justin Jockey, que no se cortan en hablar de sus debilidades, de la salida de su guitarra original, sus escarceos con los sintetizadores, Spotify, Gravity, y hasta de su heroína española, Anni B Sweet.
¿Qué tal estáis? Estuvisteis hace poquito en España en la grabación de Un Lugar Llamado Mundo con otros artistas. ¿Cómo resultó aquello?
RUSSELL: ¡Estuvo bien! De hecho estábamos allí para colaborar. Había muchas colaboraciones entre artistas. Solo que no nos sentíamos muy a gusto haciéndolo. Nos lo pidieron bastantes veces. Había una chica encantadora, ¿cómo era su nombre? Anni B Sweet. Es muy buena. Me encantó. ¿Todavía no lo han puesto? Hice una introducción en español muy mala.
Habéis tenido un verano intenso con muchos festivales europeos. ¿Cómo os sentís? ¿Estáis más cómodos que con vuestro conciertos en solitario?
RUSSELL: Depende. Algunos festivales están fuera de este mundo y puedes tener grandes actuaciones, y lo mismo pasa con algunos conciertos. Los conciertos que hacemos cada noche son muy parecidos. A veces te puedes sentir realmente bien y otras veces no tanto.
«Llegamos a un punto en que no queríamos hacer cierto tipo de música»
The Weight Of Your Love suena ligeramente diferente a vuestros trabajos previos, con un sonido más expansivo y profundo que antes. ¿Hacia dónde creéis que está evolucionando vuestro sonido? ¿Cómo creéis que evolucionará en futuros trabajos?
RUSSELL: En este disco, incluso desde el principio, queríamos que hubiera un cambio con lo que estaba haciendo la sección rítmica. Estábamos muy aburridos de las 6 cuerdas solamente.
JUSTIN: Y del disco.
RUSSELL: Sí, ese tipo de cosas. Debemos saber lo que mejor funciona. Llegamos a un punto en que no queríamos hacer cierto tipo de música. Intentamos grabar con Chris en la banda, y no funcionó, asi que contamos con Elliot y Justin para ayudarnos.
¿Traéis al directo la sección de cuerda?
RUSSELL: ¿La sección de cuerda? No, no, no. Ya estamos gastando mucho en la gira (risas)
¿Veis este disco como el final de un ciclo o el comienzo de algo nuevo?
RUSSELL: Absolutamente. Hay una nueva formación. Muchas canciones son viejos temas que teníamos desde hace mucho tiempo. Para mí, volver a trabajar en estos temas de nuevo me resultaba extraño, porque era la 3ª o 4ª vez que lo hacíamos. Pero entonces nos ayudó el hecho de que cuando teníamos algo nuevo, como los nuevos temas que Tom había escrito, se convertían en los temas principales del álbum, como Honesty, The Phone Book, A Ton Of Love, o The Weight.
«Si quieres un producto, vas al mercado y lo compras. Así funciona. Pero si estás en una banda y alguien quiere tu producto, tiene muchas maneras de conseguirlo»
Han pasado 4 años desde vuestro último disco. ¿Existe el periodo perfecto para cada álbum o vivimos demasiado deprisa?
RUSSEL: Bueno ahora hay muchas bandas por todo el mundo, con mucha música ahí afuera, así que es duro que las cosas se mantengan.
¿Qué pensáis de la industria musical?
JUSTIN: Ya no existe una industria musical.
RUSSEL: Todavía hay algunas grandes discográficas y están invirtiendo en Spotify y servicios de streaming. Me gusta la idea de los servicios de streaming, pero siempre hay algo detrás. Creo que hay una cosa que es que el artista, y generalmente mucha gente, si quieren un producto, van a un mercado y lo compran. Y así es como se hace. Pero cuando estás en una banda y alguien quiere comprar tu producto, hay muchas maneras de conseguirlo. Es complicado. Y es duro. Muchas bandas necesitan algo para demostrar que vale la pena comprarles. No puedes estar en una banda nueva y decir “oh somos muy buenos” porque nadie te prestará atención. Hay muchas bandas. Muchos artistas haciendo su música.
JUSTIN: Ya no les dan incluso tiempo para lanzar el segundo disco.
«Intentamos grabar con Chris en la banda, pero no funcionó.»
Estuvisteis a punto de separaros el pasado año. ¿Qué es lo que os hizo seguir adelante y poner a un lado vuestras diferencias?
RUSEEL: Bueno, Tom, Ed y yo mismo queríamos continuar la banda, pero necesitábamos algunos otros músicos que nos ayudaran. Principalmente por lo que quedaba de 2012, pero también sabíamos que teníamos solamente 6 manos y necesitábamos otros músicos.
¿Temíais que la salida de Chris significara la pérdida de un sonido distintivo?
RUSSELL: Sabíamos que iba a pasar de todas formas. Pienso que fuimos bastante valientes con esa decisión. En cualquier caso nosotros siempre queríamos que Chris impulsara sus sonidos. Y le empujamos a que usara los sintetizadores en el tercer disco, con lo que conseguimos un sonido diferente.
¿Qué es lo que hace falta en una banda para funcione?
RUSSEL: La comunicación es lo principal en una banda. Es bastante sencillo.
JUSTIN: Si trabajas realmente duro, funciona.
«Nuestros álbumes de estudio podrían ser mejores».
Justin, llevas apenas un año como guitarrista ¿Cómo te encuentras en la banda? ¿Te dejan mostrar tus ideas?
JUSTIN: Sí, hice algunas partes, compuse algunos riffs… Inicialmente vine para tocar un par de conciertos y con el tiempo estoy escribiendo y lanzando ideas.
Respecto a la composición, ¿creéis que es posible escribir así de oscuro si no estáis de humor?
RUSSELL: Generalmente la composición se inclina hacia cosas oscuras y tristes de todas maneras. Es el tipo de personalidad que tenemos. Si vamos a iTunes y alquilamos un video no va a ser uno de comedia romántica. Sería un thriller oscuro. Por cierto, tengo ganas de ver la película de Gravity.
Si pudierais tocar en cualquier lugar donde quisierais, cualquier festival en la historia… ¿Dónde sería?
RUSSELL: La verdad es que todavía hay muchos grandes festivales. Pero me gustaría que fuéramos a tocar a Sudamérica.
«Capturar las partes imperfectas de lo que eres, es lo que hace realmente grande una pieza de música.»
8 años desde vuestro debut, 4 grandes álbumes, grandes giras… Pero si pensáis en alguna debilidad que tengáis como banda, ¿Cuál sería? ¿En qué os gustaría mejorar o qué os gustaría probar?
Creo que nuestros álbumes de estudio podrían ser mejores. Es duro capturar la energía que tiene la banda. Y en eso es en lo que estamos trabajando siempre. Una vez que te metes en el estudio piensas, “esta pieza de música tiene que ser absolutamente perfecta”, pero capturar las partes imperfectas de lo que eres es lo que hace realmente grande una pieza de arte.
I admit that despite the tiny size of this site, sometimes you get to breathe deeper on certain moments and situations. When you try to look up the Foos header picture and see the pull-down menu with the eyes of a stranger, sometimes you’re surprised and get to see something actually, beautiful. Something made with love and passion. I’m telling you, with lot of passion. And loads of hours.
It’s not about having one’s feet on the ground. We know what we are. And we don’t know how long this beautiful project will last. That’s why we want to enjoy the thing we enjoy most while it lasts, and share it with you. Please excuse the speech but today, my friends, is one of those days.
It’s a beautiful cold and sunny day in the capital of Spain, and one of the most important bands of the UK over the last 10 years is visiting town. They’ve been hardly criticised not only in the UK but also outside, and despite the problems they’ve had lately, they still throwing a hell of a show each night. And what’s more, they’re pretty alive. This is the 3rd time I’ve seen the Birmingham gentlemen and it’s by far, the best concert they’ve given. The sound is incredibly good in a venue famous for its awful acoustics. The band has 2 new members and you can’t tell the difference. They are presenting their 4th album, The Weight Of Your Love, a truly great comeback for all those suspecting a big fall to the music industry floor, a hard floor from which you don’t get up easily.
As you probably know by now, we’re talking about Editors.
We catched up with Russel Leetch and Justin Lockey, before the show, and this is what they told us.
How are you guys? I saw you were collaborating on a new TV show with some Spanish artists a couple of months ago, for the Spanish television, how was it?
RUSSEL: It was good! We didn’t actually collaborate. There were a lot of collaborations going on. We just… we didn’t feel very comfortable doing that. We got asked quite a few times to do it. There was a lovely girl, Anni B Sweet. She’s very good. I loved it. It hasn’t been aired yet has it? I did an introduction in a very bad Spanish.
You have had an intense summer tour with loads of European festivals. How does it feel? Do you feel more comfortable playing festivals or do you prefer your own gigs?
RUSSEL: It depends. Some festivals are out of this world and you can have great ones, and same with gigs. It’s different. I mean, the shows that we do each night, are pretty much the same.
«We got to a point that we didn’t want to do a certain kind of music»
The Weight Of Your Love sounds slightly different to your previous works, with deeper and darker sounds, more expansive than before. Where do you think your sound is heading to? How do you think you will evolve within the next records?
RUSSELL: In this record, even from the beginning, we wanted to have a shift in what the rhythm section was doing. We were quite bored of the 6 strings…
JUSTIN: Disco…
RUSSELL: Yeah, that type of thing. We should know what is working better. We got to a point that we didn’t want to do a certain kind of music. We tried to record with Chris in the band, and it didn’t work out, so we’ve got Justin and Elliot as well to help us.
Are you bringing the string section with you on tour?
RUSSELL: No, no, no. We’re already spending too much on tour (laughs)
Do you feel this record like the end of something or the beginning of something new?
RUSSELL: Absolutely. There’s a new line-up. A lot of songs are old songs that we had a long time. So for me to rework these songs again was a bit of a weird thing because it was the 3rd or the 4th time that we were doing it. But then it helped when we had something fresh, like the new songs Tom had written, that they became the highlighted songs of the album, like, Honesty, The Phone Book, A Ton Of Love or The Weight.
«If you want a product, you go to the market and you buy it. When you’re in a band, there’s so many ways you can get the product. It’s confusing, and it’s hard»
It’s been 4 years since the last album. Is there a perfect period of time for releasing an album or are we speeding up too fast nowadays?
JUSTIN: Well now there are lots of bands around the world, with a lot of music out there, so is hard for the things to stick.
So what’s your opinion of the music industry?
JUSTIN: There’s no music industry anymore.
RUSSEL: There are still some big major labels out there and they invest in Spotify and streaming services. I like the idea of streaming services, but there are always things behind. I think one thing is as an artist and generally a lot of people, if they want a product … like if you go to a farmers market, you buy it. That’s how you do it. When you’re in a band and someone wants to buy your product, there’s so many ways you can get it. It’s confusing, it’s hard. A lot of bands do need something to show that they’re worth buying. You can’t be a new band and say oh we’re great because no one will pay attention. There are a lot of bands. There’s lot of artists doing their music.
JUSTIN: Even there’s no time for them to release a second record.
«We tried to record with Chris in the band, but it didn’t work out»
I read that you were close to split up. What makes you want to go ahead and put aside your differences?
RUSSELL: Well, myself, Tom and Ed wanted to continue the band. We needed some other musicians to help us. Primarily for what was left of 2012, but also we knew that we were only six hands, and we needed other musicians.
Were you afraid that Chris departure would mean a lost of a distinctive sound?
RUSSELL: We knew it was happening anyway. I think we were quite brave in that decision. We always wanted Chris to push on with his sound anyway. And we pushed him to use synthesizers on the 3rd record which made a different sound.
What does a band need in order to have good vibes going on? Like, are there any essential factors to make the band working as a band?
RUSSEL: Communication is the main thing with a band. It’s quite simple.
JUSTIN: If you work really hard at it, it works out
«Our studio albums could be better»
What do you think Justin Lockey and Elliott Williams have added to the band?
JUSTIN: Yeah! I came up with some parts, made some riffs…. Initially I played a couple of shows and by the time I got into writing and pitching ideas.
Regarding the composition, do you reckon is it possible to write about sad things if you’re not in that mood?
RUSSELL: It generally leans toward a darker and more miserable stuff anyway. It’s the type of personalities we are. If we go to Itunes and we rent a video is not gonna be the romcom section. It would be a dark thriller. I want to go to see Gravity by the way.
If you could play anywhere you wanted, where would it be?
RUSSEL: To be honest there are still a lot of great festivals. But I would like to go and play in South America.
«Capturing imperfect parts of what you are is what makes a really great piece of art.»
8 years since your debut, 4 great albums, tours around the world… But what would you think are your weakness as a band? Is there something you would like to improve or to try?
RUSSELL: I think that our studio albums could be better. It’s hard to capture an energy that the band has. And what’s what we’re always working on. Once you get in the studio you think this piece of music has to be absolutely perfect, but capturing imperfect parts of what you are is what makes a really great piece of art.
R O C K A S T / / 
«The world is our oyster» Interview with The Courteeners.
One of the most interesting Rock ‘n’ Roll acts in the UK over the last few years is visiting Madrid for the first time. That would be good enough, but the best thing is that they’re swapping huge arenas for a cozy venue of 300 people called Moby Dick, which by the way, is one of the coolest music venues of the spanish capital.
It’s made out of wood and the acoustic is as good as it can get. And that’s hard to find around here. These marvellous mancunians are presenting their third album called Anna, and they’re about to blow up the venue just with the soundcheck. We’re talking about The Courteeners.
We had a really great chat with Liam Fray (vocals / guitar) and Michael Campbell (drums / vocalist) in a coffee chain nearby and talk about music business, live shows, BBC Radio 1, managers, Pete Doherty or Morrissey.
Not many bands manage to get 3 out of 3 in the Top Ten albums in UK. Is it somehow scary? Do you feel some pressure whenever you’re about to release an album or you just got used?
LIAM FRAY: Honestly, the pressure should have been in the second album, but we didn’t really feel it. We’ve never really felt pressure writing our songs. We put extreme pressure on ourselves trying to be the best we can be. But the pressure from labels, management or whatever, it comes when you’ve done the record and there’s nothing you can do. It’s not by chance it’s about surviving. If you sell 5 copies you won’t survive. You just have to write the songs and hope the people will like it. I think the songs are open and honest.
MICHAEL CAMPBELL: I think about the achievements of what we’ve done with our 3 albums in the UK, with the relative kind of media support that we have. That achievement for us doesn’t bring any pressure or anything else, because we know what we have achieved.
You didn’t make a St. Jude 2nd part, with Falcon, and the same happens now with Anna. What do you have in mind for your next record?
LF: Maybe yeah! I think that’s one of the thing’s we’re most proud of. The albums sound very, very different. The common thread is honesty and without sounding self-involved or whatever, it’s quite unusual for a male singer-songwriter to be that open I reckon. I take big influence from Guy Gurvey from Elbow, to a certain degree Pete Doherty is quite an honest songwriter, you know, he has mellow moments. But you know, sometimes the songs can be quite mellow but then sometimes, we’ve got such a good understanding now together musically that we feel we should really, not necessarily experiment, but go in different directions. People that stick by bands rather than sticking by a hit song, they know that we are writing for songs. It’s just what song they take from here on it. The world is our oyster.
How was working with Joe Cross in this album? Is it that important the role of the producer?
LF: I think so. We get to work with Stephen Street and Ed Buller and they’re both incredible. The good thing about Joe was that he is our age, we were more relax around him, in the studio and outside the studio. We were going for meals, a couple of drinks, and he became a real friend. There’s a great understanding between producers and musicians, well, if you can call us musicians. Guys, guys in a band. (laughs).
You got to play with Morrissey and even Lou Reed in his very own club, how is it like to play with such a music icons?? How are them in the short distances?
LF: Just ask them. (laughs) At the time, it just felt like bizarre. They are, contrary to popular belief, quite normal. We’ve built up great expectations of what this band should be. We just tried to enjoy it.
Morrissey himself is incredible. Watching him play every night for like, 70 nights was just amazing.
Did he give you any advice?
LF: No, no he didn’t. We wouldn’t have taken it. He didn’t know anything. What does he know? (laughs). Don’t put that! That’s the kind of thing that they’re asking you for good reason. They wouldn’t ask you if they didn’t think you were good. And that’s good enough for us. If they think we’re great, or think we’re alright, that’s fantastic.
You have a very powerful show, Should a band put more attention to the live shows or is it more important record itself?
LF: If the album is good, it doesn’t really matter. If the album is strong enough the people will buy tickets for the show. If you have a reputation as a live band, let’s say, album 8th is not as good as the first seven, people still come to watch you, because you’re a great band.
How do you think has changed in the band since you’re started playing? What do you think you’ve gain with the time and, what have you lost if there’s anything you miss?
LF: Well we can nearly play our instruments… I don’t know really, probably not a lot. Not much. We are still the same guys, still do the same things, same jokes, still annoy each other just as much as we did 10 years ago. We are definitely a lot more open minded music playing, collectively, as a group. If one person’s got a vision and one person doesn’t want to go there, that can be quite an issue. But we had to come together collectively as a group. They put a lot of trust in me. If you bring something to the table and they’re not keen on it, then where do we go?
People have such short attention spans. You can’t put out the same album year after year after year. Some people do. I don’t want to play that. Bands make a record that sounds just like their last record. There are so many bands that do that, and it sells as well and people buy it. But why are they buying the same record?
How is the mainstream music media in the UK? Are they fair with all what they do?
LF: With twitter and online, there are so many different outlets now. It’s not as important as it was 10 years ago. It can be a great thing and it can really help bands. But we’ve never really taken much notice to one thing. The NME has been really good to us as a magazine. They’re great; they were there at the beginning. It’s great to have a magazine like that support you. But you don’t write songs for the magazines, you write them for yourselves and your fans.
Whose advice should a band listen to? The record label, producer, friends, critic, fans, or none of the above?
LF: I think the band and producer are the most important. The friends get to hear the songs first, but to be honest I wouldn’t take their advice. We’ve got a very tight group of friends. But I think we’ve got such a high threshold and quality control that a bad song wouldn’t get past the band and the producer. After that, it’s up to the public really. If it gets on the radio… it comes down to one person in the UK to get on Radio 1, and if he says no that means only a small section of people get to hear your music. It seems like a crazy system when you think about it but that’s the way it is.
What was the last thing you did as a band that you shouldn’t have done?
Probably starting a band! (laughs)
Are you happy?
LF: Yeah, I think so.
MC: We’re in Madrid for the first time and we’re very glad.
LF: I say as a group the happiest we’ve been since we started.
DB
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