Un premonitorio MacPhistoya lo anunciaba a bombo y platillo en una de las giras más espectaculares de todos los tiempos, realizada ya hace 20 años. La mítica Zoo TV de U2utilizó toda la tecnología que tenía a su alcance para denunciar la saturación mediática que se producía entonces. Imaginen. O recuerden. 1992.
Han pasado 20 años y cualquier comparación en esos términos con la realidad actual es casi irrisoria. Con la vida emepecuatrizada y la aparición de más artistas que días tiene el año, se tiende a desvirtuar lo esencial para quedarnos con detalles secundarios. La música en los grandes headquarters de las 3 grandes discográficas comienza a ser concebida por y para una gran masa que devora y tritura a la misma velocidad. Música que entre por los ojos y no por los oídos. Pero no hemos venido con la camiseta de viejo gruñón.
Al contrario. Como sugería MacPhisto, utilizando la tecnología disponible y a las puertas del ansiado paso al streaming de YouTube, -que hará temblar los cimientos llorones de Spotify and company- hemos querido destacar los videos y temas que más nos han llamado la atención de lo que ha caído en nuestras manos en 2013. Los géneros van del jazz espacial, al rock psicodélico, new-wave, alt-country o sencillo y efectivo pop. 400 videos y 27 horas de música resultona para mentes abiertas.
¿Dónde estaba usted en 2013?
Cloud Control son una banda australiana ganadora de los prestigiosos AMP (Australia Music Prize), que decidieron apenas les dieron el premio, poner rumbo a Europa como buenos aussies para empezar la conquista desde las Islas Británicas. Asentados en Londres, allí han grabado su segundo álbum, llamado Dream Cave (Infectious Music / [PIAS] 2013), donde experimentan nuevas sensaciones que amplían su rango musical más allá del folk-pop de su primer LP, Bliss Release. En esta ocasión apuestan por un rock psicodélico muy cuidado, con muy buenas armonías y paiseajes sonoros sutilmente bailables. Un gran disco que parece pasar desapercibido por 2013 pero que merece más de una oportunidad, sobre todo la segunda mitad del disco.
Están en Madrid acompañando a Local Natives y tenemos la ocasión de hablar con ellos horas antes de una actuación algo corta que deja un inmejorable sabor de boca al personal. Hablamos de cuevas, bunkers, espacio, Londres, NY, y alguna que otra anécdota de gira. Pasen y lean.
«En la música puedes hacerte un nombre de inmediato, pero es más difícil vivir de ella»
¿Qué tal estáis chicos? ¿Cómo va el Tour?
Estamos bien gracias, acabamos de tener un día libre en la Costa Brava. Es precioso. Y con buen tiempo.
Habéis tocado con grandes nombres como Supergrass, Foo Fighters o Arcade Fire. ¿Cómo son estas giras?
Bueno, Supergrass fue la primera gran banda internacional con la que tocamos. Aprendimos mucho de ellos. La cosa fue que estaban al final de su carrera, haciendo la última gira de su vida, así que realmente lo estaban disfrutando. Además su tour manager estaba retirado y volvió solamente por lo mucho que les gustaba. Yo quiero estar en esa clase de banda que hace que la gente vuelva de su retiro para trabajar con nosotros.
Ganáis el Australian Music Prize con vuestro primer álbum, Bliss Release, pero ¿cambió algo la manera de hacer el 2º disco?
No creo que realmente impactara en el disco. Ya es lo suficientemente duro escribir un álbum con el que estemos felices, imagina con una agenda programada.
En vuestra opinión, qué diferencias encontráis entre este álbum y el primero?
El nuevo álbum tiene mucha más experimentación, con instrumentos diferentes, batería electrónica… También hemos estado grabando dentro de una cueva, e intentando reproducir lo que hacíamos en la cueva en el estudio.
«El espacio delata la clase de música que escribimos»
¿Cómo terminasteis grabando en una cueva?
Bueno nos gusta pasárnoslo bien. Pensamos en otros sitios también, como viejas estaciones de trenes, túneles de metro… Jugamos con muchas ideas, y al final tomó forma con Dream Cave. Deberíamos grabar algo en un bunker alemán.
¿ El hecho de grabar fuera del típico sótano marcó la diferencia?
Sí, absolutamente. El espacio delata la clase de música que escribimos. Nuestro espacio es el sótano, y siempre encontramos muy duro conseguir que las ideas fluyan. No es un lugar inspirador en absoluto. Es muy húmedo.
Pero sabes es cuestión del estado de ánimo. Si terminas por no disfrutar con lo que haces, tienes que salir de ese lugar.
¿Cómo es el proceso de escribir los temas? ¿Lo hacéis entre todos?
Bueno cambia. Heidi escribe con su guitarra acústica, asi que deja la paleta fresca.
Bueno cuando escribo (Heidi) intento conseguir una melodía fuerte y contenido lírico. Cuando Al escribe, intenta que suena más como un paisaje sonoro. Su método para escribir tira más a la producción. Yo no tengo ninguna habilidad en ese area.
«Londres y NY están a la vanguardia en música»
¿Cómo es la vida en Londres para un músico? ¿Cuales son los pros y los contras con respecto a Australia?
Es genial porque está muy cercano a Europa. Es el tópico clásico de Londres y NY, que apestan, pero yo creo que lugares como Londres o NY ofrecen cosas completamente distintas que otros sitios no pueden ofrecer. Están a la vanguardia en música. Eso mola.
Da igual de donde vengas, lo que importa es lo que haces. Mira una banda como Tame Impala, que vienen de Fremantle.
¿Es más difícil hacerse un hueco en la música ahora?
Bueno puedes hacerte un nombre inmediatamente. Puedes grabar algo y tenerlo en Internet de inmediato para que la gente lo escuche. Pero es más difícil ganarse la vida con la música. Ha cambiado.
«Da igual de donde vengas. Lo importante es lo que haces.»
¿Cuál es vuestra historia favorita de los Tours que contaríais a vuestros nietos?
Heidi: Bueno, tocamos una noche con Arcade Fire en Milán, en el que fue nuestro concierto favorito de hecho, y antes del concierto estuve con Win y le dije cuales eran mis canciones favoritas, y le pregunté si iban a tocar Crown Of Love, que era por razones personales, mi canción favorita. Y me dijo: “Oh, nunca tocamos ese tema. ¡Hace años!”, así que tuve un momento fan y le conté lo importante que había sido entonces esa canción para mí. Entonces, cuando salieron al escenario, dijo: “Quiero dedicar esta canción a Cloud Control, aunque no la tocamos hace mucho…” y entonces ¡¡se le olvidó la letra!! Así que tuvieron que comenzar otra vez de nuevo. Fue muy emocionante.
¿Tenéis algún proyecto en mente para el año que viene? ¿Os veremos en España en la temporada de festivales quizás?
Sï, vendremos a Europa el año que viene. De hecho esta es la 2ª vez en España, pero probablemente estemos aquí el año que viene.
Fue Noel Gallaguer el que afirmó que el futuro de las galaxias dependía del disco de Jagwar Ma. No es la temporada estival la más propicia para el lanzamiento de grandes discos, pero he aquí que en mitad del tedio, se ha dejado caer el que puede ser el debut más sonado del año.
Lo cierto es que hacía tiempo que no disfrutábamos de un debut tan redondo en la música alternativa. Aunque no hay que olvidar que lo malo de la maraña musical que existe en la actualidad, es que nos cuesta creernos cualquier cosa. O a lo peor, nos tragamos todo lo que nos echen. Por eso, antes de sacar brillo, es de bien nacido sospechar unos instantes.
Sospechas efímeras, en el caso de Jagwar Ma, porque los aussies te ganan con la primera escucha. A la espera del inminente lanzamiento de Haim, este Howlin (Marathon Artists / PIAS)es posiblemente el mejor debut en lo que llevamos de año. Un álbum generosamente ecléctico con los géneros más resultones de los últimos años, y que cuenta con una importante retahíla de singles ganadores.
Los australianos habían publicado algún que otro single auto-producido que pasaron relativamente desapercibidos, como Come Save Me,y que ahora son piezas clave del puzle sonoro de su debut en largo. Howlin es un llenapistas instantáneo que bebe sin abusar de la electrónica de LCD Soundsystem o Cut Copy, la psicodelia de Tame Impala / MGMT, los beats noventeros made inStone Roses / Happy Mondays y la épica por momentos de Primal Scream.
Jagwar Ma, es en realidad el proyecto de Jono Ma en colaboración con Gabriel Winterfield (deGhostwood). Jono había participado en otras bandas australianas pero es en Howlin donde consigue plasmar sus propias ideas y toda la experiencia de sus horas de trabajo vendimiando con otros winners como son Foals. Es un debut exuberante y muy visual, con un elegante groovie que obliga a reproducirlo en loop constante. La labor del productor en bandas emergentes normalmente es vista con buenos ojos pero es verdad que siempre existe un pequeño margen de reticencia. Por eso, aunque el bueno de Ewan Pearson, creador de remezclas para Pet Shop Boys o Franz Ferdinand, haya sido el elegido en esta ocasión, mayoritariamente han sido Jono y Gabriel quienes han querido literalmente que su álbum pasara por la menor cantidad de manos posibles, a pesar de haberlo grabado en estudios de medio mundo.
Con todo, consiguen repartir los buenos singles que habían lanzado a lo largo del disco, y añadir grandes temas, que no rellenos, obteniendo un disco irreprochable que muchos gurús del indstream quisieran. Al mencionado Come Save Me, se le uneun grandilocuente Man I Need, un The Throw cuyo comienzo recuerda a la voz del cantante larguilucho de los Drums y que para el LP han extendido al mejor buen rollo de James Murphy, un sesentero Let Her Go, o un tema puramente electrónico como Four que hace las veces de intermedio estratégico. Y aún queda espacio para un gran comienzo con el hipnótico What Love y un final cocinado al fuego de la psicodelia y que según sus comentarios podrían ser los tiros por los que vaya su futuro.
Un álbum disfrutable como pocos que tendrá una interesante disputa con el paso del tiempo. Veremos.
Porque de un tiempo a esta parte parece que son ellas las que mueven los hilos más interesantes de la escena musical actual. Las modas cambian y vuelven más rápido que nunca y el sentido de la orientación se pierde con facilidad. El gato por liebre empieza a ser una constante molesta y aunque los refritos de refritos estén a la orden del día, lo cierto es que la calidad sigue ahí fuera y cada vez es más habitual encontrar talentosas bandas emergentes donde las chicas toman la iniciativa.
Lo hemos comprobado con infinidad de bandas que entran sin permiso y no están dispuestas a marcharse a las primeras de cambio: Desde Vivian Girls a Best Coast; de Dum Dum Girls a Beach House, Cristal Castles o Anna Calvi , o fueras de serie como Natasha Khan de Bat For Lashes o Brittany Howardde Alabama Shakes.
Por eso, hoy queremos hacer un rápido análisis de 10 bandas emergentes que poseen los ingredientes necesarios para pegar fuerte, y tienen interesantes propuestas que presentar y defender a lo largo de este 2013, la gran mayoría, álbumes debuts o EP’s.
HAIM
Lanzábamos la primicia ya en el pasado Mayo, cuando aun no tenían discográfica que lanzara su debut. Danielle, Alana y Este Haim, las 3 hermanas californianas acostumbradas a tocar con sus padres, al mas puro estilo Kitty Daisy & Lewis, decidieron dejar a estos a un lado para marcarse un EP con 3 temas, que regalaron en su web. Sería en Junio cuando Polydor- Universal se fijaran en ellas y no dudaran en pagar 2 millones (DOS) de dólares para deshacerse en la puja de Sony y Warner.
Su mezcla de folk, r’nb y POP con mayúsculas suena sincera como pocas, y es de esas formaciones que te ganan con el directo. Su debut se espera con ganas para Marzo. Si imprescindibles era ya su single presentacion,Forever, no se pierdan el más reciente Falling o Don’t Save Me.
MS MR
Este dúo de chill wave establecido en NY, se apunta a la última moda que no es otra que ofrecer datos de la banda a cuentagotas, en ocasiones solamente un nombre y un link a un single. Les mencionamos en Junio, cuando lanzaban el single debut llamado Hurricane. Un tema nostálgico, de tintes épicos y detalles de Bat For Lashes, y una voz muy similar a la de Florence Welch de Florence & The Machine. Han sido fichados por Sony y su álbum debut verá la luz el 14 de Mayo.
TORRES
Detrás de Torres está la cantautora de Nashville de 22 años Mackenzie Scott, que acaba de lanzar digitalmente su álbum debut homónimo, y que contiene un enorme primer single llamado Honey. Le basta distorsionar los sonidos de su Gibson y manejar a su antojo una gran voz, en este caso intencionadamente ruda para lograr un tema de intensidad contenida y rico liricamente. «Honey, while you were ashing in your coffee, I was thinking of telling you’ve what you done to me». Su álbum debut homónimo acaba de salir al mercado.
Parece que Sharon Van Etten ya tiene competencia.
SAY LOU LOU
Estas gemelas de procedencia sueca-australiana, Saint Lou Lou hasta hace unos días, sorprendieron a propios y extraños con el lanzamiento de un gran single, Maybe You, con el que consiguieron que los ojos de los blogs mas meticulosos se fijaran ellas. Incluidos los fashionistas de Kitsuné que se apresuran a ficharlas. Poco después lanzan un video resultón dirigido por el director Philippe Tempelman y la bola está montada.
El siguiente paso serán son singles a cuentagotas como Skylights o Julian, desaparecidos practicamente de la red, y anuncio de nuevo álbum. Aún con todo, amantes de Au Revoir Simone, Cocteau Twins o Beach House, aquí hay material.
VERONICA FALLS
La banda londinense de Roxanne Clifford sorprendió en 2011 con un debut que tiraba de sonido C-86, Vivian Girls o Dum Dum Girls, y ahora presentan un segundo disco más colorista con un Lo-fi más trabajado que tiende más a Best Coast que a las propias Vivian Girls. De hecho parece que sea el segundo álbum que estaba buscando Bethany Cosentino con The Only Place.
Waiting For Something To Happen, que así se llama, ha sido producido por Rory Atwell (The Vaccines, Yuck), que pretende conseguir que la banda pueda dar ese gran salto que se le resiste a los anteriormente mencionados, con un sonido que a menudo parece demasiado trillado, pero que por lo escuchado aquí parece no tener los días contados como creía más de uno. Buenas melodías, juegos vocales y guitarras trepidantes para un álbum óptimo que apunta alto en este recién estrenado año.
LAURA MVULA
Esta británica de 25 años, natural de Birmingham pero con raíces caribeñas, ha conseguido gran atención con la publicación de apenas 2 singles, como fue el emotivo Sheel año pasado y el más reciente Green Garden. Encariñada desde primaria al piano y al violín, su estilo recuerda a Erykah Badu o Amy Winehouse. Hace apenas un año dejaba su trabajo en la recepción de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham para dar rienda suelta a su imaginación a través del Garage Band de su ordenador. El resultado es una mezcla de R&B, soul y gospel que le ha valido para ganar la atención de los críticos de la BBC, y para que Sony se apresurara a ficharla. Su debut se llama Sing To The Moon y está programado para el 4 de Marzo.
WOLF ALICE
La primera impresión que se pueden llevar de la banda de Ellie Rowsell seguramente no sea la adecuada. Este trío londinense de psychofreak poprock, como ellos mismos se auto-etiquetan, decidieron dejar el folk que paseaban por el Norte de Londres para coger las guitarras eléctricas y tocar en todos los garitos de la ciudad que pudieran. A mediados del año pasado publicaban un EP homónimo y auto-producido, desaparecido del mercado, de solamente 3 canciones. Más tarde lanzarían Leaving You y ahora el single físico de Fluffy, con videoclip incluido. Un tema con el que pretenden posicionar su sonido, ensuciándolo intencionadamente y dándole una forma que tiene la figura del éxito dibujada. La versatilidad del sonido de la banda y el carisma de Ellie forman una ecuación que apunta maneras.
DEAP VALLY
Las Black Keys femeninas que no se cortaban a la hora de acosar a los Horrors quieren dar un salto adelante. Hacen garaje salvaje. Unrock blusero rudo y cabezón utilizando solamente guitarra y batería, aunque quizás su sonido se acerca más a Wolfmother y White Stripes. El descaro y la actitud que muestra la cantante y guitarrista Lindsay Troy es un gran valor añadido que seguro les vale para salirse del tiesto. Además de una voz punzante que recuerda a Juliette Lewis o Karen O.
La historia de Deap Vally se desarrolla en el corto plazo. Hace apenas año y medio que Lindsay conocía a Julie Edwards, en Los Angeles, mientras esta trabajaba en un taller de costura. Después de hacerse amigas e intercambiarse discos de Led Zeppelín, Lindsey convencía a Julie para formar la banda. 5 temas después y algunos videos en la red les ha valido para llamar la atención de Iggy Pop, con quien ya han tocado, de Queens Of The Stone Age, quienes quieren llevárselas de gira, o Mumford & Sons, de quienes son las teloneras de su gira actual. Su álbum debut se espera este 2013.
CHVRCHES
Chvrches son un trío electrónico de Glasgow que hacen synthpop adictivo y que cuentan con la voz de Lauren Mayberry como principal atractivo. Se conocieron en Octubre de 2011 aunque todos ellos tenían proyectos musicales alternativos antes de formar la banda. La BBC se fijó en ellos para su porra de nuevos talentos y han conseguido una buena porción de atención desde entonces. El año pasado lanzaban Liesy The Mother We Share, y el 25 de Marzo lanzarán Recover, el que será su EP debut
F.U.R.S.
Poco se sabe de este trío londinense que hace música americana influenciada por música inglesa. Elle Wade ejerce de líder, aunque en la banda también se encuentra su hermano Liam. Su primer single es un contagioso tema llamado Striptease, que tira de revival pero con buenas maneras. Johnny Marr personalmente les ha elegido para talonear su inminente gira por UK. Se encuentran grabando su debut aunque este single verá la luz física el 25 de Marzo. Seguramente no será la última vez que escuchemos su nombre.
Y no son las únicas. Si quieren alguna más, bandas como Savages, PINS, Valerie June, of Verona, Christine & The Queens, Indiana, Eddie The Gun, Sally Shapiro o las hermanas suecas First Aid Kit también esperan un 2013 lo más movido posible.
Recuerden que podrán adquirir los discos de estas bandas también a través de tiendas online y encontrar algunas ofertas en la web deDscuento.com
Tiene mérito como el dúo electrónico Capital Citieslograron expandir su música por todo el mundo sin la ayuda de una compañía discográfica ni nada que se le parezca. Muchos blogs empezaron a hablar de ellos cuando lanzaron un hit como es Safe & Sound. Ryan Merchant y Sebu Simonian lanzaron su EP debut el pasado año, y tuvo un éxito considerable, que les hizo tocar en Canadá, Sudamérica o Europa. También han conseguido encabezar las listas de Hype Machine y ser tildados por el gurúPerez Hilton como «la mejor banda de LA».
Hace un mes han conseguido por fin el reconocimiento que merecen y han sido fichados por la enorme Capitol Records, lo que augura su álbum debut para este año y una exposición mayor en todos los medios.
ROCKASThabló con el cantante Ryan Merchant con motivo de su visita a Madrid en el festival DCode, donde se convirtieron en uno de los mejores actos del fin de semana.
Solamente habéis publicado un EP y está funcionando bastante bien, sobre todo gracias al boca-oreja y a Internet. ¿Ha sido autoproducido o hay una compañía apoyando el álbum?
Sí, lo hemos autoproducido y lo hemos lanzado nosotros mismos, y por suerte la música se ha extendido a través del boca a boca.
Os encontrasteis de hecho por medio de Craiglist (el equivalente en San Francisco al Gumtree londinense), y también con Manny, vuestro bajista. ¿Cómo veis los medios y cómo creéis que ayudan a llevar vuestra música por el mundo?
Hay muchas formas en la media y es importante utilizar todas ellas para crear una base de fans. Inicialmente captamos la atención de los blogs. Así es como empiezas a hacerte un nombre ahí fuera. Al final saltas a la radio y a las revistas grandes. Al mismo tiempo conectamos con nuestros fans en Facebook y Twitter. Es una época increíble para ser un músico independiente. Las compañías aún tienen mucho poder, pero es más democrático ahora.
«En los tiempos que corren tienes que tomar el control de tu propio destino y crear la oportunidad.»
Hicisteis una versión del Breathe de Pink Floyd bastante buena con el sampler de Tupac, y también el Nothing Compares To You de Sinead O’Connor o el Holiday de Madonna con gran resultado. ¿Tenéis algo en la cabeza para vuestro siguiente cover o mashup que deseéis hacer?
No estoy seguro de qué versionaremos lo siguiente. Puede que sea un tema de los Beatles, pero no uno que te esperes de una banda pop electrónica.
¿Es más duro que antes el hecho de conseguir apoyo de una discográfica?
Aún no tenemos una discográfica que nos respalde así que no te sabría decir. Todo lo hacemos nosotros mismos con la ayuda de nuestro excelente manager y representante. Ahora mismo en estos tiempos que corren tienes que tomar el control de tu propio destino y crear la oportunidad. No puedes contar en los llamados “profesionales” para hacer que las cosas sucedan.
«Safe and Sound es una canción de amor a la raza humana»
Safe & Sound es tan eufórica como parece. ¿Cómo surgió? El saxofón se está conviertiendo últimamente en un instrumento muy popular de nuevo en la música electrónica pero esa trompeta… ¿Cuál es la historia detrás de este tema?
Safe & Sound nos llevó mucho tiempo hasta conseguir lo que es ahora. Producimos 10 versiones antes de quedarnos satisfechos. Temáticamente la canción habla de no preocuparse acerca de si el final del mundo está llegando. Cada generación piensa que estamos caminando hacia el Armageddon, pero nunca llega. Los humanos tienen una increíble capacidad de adaptarse y resolver problemas. Es una canción de amor a la raza humana.
¿Qué artista o banda ves como una referencia musical?
Tenemos muchas referencias musicales, pero una de las más grandes es Michael Jackson. Sus temas eran muy funkies y bailables, pero también tenía letras y melodías increíbles.
¿Qué es lo más escuchado en vuestros iPods, iPhones, Walkmans…?
Me gusta mucho Beach House. Cada canción de sus álbumes es tan buena que puedes escucharla constantemente y no rallarte. Whitest Boy Alive es también espectacular.
Hablemos de vuestros directos. Con toda esta interminable recesión sobre nuestras cabezas, creo que la gente realmente viene a vuestros conciertos a desconectar y trae una gran predisposición a pasar un buen rato. ¿Qué podemos esperar de vuestros conciertos?
Nos gusta entretener a las audiencias cuando actuamos. No nos sentamos directamente y nos hacemos los guays. Bailamos, interactuamos y nos divertimos nosotros mismos sobre el escenario. También tenemos una buena mezcla de músicos en directo y música electrónica que hace que la gente baile.
¿Habéis considerado alguna vez alguna idea extravagante como por ejemplo, la bola de hamster gigante de los Flaming Lips o algo del estilo?
Ví a los Flaming Lips usando esa bola de hamster y me molestó. Fui a ver la actuación de su increíble “Yoshimi Battles The Robots” y se dedicaron a hacer el ridículo en el escenario en vez de tocar sus temas. Así que no creo que hagamos nada que se salga de la presentación de nuestras canciones. La gente quiere oír música.
DB
Capital Cities estarán actuando el 4 de Abril en la Joy Eslava de Madrid. Entradas en http://www.ticketmaster.es
Había mucha expectación creada en torno a las confirmaciones del Primavera Sound 2013, ya que por primera vez se anunciaba todo el cartel de una sola vez, en vez de ir soltando poco a poco las confirmaciones, con la excepción de Blur, que fueron los primeros y únicos anunciados.
El cartel definitivo incluye a:
Adam Green & Binki Shapiro, Aliment, Animal Collective, Antònia Font, Apparat, Band Of Horses, Barry Hogan DJ, Betunizer, Blur, Bob Mould, Bored Spies, Camera Obscura, Cayucas, Christopher Owens, Crime & The City Solutions, Crystal Castles, Dan Deacon, Daniel Johnston, Daphni, Daughn Gibson, Daughter, Death Grips, Deerhunter, Degreaser, Delorean, Dexys, DIIV, Dinosaur Jr., Disclosure, DJ Coco, Do Make Say Think, Dope Body, El Inquilino Comunista, Ethan Johns, Extraperlo, Fidlar, Fiona Apple, Foxygen, Fred i Son, Fuck Buttons, Fucked Up, Ghost Digital, Glass Candy, Goat, Grizzly Bear, Guadalupe Plata, Guardian Alien, Guards, Hidrogenesse, Hot Chip, Hot Snakes, How To Dress Well, Jackmaster, James Blake, Jessie Ware, The Jesus & Mary Chain, Jim Jarmusch & Jozef van Wissem, John Talabot DJ, Killer Mike, King Tuff, Kurt Vile & The Violators, L’Hereu Escampa, La Bien Querida, La Brigada, Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, Liars, Local Natives, Los Planetas, Mac Demarco, Manel, Matthew E. White, Meat Puppets, Melody’s Echo Chamber, Menomena, Merchandise, Metz, Mount Eerie, Mulatu Astatke, My Bloody Valentine, Neko Case, Neurosis, Nick Cave & The Bad Seeds, Nick Waterhouse, Nils Frahm, Nurse With Wound, OM, Omar Souleyman, Paus, Peace, Phoenix, Pony Bravo, Poolside, Rodriguez, Roll The Dice, Savages, Sean Nicholas Savage, Shellac, Simian Mobile Disco, Solange, Swans, Tame Impala, Tarántula, The Babies, The Bots, The Breeders, The Free Fall Band, The Knife, The Magician, The Postal Service, The Sea And Cake, The Suicide Of Western Culture, The Vaccines, Thee Oh Sees, Tinariwen, Titus Andronicus, Toundra, White Fence, Wild Nothing, Woods, Wu-Tang Clan, Four Tet, Chris Cohenb, Blue Willa, Hal Flavin, Honeybird & The Birdies, etc…
Suponiendo que la objetividad suele empezar donde termina la espalda en este tipo de listas, desde aquí vamos a aportar los discos que hemos considerado más importantes del 2012. Para nosotros prima la originalidad, creatividad, el aporte de los artistas y la influencia que pueden tener.
Lo hemos visto otros años y sigue sucediendo. Es curioso comprobar como importantes medios siguen empecinados en sacar su lista con una antelación cada vez más ridícula, expulsando Diciembre del calendario y produciendo situaciones cómicas, como dejar fuera de sus Best Of2011el que fuera uno de los álbumes del año, El Camino de Black Keys, lanzado a principios de Diciembre.
Pero aunque 2012 no haya sido un mal año musicalmente hablando, siempre echamos de menos que se multipliquen las grandes referencias musicales, esas que juegan en otras ligas, y eso es algo que parece que tiende a desaparecer. No obstante, el 2012 nos prometía grandes cosas y ha cumplido con creces lo esperado:
30. POP LEVI – Medicine (Ninja Tune)
Jonathan Levi, mas (o quizás menos) conocido como el ex bajista de Ladytron, sigue su camino en solitario con la publicación de su cuarto álbum en solitario, afianzando este proyecto al resto (Ladytron, Super Numeri, etc…). Este compendio glam electrónico ha sido grabado según Levi por “una diferente versión de mí, en otra dimensión”. Un lugar indudablemente original para grabar un disco. Aún con todo, nos deja un álbum que aunque algo extenso, recuerda los buenos tiempos e intentos de Eagles Of Death Metal por sacudir éste género, aunque Levi no deseche los medios tecnológicos que le ofrece la actualidad. Contiene llenapistas y buenrollismo a raudales. Un imprescindible de sábado noche.
29. MAPS & ATLASES – Beware and be grateful (Barsuk Records)
Estos minuciosos músicos de Chicago lanzaron en 2012 su 2º álbum, después de un sinfín de EP’s y lugares recorridos para hacer sonar su música. Demasiado meticulosos para algunos, están en constante búsqueda de sonidos. Como ya vimos aquí, no les importa sobreponer ritmos o hacer tapping, aunque en éste disco hayan dejado la experimentación más aparcada que en sus anteriores lanzamientos. Beware And Be Grateful es un álbum vistoso que consigue enganchar de primeras. Hablamos de ellos en Abril.
28. THE WALKMEN – Heaven (Fat Possum Records / Bella Union)
Los siempre correctos neoyorquinos cumplen 10 años desde su debut, y lo hacen lanzando el que es ya su séptimo largo. De perfil bajo, no cuentan con presiones añadidas, y son más que nunca conocedores de que nunca contarán con el apoyo unánime de la crítica especializada. Así Heaven, que cuenta con la colaboración de Robin Pecknold de Fleet Foxes en el primer tema, es un álbum donde la banda se encuentra en ese punto en que no sienten la necesidad de demostrar nada, a pesar de que muchos echan de menos un gran trabajo que les coloque en el mismo mapa que otras americanas más consagradas. Con todo, y sin esa presión, componen los mejores temas de su carrera como podemos ver en Line By Line o The Witch.
27. FATHER JOHN MISTY – Fear Fun (Sub Pop)
“Para que aparezca una nueva vida, algo tiene que morir”. Menos conocido como Josh Tillman, el hasta hace un año batería de los laureados Fleet Foxes dejaba la banda al no sentirse completamente feliz con ellos. Así retomaba en 2012 sus proyectos personales con un notable éxito. Su 8º disco de estudio ha sido parido a través de viajes sin destino por la costa este de los EEUU en una furgoneta donde no faltaban setas alucinógenas que le ayudasen a encontrarse a sí mismo. El resultado es un trabajo exquisito de folk que no ha pasado desapercibido.
26. TWO GALLANTS – The Bloom And The Light (PIAS)
Estos 2 tipos de San Francisco llevan tocando juntos desde que tenían 5 años. The Bloom And The Light y su sonido marca de la casa les ha valido la aceptación de crítica y público si bien no se encuentran comercialmente hablando al nivel de otros grandes dúos con los que se les compara como White Stripes o Black Keys. Su propuesta de rock garajero afilado con intención psicodélica, triunfa allá donde va si bien a ellos las cifras no es algo que parezca importarles. Les entrevistamos en su visita a España.
25. PATTERSON HOOD – Heat Lightning Rumbles In The Distance (PIAS)
Padre de una de las mejores bandas de alt-country que se puede uno llevar a los oídos, el hijo del mítico David Hood deja a un lado a sus Drive-By Truckers para presentarnos su tercer disco en solitario. Éste disco confirma la plenitud compositiva en la que parece encontrarse Patterson, quien está deseando lanzar nuevo disco con Drive-By Truckers en 2013. Un placer entrevistarlo hace un par de meses.
24. JOHN TALABOT – ƒIN (Permanent Vacation)
El DJ y productor barcelonés lanza su primer LP de la mano de Permanent Vacation después de publicar multitud de singles y remixes para terceros.ƒIN es un trabajo que le ha supuesto los elogios de la crítica especializada y que le ha valido para que le coloquen rápidamente en la estela de gurús electrónicos como Four Tet, Burial o Caribou. Con éste album consigue introducir la electrónica en un confortable salón familiar. Cuenta con buenas colaboraciones como Pional en el primer single o Ekhi.
23. THE MACCABEES – Given To The Wild (Fiction Records)
Los londinenses del sur del Thamesis llevan desde 2004 que lanzaron su debut buscando ese pedazo de ratio mainstream que parece reservado de unos años a esta parte a bandas con más éxitos extra musicales que musicales propiamente dichos. Su lucha ha sido constante, pero después de un 2º álbum que no convenció, lanzan un 3º que ha sido carne de cañón de Mercury Prize y que por fin parece haber puesto a todo el mundo de acuerdo. La propia madre de uno de los miembros recomendaba su debut en una tienda de discos del Kensington High St. de Londres que ya no existe. Su nominación a los Mercury les hace justicia.
Jack Tatum hace un álbum continuista de su gran debut de 2010, el celebrado Gemini, y lo hace destilando su dream pop de manera más práctica, aunque sin grandes temas que resalten sobre los demás como ocurría en Gemini. Sin embargo, Paradise, Nocturne, Shadow o Counting Days bien podrían ser las patas que sostienen el álbum.
21. THE VACCINES – Come Of Age (Columbia)
Veni, vidi, vici. La máxima de Julio César la llevan los londinenses a cada escenario que pisan, pero también la aplican a su segundo álbum. Come Of Age no es un desfile de hits tan radical como lo fue su debut, pero sigue la misma línea de pegada y deja joyas como Teenage Icon o No Hope. Los Vaccines no van a cambiar la forma de ver el rock ni van a arreglar nada que esté por arreglar, pero han demostrado que hacen grandes singles como churros y sin ninguna pretensión. Rock directo, efectivo, y sin complicaciones.
20. RICHARD HAWLEY – Standing At The Sky’s Edge (EMI)
El de Sheffield es uno de esos músicos en peligro de extinción. Se volvió a hacer justicia con su nominación a los Mercury otra vez éste año, pero sin ser el claro favorito, volvió a perder como aquella vez que le arrebataron el premio unos inconmensurables Arctic Monkeys. En cualquier caso, Hawley ha vuelto para publicar Standing At The Sky’s Edge, un ábum que hace gala del desencanto que percibe su autor y que tira de épica y pop elegante e inteligente.
19. PASSION PIT – Gossamer (Columbia)
La banda de Michael Angelakos encandila al público de los EEUU pero no logra hacerse un hueco en Reino Unido. Después de un EP rompedor como fue Chunk Of Change y de un debut que les abriría un hueco aún poco explotado, Gossamer pone de manifiesto una habilidad especial para abrir un abanico de posibilidades musicales que no muchas bandas poseen. Sus temas están radicalmente abiertos a ser mezclados, remezclados y dados la vuelta, para obtener un sinfín de interpretaciones, desde el RnB más comercial al cierrapistas más multitudinario.
18. GRIMES – Visions (4AD)
La ola que se levanta en Canadá empieza a ser demasiado grande para ser obviada. Claire Boucher presentaba su tercer álbum y primero con 4AD, denominado Visions. La mezcla de sintetizadores con su voz aniñada y oscurantismo le ha valido la etiqueta de goth-electro entre otros. Lo cierto es que después de ser expulsada de la universidad y de recorrerse el Mississippi con lo puesto en un pequeña embarcación, Claire logró plasmar sus ideas en un álbum que le ha supuesto el reconocimiento internacional. Hablamos de ella en nuestra lista de artistas a seguir de 2012.
17. CAT POWER – Sun (Matador)
La imprevisible solista norteamericana da una acertada vuelta de tuerca a su estilo y juega con la electrónica en su 9º álbum. Se puede decir que la vida de Charlyn Marie Marshall no ha sido fácil. Después de cambiar 10 veces de colegio, estar en bancarrota, intentar suicidarse, ser desahuciada, utilizar su fondo de pensiones para financiarse las grabaciones, separarse o pedir cobijo en la casa de su productor, tampoco este año iban a venir buenas noticias para ella. A finales de año Chan Marshall se veía obligada a cancelar la gira por un angioedema y se confirmaba que podría estar de nuevo en bancarrota. En el ámbito meramente musical, nos encontramos con el lanzamiento de un notable trabajo. La delicadeza que encontramos en Sun muestra también un equilibrio entre la tristeza y el optimismo, propiciado por la cierta hartura de Chan con su lado más depresivo, como ella misma ha afirmado. Confiamos en poder verla pronto sobre los escenarios.
16. CHROMATICS – Kill For Love (Italians Do It Better)
Probablemente nadie ofrezca mejor banda sonora a las luces de neon en las noches de las grandes ciudades como la banda de Seattle. Cinco años después de su último álbum, regresan hilando fino, con atmósferas hipnóticas en el que es posiblemente su mejor álbum. El impulsoque ha dado la banda sonora de la película Drive les ha valido, al igual que a todos los participantes, para llegar a un público más amplio, pero no ha cambiado un ápice en su modus operandi. Es paradójicamente un trabajo muy cinematográfico y elegante, que une la electrónica al new wave, con guitarras eléctricas, musica disco, beats lentos y voz auto-tuneada en ocasiones que funciona bien en su conjunto y que ofrece un eficaz medio de transporte a la imaginación.
15. DJANGO DJANGO – Django Django (Because Music)
Ésta banda escocesa, que se ha tomado literalmente todo el tiempo del mundo en terminar su álbum, ha demostrado que efectivamente la paciencia es una virtud. Añadiendo pros a esa emergente oleada de nueva música psicodélica, Django Django están irremediablemente influidos por la mítica Beta Band, ya que el cantante David MacLean es precisamente el hermano pequeño del que fuera teclista de aquellos, John MacLean. También hablamos de ellos en nuestra lista de artistas a seguir de 2012. Default es sin duda uno de los mejores temas de 2012.
14. CRYSTAL CASTLES – (III) (Fiction Records, Lies Records, Last Gang Records)
El proyecto de Ethan Kath con la colaboración de Alice Glass, se convertiría en definitivo con el lanzamiento de su álbum debut en 2008. Su consagración al gran público, si se puede llamarlo así se confirmaría con el enorme (II) de 2011, y ahora parece que en vez de seguir el ancho camino abierto por aquel disco, deciden hacer lo que realmente ellos y no su discográfica quieren. Con (III) se ponen el traje de los domingos y lanzan un álbum de punk electrónico mucho más moderado que los anteriores álbumes. Es más lineal y más serio de lo que nos tenían acostumbrados pero que no baja una mica de calidad a su talento. El próximo año estarán de gira y podremos comprobar como funciona (III) en la salvaje experiencia que son sus directos, más que recomendables. O no.
13. JAKE BUGG – Jake Bugg (Mercury Records)
No hay duda de que estamos ante un compositor con mucho talento y una voz con mucho gancho. Con apenas 19 años, éste británico de Nottingham, ha lanzado un álbum debut que ha sorprendido a propios y extraños. El llamado Dylan británico bebe de los Arctic Monkeys que ha mamado desde niño, superándolos en algunos aspectos, pasando por Beatles y Oasis. Era hora de que Reino Unido empezase otra vez a aportar cosas interesantes a la música después de pasar tanto tiempo inadvertido. Este fenómeno va a dar mucho que hablar y Universal lo ha visto claro.
12. NORAH JONES – …Little Broken Hearts (Blue Note)
La cantante y actriz neoyorquina, hija del recientemente fallecido Ravi Shankar, – el músico hindú más influyente del mundo-, publicaba en 2012 nuevo álbum de la mano del prestigioso Danger Mouse, el productor gurú que convierte en oro todo lo que toca y que apunto estuvo de tomar las riendas de U2 cuando U2 creían aún en sus propias posibilidades. Después de la exitosa colaboración del año pasado con la estupenda Rome, produce en este caso el disco entero de Jones confirmando que poniendo sobre la mesa solamente su música y nada más, es una de las cantantes con más calidad y más interesantes de la escena musical de los últimos años. Norah tiene la voz, tiene el misterio y tiene el talento innatos. Y por eso tiene especial mérito no hacer el mismo primer disco una y otra vez.
11. TAME IMPALA – Lonerism (Modular Recordings)
Corren definitivamente nuevos tiempos para la psicodelia musical. Y si no que se lo digan al bueno de Kevin Parker. El introspectivo líder de los australianos Tame Impala afirmaba que cuando terminaron Lonerism dudaba de si habían hecho algo realmente bueno o todo lo contrario. Su particular forma de crear, llevando la máxima del “mejor sólo que mal acompañado” al extremo, nos hace dudar de sí realmente se puede crear música sin que exista influencia alguna del mundo exterior. Lonerism, que es el 2º álbum de TI, experimenta con la psicodelia de los 60 y 70 y consigue crear un sonido con sentido, tomando como referencia elementos de hace 50 años y usando la tecnología en su justa medida para que sorprendentemente no suene a refrito de refrito del revival de turno. No hay temas que destaquen sobremanera sobre el resto, ni estribillos que corear pero el álbum forma un conjunto uniforme, casi indivisible que puede ser extrapolado y armoniza un sinfín de puntos de vista.
10. CALEXICO – Algiers (City Slang)
Existen pocas bandas que posean una variedad de estilos tan rica como la del dúo de Tucson. Y menos aún que sepan sacarle el provecho que éstos le saben sacar. En su country folk de serie, en esta ocasión tienen cabida rancheras, ritmos cubanos o temas en castellano. Calexico sabe llevar la elegancia en temas extremadamente cuidados y que cuentan buenas historias. Algiers es el 7º álbum de la banda.
9. CLOUD NOTHINGS – Attack On Memory (Carpark Records / Wichita)
Sin duda los de Ohio son una de las formaciones más geniales del panorama musical. No solo haciendo videoclips han demostrado que son de lo mejorcito que se puede uno encontrar. La energía que desprende la banda de Dylan Balde es fácilmente contagiosa. Garaje noventero y descarado rock a corto plazo con el que están decididos a hacer un álbum por año, gran noticia después del espectacular homónimo de 2011.
8. BAT FOR LASHES – The Haunted Man (EMI)
Natasha Khan es esencia de talento. Es apetito musical. Palpable y real Una extraña belleza más oída que escuchada por siluetas con derecho a voto. Como si a pesar de sus 3 grandes trabajos aún se esperase de ella un gran golpe sobre la mesa. Original de la playa de Londres con descendencia paquistaní, Khan presentaba este año The Haunted Man envuelto en un continente que tristemente parecía dar que hablar más que el contenido. Multi-instrumentista pero gran pianista y compositora, se gradúa con nota con uno de los mejores temas del año que es Laura, en un álbum muy cuidado en el que también destacan temas como Marilyn, A Wall o All Your Gold.
7. JACK WHITE – Blunderbuss (Third Man Records)
Obsesionado consigo mismo y perfeccionista hasta la médula, Jack White ofrece un compendio de rock blusero de manual. Nadie consigue hacer sonar el rock clásico tan moderno como él. Rodeado de grandes músicos de su Nashville natal, su fastuosidad creativa le pide en esta ocasión llevarse dos bandas de gira, una totalmente masculina, The Buzzards, y otra femenina, The Peacocks, siendo su feeling en el momento del desayuno quien decida quién va a tocar en el concierto de cada noche. Elegancia musical sin igual. Imprescindible.
6. JAPANDROIDS – Celebration Rock (Polyvinyl)
Japandroids o el rock agarrado a un clavo ardiendo. Su abismo sonoro lleva al límite. El dúo de Vancouver lleva el experimentalismo al extremo opuesto y no pide sino ofrece. Celebration Rock, un álbum que apunto estuvo de no publicarse, ya que estuvieron apunto de separarse, escupe rock sin paliativos. Rock que te zarandea hasta dejarte K.O. Todo actitud en un álbum para ser sudado en directo como si no hubiera un mañana.
5. SMASHING PUMPKINS – Oceania (Martha’s Music)
Contra todo agorero pronóstico, el octavo álbum de Billy Corgan con Smashing Pumpkins es muy digno de estar en toda lista álbumes del año. El puñado de grandes temas que atesora Oceaniano se cuentan con una sola mano. Y cuenten el resto de la lista. El mayor problema de Smashing Pumpkins en 2012 es que son Smashing Pumpkins. Y el mayor pecado de Oceanía es que no es 1997 y éste no es el álbum que va a seguir a Mellon Collie.
Pero hace tiempo que la industria pasó a vender politonos y la memoria colectiva musical, cargada de estúpidos prejuicios, se acomodó en un corto plazo cuanto menos inquietante. Oceania es un álbum que le sobra lo que otros añoran y tardan tanto en conseguir. Es encomiable la capacidad de Billy Corgan para crear melodías de tan bella factura y dotarles del peso de guitarras y los arreglos justos. Oceanía pide a gritos volver a confiar en un tipo que sabe muy bien lo que se hace.
4. BEACH HOUSE – Bloom (Bella Union)
Bloom continúa en la línea del estupendo Teen Dream, añadiendo quizás algo más de epicidad y haciendo más espacioso su sonido, convirtiéndose cada vez más en una influencia para muchas bandas. La palpitante Wild es uno de los temas del año, pero no olvidemos la creciente Irene o la majestuosidad de New Year. La voz de Victoria está mejor que nunca y la calidad que consiguen en todos sus álbumes les ha valido para ganarse el respeto de todos.
3. REDD KROSS – Researching The Blues (Sweet Nothing Records)
15 años llevaban sin publicar nuevo disco la banda de los hermanos prodigio californianos. Y menudo regreso. Researching The Blues está a la par de sus trabajos en los 90. Los padres del primer punk-rock californiano se marcan un álbum señor de arriba a abajo, que suena a Beatles o Byrds y te deja KO a las primeras de cambio. Ellos no saben de modas, pero levantan la bandera del power pop al punto más alto y consiguen un disco soberbio que funciona bien ahora y hubiera funcionado igual de bien hace 15 años. Solamente 10 temas en treinta y pocos minutos que después de tanto tiempo dejan un inmejorable sabor de boca y ganas de más. Un álbum que suena incluso mejor escuchado del final al principio, y es que dejan para el final el mejor tema, el beatleHazel Eyes.
2. ALABAMA SHAKES – Boys & Girls (Rouge Trade)
Curioso como un panfleto británico, otrora referencia musical por excelencia, les dedicaba una portada bajo el título de “The World’s Greatest New Band” y apenas meses después no tenía cabida en sus 50 discos del año. Alabama Shakes es una banda que camina con pies de plomo, mirada fija, y la recamara llena de balas. Sus directos son una experiencia sensacional, sencillamente bonitos, cargados de calidad y de mucha emoción. Es increíble la unanimidad que ha conseguido esta banda en torno a ella, que ha logrado que se pongan a sus pies ilustres como Robert Plant, Jack White o Drive-By Truckers.
La magia que tiene ésta banda reside principalemente en su cantante, que es comparada y con razón con Aretha Franklyn. Es la banda con mayor potencial y proyección de la lista. No encuentro ninguna razón para que Alabama Shakes no lleguen a lo más alto. Brittany Howard es un regalo para la música. Algo intuíamos ya el pasado mes de Abril.
1. (Δ) ALT-J – An Awesome Wave (PIAS)
Y la joya de la corona de 2012. Sinceramente tenían reservado el Nº1 y hasta la foto de éste artículo desde la publicación de An Awesome Wave a la espera de que algo o alguien pudiera arrebatárselo. Estos británicos tienen una clase descomunal y han hecho un álbum para quitarse el sombrero. Contiene hasta 7 temas que perfectamente podrían ser singles cualquiera de ellos. Un estilo que mezcla de manera sublime elemenos folk con dubstep, trip-hop y unas armonías vocales muy cuidadas. Su álbum es uno de los mejores debuts de los últimos años, y eso va a provocar precisamente que sea extremadamente difícil superarlo en el segundo álbum. Aunque para entonces quizás la media haya girado 180 grados y no les espere con los brazos abiertos precisamente. En ROCKAST hablamos de ellos apenas publicaron su debut, y con ellos en Agosto en una interesante entrevista.
L.A. electro pop duo Capital Cities are spreading their music all around the world without the help of a either a big or small record company. Lots of music blogs started to talk about them when they first released their massive hit Safe & Sound. Ryan Merchant and Sebu Simonian released their debut EP last year, which did pretty well and let them played in Canada, US, South America and as soon as tomorrow also in Europe. They were also widely tipped by internet guruPerez-Hilton as «the best band in L.A.». ROCKAST reached Ryan Merchant and this is what he told us:
You have just published one EP and seems like it’s working pretty good and has been spread by word of mouth. Has it been self-produced or is there any company backing the album?
Yes, we self produced and self released our EP and lucky for us the music has spread through word of mouth. This is the best way to build a fan base.
Is it getting harder to get real support from record labels?
We don’t have a record label backing us so I would not know. We do everything ourselves with the help of our excellent manager and attorney. In this day and age you have to take control of your own destiny and create opportunity. You can’t count on so called «professionals» to make things happen.
You two actually met via Craiglist (San Francisco’s equivalent to London’s Gumtree) also Manny, your bass player. How do you see the media nowadays and how has it helped you to bring your music around the world?
There are many forms of media and it is important to utilize all of them to build your fan base. Initially we got the attention of the blogs. This is how you start getting your name out there. Eventually you move to radio and the bigger magazines. At the same time we make connections with our fans through Facebook and Twitter. It’s an amazing time to be an independent musician. The labels still have a lot of power, but it is much more democratic now.
Safe & Sound is as euphoric as it gets. Where does it come from? Saxophone is lately becoming very popular again in electronic music but that trumpet… What’s the story behind this song?
Safe and Sound took a long time to get to where it is now. We produced 10 versions before we were satisfied. Thematically, the song is about not worrying that the end of the World is coming. Every generation thinks we are headed for Armageddon, but it never comes. Humans have an amazing ability to adapt and solve problems. It’s a love song to the human race.
You covered Pink Floyd’s Breathe pretty well with the Tupac sample and also Sinead O’Connor’s Nothing Compares To You or Madonna’s Holiday with such a great result. Do you have something on your mind for a next cover or mashup you’d like to do?
I’m not sure what we will cover next. It might be a Beatles song, but not one that you would expect from an electro/pop band.
What artist or band do you see as a musical reference?
We have many musical influences, but one of the biggest is Michael Jackson. His songs were so funky and danceable, but also had amazing lyrics and melodies.
What’s the most played song on your iPods /iPhones/Walkmans…?
I really like the band Beach House a lot. Every song on their albums is good so you can listen through and not get annoyed. Whitest Boy Alive is also pretty awesome.
Let’s talk about your concerts. With all this never-ending recession we’re having in Spain, I reckon people in your concert will disconnect and will be with a really good disposition and ready to have a lot of fun. What can we expect from your gigs?
We like to entertain crowds when we perform. We don’t just sit there and act cool. We dance, interact and enjoy ourselves on stage. We also have a good mix of live musicians and electronica that makes people dance.
Ever considered any extravagant idea for your gigs like for instance, the hamster ball from Flaming Lips or something like that?
I saw The Flaming Lips use that hamster ball and it annoyed me. I went to see them perform their amazing album «Yoshimi Battles The Robots» and they just did silly stage antics instead of play the songs. So I don’t think we would do anything that would take away from actually performing the songs. People want to hear the music.
As we enter the fourth and final quarter of the year, with the Mercury Price nominees about to be unveiled and the hypest media with a rough draft of their top acts of the year on their iPads, Alt-J become something like The XX two summers ago but actually better. Mystic Pitchfork has not even mention them yet, even though they’re clearly the Mercury Prize favourites.
ROCKASTalready talked about their brilliant debut An Awesome Wave some time ago. It’s one of the albums of the year so far if not the best, and we have had the chance to talk with Thom Green about the album, their gigs, books, music or internet:
1. First of all, a question many people keep asking… Why Alt-J? Who got the idea for the name of the band after that coincidence with The Films?
Looks cool, sounds cool, that’s literally it. We don’t have any deep connection with the name it’s just something we all agreed upon.
2. You mention Radiohead as one of your musical influence, but your music seems to establish some links with cinematographic aesthetic. Would you like to make a soundtrack at some point? What would it be your ideal director or kind of movie?
We would love to make a soundtrack. We quite like the film Koyaanisqatsi, something like that would be great to write music to. We’re quite open to new ideas and it wouldn’t matter about what the genre of film was just as long as it was interesting and well made
3. For the Breezeblocks video, you got in touch with the producer you most liked when entering your own briefs in the Radar Music website. How do you get on with the internet? Is this open way of collaboration something you enjoyed and would like to repeat more often, let’s say, in new videos or other ideas you may have?
We’re massive fans of the Internet yes. The Breezeblocks video is a great example of what you can achieve using the Internet as a source for research. We’ve used radar since and we do intend to keep using the Internet as a source for ideas. You can reach so many more people online. It’s fascinating finding brand new things everyday.
4. Flitzpleasure it’s based on a character from Hubert Selby Jr’s book Last Exit to Brooklyn. What was the last book you read? Do you intentionally try to read books that somehow contribute to inspire a song?
The last book I read was The Hunger Games. I really liked it, so enjoyable and easy to read. Joe draws a lot of inspiration from books but I don’t think he deliberately reads in research for material, it’s just what naturally inspires him.
5. First time I listened An Awesome Wave I was fully impressed as it’s one of the very best records I’ve heard in years. But then I thought about how your concerts would be. For anyone like me who hasn’t been on any of your concerts yet, what can we expect from them?
Thank you! We’ve been playing a lot this summer and we’ve managed to become a lot more comfortable on stage playing the album. We don’t ever use samples, backing tracks or triggers, everything you hear is played live which was tricky to learn but we believe it gives the audience a far more authentic experience of us as musicians playing our album. We’ve been told it sounds just like the album which is great.
6. I’ve seen you like to have choirs singing onstage with you, is it something you’d like to have on your gigs?
I don’t think we’d do it for every show otherwise it would become an average experience but we definitely intend to have a choir at certain special shows. It’s a great thing to be able to do.
7. Which additional instruments you reckon you could use for upcoming albums?
We never go out of our way to find new instruments, we’re happy with what we have but if there is a certain sound that we desire we might have to source out an instrument we’ve not used before like maybe a different keyboard or percussion.
8. What’s the writing process like? How does the band approach a song? Do you all pretty much build the song up from scratch together?
Most of the time Joe will write the base of a track on his acoustic guitar and then bring it to the rest of us and we build upon it from there. We’re quite democratic in that we leave our egos aside and only put in or take away things that are necessary, we never compromise a track or part of a track. It can take months to write a track sometimes, we won’t be happy until we know it’s finished.
9. Would you like to have any specific person or band collaborating with you?
We all have very different musical influences so it’s hard to say but Mountain Man sang for us recently which was amazing, maybe doing something with Hot Chip or even a hip hop producer would be cool.
10. How do you get on with the fame? Do you feel uncomfortable?
We keep our heads down and don’t let it effect us too much. You do get used to it quite quickly and you know how to react. It’s very flattering having attention for our music, we’re very lucky. It’s pretty crazy when we go to a country for the first time and we already have fans though.
11. What music are you listening right now?
I’m mainly listening to Aardvarck, TNGHT, EPROM. Downlink, Borgore, Hot Chip, J:Kenzo, My Nu Leng, Dying Fetus, Gangoon Dubz.
12. Are you happy?
Very, we’re in a great place in our career and we’re all very excited to see where we end up next.
An Awesome Wave has been released on May 25th by Infectious Music / Pias.
A Joe, Gwil, Gus y Thom no les gusta mostrar sus caras. Rara es la foto promocional donde verán los caretos de los británicos del momento. Los 4 se conocieron en la Universidad de Leeds y después de encontrar sus puntos comunes, decidieron buscarse la vida por su ciudad, primero bajo el nombre de Daljit Dhaliwal, y luego con Films, que tuvieron que modificar después de pasar el mal trago de encontrarse con los americanos The Films en el mismo Live At Leeds.
Su nombre no es ningún error, el guitarrista/bajista Gwil Sainsbury explica que el símbolo en matemáticas es utilizado para expresar cambios, y en ese sentido apunta a que su decisión la llevaron a cabo en un punto de inflexión fundamental en sus vidas. ∆ no es otra cosa que la abreviación en los teclados Mac de Alt + J, nombre definitivamente más pronunciable que ∆. Aunque no es la primera vez que vemos éstos simbolos en los hypes musicales, amén de Prince, ya los utilizan otras bandas como !!!,oOoOO, o †††.
En cualquier caso, Alt-J se va a convertir si el resto del año no lo impide, en la formación revelación de 2012. Su recién estrenado An Awesome Wave es uno de los mejores debuts de los últimos años. Su estilo podría ser catalogado en una vuelta de tuerca no tan imposible como folk-step o dub-folk. Aunque realmente es un estilo que roza el trip-hop, con elegantes síncopas, uso de samplers precisos y armonías vocales especialmente cuidadas. Además cuentan con una lírica original, vista desde un prisma diferente al habitual en el mundo del rock.
El nexo de unión de su musicalidad, lo que hace que todo fluya como ha sido imaginado es la gran voz de Joe Newman. Tiene un falsetto formidable, a veces susurrado que recuerda en ocasiones el minimalismo de José González, aunque con más presencia. También tienen ritmos en ocasiones muy marcados, como el primer single, Breezeblocks, pero aún con todo menos machacones que los que usarían los capos del urban actual. Un disco que forzando podría sonar a Wild Beasts o a Unkle por momentos.
Todo ésto hacen de An Awesome Wave un album emocionante de principio a fin. Sin disonancias y sin dejar lugar a la improvisación. Un álbum que es realmente completo, con hasta 6 singles clarísimos que harán que se sitúe muy posiblemente en el Top 5 de todas las quinielas de final de año.
Definitivamente imprescindible y gratificante donde los vaya a haber en éste año 2012. Los british ésta vez pueden estar muy orgullosos de su nuevo grupo.
Si quieren saber lo que la propia banda ha comentado sobre sus temas, abajo les ofrecemos un breve resumen:
Something Good por ejemplo trataría «de la muerte de un torero como analogía para la reparación lenta de un corazón roto». Breezeblocks, que cuenta con un gran videoclip, está basada en la obra de Maurice Sendak Where The Wild Things Are. Tessellate, en cambio, se refiere literalmente a la «prolongación de una vieja llama» (llamémoslo sexo).
La suaveM∆thilda hace referencias a la pelicula Leon, de Luc Besson, y «se alimenta de la desaparición compartida de protagonista y antagonista». Taro, reminiscente de los 80, cuenta la historia de dos fotógrafos de guerra y amantes, Robert Capa y Gerda Taro, centrándose en los últimos momentos de Capa, antes de pisar una mina antipersona.
Y Fitzpleasurese basa en un capítulo del libro Last Exit To Brooklyn de Hubert Selby.
Imprescindible para mantener en forma todo equipo hi-fi.
R O C K A S T / / 