Cloud Control son una banda australiana ganadora de los prestigiosos AMP (Australia Music Prize), que decidieron apenas les dieron el premio, poner rumbo a Europa como buenos aussies para empezar la conquista desde las Islas Británicas. Asentados en Londres, allí han grabado su segundo álbum, llamado Dream Cave (Infectious Music / [PIAS] 2013), donde experimentan nuevas sensaciones que amplían su rango musical más allá del folk-pop de su primer LP, Bliss Release. En esta ocasión apuestan por un rock psicodélico muy cuidado, con muy buenas armonías y paiseajes sonoros sutilmente bailables. Un gran disco que parece pasar desapercibido por 2013 pero que merece más de una oportunidad, sobre todo la segunda mitad del disco.
Están en Madrid acompañando a Local Natives y tenemos la ocasión de hablar con ellos horas antes de una actuación algo corta que deja un inmejorable sabor de boca al personal. Hablamos de cuevas, bunkers, espacio, Londres, NY, y alguna que otra anécdota de gira. Pasen y lean.
«En la música puedes hacerte un nombre de inmediato, pero es más difícil vivir de ella»
¿Qué tal estáis chicos? ¿Cómo va el Tour?
Estamos bien gracias, acabamos de tener un día libre en la Costa Brava. Es precioso. Y con buen tiempo.
Habéis tocado con grandes nombres como Supergrass, Foo Fighters o Arcade Fire. ¿Cómo son estas giras?
Bueno, Supergrass fue la primera gran banda internacional con la que tocamos. Aprendimos mucho de ellos. La cosa fue que estaban al final de su carrera, haciendo la última gira de su vida, así que realmente lo estaban disfrutando. Además su tour manager estaba retirado y volvió solamente por lo mucho que les gustaba. Yo quiero estar en esa clase de banda que hace que la gente vuelva de su retiro para trabajar con nosotros.
Ganáis el Australian Music Prize con vuestro primer álbum, Bliss Release, pero ¿cambió algo la manera de hacer el 2º disco?
No creo que realmente impactara en el disco. Ya es lo suficientemente duro escribir un álbum con el que estemos felices, imagina con una agenda programada.
En vuestra opinión, qué diferencias encontráis entre este álbum y el primero?
El nuevo álbum tiene mucha más experimentación, con instrumentos diferentes, batería electrónica… También hemos estado grabando dentro de una cueva, e intentando reproducir lo que hacíamos en la cueva en el estudio.
«El espacio delata la clase de música que escribimos»
¿Cómo terminasteis grabando en una cueva?
Bueno nos gusta pasárnoslo bien. Pensamos en otros sitios también, como viejas estaciones de trenes, túneles de metro… Jugamos con muchas ideas, y al final tomó forma con Dream Cave. Deberíamos grabar algo en un bunker alemán.
¿ El hecho de grabar fuera del típico sótano marcó la diferencia?
Sí, absolutamente. El espacio delata la clase de música que escribimos. Nuestro espacio es el sótano, y siempre encontramos muy duro conseguir que las ideas fluyan. No es un lugar inspirador en absoluto. Es muy húmedo.
Pero sabes es cuestión del estado de ánimo. Si terminas por no disfrutar con lo que haces, tienes que salir de ese lugar.
¿Cómo es el proceso de escribir los temas? ¿Lo hacéis entre todos?
Bueno cambia. Heidi escribe con su guitarra acústica, asi que deja la paleta fresca.
Bueno cuando escribo (Heidi) intento conseguir una melodía fuerte y contenido lírico. Cuando Al escribe, intenta que suena más como un paisaje sonoro. Su método para escribir tira más a la producción. Yo no tengo ninguna habilidad en ese area.
«Londres y NY están a la vanguardia en música»
¿Cómo es la vida en Londres para un músico? ¿Cuales son los pros y los contras con respecto a Australia?
Es genial porque está muy cercano a Europa. Es el tópico clásico de Londres y NY, que apestan, pero yo creo que lugares como Londres o NY ofrecen cosas completamente distintas que otros sitios no pueden ofrecer. Están a la vanguardia en música. Eso mola.
Da igual de donde vengas, lo que importa es lo que haces. Mira una banda como Tame Impala, que vienen de Fremantle.
¿Es más difícil hacerse un hueco en la música ahora?
Bueno puedes hacerte un nombre inmediatamente. Puedes grabar algo y tenerlo en Internet de inmediato para que la gente lo escuche. Pero es más difícil ganarse la vida con la música. Ha cambiado.
«Da igual de donde vengas. Lo importante es lo que haces.»
¿Cuál es vuestra historia favorita de los Tours que contaríais a vuestros nietos?
Heidi: Bueno, tocamos una noche con Arcade Fire en Milán, en el que fue nuestro concierto favorito de hecho, y antes del concierto estuve con Win y le dije cuales eran mis canciones favoritas, y le pregunté si iban a tocar Crown Of Love, que era por razones personales, mi canción favorita. Y me dijo: “Oh, nunca tocamos ese tema. ¡Hace años!”, así que tuve un momento fan y le conté lo importante que había sido entonces esa canción para mí. Entonces, cuando salieron al escenario, dijo: “Quiero dedicar esta canción a Cloud Control, aunque no la tocamos hace mucho…” y entonces ¡¡se le olvidó la letra!! Así que tuvieron que comenzar otra vez de nuevo. Fue muy emocionante.
¿Tenéis algún proyecto en mente para el año que viene? ¿Os veremos en España en la temporada de festivales quizás?
Sï, vendremos a Europa el año que viene. De hecho esta es la 2ª vez en España, pero probablemente estemos aquí el año que viene.
Fue Noel Gallaguer el que afirmó que el futuro de las galaxias dependía del disco de Jagwar Ma. No es la temporada estival la más propicia para el lanzamiento de grandes discos, pero he aquí que en mitad del tedio, se ha dejado caer el que puede ser el debut más sonado del año.
Lo cierto es que hacía tiempo que no disfrutábamos de un debut tan redondo en la música alternativa. Aunque no hay que olvidar que lo malo de la maraña musical que existe en la actualidad, es que nos cuesta creernos cualquier cosa. O a lo peor, nos tragamos todo lo que nos echen. Por eso, antes de sacar brillo, es de bien nacido sospechar unos instantes.
Sospechas efímeras, en el caso de Jagwar Ma, porque los aussies te ganan con la primera escucha. A la espera del inminente lanzamiento de Haim, este Howlin (Marathon Artists / PIAS)es posiblemente el mejor debut en lo que llevamos de año. Un álbum generosamente ecléctico con los géneros más resultones de los últimos años, y que cuenta con una importante retahíla de singles ganadores.
Los australianos habían publicado algún que otro single auto-producido que pasaron relativamente desapercibidos, como Come Save Me,y que ahora son piezas clave del puzle sonoro de su debut en largo. Howlin es un llenapistas instantáneo que bebe sin abusar de la electrónica de LCD Soundsystem o Cut Copy, la psicodelia de Tame Impala / MGMT, los beats noventeros made inStone Roses / Happy Mondays y la épica por momentos de Primal Scream.
Jagwar Ma, es en realidad el proyecto de Jono Ma en colaboración con Gabriel Winterfield (deGhostwood). Jono había participado en otras bandas australianas pero es en Howlin donde consigue plasmar sus propias ideas y toda la experiencia de sus horas de trabajo vendimiando con otros winners como son Foals. Es un debut exuberante y muy visual, con un elegante groovie que obliga a reproducirlo en loop constante. La labor del productor en bandas emergentes normalmente es vista con buenos ojos pero es verdad que siempre existe un pequeño margen de reticencia. Por eso, aunque el bueno de Ewan Pearson, creador de remezclas para Pet Shop Boys o Franz Ferdinand, haya sido el elegido en esta ocasión, mayoritariamente han sido Jono y Gabriel quienes han querido literalmente que su álbum pasara por la menor cantidad de manos posibles, a pesar de haberlo grabado en estudios de medio mundo.
Con todo, consiguen repartir los buenos singles que habían lanzado a lo largo del disco, y añadir grandes temas, que no rellenos, obteniendo un disco irreprochable que muchos gurús del indstream quisieran. Al mencionado Come Save Me, se le uneun grandilocuente Man I Need, un The Throw cuyo comienzo recuerda a la voz del cantante larguilucho de los Drums y que para el LP han extendido al mejor buen rollo de James Murphy, un sesentero Let Her Go, o un tema puramente electrónico como Four que hace las veces de intermedio estratégico. Y aún queda espacio para un gran comienzo con el hipnótico What Love y un final cocinado al fuego de la psicodelia y que según sus comentarios podrían ser los tiros por los que vaya su futuro.
Un álbum disfrutable como pocos que tendrá una interesante disputa con el paso del tiempo. Veremos.
Porque no sólo de Palma Violets, Haim o Savages vive el hombre, en el infinito mundo de la música actual, es más posible que nunca encontrar bandas excitantes en cada rincón del planeta.
Hoy traemos 13 bandas indispensables que están tomando forma en este 2013 y que empiezan a hacerse notar a medida que avanza su onda expansiva. Algunas sin álbum siquiera publicado, la mayoría lanzando su primer EP o LP, todas tienen puestas sus ilusiones en este año y por ello se marcarán importantes giras para demostrarlo. Para prueba un botón, los must de 2012.
Estos son 13 de los artistas que más nos han llamado la atención en lo que va de año:
1. PAPA
Dejar una banda como Girls es sin duda una decisión cuanto menos arriesgada. No fue lo que pensó Darren Weis, cuando sin pensárselo dos veces dejó la banda del bueno de Christopher Owens para lanzar su propio proyecto. El ex-batería de Girls hizo caso omiso a sus allegados y formó Papa, originaria de LA que sigue teniendo en su haber detalles que atesoraban los mejores Girls, con grandes melodías y temas sencillos. Sencillos pero también trepidantes, algunos rozando lo comercial, lo que para el momento en el que estamos, podría considerarse enteramente comercial. En 2011 lanzaron su EP debut, con buenos temas como I Am The Lion King o Ain’t It So. Su mezcla de americana con el rock de Springsteen y cierta dosis de importante locura les abre los oídos de los oyentes de par en par. Su último sencillo se llama Put Me To Work y nos lo presentan a ritmo de esqueletos bailongos.
2. RHYE
Este dúo de LA envuelto en la moda del misterio, lanzaron en San Valentín un gran single presentación como fue Open dentro de una estrategia hábilmente marcada, que les llevó al lanzamiento de The Fall, otro enorme single, y a su consiguiente EP debut. Formado por el productor canadiense Milosh y el danés Robin Hannibal, este año han publicado Woman, que es su álbum presentación. Una apuesta elegante y altamente adictiva como pocas encontraremos este año. Hablamos de ellos en Febrero
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3. POPSTRANGERS
Popstrangers son un trío de Nueva Zelanda ideal para quienes no llegaron al apogeo de Nirvana o My Bloody Valentine. Después de mostrar algunos singles han tenido la oportunidad de lanzar su largo con Flyin Nun Records, una independiente neozelandesa basada en la filosofía del DIY y con más de 30 años de recorrido, que ha dejado a los chicos de Auckland grabar a sus anchas. Su debut se llama Antipodes y contiene buenas dosis de un noise pop retorcido, más habitual últimamente en América, guitarras distorsionadas y uso de reverb y ecos en las voces. Sin duda un gran debut que probablemente traspase fronteras.
4. BLACK LIGHT DINNER PARTY
Black Light Dinner Party es un emotivo proyecto de 4 amigos, tres de NY y uno de Boston, que a raíz del cáncer diagnosticado a la madre del cantante, decidieron dejar su música experimental a un lado y hacer algo más accesible para ella. Desafortunadamente falleció con el lanzamiento de su primer single, Older Together, pero se encontraron con reacciones tan positivas que decidieron continuar.
Al contrario que Rhye o Lana del Rey, la falta de información no responde a una estrategia, sino más bien a la ausencia de esta, debido principalmente a la alta demanda que ha tenido su música y al hecho de haberles cogido con el paso cambiado. Ellos mismos aceptan su estilo como electrónico aunque se consideran una banda de rock. Solamente han publicado un EP el año pasado, si bien su debut, Sons And Lovers, programado para Mayo, es inminente. Han teloneado a Icona Pop y próximamente visitarán Europa después de una mini gira por las costas americanas. Se atreven con una versión del Your Drums, Your Love de AlunaGeorge, (otro de los grandes nombres del año), y en su web puedes incluso entretenerte con un videojuego.
5. TOM ODELL
Tom Odell es un pianista y compositor inglés, en el que Columbia puso sus ojos y billetes apenas supieron de su existencia a través de su EP. Su debut, Long Way Downse retrasó hasta Junio para no coincidir con Bowie, Depeche Mode, Timberlake y Strokes entre otros. Con sólo 22 años, Tom Odell ha llegado a ganar un Brit a la mejor promesa sin tener álbum publicado. Ahí vemos la velocidad que empieza a tomar todo en el mundo de la música. Pero razón no les faltaba. A pesar de contar con una famosa madrina como es Lilly Allen, su EP Songs From Another Lovees sensacional. A finales de Junio podremos comprobar la intensidad y la fuerza de sus temas con el nuevo álbum, con Hold Me como primer single y tema estrella. Todo apunta al nacimiento de una sensación británica.
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6. LOCAL NATIVES
La banda de Silver Lake (L.A.) que lanzó su debut en 2009 consiguiendo un discreto reconocimiento, ha logrado por fin este año hacerse un hueco con su segundo álbum, Hummingbird (Infectious / Frenchkiss Records). Cuentan con un gran productor como es Aaron Dessner de The National, que se limita a sacar lo mejor de la banda sin muchos experimentos. Muestran influencias de algunas de las bandas más destacadas de los últimos 15 años como Broken Social Scene o Grizzly Bear.
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7. SPLASHH
Con un nombre casi tan sonoro como visual, esta formación utiliza una cuidada fórmula shoegazer a través de guitarras directas, ritmos casi hipnóticos y rock psicodélico. Establecidos en Londres, sus miembros proceden de Nueva Zelanda, Australia y Reino Unido, y han participado anteriormente en Colours o Brain Slaves.
Después de lanzar los singles de Need It y Vacation el año pasado, con los que consiguieron girar la cabeza de numerosos blogs y páginas especializadas, acaban de lanzar su álbum debut, llamado Comfort, un LP que también contiene notables temas como Headspins o All I Wanna Do.
8. MAC DEMARCO
Mac Demarco es un multi instrumentista canadiense que a finales de 2012 lanzaba su segundo álbum, denominado sencillamente 2 (Captured Tracks), donde apuesta por un rock sesgado y de aspecto perezoso que cuenta con riffs precisos que empezaremos a oir sampleados pronto. Su estilo mezcla psicodelia con el jangle pop de los 60. El resultado es un álbum que bien podría ser la banda sonora de cualquier ola de calor veraniega o del típico verano indio americano. Su personalidad y la puesta en escena con banda completa se hace querer.
9. GUARDS
Hablamos de los de Brooklyn hace unos meses, una banda cuya voz cantante la lleva el hermano de Madeline Follin de Cults. In Guards We Trust [PIAS 2013], es un debut prometedor cargado hasta los dientes de himnos a través de temas fáciles y resolutivos. Uno de esos álbumes para escuchar de principio a fin del tirón y anotar temas favoritos distintos en cada escucha. Los guitarrazos y la escuela power pop dejan gran sabor de boca en un álbum que quizá cojea en su duración. Veremos cuánto da de sí el sonido Brooklyn, pero de momento parece más fuerte que nunca.
10. PARQUET COURTS
Estos tipos de Texas afincados en Brooklyn no son muy amigos de adaptarse al entorno cool del barrio neoyorquino y prefieren llevarse sus propios hábitos. En 2011 lanzaron su debut exclusivamente en una edición limitada de cassette, (American Specialties), para un año más tarde lanzar su primer LP a gran escala, llamado Light Up Golden Dull Tools, que sería relanzado este 2013 globalmente por el sello de Brooklyn What’s Yr Rupture. Su naturaleza extrovertida mezclada con un punk sin experimentos ha calado en su nuevo barrio y les ha valido para expandirse rápidamente por todo el area metropolitana de NY. El trepidante Stoned and Starving es su carta de presentación.
11. CHEATAHS
Porque no todos los efectos de la globalización tienen que ser negativos. Esta formación del East London es una de las más excitantes del año. Cuenta con un cantante inglés, un bajista americano, un guitarrista canadiense, y un batería alemán. Wichita Records se apresuró a ficharlos apenas tuvieron oportunidad de escucharlos y les brindaron el lanzamiento mundial de un EP llamadoSans EP. Su bonita gráfica de procedencia es directamente proporcional a los estilos de los que hacen gala. Guitarrazos épicos ganadores se funden en un sello personal que mezcla shoegazer noventero, grunge y rock psicodélico. Beben de Dinosaur Jr, Teenage Fanclub o Lemonheads y vienen para quedarse.
12. PEACE
La escena de Birmingham siempre ha contado con grandes bandas, y parece que siguen con buen nivel. La banda favorita de sus paisanos Ocean Colour Scene, han lanzado un debut provocador que hace las delicias de la prensa británica. In Love, tira de Stone Roses, Happy Mondays, Blur o Vampire Weekend, pero el resultado del cocktail resulta gratamente positivo. Con todo se convierte rápidamente en uno de los grandes debuts de la temporada. Temas como Wraith, Follow Baby o un Lovesick embadurnado de azúcar, harán realidad uno de los discos más radiados del año. Pronto habrá una sorpresa de ellos en ROCKAST.
13. NIGHT BEDS
Night Beds es el proyecto de Winston Yellen, un cantautor de Colorado ubicado en Nashville, que había publicado ya 3 EP’s, Night Beds, Every Fire; Every Joy y Hide From It, y que lanza este año primer largo denominado Country Sleep. Este debut posiblemente le agradará si es seguidor del binomio Bon Iver / Fleet Foxes. Y además cuenta con su propia historia. Para escribir el álbum, Yellen alquiló hace 2 años una casa a las afueras de Nashville que anteriormente había pertenecido al mismísimo Johnny Cash y June Carter, y en la que se encerró durante 10 meses escribiendo canciones que luego grabaría en un estudio local. De ahí salieron estos temas, que van desde la americana clásica, al nuevo folk. Las letras tienden al pesimismo – el disco empieza con un I know you get lost sometimes man acapella- pero hay espacio para temas que se salen de esa tangente como Ramona. Incluso en los videoclips se esfuerzan por momentos en contrarrestar tanta desesperanza, como en el magnífico Even If We Try. Country Sleep está editado por Dan Oceans (The Tallest Man On Earth, Phosphorescent).
Porque de un tiempo a esta parte parece que son ellas las que mueven los hilos más interesantes de la escena musical actual. Las modas cambian y vuelven más rápido que nunca y el sentido de la orientación se pierde con facilidad. El gato por liebre empieza a ser una constante molesta y aunque los refritos de refritos estén a la orden del día, lo cierto es que la calidad sigue ahí fuera y cada vez es más habitual encontrar talentosas bandas emergentes donde las chicas toman la iniciativa.
Lo hemos comprobado con infinidad de bandas que entran sin permiso y no están dispuestas a marcharse a las primeras de cambio: Desde Vivian Girls a Best Coast; de Dum Dum Girls a Beach House, Cristal Castles o Anna Calvi , o fueras de serie como Natasha Khan de Bat For Lashes o Brittany Howardde Alabama Shakes.
Por eso, hoy queremos hacer un rápido análisis de 10 bandas emergentes que poseen los ingredientes necesarios para pegar fuerte, y tienen interesantes propuestas que presentar y defender a lo largo de este 2013, la gran mayoría, álbumes debuts o EP’s.
HAIM
Lanzábamos la primicia ya en el pasado Mayo, cuando aun no tenían discográfica que lanzara su debut. Danielle, Alana y Este Haim, las 3 hermanas californianas acostumbradas a tocar con sus padres, al mas puro estilo Kitty Daisy & Lewis, decidieron dejar a estos a un lado para marcarse un EP con 3 temas, que regalaron en su web. Sería en Junio cuando Polydor- Universal se fijaran en ellas y no dudaran en pagar 2 millones (DOS) de dólares para deshacerse en la puja de Sony y Warner.
Su mezcla de folk, r’nb y POP con mayúsculas suena sincera como pocas, y es de esas formaciones que te ganan con el directo. Su debut se espera con ganas para Marzo. Si imprescindibles era ya su single presentacion,Forever, no se pierdan el más reciente Falling o Don’t Save Me.
MS MR
Este dúo de chill wave establecido en NY, se apunta a la última moda que no es otra que ofrecer datos de la banda a cuentagotas, en ocasiones solamente un nombre y un link a un single. Les mencionamos en Junio, cuando lanzaban el single debut llamado Hurricane. Un tema nostálgico, de tintes épicos y detalles de Bat For Lashes, y una voz muy similar a la de Florence Welch de Florence & The Machine. Han sido fichados por Sony y su álbum debut verá la luz el 14 de Mayo.
TORRES
Detrás de Torres está la cantautora de Nashville de 22 años Mackenzie Scott, que acaba de lanzar digitalmente su álbum debut homónimo, y que contiene un enorme primer single llamado Honey. Le basta distorsionar los sonidos de su Gibson y manejar a su antojo una gran voz, en este caso intencionadamente ruda para lograr un tema de intensidad contenida y rico liricamente. «Honey, while you were ashing in your coffee, I was thinking of telling you’ve what you done to me». Su álbum debut homónimo acaba de salir al mercado.
Parece que Sharon Van Etten ya tiene competencia.
SAY LOU LOU
Estas gemelas de procedencia sueca-australiana, Saint Lou Lou hasta hace unos días, sorprendieron a propios y extraños con el lanzamiento de un gran single, Maybe You, con el que consiguieron que los ojos de los blogs mas meticulosos se fijaran ellas. Incluidos los fashionistas de Kitsuné que se apresuran a ficharlas. Poco después lanzan un video resultón dirigido por el director Philippe Tempelman y la bola está montada.
El siguiente paso serán son singles a cuentagotas como Skylights o Julian, desaparecidos practicamente de la red, y anuncio de nuevo álbum. Aún con todo, amantes de Au Revoir Simone, Cocteau Twins o Beach House, aquí hay material.
VERONICA FALLS
La banda londinense de Roxanne Clifford sorprendió en 2011 con un debut que tiraba de sonido C-86, Vivian Girls o Dum Dum Girls, y ahora presentan un segundo disco más colorista con un Lo-fi más trabajado que tiende más a Best Coast que a las propias Vivian Girls. De hecho parece que sea el segundo álbum que estaba buscando Bethany Cosentino con The Only Place.
Waiting For Something To Happen, que así se llama, ha sido producido por Rory Atwell (The Vaccines, Yuck), que pretende conseguir que la banda pueda dar ese gran salto que se le resiste a los anteriormente mencionados, con un sonido que a menudo parece demasiado trillado, pero que por lo escuchado aquí parece no tener los días contados como creía más de uno. Buenas melodías, juegos vocales y guitarras trepidantes para un álbum óptimo que apunta alto en este recién estrenado año.
LAURA MVULA
Esta británica de 25 años, natural de Birmingham pero con raíces caribeñas, ha conseguido gran atención con la publicación de apenas 2 singles, como fue el emotivo Sheel año pasado y el más reciente Green Garden. Encariñada desde primaria al piano y al violín, su estilo recuerda a Erykah Badu o Amy Winehouse. Hace apenas un año dejaba su trabajo en la recepción de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham para dar rienda suelta a su imaginación a través del Garage Band de su ordenador. El resultado es una mezcla de R&B, soul y gospel que le ha valido para ganar la atención de los críticos de la BBC, y para que Sony se apresurara a ficharla. Su debut se llama Sing To The Moon y está programado para el 4 de Marzo.
WOLF ALICE
La primera impresión que se pueden llevar de la banda de Ellie Rowsell seguramente no sea la adecuada. Este trío londinense de psychofreak poprock, como ellos mismos se auto-etiquetan, decidieron dejar el folk que paseaban por el Norte de Londres para coger las guitarras eléctricas y tocar en todos los garitos de la ciudad que pudieran. A mediados del año pasado publicaban un EP homónimo y auto-producido, desaparecido del mercado, de solamente 3 canciones. Más tarde lanzarían Leaving You y ahora el single físico de Fluffy, con videoclip incluido. Un tema con el que pretenden posicionar su sonido, ensuciándolo intencionadamente y dándole una forma que tiene la figura del éxito dibujada. La versatilidad del sonido de la banda y el carisma de Ellie forman una ecuación que apunta maneras.
DEAP VALLY
Las Black Keys femeninas que no se cortaban a la hora de acosar a los Horrors quieren dar un salto adelante. Hacen garaje salvaje. Unrock blusero rudo y cabezón utilizando solamente guitarra y batería, aunque quizás su sonido se acerca más a Wolfmother y White Stripes. El descaro y la actitud que muestra la cantante y guitarrista Lindsay Troy es un gran valor añadido que seguro les vale para salirse del tiesto. Además de una voz punzante que recuerda a Juliette Lewis o Karen O.
La historia de Deap Vally se desarrolla en el corto plazo. Hace apenas año y medio que Lindsay conocía a Julie Edwards, en Los Angeles, mientras esta trabajaba en un taller de costura. Después de hacerse amigas e intercambiarse discos de Led Zeppelín, Lindsey convencía a Julie para formar la banda. 5 temas después y algunos videos en la red les ha valido para llamar la atención de Iggy Pop, con quien ya han tocado, de Queens Of The Stone Age, quienes quieren llevárselas de gira, o Mumford & Sons, de quienes son las teloneras de su gira actual. Su álbum debut se espera este 2013.
CHVRCHES
Chvrches son un trío electrónico de Glasgow que hacen synthpop adictivo y que cuentan con la voz de Lauren Mayberry como principal atractivo. Se conocieron en Octubre de 2011 aunque todos ellos tenían proyectos musicales alternativos antes de formar la banda. La BBC se fijó en ellos para su porra de nuevos talentos y han conseguido una buena porción de atención desde entonces. El año pasado lanzaban Liesy The Mother We Share, y el 25 de Marzo lanzarán Recover, el que será su EP debut
F.U.R.S.
Poco se sabe de este trío londinense que hace música americana influenciada por música inglesa. Elle Wade ejerce de líder, aunque en la banda también se encuentra su hermano Liam. Su primer single es un contagioso tema llamado Striptease, que tira de revival pero con buenas maneras. Johnny Marr personalmente les ha elegido para talonear su inminente gira por UK. Se encuentran grabando su debut aunque este single verá la luz física el 25 de Marzo. Seguramente no será la última vez que escuchemos su nombre.
Y no son las únicas. Si quieren alguna más, bandas como Savages, PINS, Valerie June, of Verona, Christine & The Queens, Indiana, Eddie The Gun, Sally Shapiro o las hermanas suecas First Aid Kit también esperan un 2013 lo más movido posible.
Recuerden que podrán adquirir los discos de estas bandas también a través de tiendas online y encontrar algunas ofertas en la web deDscuento.com
Hoy tenemos con nosotros a una gran banda granadina que ha sido apadrinada por Los Planetas y que acaba de publicar un álbum debut que sorprenderá a propios y extraños. Auroraestá formada por los hermanos Javier y Julio Bolívar, Ignacio Buhígas y José Alberto Solana que llevan tocando juntos desde 2008, y que hoy nos presentan Géminis([PIAS] 2013).
Anteriormente habíamos podido escucharles en 2 EP’s autoeditados como son Astromelia y Vértigo. Durante este tiempo Auroraha ganado el concurso Emergentes de la Diputación de Granada o teloneado a bandas como The Wave Pictures, además de participar en diversos festivales como Primavera Sound el pasado año, o de colaborar en recopilatorios como el tributo “Coloreando a Daniel Johnston”.
Este 2013 lanzan su debut apoyados en la producción de Banin Fraile y Carlos Díaz. El resultado es un gran álbum que no deja indiferente. Géminis cuenta con buenos temas que van desde el pop británico de décadas doradas, a cuidados sonidos psicodélicos y lo-fi que estamos más acostumbrados a oír y valorar fuera de nuestras fronteras. Un álbum que seguramente estará entre lo mejor de la música nacional a finales de año y que contiene temas como Desaparecer, Transparente , Hiperdesierto, o Ave Fenix, con guiño al Eloise de Barry Ryan incluído, que pueden ser carne de festival este verano.
Con un debut tan completo entre las manos, ROCKASTtiene el placer de entrevistarlos para conocer algo más de ellos.
Nos gustaría que nos comentaseis un poco cómo empezó la banda y cuándo decidisteis que ibais en serio.
Los cuatro veníamos de proyectos distintos y por amistades mutuas nos acabamos encontrando para dar forma a un nuevo grupo que recogiera sonidos de los grupos que más nos gustaban. Después de estar un tiempo auto gestionandonos (enviando maquetas a radios y blogs, perdiendo dinero en los pocos bolos que hacíamos) nos encontró una agencia de management y rápidamente firmamos contrato con ellos. a partir de ese momento nos dimos cuenta de que esto iba en serio y que tendríamos que grabar un disco.
¿Cómo surge el nombre de Aurora? ¿Hay alguna historia o anécdota detrás?
El nombre nos encontró a nosotros. Una historia de amor a primera vista.
Tenéis 2 EPs auto-producidos, y en este vuestro álbum debut contáis con la ayuda de Banin de Los Planetas, cómo surgió esa colaboración?
Otra historia de amor a primera vista. Banin era el jurado en un concurso de bandas emergentes del que salimos ganadores. El premio del concurso era grabar un disco y el se ofreció a producirlo. No pudimos decir que no.
¿Qué os aporta esa colaboración y la de Carlos Díaz como ingeniero de sonido que no pudierais obtener en vuestros trabajos auto-producidos?
Todo. Nosotros no sabíamos grabar ni teníamos experiencia en sonido y producción. Ellos nos han aportado experiencia, sabiduría, han grabado arreglos y sobre todo han hecho las cosas con cariño y paciencia.
¿Con qué estáis más orgullosos de Géminis?
Con el hecho de que hayamos grabado el disco que queríamos y del esfuerzo invertido tanto por los que han trabajado con nosotros como del nuestro propio.
El año pasado actuabais en el Primavera Sound de Barcelona, y este año vais a participar en el próximo South By SouthWest de Austin, posiblemente el festival, si es que se puede llamar así, más ecléctico del mundo y del que salen más bandas de cara al exterior los últimos años. ¿Cómo surgió la idea y qué esperáis de vuestra participación?
Lo de actuar en el Primavera fue un regalo y una experiencia que no se nos olvida, a pesar de tocar bajo el sol de las cinco de la tarde en el bus de Redbull. En el caso del SXSWy a pesar de estar confirmados, no sabemos aún si vamos a ir pero si finalmente fueramos seriamos muy muy felices.
¿Las nuevas tecnologías hacen realmente más fácil la vida de los músicos hoy en día o se puede volver en contra de alguna manera? ¿Creéis que existe un exceso de música hoy en día?
La tecnología digital nos ha permitido grabar nuestro disco en el corto espacio de tiempo del que disponiamos y no creemos que se pueda volver en nuestra contra (por ahora). La segunda pregunta es interesante: es verdad que hay un exceso de musica y que se esta perdiendo la costumbre de escuchar un disco entero con calma pero sigue habiendo filtros que facilitan la tarea de seleccionar aquello que más nos interesa.
¿Es difícil eso de ser profeta en su tierra? O preguntado de otra manera, ¿sería más fácil si Aurora fueran originarios de Brooklyn y no de Granada?
Un poco sí, para qué vamos a engañarnos. La industria de la musica alli es inmensa y teniendo en cuenta el tamaño del país, sabemos que girar por EE.UU no tiene nada que ver con hacerlo por aquí.
¿Qué inquietudes tenéis aparte de la música? ¿Alguna que utilicéis particularmente y que os ayude a la hora de componer por ejemplo? (libros, cine…)
Hay algún que otro guiño literario en el disco, por ejemplo a Roberto Bolaño (en el título de la canción Real Visceral).
¿Cómo son vuestros directos? ¿es ahí donde realmente una banda se la juega?
Ahora mismo estamos trabajando en el local de ensayo para que las canciones suenen ligeramente distintas de como suenan en el disco. La idea es hacerlas más grandes y más potentes.
¿Cuáles son vuestros objetivos a corto plazo?
Tocar mucho fuera de Granada y hacer una buena promoción de Geminis
¿Sois felices?
Si tenemos a gente como vosotros que nos entrevista, sí.
Geminis([PIAS] 2013) está ya a la venta. Aquí pueden ver el videoclip de Transparente que la banda ha estrenado en Metropoli, y a continuación las fechas de sus próximos conciertos.
15 FEB – AURORA DJs, Peatón // Granada 22 FEB – AURORA DJs, Planta Baja // Granada 24 FEB – Festival GRANADA en OFF // Granada 9 MAR – Sala Espaciu // Málaga 15 MAR – Sala Milwaukee // El Puerto Santa Maria 16 MAR – La Farándula // Algeciras 5 ABR – Sala 101 // Sevilla 6 ABR – Planta baja // Granada 25 ABR – Sala Mercantil// Badajoz 26 ABR – Sala Siroco // Madrid
Suponiendo que la objetividad suele empezar donde termina la espalda en este tipo de listas, desde aquí vamos a aportar los discos que hemos considerado más importantes del 2012. Para nosotros prima la originalidad, creatividad, el aporte de los artistas y la influencia que pueden tener.
Lo hemos visto otros años y sigue sucediendo. Es curioso comprobar como importantes medios siguen empecinados en sacar su lista con una antelación cada vez más ridícula, expulsando Diciembre del calendario y produciendo situaciones cómicas, como dejar fuera de sus Best Of2011el que fuera uno de los álbumes del año, El Camino de Black Keys, lanzado a principios de Diciembre.
Pero aunque 2012 no haya sido un mal año musicalmente hablando, siempre echamos de menos que se multipliquen las grandes referencias musicales, esas que juegan en otras ligas, y eso es algo que parece que tiende a desaparecer. No obstante, el 2012 nos prometía grandes cosas y ha cumplido con creces lo esperado:
30. POP LEVI – Medicine (Ninja Tune)
Jonathan Levi, mas (o quizás menos) conocido como el ex bajista de Ladytron, sigue su camino en solitario con la publicación de su cuarto álbum en solitario, afianzando este proyecto al resto (Ladytron, Super Numeri, etc…). Este compendio glam electrónico ha sido grabado según Levi por “una diferente versión de mí, en otra dimensión”. Un lugar indudablemente original para grabar un disco. Aún con todo, nos deja un álbum que aunque algo extenso, recuerda los buenos tiempos e intentos de Eagles Of Death Metal por sacudir éste género, aunque Levi no deseche los medios tecnológicos que le ofrece la actualidad. Contiene llenapistas y buenrollismo a raudales. Un imprescindible de sábado noche.
29. MAPS & ATLASES – Beware and be grateful (Barsuk Records)
Estos minuciosos músicos de Chicago lanzaron en 2012 su 2º álbum, después de un sinfín de EP’s y lugares recorridos para hacer sonar su música. Demasiado meticulosos para algunos, están en constante búsqueda de sonidos. Como ya vimos aquí, no les importa sobreponer ritmos o hacer tapping, aunque en éste disco hayan dejado la experimentación más aparcada que en sus anteriores lanzamientos. Beware And Be Grateful es un álbum vistoso que consigue enganchar de primeras. Hablamos de ellos en Abril.
28. THE WALKMEN – Heaven (Fat Possum Records / Bella Union)
Los siempre correctos neoyorquinos cumplen 10 años desde su debut, y lo hacen lanzando el que es ya su séptimo largo. De perfil bajo, no cuentan con presiones añadidas, y son más que nunca conocedores de que nunca contarán con el apoyo unánime de la crítica especializada. Así Heaven, que cuenta con la colaboración de Robin Pecknold de Fleet Foxes en el primer tema, es un álbum donde la banda se encuentra en ese punto en que no sienten la necesidad de demostrar nada, a pesar de que muchos echan de menos un gran trabajo que les coloque en el mismo mapa que otras americanas más consagradas. Con todo, y sin esa presión, componen los mejores temas de su carrera como podemos ver en Line By Line o The Witch.
27. FATHER JOHN MISTY – Fear Fun (Sub Pop)
“Para que aparezca una nueva vida, algo tiene que morir”. Menos conocido como Josh Tillman, el hasta hace un año batería de los laureados Fleet Foxes dejaba la banda al no sentirse completamente feliz con ellos. Así retomaba en 2012 sus proyectos personales con un notable éxito. Su 8º disco de estudio ha sido parido a través de viajes sin destino por la costa este de los EEUU en una furgoneta donde no faltaban setas alucinógenas que le ayudasen a encontrarse a sí mismo. El resultado es un trabajo exquisito de folk que no ha pasado desapercibido.
26. TWO GALLANTS – The Bloom And The Light (PIAS)
Estos 2 tipos de San Francisco llevan tocando juntos desde que tenían 5 años. The Bloom And The Light y su sonido marca de la casa les ha valido la aceptación de crítica y público si bien no se encuentran comercialmente hablando al nivel de otros grandes dúos con los que se les compara como White Stripes o Black Keys. Su propuesta de rock garajero afilado con intención psicodélica, triunfa allá donde va si bien a ellos las cifras no es algo que parezca importarles. Les entrevistamos en su visita a España.
25. PATTERSON HOOD – Heat Lightning Rumbles In The Distance (PIAS)
Padre de una de las mejores bandas de alt-country que se puede uno llevar a los oídos, el hijo del mítico David Hood deja a un lado a sus Drive-By Truckers para presentarnos su tercer disco en solitario. Éste disco confirma la plenitud compositiva en la que parece encontrarse Patterson, quien está deseando lanzar nuevo disco con Drive-By Truckers en 2013. Un placer entrevistarlo hace un par de meses.
24. JOHN TALABOT – ƒIN (Permanent Vacation)
El DJ y productor barcelonés lanza su primer LP de la mano de Permanent Vacation después de publicar multitud de singles y remixes para terceros.ƒIN es un trabajo que le ha supuesto los elogios de la crítica especializada y que le ha valido para que le coloquen rápidamente en la estela de gurús electrónicos como Four Tet, Burial o Caribou. Con éste album consigue introducir la electrónica en un confortable salón familiar. Cuenta con buenas colaboraciones como Pional en el primer single o Ekhi.
23. THE MACCABEES – Given To The Wild (Fiction Records)
Los londinenses del sur del Thamesis llevan desde 2004 que lanzaron su debut buscando ese pedazo de ratio mainstream que parece reservado de unos años a esta parte a bandas con más éxitos extra musicales que musicales propiamente dichos. Su lucha ha sido constante, pero después de un 2º álbum que no convenció, lanzan un 3º que ha sido carne de cañón de Mercury Prize y que por fin parece haber puesto a todo el mundo de acuerdo. La propia madre de uno de los miembros recomendaba su debut en una tienda de discos del Kensington High St. de Londres que ya no existe. Su nominación a los Mercury les hace justicia.
Jack Tatum hace un álbum continuista de su gran debut de 2010, el celebrado Gemini, y lo hace destilando su dream pop de manera más práctica, aunque sin grandes temas que resalten sobre los demás como ocurría en Gemini. Sin embargo, Paradise, Nocturne, Shadow o Counting Days bien podrían ser las patas que sostienen el álbum.
21. THE VACCINES – Come Of Age (Columbia)
Veni, vidi, vici. La máxima de Julio César la llevan los londinenses a cada escenario que pisan, pero también la aplican a su segundo álbum. Come Of Age no es un desfile de hits tan radical como lo fue su debut, pero sigue la misma línea de pegada y deja joyas como Teenage Icon o No Hope. Los Vaccines no van a cambiar la forma de ver el rock ni van a arreglar nada que esté por arreglar, pero han demostrado que hacen grandes singles como churros y sin ninguna pretensión. Rock directo, efectivo, y sin complicaciones.
20. RICHARD HAWLEY – Standing At The Sky’s Edge (EMI)
El de Sheffield es uno de esos músicos en peligro de extinción. Se volvió a hacer justicia con su nominación a los Mercury otra vez éste año, pero sin ser el claro favorito, volvió a perder como aquella vez que le arrebataron el premio unos inconmensurables Arctic Monkeys. En cualquier caso, Hawley ha vuelto para publicar Standing At The Sky’s Edge, un ábum que hace gala del desencanto que percibe su autor y que tira de épica y pop elegante e inteligente.
19. PASSION PIT – Gossamer (Columbia)
La banda de Michael Angelakos encandila al público de los EEUU pero no logra hacerse un hueco en Reino Unido. Después de un EP rompedor como fue Chunk Of Change y de un debut que les abriría un hueco aún poco explotado, Gossamer pone de manifiesto una habilidad especial para abrir un abanico de posibilidades musicales que no muchas bandas poseen. Sus temas están radicalmente abiertos a ser mezclados, remezclados y dados la vuelta, para obtener un sinfín de interpretaciones, desde el RnB más comercial al cierrapistas más multitudinario.
18. GRIMES – Visions (4AD)
La ola que se levanta en Canadá empieza a ser demasiado grande para ser obviada. Claire Boucher presentaba su tercer álbum y primero con 4AD, denominado Visions. La mezcla de sintetizadores con su voz aniñada y oscurantismo le ha valido la etiqueta de goth-electro entre otros. Lo cierto es que después de ser expulsada de la universidad y de recorrerse el Mississippi con lo puesto en un pequeña embarcación, Claire logró plasmar sus ideas en un álbum que le ha supuesto el reconocimiento internacional. Hablamos de ella en nuestra lista de artistas a seguir de 2012.
17. CAT POWER – Sun (Matador)
La imprevisible solista norteamericana da una acertada vuelta de tuerca a su estilo y juega con la electrónica en su 9º álbum. Se puede decir que la vida de Charlyn Marie Marshall no ha sido fácil. Después de cambiar 10 veces de colegio, estar en bancarrota, intentar suicidarse, ser desahuciada, utilizar su fondo de pensiones para financiarse las grabaciones, separarse o pedir cobijo en la casa de su productor, tampoco este año iban a venir buenas noticias para ella. A finales de año Chan Marshall se veía obligada a cancelar la gira por un angioedema y se confirmaba que podría estar de nuevo en bancarrota. En el ámbito meramente musical, nos encontramos con el lanzamiento de un notable trabajo. La delicadeza que encontramos en Sun muestra también un equilibrio entre la tristeza y el optimismo, propiciado por la cierta hartura de Chan con su lado más depresivo, como ella misma ha afirmado. Confiamos en poder verla pronto sobre los escenarios.
16. CHROMATICS – Kill For Love (Italians Do It Better)
Probablemente nadie ofrezca mejor banda sonora a las luces de neon en las noches de las grandes ciudades como la banda de Seattle. Cinco años después de su último álbum, regresan hilando fino, con atmósferas hipnóticas en el que es posiblemente su mejor álbum. El impulsoque ha dado la banda sonora de la película Drive les ha valido, al igual que a todos los participantes, para llegar a un público más amplio, pero no ha cambiado un ápice en su modus operandi. Es paradójicamente un trabajo muy cinematográfico y elegante, que une la electrónica al new wave, con guitarras eléctricas, musica disco, beats lentos y voz auto-tuneada en ocasiones que funciona bien en su conjunto y que ofrece un eficaz medio de transporte a la imaginación.
15. DJANGO DJANGO – Django Django (Because Music)
Ésta banda escocesa, que se ha tomado literalmente todo el tiempo del mundo en terminar su álbum, ha demostrado que efectivamente la paciencia es una virtud. Añadiendo pros a esa emergente oleada de nueva música psicodélica, Django Django están irremediablemente influidos por la mítica Beta Band, ya que el cantante David MacLean es precisamente el hermano pequeño del que fuera teclista de aquellos, John MacLean. También hablamos de ellos en nuestra lista de artistas a seguir de 2012. Default es sin duda uno de los mejores temas de 2012.
14. CRYSTAL CASTLES – (III) (Fiction Records, Lies Records, Last Gang Records)
El proyecto de Ethan Kath con la colaboración de Alice Glass, se convertiría en definitivo con el lanzamiento de su álbum debut en 2008. Su consagración al gran público, si se puede llamarlo así se confirmaría con el enorme (II) de 2011, y ahora parece que en vez de seguir el ancho camino abierto por aquel disco, deciden hacer lo que realmente ellos y no su discográfica quieren. Con (III) se ponen el traje de los domingos y lanzan un álbum de punk electrónico mucho más moderado que los anteriores álbumes. Es más lineal y más serio de lo que nos tenían acostumbrados pero que no baja una mica de calidad a su talento. El próximo año estarán de gira y podremos comprobar como funciona (III) en la salvaje experiencia que son sus directos, más que recomendables. O no.
13. JAKE BUGG – Jake Bugg (Mercury Records)
No hay duda de que estamos ante un compositor con mucho talento y una voz con mucho gancho. Con apenas 19 años, éste británico de Nottingham, ha lanzado un álbum debut que ha sorprendido a propios y extraños. El llamado Dylan británico bebe de los Arctic Monkeys que ha mamado desde niño, superándolos en algunos aspectos, pasando por Beatles y Oasis. Era hora de que Reino Unido empezase otra vez a aportar cosas interesantes a la música después de pasar tanto tiempo inadvertido. Este fenómeno va a dar mucho que hablar y Universal lo ha visto claro.
12. NORAH JONES – …Little Broken Hearts (Blue Note)
La cantante y actriz neoyorquina, hija del recientemente fallecido Ravi Shankar, – el músico hindú más influyente del mundo-, publicaba en 2012 nuevo álbum de la mano del prestigioso Danger Mouse, el productor gurú que convierte en oro todo lo que toca y que apunto estuvo de tomar las riendas de U2 cuando U2 creían aún en sus propias posibilidades. Después de la exitosa colaboración del año pasado con la estupenda Rome, produce en este caso el disco entero de Jones confirmando que poniendo sobre la mesa solamente su música y nada más, es una de las cantantes con más calidad y más interesantes de la escena musical de los últimos años. Norah tiene la voz, tiene el misterio y tiene el talento innatos. Y por eso tiene especial mérito no hacer el mismo primer disco una y otra vez.
11. TAME IMPALA – Lonerism (Modular Recordings)
Corren definitivamente nuevos tiempos para la psicodelia musical. Y si no que se lo digan al bueno de Kevin Parker. El introspectivo líder de los australianos Tame Impala afirmaba que cuando terminaron Lonerism dudaba de si habían hecho algo realmente bueno o todo lo contrario. Su particular forma de crear, llevando la máxima del “mejor sólo que mal acompañado” al extremo, nos hace dudar de sí realmente se puede crear música sin que exista influencia alguna del mundo exterior. Lonerism, que es el 2º álbum de TI, experimenta con la psicodelia de los 60 y 70 y consigue crear un sonido con sentido, tomando como referencia elementos de hace 50 años y usando la tecnología en su justa medida para que sorprendentemente no suene a refrito de refrito del revival de turno. No hay temas que destaquen sobremanera sobre el resto, ni estribillos que corear pero el álbum forma un conjunto uniforme, casi indivisible que puede ser extrapolado y armoniza un sinfín de puntos de vista.
10. CALEXICO – Algiers (City Slang)
Existen pocas bandas que posean una variedad de estilos tan rica como la del dúo de Tucson. Y menos aún que sepan sacarle el provecho que éstos le saben sacar. En su country folk de serie, en esta ocasión tienen cabida rancheras, ritmos cubanos o temas en castellano. Calexico sabe llevar la elegancia en temas extremadamente cuidados y que cuentan buenas historias. Algiers es el 7º álbum de la banda.
9. CLOUD NOTHINGS – Attack On Memory (Carpark Records / Wichita)
Sin duda los de Ohio son una de las formaciones más geniales del panorama musical. No solo haciendo videoclips han demostrado que son de lo mejorcito que se puede uno encontrar. La energía que desprende la banda de Dylan Balde es fácilmente contagiosa. Garaje noventero y descarado rock a corto plazo con el que están decididos a hacer un álbum por año, gran noticia después del espectacular homónimo de 2011.
8. BAT FOR LASHES – The Haunted Man (EMI)
Natasha Khan es esencia de talento. Es apetito musical. Palpable y real Una extraña belleza más oída que escuchada por siluetas con derecho a voto. Como si a pesar de sus 3 grandes trabajos aún se esperase de ella un gran golpe sobre la mesa. Original de la playa de Londres con descendencia paquistaní, Khan presentaba este año The Haunted Man envuelto en un continente que tristemente parecía dar que hablar más que el contenido. Multi-instrumentista pero gran pianista y compositora, se gradúa con nota con uno de los mejores temas del año que es Laura, en un álbum muy cuidado en el que también destacan temas como Marilyn, A Wall o All Your Gold.
7. JACK WHITE – Blunderbuss (Third Man Records)
Obsesionado consigo mismo y perfeccionista hasta la médula, Jack White ofrece un compendio de rock blusero de manual. Nadie consigue hacer sonar el rock clásico tan moderno como él. Rodeado de grandes músicos de su Nashville natal, su fastuosidad creativa le pide en esta ocasión llevarse dos bandas de gira, una totalmente masculina, The Buzzards, y otra femenina, The Peacocks, siendo su feeling en el momento del desayuno quien decida quién va a tocar en el concierto de cada noche. Elegancia musical sin igual. Imprescindible.
6. JAPANDROIDS – Celebration Rock (Polyvinyl)
Japandroids o el rock agarrado a un clavo ardiendo. Su abismo sonoro lleva al límite. El dúo de Vancouver lleva el experimentalismo al extremo opuesto y no pide sino ofrece. Celebration Rock, un álbum que apunto estuvo de no publicarse, ya que estuvieron apunto de separarse, escupe rock sin paliativos. Rock que te zarandea hasta dejarte K.O. Todo actitud en un álbum para ser sudado en directo como si no hubiera un mañana.
5. SMASHING PUMPKINS – Oceania (Martha’s Music)
Contra todo agorero pronóstico, el octavo álbum de Billy Corgan con Smashing Pumpkins es muy digno de estar en toda lista álbumes del año. El puñado de grandes temas que atesora Oceaniano se cuentan con una sola mano. Y cuenten el resto de la lista. El mayor problema de Smashing Pumpkins en 2012 es que son Smashing Pumpkins. Y el mayor pecado de Oceanía es que no es 1997 y éste no es el álbum que va a seguir a Mellon Collie.
Pero hace tiempo que la industria pasó a vender politonos y la memoria colectiva musical, cargada de estúpidos prejuicios, se acomodó en un corto plazo cuanto menos inquietante. Oceania es un álbum que le sobra lo que otros añoran y tardan tanto en conseguir. Es encomiable la capacidad de Billy Corgan para crear melodías de tan bella factura y dotarles del peso de guitarras y los arreglos justos. Oceanía pide a gritos volver a confiar en un tipo que sabe muy bien lo que se hace.
4. BEACH HOUSE – Bloom (Bella Union)
Bloom continúa en la línea del estupendo Teen Dream, añadiendo quizás algo más de epicidad y haciendo más espacioso su sonido, convirtiéndose cada vez más en una influencia para muchas bandas. La palpitante Wild es uno de los temas del año, pero no olvidemos la creciente Irene o la majestuosidad de New Year. La voz de Victoria está mejor que nunca y la calidad que consiguen en todos sus álbumes les ha valido para ganarse el respeto de todos.
3. REDD KROSS – Researching The Blues (Sweet Nothing Records)
15 años llevaban sin publicar nuevo disco la banda de los hermanos prodigio californianos. Y menudo regreso. Researching The Blues está a la par de sus trabajos en los 90. Los padres del primer punk-rock californiano se marcan un álbum señor de arriba a abajo, que suena a Beatles o Byrds y te deja KO a las primeras de cambio. Ellos no saben de modas, pero levantan la bandera del power pop al punto más alto y consiguen un disco soberbio que funciona bien ahora y hubiera funcionado igual de bien hace 15 años. Solamente 10 temas en treinta y pocos minutos que después de tanto tiempo dejan un inmejorable sabor de boca y ganas de más. Un álbum que suena incluso mejor escuchado del final al principio, y es que dejan para el final el mejor tema, el beatleHazel Eyes.
2. ALABAMA SHAKES – Boys & Girls (Rouge Trade)
Curioso como un panfleto británico, otrora referencia musical por excelencia, les dedicaba una portada bajo el título de “The World’s Greatest New Band” y apenas meses después no tenía cabida en sus 50 discos del año. Alabama Shakes es una banda que camina con pies de plomo, mirada fija, y la recamara llena de balas. Sus directos son una experiencia sensacional, sencillamente bonitos, cargados de calidad y de mucha emoción. Es increíble la unanimidad que ha conseguido esta banda en torno a ella, que ha logrado que se pongan a sus pies ilustres como Robert Plant, Jack White o Drive-By Truckers.
La magia que tiene ésta banda reside principalemente en su cantante, que es comparada y con razón con Aretha Franklyn. Es la banda con mayor potencial y proyección de la lista. No encuentro ninguna razón para que Alabama Shakes no lleguen a lo más alto. Brittany Howard es un regalo para la música. Algo intuíamos ya el pasado mes de Abril.
1. (Δ) ALT-J – An Awesome Wave (PIAS)
Y la joya de la corona de 2012. Sinceramente tenían reservado el Nº1 y hasta la foto de éste artículo desde la publicación de An Awesome Wave a la espera de que algo o alguien pudiera arrebatárselo. Estos británicos tienen una clase descomunal y han hecho un álbum para quitarse el sombrero. Contiene hasta 7 temas que perfectamente podrían ser singles cualquiera de ellos. Un estilo que mezcla de manera sublime elemenos folk con dubstep, trip-hop y unas armonías vocales muy cuidadas. Su álbum es uno de los mejores debuts de los últimos años, y eso va a provocar precisamente que sea extremadamente difícil superarlo en el segundo álbum. Aunque para entonces quizás la media haya girado 180 grados y no les espere con los brazos abiertos precisamente. En ROCKAST hablamos de ellos apenas publicaron su debut, y con ellos en Agosto en una interesante entrevista.
Race Horses son una banda galesa con un carismático líder cuya música pretende con éxito ir a contracorriente de las modas del momento. Acaban de lanzar su segundo LP, llamado Furniture, que ha recogido muy buenas críticas de la prensa especializada. Los paisanos de Super Furry Animals, sorprenden con un gran álbum que bebe del pop más brillante de los 80 pero con registros que recuerdan por momentos a Richard Hawley, Smiths, Orange Juice o Squeeze, y con una voz, la de Meilyr Jones que como el grupo, parece aún por descubrir y explotar.
Meilyr es un tipo con un karma especial. Habla detenidamente, haciendo pausas, y no duda en devolverte la pregunta cuando menos te lo esperas. Nos atiende sentado en el suelo y nos sorprende con unas respuestas que destilan una especial sinceridad.
Se encuentran en plena gira europea acompañando a Bat For Lashes. El día anterior en Barcelona había sido un poco ajetreado para la banda. El cierre apresurado de la Sala Apolo propició que tuvieran que ofrecer su concierto en la adyacente Artèria, sin tiempo prácticamente para desembarcar, ofrecieron un set acústico en medio de la sala subidos en un cubo que llevaban en la furgoneta. Con todo, llegaban a Madrid con muchas ganas y sin pensar en el duro viaje que les esperaba hasta París el día siguiente.
ROCKAST // ¿Cómo va el Tour? ¿Qué tal la experiencia de girar con Bat For Lashes?
MEILYR JONES: Increíble. Sabes? Es nuestra primera vez en Europa y son encantadores, han sido muy amables con nosotros. Es increíble tocar noche tras noche, conocer nueva gente y ver las buenas reacciones. Es una gran experiencia para nosotros. Surgió porque a la compañía les gustó y nos pidió que fuéramos los teloneros.
También habéis tocado con British Sea Power o Fanfarlo. ¿Se aprende de bandas como ellos?
Sí, se aprende mucho. Pienso que aprendes de lo que te gusta, de lo que significa para tí, pero también de lo que sientes, por eso tocar en directo para nosotros es tan importante, es muy físico y contiene mucha energía, más que cualquier otra cosa. Intentamos que sea distinto, más que hacer siempre lo mismo.
Furniture ha sido muy bien recibido, con buenas críticas en la prensa. Estaréis orgullosos, ¿verdad?
Estamos muy felices. Lo grabamos muy rápido y hemos puesto mucho de nuestra parte. Es bonito. Estamos muy emocionados de que la gente venga a nuestros conciertos, de que escuchen nuestra música y estén disfrutando del disco.
¿Cuál es la diferencia entre Goodbye Falkenberg y Furniture?
Con Goodbye Falkenberg todavía estamos, digamos, experimentando, escuchando nuevas canciones y descubriendo nuevas bandas, prácticamente nueva música cada 2 semanas. Escribíamos los temas con eso en mente, así que era como un collage realmente, pura experimentación. Básicamente lo vemos como si Furniture fuera nuestro primer álbum. En el sentido de tener una idea y un sentimiento más fuertes, mientras que Goodbye Falkenberg era más salvaje.
«Hay gente que le gusta la música insensible, pero para mí, el lado humano es lo más importante»
¿Cómo es el proceso de creación? ¿Escribís todos juntos?
Bueno, yo escribo la mayoría, escribo la letra y luego hacemos los arreglos.
Habéis pasado de ser un trío a una banda de 5 músicos. ¿Cambia la filosofía de la banda de alguna manera?
Sí que lo hace. El grupo ha cambiado mucho y tienes que adaptarte sabes?, Tener a Mali en la banda, que tiene experiencia con la música clásica, ha cambiado cosas también. Pero digamos que todos queríamos en cierto modo huir del hecho de centrarnos solamente en las guitarras y tener menos límites.
Ya no cantas en Galés en el álbum. ¿Es definitivo?
No, no lo es. Por aquella época vivía con mi novia de entonces en Londres, y solamente hablaba inglés, y todas las películas que veía eran inglesas o europeas, así que nuestra cultura era básicamente en inglés. Bueno ahora vivo en Gales de momento así que puede que nuestro siguiente álbum sea todo en galés quién sabe…
Meylir, te pusiste un traje para cantar My Year Abroad, luego te desnudaste para hacer algunos coros… Parece un modo de inspiración bastante radical.
(risas) Bueno yo pienso que todo, desde el corte de pelo, a la dieta, a las horas de dormir o lo que sea, influye en lo que haces y en tu humor. Quería experimentar entrando en diferentes tipos de mentes, y me encanta sentir que soy una persona distinta.
«Cuando haces música, te colocas en extremos opuestos. Probablemente no sea la manera más razonable de vivir»
Muchas bandas hoy en día hacen música bastante similar, con muchos samplers y sintetizadores, pero vosotros parece que queréis tomar la dirección opuesta.
Es interesante porque lo estaba hablando con la banda de Natasha anoche, y creo que hay gente que le gusta música bastante insensible, pero para mí, el lado humano es lo más importante. Incluso nosotros tenemos quizás 2 temas donde hay un secuenciador, e incluso eso es difícil porque cuando tienes ésta música tienes que atenerte a él, como una canción de apoyo, y no puedes cambiarla de una noche a otra. Pienso que cuando tocas en directo, las reacciones cambian cada noche, por eso para nosotros es importante el lado humano en ese sentido.
¿Está perdiendo la música el romanticismo?
Eso es muy interesante. Pienso que es verdad. O al menos creo que la gente es menos radical ahora. O quizás es que la música de los 50 o 60 era más rebelde. Entonces la gente empezó a hacer dinero por ello y quizás la gente que era tan radical pensó que podía sonar de tal manera y hacer algo de dinero. Creo que es cierto. El comportamiento, en general, en la sociedad, no es tan radical. De todos modos el romanticismo es realmente importante para mí.
¿Cuáles son tus principales influencias?
Creo que mucha música clásica. Pero también la Velvet Underground. Y Dexus Midnight Runners son una influencia enorme. También muchas películas.
¿Planes para el año que viene?
Me gustaría tocar todo lo que pudiera, volver al Reino Unido con la banda y luego, espero que nos quieran de vuelta. Creo que vamos a hacer un montón de festivales éste año.
¿Eres feliz?
Emm… Es una pregunta realmente buena! (piensa 10 segundos) …No. Bueno, es una pregunta muy difícil. A veces, y a veces no. Pienso que hacer música, o hacer otras cosas a las que eres normalmente adicto, te pone en una posición de extremos. Probablemente no sea la manera más razonable de vivir. Porque no tienes base. No tengo un hogar realmente. Siempre estoy viajando de ciudad a ciudad y luego vuelvo a casa y descanso pero no es una vida estable. Y es peligroso vivir en esos extremos. Así que diría que quizás no soy feliz en éste momento, pero soy optimista, en cierto modo. Llegará un momento pronto en el que seré muy feliz. Es extraño porque lo que odio de la industria de la música es que preguntas como ésta no son respondidas honestamente. Porque existe esa idea de que siempre tienes que decir que eres feliz y que lo amas todo.
Race Horses – Furniture (PIAS/2012) Ya a la venta.
Meilyr Jones is the charismatic leader of Race Horses, a young Welsh band that are here to stay. They’ve just released their second album, called Furniture, that has gathered rave reviews in the press. A truly great album with songs that’ll remind you the likes of Orange Juice, Richard Hawley, Smiths, or Squeeze.
Meilyr is an atypical guy with a special karma. He talks with us while sitting on the ground and he pauses when he talks. The band is supporting Bat For Lashes on their european leg. Last nite they had a hectic day in Barcelona as the venue they were playing at got closed the very same day. In a venue nearby Meilyr and his colleagues had managed to perform an intimate acoustic set in the middle of the audience.
Despite all the fuss, they got to Madridfull of enthusiasm and willing to make a good show, without even thinking about the long travel to Paris they had the do following day on their van.
ROCKAST: How is it to tour with Bat For Lashes? How did this opportunity come up?
MEILYR JONES: Amazing! You know, it’s our first time in Europe, and they’re lovely, they’ve been really kind to us. Is amazing playing night after night, meeting people, and see good reactions. It’s a really great experience for us. The record company liked it and asked us to support them.
You’ve also toured with bands like British Sea Power or Fanfarlo, is it a good chance to learn from them?
Yeah, really a lot. I think you learn from what you like, and what they do on you, and also from what you feel, so for us, live is really important, it is very physical, has a lot of energy, more than anything. We try to keep it differently, rather than just doing the same thing.
Furniture has been very well received with great critics in the press. You must be proud of it I guess.
We’re really happy with it, I mean, we recorded it very quick and we put a lot into it so it means a lot to us, so it’s nice. And we’re very excited that people come to the gigs, like our music and are listening to the music and enjoying the record.
What’s the difference between Goodbye Falkenberg and Furniture?
With Goodbye Falkenberg we were still kind of, experimenting, hearing new songs and discovering new bands like, new music every 2 weeks, and then we would write a song with that in our mind, so it was more like a collage really, just pure experimentation. So we almost see it like this is our first record, in terms of having a strong idea and a strong feeling, while Goodbye Falkenberg was quite wild.
«Some people like quite clinical music, but for me, the human side is the most important thing»
Do you write all the stuff together?
Well I write most, I write the words, and then we make the arrangements.
You were a trio and now you’re a 5-piece band, has that changed the band philosophy somehow?
Yes it does. The group has changed a lot and you just got to go with what it is you know? Having Mali on the band, who has a classical background, has changed things as well. But we kind of wanted to get away from just guitars and have less limits.
You’re not singing in Welsh in this album, is that for good?
No it’s not. At that time I was living in London and my girlfriend at that time spoke only English, and all the films I was watching were either European or English, so our culture was mainly English so… Well I live in Wales at the moment so maybe our next record could be all in Welsh I don’t know…
Meylir, you dressed up in a suit to sing My Year Abroad, and got naked to do some vocals as well… Seems like a very radical way of inspiration, isn’t it?
(laughs) Well I think everything, down to haircut, down to diet or down to sleep or anything, influence what you make and your mood. And I wanted to experiment with getting into different kinds of mind, and I love how I feel like a different kind of person.
«When you make music, you put yourself in a position of extremes»
Lots of bands nowadays are playing very similar music, with lots of samplers and synthesisers. But you’re going the opposite way. How does it feel?
It’s interesting because I was having a chat about it last night with the band that does all the music for Natasha and Bat For Lashes, and I think some people like quite clinical music, but for me I think the human side is the most important thing. Even we have maybe 2 songs where there’s a sequencer going through, and even that is difficult because when you’ve got this music you’ve got to stick to it, you know like a backing track, you can’t change from night to night, and I think when you’re playing live, the reactions change every night. So for us is important that human aspect in music.
Is music losing the romanticism?
That’s really interesting. I do think that’s true. Or at least I think the people are less radical now. Or maybe is that music of the 50’s or 60’s was more of a rebellious thing. Then people started to make money from it, and maybe the people who were so radical thought “I could sound like this and make some money”… I think is true. Behaviour, generally, in society is not that radical as well. So I think romanticism is really important to me anyway.
What are your main influences?
I think, a lot of classical music. But also The Velvet Underground, and Dexys Midnight Runners is a massive influence as well. But also a lot of films
What are your plans for next year?
I would like to tour as much as we can, return to the UK with the band and then, I hope they want us to come back. I think we’re going to do a lot of festivals next year.
Are you happy?
Emm… that’s a really good question. (thinks for 10 seconds). No. Well, that’s a really difficult question. Sometimes, and sometimes not. I think maybe to do music or to make things, you’re generally addicted to, you put yourself in a position of extremes. So it’s probably not the most senseful way to live really. Because there’s no grounding. I don’t really have a home. I’m always travelling from city to city and then I go back home and I rest but is not a stable life. And is dangerous to have those extremes. So I would say maybe I’m not happy at the moment, but I’m optimistic, always optimistic, in certain way. So there will be a time where I’ll be very happy soon. Is strange, because what I hate about music industry is that questions like that are not answered honestly. Because there’s always this idea that you have to say that you’re happy and that you love everything.
Anoche pudimos asistir en Madrid a un fenomenal concierto de los desconocidos kiwisThe Ruby Suns. Un concierto que a menos que se haya tenido la oportunidad de verlos anteriormente imagino que dejó a todo el mundo bastante impresionado. La razón es simple, el directo de éstos chavales, es muy superior a lo que escuchamos en sus discos. La originalidad de su sonido y el desparpajo con el que se desenvuelven se contagian inmediatamente; desde el primer tema hicieron bailar al personal, algo bastante curioso en una Casa Encendida donde no se vende alcohol. Ni nada bebible de hecho.
Venían con ganas a presentar su último LP llamado Fight Softly, donde se oyen sonidos calipso, con psicodelia, música eletrónica y beats molones que te mueven el cuerpo sin querer. Aunque como hemos comentado, habiendo visto el directo lo cierto es que el disco deja un poco que desear, sonando el directo mucho más incisivo, con versiones más largas y acentuadas. El bueno de Ryan Mcphun a los mandos de sus sintetizadores y samplers y golpeando los pads con ganas nos lleva a un ambiente casi de trance con un muy buen feeling durante la hora y media del show. Efectivamente vienen con muchas pistas pregrabadas pero no quita para que el espectáculo sea vibrante, que sería mayúsculo de contar con los convenientes músicos.
Tienen un puñado de grandes temas, los cuales sonaron todos a excepción de There Are Birds de su segundo álbum Sea Lion, como Cranberry, Tane Mahuta recordando sus orígenes de Nueva Zelanda, Oh Mojave, «a very spanish song» que reconvirtieron y sonó con más fuerza que nunca,Cinco, Mingus And Pike, Dusty Fruit, o una muy acertada versión del Running Up That Hill de Kate Bush.
Las comparaciones con Animal Collective son obvias, sobre todo después del giro que han dado en el último disco, aunque The Ruby Suns parecen ser en éste caso unos Animal Collective ordenados, sabiendo lo que quieren ofrecer y dándoselo a las claras al personal, sin muchos rodeos. También tienen pizcas de los Beach Boys más clásicos o incluso Depeche Mode, comopudimos comprobar en su directo de anoche.
Ojalá sigan creciendo y podamos ver a ésta banda en todo su esplendor en algún momento. Parece que la moda de la música va por éstos caminos. Una lástima y un aviso que no llenen un pequeño recinto con entradas subvencionadas a 3 euros.
Yeasayer es una movida rara. De esos grupos que otrora no llegarían al mainstream pero que lo harán éste año. De Brooklyn, claro. Es abstracto e innovador, sin llegar al nivel de frikismo de otras pseudobandas encumbradas sin muchos meritos. Porque tienen melodías e ideas cuasi psicóticas bien montadas. Porque agitando la locura en la batidora musical, consiguen una música cuanto menos única, cuanto más curiosa. No resulta apabullante la convivencia en sintonía de la música electrónica, con las armonías vocales, sintetizadores, toques funky, soul, folk, con suaves ritmos africanos y descaro y talento por bandera. Entre tantas posibles etiquetas mejor intentar entender aquella con la que ellos mejor se sientan: «middle eastern-psych-pop-snap-gospel». (Órdago).
Una banda que parece haber dado con la tecla correcta sin pasarse una ápice. Y sin parecerse abiertamente a nadie en particular. Los chicos de Yeasayer tienen todo para ser la banda del momento en cualquier momento. Cuando? Posiblemente éste año. Es como si llevaran el espíritu de Talking Heads a la espalda.
Su segundo trabajo se llama Odd Blood y promete más que su primer lp, All Hour Cymbals. Aunque entre uno y otro colaboraron en la fantástica recopilación de indie americano Dark Was The Night, con una ecléctica Tightdrope.
Odd Blood, fue filtrado hace cosa de un mes en la red y aparecerá el próximo 9 de Febrero en las tiendas. Ambling Alp es su primer single, pero tiene cositas como One, la enorme Madder Red, I remember, Love Me girl… Un álbum con una gran primera escucha, pero que con paciencia muestra todo su potencial, pulido en pequeños detalles.
Empezamos pronto con lo que será seguro uno de los discos a destacar de 2010. Una banda que está dibujando la música de los próximos años.
En Marzo visitan España en una gira en pequeñas salas. No pierdas la oportunidad de verlos.
Una banda para degustar. Esperamos que los disfrutes.
R O C K A S T / / 