Archivo de la categoría: punk

“Si no consigues expresarte en 30 minutos, quizás debas plantearte lo que estás haciendo” Entrevista con Cloud Nothings

cloud-nothings-2014-650x400

Debería de estar en la puerta de la zona de prensa hace un rato pero un exceso de confianza me hizo pensar que las esbeltas carpas blancas de la entrada hacían las veces de “press lounge”.  Con el cuaderno de las entrevistas en una mano y una cerveza pasajera al otro, llegamos a la nueva zona de prensa del Primavera Sound, que queda detrás del escenario Sony, al comienzo de la ya denominada “zona mordor” del festival. 

Al otro lado, charlando con sus compañeros se encuentra Dylan Baldi, el risueño líder de Cloud Nothings, una banda de Cleveland, Ohio, que viene haciendo un rock vertiginoso y adictivo desde hace 6 años y que ha sabido ganarse el respeto de público y crítica. Otro año más no tengo acreditación de prensa, por lo que la entrevista va a contar con un segundo inconveniente. Por suerte siempre hay artistas cuya promo no les resulta tan pesada como a otros, y acceden a realizar la entrevista entre el fragor de idas y vueltas de miles de asistentes que quieren ver el concierto de Spoon. A pesar de todo, Cloud Nothings no están por entrar a corto plazo en el gran mercado, y de momento sus caras, que no su música, pasan desapercibidas en España.

Baldi es un tipo sincero que va al grano y responde sin rodeos. Prolífico como siempre, e inteligente marcando el camino de su banda, está en un gran momento de forma con Here And Nowhere Else ([PIAS] 2014), donde consigue que la banda recoja halagos haya donde vaya.


¿Qué
tal Dylan? ¿Sigues viviendo en Paris? ¿Qué tal el cambio?

Bien. Sí, me fui a vivir a París porque conocí a una chica francesa, así que ahora vivo aquí. (risas)

Habéis girado mucho desde el lanzamiento de “Here And Nowhere Else”. ¿Cómo va el tour?

Está yendo muy bien de hecho. Cada concierto que damos es muy divertido. No ha habido un solo día en el que hayamos dicho “vaya mierda”, así que es genial.

Solamente ha pasado un año y medio desde el lanzamiento de vuestro último álbum. ¿Cómo has encarado este nuevo disco esta vez?

Bueno de la misma manera que lo hice en el último la verdad. Básicamente me siento durante un mes y escribo un puñado de canciones que me gustan. Intento no pensar en lo que otra gente pueda decir sobre el disco o la música. Solamente hago cosas que me gustan, creo que es la única manera en la que soy bueno.

“Creo que sonamos bien como trío. Nadie se puede esconder detrás de nada y hace que el sonido sea más potente e intenso”

En “Attack On Memort” trabajasteis con Steve Albini, mientras que en este disco habeís trabajado con otro gran nombre como es John Congleton. ¿Por qué elegisteis a Congleton? ¿Qué diferencias encontrasteis entre ellos?

Teníamos un manager en ese momento que nos sugirió a John Congleton. Estuvo bien. Trabajar con él fue muy parecido a trabajar con Steve. Ambos son muy condescendientes, realmente nunca nos dijeron qué teníamos que hacer. Ellos nos dejan tocar las canciones y luego lo graban muy bien, así que fue un proceso muy sencillo para nosotros.

Al ser tan prolífico escribiendo, imagino que veremos un nuevo disco en algún momento en los próximos 2 años. ¿Tienes algún productor en mente?

Aún no lo sé. Pero quiero sacar un nuevo disco el año que viene. Seguro. Aunque no sé nada todavía (risas)

¿Has pensado en producirlo tú mismo?

Lo hice al principio, pero suena ridículo y no sé lo que estoy haciendo, así que es mucho más fácil dejar que un profesional lo haga por ti.

Se dice que una banda realmente muestra su valía en el directo. ¿Es por eso que ponéis tanto esfuerzo en sonar en el estudio como en el directo?

Sí, me gustan los discos que suenan a directo. No me gusta cuando escucho un disco y voy a ver a la banda y suena totalmente diferente. Quiero que el disco suene como el directo. Por eso grabamos en directo.

“No he visto muchas bandas que suenen como nosotros”

Joe Boyer no está ya en la banda, y no hay sustituto para él. ¿Vais a continuar como trío?

Por ahora sí. Pienso que suena bien como trío. Y es bonito porque todo el mundo tiene que, digamos, ¡trabajar! (risas) ¿Sabes? nadie se puede esconder detrás de nada. Y eso está muy bien. Es bonito ser una banda de tres músicos.

¿Cambia algo la banda o la música?

Absolutamente. El hecho no ser tan sofisticados y tener sonidos más básicos tocados intensamente, hace que el sonido sea un poco más pesado y potente.

Las letras de Cloud Nothings son muy personales. ¿Sientes que la música es la mejor forma de hablar de ti mismo o las cosas que te suceden?

Cada disco es un pequeño cuadro de lo que estoy pensando, y donde me encuentro cuando estoy haciendo el disco. Es básicamente la única manera en la que hablo sobre mí mismo.

¿Sigues escribiendo las letras en el último minuto?

Sí sigo haciéndolo. Porque es la única manera en la que pienso que puedo conseguir algo que sea honesto y real. Si me siento y hablo durante mucho tiempo, no saldría bien. Así que es una buena manera de asegurarme de que todo sea tan directo como pueda.

De nuevo ocho temas en el disco. ¿Es la cantidad perfecta de temas?

Pienso que sí. Ocho canciones, treinta minutos. Si no consigues explicarte, quizás debas repensar lo que estás haciendo.

¿Qué pasa con vuestros videoclips? Sois una de las mejores bandas haciendo videoclips que existen en la actualidad. 

Gracias. Tenemos un amigo, Ryan Manning, que es un loco de los videoclips, así que siempre que lo necesitamos le decimos “Ryan, haz lo que quieras”. Y él siempre hace algo increíble. Confiamos en él plenamente. Es un tío guay.

 “Cada disco es un pequeño cuadro de lo que estoy pensando y del lugar en que me encuentro”

¿Habéis visto o escuchado alguna banda que os haya gustado tanto que hayáis dicho “quiero sonar como ellos”?

Sí claro, hay muchas bandas a las que copio. Me gusta una banda llamada The Wipers, una vieja banda punk, son mis favoritos. También Life Without Buildings. Escuché sus discos y me dije “oh, tengo que hacer eso”.

¿Cuál creéis que es el secreto detrás del éxito de Cloud Nothings?

Creo que una gran parte es que hacemos lo que creemos que suena divertido en cada momento. No nos preocupamos de la imagen o de la gente. No nos importa hacer cosas que nos gustan y divertirnos, y eso se refleja en la música.

¿Cómo veis la escena musical actual? ¿Notáis que hay bandas haciendo música similar? ¿Echáis de menos la música de guitarra?

No he visto muchas bandas que suenen como nosotros. Pero sobre todo veo bandas que escuchan los mismos discos que yo. Y eso está genial. Los usan de una manera diferente. Las canciones suenan diferentes pero es divertido verlos y pensar “quizá podría ser colega de ellos porque nos gusta la misma música”

¿El hecho de vivir en París te ha dado la posibilidad de descubrir algo de música europea o francesa que te haya gustado?

En cierta parte. Me gusta mucho la música europea. Pero sobre todo el jazz. Incluso el noise. Pero en París realmente me ciño a la guitarra.

¿Cuáles son tus planes para este año?

Girar durante todo el año. Y nada más.

¿Eres feliz?

Oh sí claro. Además lo estamos pasando muy bien aquí.

David Bernardo

Anuncios

Que veinte años no es nada.

PIXIES 2014

O por lo menos no lo parecen. Veintitrés exactamente los que han pasado desde el último disco de una banda icónica donde las haya. La noticia el pasado verano de que los Pixies lanzarían nuevo material, supuso una inyección de adrenalina para la mayoría de los fans, que veían conciertos pasar sin más temas nuevos que el solitario “BamThwok” que lanzaran en 2004. Los de Boston se ponían la manta a la cabeza y decidieron lanzarse sin miedo a grabar nueva musica.

La reunión no estuvo exenta de polémica, ya que Kim Deal los dejaría tirados en las puertas del estudio, más centrada en desarrollar su carrera musical con los Breeders, con los que seguramente tenga asegurada más productividad que con el otro lado de la familia Pixie. Black Francis decidió entonces que fuera Simon Archer quien grabara con ellos los nuevos EP’s, para elegir luego a otra Kim, Kim Shattuck, de los Muffs, como nueva bajista para la inminente gira. 
El resultado no salió como ellos querían. Francis, Joey y David son más introvertidos que su nueva compañera de viajes y su excesiva excentricidad no conectó con la banda más de unos meses. Sería en Noviembre cuando una llamada del manager de la banda comunicara a Kim su despido, con el consiguiente enfado de la bajista, que no tarda en mostrar su disconformidad a través de las redes sociales mientras seguía profesando amor eterno a la banda. Desde entonces, Paz Lenchantin, bajista de A Perfect Circle, Zwan y Entrance Band, es la cuarta Pixie. Lenchantin es una fan incondicional de la banda, que deja boquiabiertos a sus nuevos compañeros desde el primer día al conocer todo el repertorio al completo.

Con todo llega el lanzamiento de “Indie Cindy”, que no es otra cosa que la suma de los EP’s que han lanzado el último año, EP1, EP2 y EP3. Alguno lo puede considerar un jugada un tanto extraña, quizá por poco habitual en el mundo de la música, pero lo cierto es que son EP’s que se han grabado prácticamente al mismo tiempo, y que bien podrían haber formado parte de un único álbum si la banda hubiera querido. Porque la banda, por increíble que parezca, no ha firmado contrato alguno con ninguna discográfica para el lanzamiento y distribución del mismo. “Indie Cindy” lo han lanzado bajo sus propios medios, sin tener que lidiar con los entresijos de ningún contrato discográfico, algo que la banda a estas alturas no está dispuesta a asumir.

El resultado es un álbum que pone el énfasis en la fórmula más clásica de los Pixies. Más cercano al rock que al punk, pero con importantes influencias heavy metal, como en el tema que abre el disco, “What Goes Boom”, o un “Blue Eyed Hexe” que podría haber firmado sin tapujos los mismos AC/DC. Sonido clásico Pixie donde los haya en “Ring The Bell”, “Andro Queen” o “Greens and Blues”. Las letras siguen jugando con la ironía y con Francis obsesionado por la Biblia, la muerte o los extraterrestres. Viejos y nuevos seguidores, aquí tienen un álbum top, disfrutable como pocos.

ThePixies-0117

Una semana en South By Southwest.

Foto 13-03-14 19 40 14

SXSW, Austin, Texas. “3 is the magic number” que cantaba De La Soul. El festival que más páginas ha generado en las últimas dos semanas no es un festival al uso. South By, como lo conocen los locales, no tiene grandes escenarios, ni zona de acampada. No venden abonos propiamente dichos ni tampoco existe un llamativo cartel oficial.  SXSW es una feria con 28 ediciones a sus espaldas que comprende 3 divisiones principales, concretamente SXSW Film, SXSW Music, y SXSW Interactive. En cada una de ellas están presentes algunos de los mejores profesionales y empresas de cada sector, que durante diez días discurren por allí mezclándose con artistas, turistas y lugareños abrumados.

Últimamente han aparecido también las vertientes de SXSWedu, dedicado al desarrollo de nuevas tecnologías en materia de educación, SXSWeco, enfocado al medio ambiente, y SXS V2V (Vegas To Vegas), que supone realmente una prolongación del SXSW Interactive y que pone su empeño principalmente en las start-ups.

No existe una gran proyección del festival más allá de sus fronteras, a excepción del Reino Unido en los últimos tiempos o México por cercanía. Curioso en en macro-evento en el que el 85% de la industria musical de EEUU se encuentra esa semana en Austin, y que provoca un impacto de 218 millones de dólares en la ciudad.

austin-sxsw-festival-450

Las confirmaciones oficialesse suceden a un ritmo vertiginoso, en tandas de 500 a 800 artistas hasta llegar a más de 2000. La mayoría son bandas noveles que apenas cuentan con un disco en el mercado o en Bandcamp. El espíritu de la organización es mantener un perfil bajo, por eso cada año procuran hacer una crítica constructiva, escuchando los comentarios y sugerencias de todos los involucrados. Es raro ver bandas realmente potentes hasta que la fecha del festival no está próxima. Es entonces cuando hay algunas pocas novedades ruidosas que siempre se agradecen. Aunque no son el leitmotive del festival. En esta edición contamos con Soundgarden, St.Vincent, Coldplay o Damon Albarn, pero también con las famosas sorpresas de última hora, que este año vinieron de la mano de Jay Z, Kanye West o hasta Lady Gaga, que terminó protagonizando un espectáculo de dudoso gusto con la artista Millie Brown vomitándole encima.

Es obvio que es un evento completamente inabarcable para un ser humano. Incluso para varios. Pero ahí radica precisamente uno de sus encantos. Cuando llegas a un recinto oficial y escuchas a artistas que no conoces, hay una alta probabilidad de descubrir nuevos talentos y gente con ganas de hacer grandes cosas. Porque hay una cosa que impera en todo Austin y es la calidad de los artistas. No crean que por la cantidad se ve mermada la calidad. Nada más lejos de la realidad. Pero la cantidad sí que hace que los planes en SXSW se hagan y deshagan a golpe de “tweet” y de la generosidad del patrocinador.

El festival es uno de los más queridos del mundo por su manera de marcar la diferencia. Hemos pensado y hemos preguntado a músicos y gente local y nadie recuerda haber visto nada parecido en ninguna otra ciudad del mundo, a pesar de que ya cuenta con algunas hermosas hermanas camino al North West.

Los bares.

La música es un elemento que fluye por toda la ciudad a cualquier hora del día o de la noche. Se vive y se siente allá donde vayas. Las calles se convierten en un hervidero de gente portando sus badges – la acreditación oficial- y pulseras, o buscando cualquier garito en el que hayan hecho RSVP con antelación para poder entrar. Es por eso que el festival se celebra principalmente en la calle y en sus infinitos bares, que se vuelcan con el evento incluso con conciertos programados para las horas en que no tienen actos oficiales.

IMG_0657

La mayoría de actos oficiales suelen comenzar a partir de las 7 de la tarde, pero ya desde el mediodía podemos disfrutar de infinidad conciertos de artistas que pueden o no haber sido invitados al festival, pero que multiplican sus conciertos para aprovechar al máximo su estancia en Austin. Y es que hay algo en lo que coinciden los artistas, y es que South By Southwest te baja totalmente a la realidad de tus inicios. Puedes tener cierta notoriedad en tu país de origen, incluso en EEUU, pero en Austin vas a cargar con tus bártulos a cuesta entre local y local, y montar y desmontar escenarios en tiempos de pit-stop.

Los locales compiten por ver cuál es el más pintoresco, pero hay una calle que se lleva la palma. Verán, hace apenas dos años, Rainey Street era una típica calle norteamericana. Con amplias aceras, con sus casitas de madera, sus porches, y sus respectivos jardines en la parte de atrás. Entonces a alguien se le ocurre una idea genial y monta un bar en una de las casas que había en venta. Algo sencillo. Modificando lo justo su interior y con apenas un letrero y unas clásicas luces navideñas en el porche. Se pueden imaginar el efecto dominó que produjo la idea. Al año siguiente los bares se multiplicaron y los pocos vecinos que quedaban estaban en jaque. Muchos se aferraban a irse y hasta el año pasado, según nos cuentan, se podía ver a algún vecino en el porche de sus hogares mientras la calle fluía al ritmo de la música.

Las fiestas.

CheerUpCharlie

O quizá deberíamos decir “las marcas”. South By también es conocido como el festival del “branding”. Prácticamente la totalidad de los conciertos están estupendamente patrocinados por grandes o pequeñas marcas. Por ello es habitual encontrarte con la fiesta de Spin Magazine, con un día entero patrocinado por Vans en una pequeña carpa construida para la ocasión, la Red Bull Sound Select, que patrocinaba 4 días en el The Belmont, Dr Martens en 96 Bar, o una de las más famosas patrocinadas por The Hype Machine, y celebrada en una suerte de nave industrial en miniatura denominada Hype Hotel para la ocasión.

La parte positiva para el público es que algunas de ellas ofrecen comida y bebida gratis durante las actuaciones que están patrocinando. La negativa, que esto hace congregarse todavía a más gente de lo habitual y entrar a algún recinto puede ser una misión larga y frustrante. Sobre todo cuando el local de mayor capacidad de la ciudad difícilmente sobrepasa las 2000 personas de aforo.

Los showcases.

Los conciertos, denominados showcases, son recitales de unos 35-40 minutos de duración donde el artista tiene que montar su propio equipo, y hacer la prueba de sonido con el técnico de la sala en los 20 minutos que le deja el artista anterior. Seguramente nunca se han visto pruebas de sonido tan concurridas como en Austin. Pueden parecer a simple vista conciertos cortos, pero cuando estás en un festival con tal salvajada de bandas, es todo un alivio. Los artistas seleccionados tienen al menos un bolo oficial, aunque la mayoría terminan tocando entre 4 y 8 veces durante la semana en los diferentes locales. Para algunos resulta especialmente complicado entrar, como para los conciertos encuadrados dentro del iTunes Festival, que este año se celebraba por vez primera fuera de Londres, y para los cuales debías de registrarte con tu acreditación para entrar en un sorteo de las entradas. Más ridículo resultaba ver a Lady Gaga, con el patrocinador animando al personal a realizar estúpidas yincanas para poder ganar la oportunidad de entrar en el siniestro bombo

Siempre resulta más saludable no pensar en los conciertos que te has perdido, porque si eso supone un quebradero de cabeza en cualquier festival, imaginen uno en el que constantemente coinciden más de 50 conciertos simultáneamente.

Damon Albarn

Damon Albarn

Los artistas.

Según ellos los más perjudicados por la aglomeración en que se está convirtiendo el festival. Y sus razones tienen. Mandan una maqueta a la dirección de SXSW en la que se juegan el ser o no seleccionados para el festival. El mandar la maqueta ya implica un pequeño desembolso de unos 30 dólares aproximadamente. ¿La recompensa? Si son seleccionados, tendrán su acto oficial en SXSW y recibirán una pequeña compensación económica de entre 100 y 250$ dependiendo de si es un artista solo o una banda. También pueden elegir una pulsera oficial que les dará acceso a todos los actos del SXSW Music, pero siempre detrás de los portadores de los badges, esto es, la gente del business que pueden pagar entre 400 y 1800 dólares por badge. Una política que nos produjo la estampa surrealista de conocer en las colas a bandas como Quilt o Waylayers.

IMG_0961

En muchos casos se quejan de que en los locales están más pendientes de los carteles publicitarios que de los propios artistas. Esto es la ciudad-anuncio, así que sus argumentos son bastante razonables. Además, la organización no paga desplazamientos ni alojamiento, pero ofrece asesoramiento para conseguirlo.

Lunes 10 de Marzo de 2014. 

SXSW 6th Street pictures

Hemos aterrizado en Austin la noche del sábado. Nos espera una suerte de diluvio que afortunadamente no se repetirá en el resto de la semana. Una vez conocidos nuestros anfitriones americanos y probadas sus sanas costumbres con la primera comida del día, nos disponemos a patear la ciudad en busca de sus deliciosa oferta de comida tex-mex y sus amigables gentes. El Domingo ha sido la primera toma de contacto, donde conocemos la famosa 6th Street, una pintoresca alineación de locales musicales en su gran mayoría, donde se darán cita tanto los actos oficiales como los extra-oficiales. También tiene cines, hamburgueserías, tiendas de souvenirs y hasta una pizzería hard rock.

Vamos hasta Rainey Street, una calle con las típicas casitas americanas de madera que en los últimos 2 años han ido mutando lentamente hasta convertirse en bares, con sus respectivas luces de navidad encendidas 24 horas, y sus jardines en la parte de atrás convertidos en improvisados escenarios para la ocasión. Terminamos en el Javelina, donde entramos a medio concierto de The Hillbenders, un quitento del Springfield de Missouri que hacen bluegrass y que consiguen que varias parejas se animen a bailar enfrente del escenario. Más tarde tocarán The Continuums, haciendo un rock sureño que por momentos recuerda a Kings Of Leon.

Sweedish Bootcamp Invasion Austin Tx

Ya el Lunes optamos por ver la Swedish Bootcamp Invasion, que ha traído a un buen puñado de artistas suecos, amén de barra libre de comida y bebida durante todo el evento.

Sweden twelve points, La Suède douze points. El lugar es un gran jardín con un escenario junto a la carretera, unas pequeñas gradas y un par de barras a modo de chiringuito playero. Durante el día desfilarán actos como Mire Kay, Simian Ghost, INVSN, Solander, o Mary Onettes, con su efectivo pop atmosférico presentando su nuevo EP, “Portico”.

De allí nos vamos al Mohwak, un garito con gradas junto al escenario y en la parte superior, donde tocan together Pangea, una banda punk garage, Wild Cub, indie pop americano de manual que gusta al personal, y Chet Faker, un músico electrónico australiano que ha conseguido despuntar  en su país, y empieza a hacerse un nombre a través de remixes y diversos premios.

Charlie XCX at The Mohawk, Austin, TX.

Charlie XCX

 

El turno más tarde sería para Cymbals, unos británicos un tanto insulsos cuya música recuerda muy mucho a Foals. Pero la noche tenía un nombre, y ese era el de Charlie XCX, más conocida por haber escrito y regalado el mega hit “I Love It” a Icona Pop. Sus colaboraciones con otros artistas habían sonado durante los últimos tiempos pero en SXSW demostró que su ascenso no tiene fin. Sus temas tienen gancho comercial y su camino tiene la misma meta que M.I.A. o Rihanna. Tiene fuerza, tiene temas, y tiene bonitas coreografías que atenuaron el efecto llamada de la lluvia que había traído la banda anterior.

Salimos a cenar algo a una de las múltiples caravanas de comida que hay en la ciudad. Hay pizzas, tacos, burritos, cheesesteaks y toda clase de comida rápida que puedas imaginar. Estoy con mi amigo David R. Moldes de Vanishing Point, que conoce a Nacho Vigalondo y consigue colarnos en la fiesta que el director está montando con motivo de la presentación mundial de su última película, “Open Windows”. Un señor garito en la primera planta de un local de moda de la misma 6th Street, con barra libre de comida y bebida, donde de buenas a primeras tengo la oportunidad de conocer a la actriz Sasha Grey y al actor Elijah Wood. Surrealista. Pero les dije, esto es Austin, y aquí cualquier cosa puede pasar.


Martes 11 de Marzo de 2014.

Se supone que hoy comienza oficialmente el festival. Así que previo paso del Austin Convention Centre para recoger nuestras acreditaciones, nos acercamos de nuevo a la Rainey Street para tomar algo. Sorpresa. Resulta que si los programas oficiales funcionan de noche, los bares tienen programaciones no oficiales para amenizarnos la tarde. Y aquí la tarde comienza a las 12 del mediodía. Bien.

Nos sentamos en el jardín del Blackheart donde los conciertos ya han comenzado. Toca una banda que se llama Heeney, con un sonido punk rock parecido a Parquet Courts que gusta al personal. También una banda llamada Inner Oceans, con apego al sintetizador y algo pasados de vueltas en efectos vocales que destaca por la belleza de su bajista. Una de las cosas más resultonas del SXSW. Amigos, pongan una bella bajista en su banda. Se verá mejor. Es así.

And The Kids

And The Kids

 

Si bien la mejor banda que vimos allí fueron And The Kids, un trío de Massachusetts armados con ukelele eléctrico, teclados y poderosas armonías vocales que dejaron boquiabierto al personal. Las chicas no están oficialmente en el cartel pero vienen de la mano de una banda amiga local como son los Mother Falcon, una banda de 18 miembros que hacen folk sinfónico de esos que emocionan hasta al más reticente.

La noche empieza a caer y decidimos acercarnos a la guarida británica. Patrocinada por la BBC, se han hecho con el Latitude 30 Bar durante el festival para traer a sus actos más rompedores. El evento está presentado por el mítico Huw Stephens, el famoso locutor de la BBC Radio 1, que haciendo gala de la clásica amabilidad británica, nos dedica un momento de conversación en el que agasajamos a las bandas presentes y apalabramos una entrevista para Rockast una vez pasada la vorágine del festival.

Wolf Alice

Wolf Alice

Por allí pasan esta noche un par de bandas a las que seguimos desde hace tiempo, y de las que ya hemos hablado en diversos secciones de Emergentes en Rockast. La primera de ellas es Wolf Alice, cuyo auto-denominado psychofreak pop-rock resulta ser más sucio y más rockero que en su versión de estudio. Portada de NME de esta semana, parece que ni siquiera les falta lanzar su debut para llegar alto. Gran interpretación de Bros con una Ellie Rowsell sensacional.

La otra gran banda que queríamos ver eran unos tipos de Manchester llamados Bipolar Sunshine, el nuevo proyecto de Adio Marchant. Mezcla soul, funk, rock, gospel y hasta rap, y aún así suenan a una mezcla de Mike Skinner de The Streets y TV On The Radio. Tiene hits inmediatos como Love More Worry Less, Where Did The Love Go o Rivers, uno de los mejores temas que hemos escuchado este año.

Bipolar Sunshine

Bipolar Sunshine

También tocan Prides, un dúo electrónico muy interesante de Glasgow que pone la sala del revés con buenos ritmos y un batería energético como pocos.

La mañana siguiente tenemos cita con los artistas españoles en Sounds From Spain, así que es hora de recogerse.

Miércoles 12 de Marzo de 2014. 

Arizona Baby, SXSW

El Miércoles 12 era uno de los eventos que teníamos marcados en rojo desde hace semanas. Por 7º año consecutivo se celebraba el evento de Sounds From Spain, organizado por el ICEX, Fundación SGAE y Promusicae entre otros. Este evento trae todos los años una selección con los mejores artistas españoles, así como empresas del sector. En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de ver los conciertos de Soledad Vélez, chilena de voz prodigiosa asentada en Valencia, Lori Meyers, Fuel Fandango, los vallisoletanos Arizona Baby, el rock de Betunizer, y la clase del maestro Kiko Veneno.

Los conciertos se celebraron en una carpa justo enfrente del Convention Centre, asi que el bullicio general, sumado a la paella y vino gratis (lo del vino se lo pensaron 2 veces, o se terminó antes de empezar el evento) hicieron que la velada matutina se convirtiera en una fiesta.

Muy buenas todas las actuaciones, con Arizona Baby abriendo las bocas de los yanquis y Kiko Veneno haciendo bailar a todo el pabellón. Tuvimos la ocasión de felicitar a las chicas de Digital Girl, una empresa de L.A. que consiguió que los 2 días de Sounds Of Spain salieran a pedir de boca. Y entre plato de paella y cerveza –mini vasos de sangría a 5 dólares no, gracias- pudimos también charlar un buen rato con Kiko Veneno, un tío grande donde los haya que desprende un aura de admiración allá donde vaya, y cuya entrevista verán pronto por aquí. Al igual que la que hicimos con Arizona Baby, una formación enorme que levantó pasiones en Texas entre los lugareños, en NY donde habían actuado esa misma semana, y seguramente en el bolo que tenían en Chicago a los pocos días.

No serían los únicos artistas españoles en Austin, ya que había un buen puñado de nuestros mejores artistas y algunos grandes noveles. Por allí pasarían L.A., en plena gira americana, Russian Red, Univers, Svper, Lost Tapes, Animic, Doctor Explosion, Animic, The Pepper Pots, Mujeres, Juan Perro, o las maravillosas Me and the Bees.

Kiko Veneno SXSW

Kiko Veneno

 

De ahí nos vamos a tomar una de “esas hamburguesas” a un bonito antro oscuro de la calle 6. Justo al lado está el Flamingos Cantina, donde resultan tocar nuestros queridos The Pains Of Being Pure At Heart. que se marcaron un gran concierto en el pintoresco garito de la calle 6. Una de las grandes virtudes del SXSW es que los artistas se encuentran más que disponibles a charlar entre bastidores. Así estuvimos hablando con Kip de los motivos de la nueva formación de la banda, ya que nos extrañó mucho ver a una teclista que no fuera Peggy. Por lo visto algunos miembros no podían dejar sus trabajos a jornada completa y han tenido que hacer algunos cambios. Contaban en las voces con otra asiática que es Jen Goma, de A Sunny Day In Glasgow, y con Kelly Pratt, que ha trabajado con Beirut, David Byrne o St. Vincent.

En el mismo escenario vimos la fuerza de EMA, que se atrevió con temas de su nuevo álbum y cuyo directo te hace repensar la oscuridad de sus temas de estudio.

EMA Austin SXSW 2014

Ese mismo día estuvimos en el mítico Stubb’s BBQ, una especie de rancho cerrado que es seguramente el recinto más grande de Austin en cuanto a locales se refiere. Esa noche tocaban varias grandes bandas. Para empezar, Perfect Pussy, una formación que dispara hardcore a cañonazos y que se ha convertido en uno de los hypes de la temporada. También los británicos Eagulls, que se esforzaban en ofrecer un buen set a partir de un post-punk con nervio, pero lo cierto es que después de Perfect Pussy lo suyo casi parecía música clásica… Más tarde Kelis haría su clásico R&B mezclado hasta en tres ocasiones con el “Feeling Good” de Nina Simone, y con una sorprendente puesta en escena con una banda compuesta por once músicos.

St Vincent

St Vincent

Al otro lado de la calle, en la puerta del Mohawks, un tarado huía de la policía y atropellaba mortalmente a tres personas. Un lamentable accidente que suponía el primer incidente grave desde el inicio del festival en 1987. Pero dentro de un abarrotado Stubb’s, ajeno por completo al accidente, el momento de la noche estaba a punto de comenzar. Era la hora de St. Vincent y se notaba en el ambiente. El show de Annie Clark es seguramente el mejor que hemos visto en todo el festival. La teatralidad que conlleva todo el espectáculo, la manera tan única que tiene de golpear la guitarra eléctrica, y el carisma de Clark sobre el escenario barren de un plumazo los conciertos anteriores. Y el posterior. Con una hora y cuarto de retraso hace acto de aparición Damon Albarn, con su clásica actitud pasota, que lejos de pedir perdón, culpa al resto de bandas y a la organización del retraso. Tiene una muy buena banda acompañándole pero su concierto resulta predecible y aburrido y a esas horas ya no todo puede valer.

Wild Cub en Mohawk, donde tuvo lugar el accidente.

Wild Cub en Mohawk, donde tuvo lugar el accidente.

Jueves 15 de Marzo de 2014. 

El Jueves nos acercamos al Flamingos Cantina de nuevo. Había un par de buenas bandas que tocaban allí y que por unos motivos u otros deseábamos ver. Los primeros eran Thumpers, el dúo londinense de Sup-Pop que más está dando que hablar de unos meses a esta parte. Indie rock a base de sintetizadores que logra convencer a la audiencia que entre cerveza y cerveza se anima a seguirles el ritmo. Los segundos que queríamos ver era la banda de Avi Buffalo, un tipo que lanzó un gran debut en 2010, pero que después se había dejado apagar durante 4 largos años. Sus melodías siguen igual de dulces pero su particular voz sonaba más aguda que de costumbre, llegando a desafinar en algunos momentos. Lo mejor, es que comentó que un nuevo álbum estaba de camino y hasta se atrevió a tocar algún tema nuevo.

Thumpers

Thumpers

De ahí pusimos marcha al Hype Hotel, un evento patrocinado por la web hypem.com que tenía el aliciente de añadir bebida y comida gratis a sus ya de por sí buenos conciertos. Llegamos justo al final de Painted Palms, una de las bandas más aplaudidas del festival. Pero nuestra intención era ver a Trust, quien pensábamos que era una única persona y resulto ser una banda, con teclados, samplers y batería, y a Future Islands. Los de Baltimore están a punto de presentar su cuarto álbum, detalle que suele causar sorpresa, pero lo cierto es que están a punto de desembarcar en lo más alto. La sola presencia de Samuel T. Herring en un escenario es algo digno de ver. Hacía mucho tiempo que no nos enfrentábamos cara a cara con un vocalista con tal personalidad, entregando el doscientos por cien, sintiendo cada nota y metiéndose la sala entera en el bolsillo con cada movimiento de baile. Tan pronto se pega en el pecho con fuerza o se zambulle entre el público, que baila como el Carlton Banks del siglo XXI mientras pone muecas a lo Jack Nicholson en “El Resplandor”. Todo un espectáculo.

Future Islands

Future Islands

Dejamos el vodka Tito’s a un lado e intentamos acercanos a Rainey Street a ver al bueno de Kurt Vile, nuestro artista del año en 2013. La cola no es muy larga pero los badges entran primero, y eso hace que lleguemos a la última canción del bueno de Vile. Al menos en la cola hemos conocido a Shane Butler, guitarrista de Quilt, una banda de Boston que hace folk-pop psicodélico y que también estaba como loco por ver los acordes imposibles del “hijo de Philadelphia”.

Aún así nos vamos a otra casita-bar a unos metros, y conseguimos ver a Real Estate, una apuesta segura de rock de guitarra en un concierto que se hace corto. Son ya las 2 de la mañana y Austin está cerrando. Existen algunas opciones para volver a nuestra casa de acogida. Coger una bicicleta del servicio de bicis público de la ciudad, robar un taxi, o llamar al tele-taxi de España, que probablemente lleguen antes y te harán más caso que los taxistas efímeros de Austin.

Viernes 15 de Marzo de 2014. 

IMG_1009

Una de las localizaciones más alejadas, pero con los mejores tacos de la ciudad, se encontraba en la zona Este. Concretamente en el garaje de una casa en medio de un típico barrio residencial, donde el sello Portals trajo un puñado de buenos grupos como Empress Of, Clipping, Pure Bathing Waters o unos invitados de última hora que causaron sensación, como son Hundred Waters, cuyo folk electrónico y la voz angelical de Nicole Miglis hicieron rebosar el pequeño garaje.

Hundred Waters

Hundred Waters

Allí conocemos a los creadores de Rabbl como ellos mismos nos explican, “la Kickstarter para conciertos”. Están patrocinando el evento y están muy ilusionados. Además de los cambios de cartel de última hora, han conseguido traer a Hundred Waters,  y eso les proporciona un importante aumento de curiosos por conocer el misterioso antro fuera del jaleo que existe en la 6 y aledaños.

En una pequeña caravana que se encontraba a un paseo de la Café
casa, encontramos una tienda de discos, una pequeña pizzería y un puestecito que rezaba un cartel de “Deliciosos Nachos”, y vaya si lo eran. Seguramente los mejores que probamos en toda nuestra estancia. Por lo visto, este es un barrio más hispánico y tiene algunos sitios no muy conocidos donde hacen estas cosas que solo se publicitan gracias al “boca a oreja”. Cerca de allí también había una de esas maravillosas caravanas de comida, o “food trucks” compuesta por apenas 4 roulottes, pero con una de barbacoa que según nos confirman, ofrecen comida hasta que se quedan sin existencias, así que la hora de cierre la marca el hambre de los clientes y el buen tiempo. Allí de hecho nos tomamos el mejor café que probamos en Austin. Café con pezones por cierto.

También al Este se encontraba The Sailor Jerry House, un
amplio local con jardín, escenario, y caravanas de comida rápida, que ofrecía a su rebaño un delicioso granizado especial de la casa de ron, naranja y cereza amarga que suponía el complemento perfecto para las bandas punk que desfilaban por el escenario. Curiosa también la ruleta rusa de tatuajes que había dentro del bar, en la que si te atrevías a jugar te atrevías a tatuarte en directo lo que te saliera en la ruleta. Que se lo pregunten a las buenas de las Dum Dum Girls.

TATOO BAR

Una de las de las grandes sensaciones del festival han sido sin lugar a dudas los británicos Jungle. Los vimos de nuevo en el Hype Hotel.  Suponemos que el aterrizaje de su álbum debut está siendo detenidamente planeado después de construir una base de fans muy fuerte. Aunque se han movido el último año entre el anonimato y el lanzamiento de videoclips virales, dicen no hacerlo con ninguna doble intención. Lo suyo es una mezcla ganadora de funk, R&B, música electrónica con beats marcados y buenas melodías cuyo éxito es imparable. Se muestran además muy seguros sobre el escenario en todo momento.

También allí veríamos a Tourist, un productor londinense que lanza álbum este mes en el mismo sello que Disclosure, y que ya se le conocía por remezclar el tema que estos hicieron con Sam Smith.

Precisamente después pudimos ver a Sam Smith en la iglesia de St. David’s. Una iglesia donde en las inmediaciones de la capilla podías estar tomándote una fría cerveza a los ojos del Señor, pero que debías abandonar al entrar a la capilla. Aunque fuera a duras penas, verlo en una iglesia era posiblemente el lugar más adecuado para que el inglés hiciera alarde de sus dotes de crooner del soul británico.

Torres

Torres

Después de ver a Sam Smith, en el pequeño Lambert’s de la calle 2 vimos a Torres. Una auténtica gozada que aún te sorprende en 5º día de festival, sigue siendo ver a estos maravillosos artistas en lugares con encanto, diminutos y con 30 personas alrededor. Y la mitad de ellas hablando de sus cosas. Por lo visto lo del silencio en los conciertos es algo que no cambia mucho cambiando de país. Curiosa estampa ver a esta mujer a tus anchas cuando a 100 metros la gente hacia cola por ver a Pitbull tocar en el fashionista iTunes Festival. Pero para gustos colores, oiga. Esta singer-songwriter que sorprendió con un gran álbum homónimo el año pasado, vino acompañada de bajo y batería, y defendió la solidez y fuerza de unos temas viscerales, con una voz que en directo supone una auténtica gozada escuchar.

Y sí, eran otra vez las 2 A.M., así que tocaba caminar hasta el infinito, visto que los taxis que nos paraban no sabían donde se encontraba nuestra casa, ni tenían GPS. Si es que a veces cuanto mejor es peor.

Sábado 16 de Marzo de 2014. 

CheerUpCharlie

El último día del festival las fuerzas empiezan a flaquear. Han sido ya 5 días con 14 horas de música cada uno y los artistas empiezan a sonar a sintonía de sala de espera de dentista. Nos decidimos por entrar en algún local en el que no hubiéramos entrado antes. Algunos locales como el Cheer Up Charlie’s tenían dos escenarios, uno dentro del local y otro fuera, de manera que cuando terminaba una banda tenías automáticamente a otra tocando cerca. Nos acercamos hasta allí y vimos a los americanos Boy & Bear, que tiran de rock clásico, con buenos riffs y una pose en ocasiones parecida a Dave Matthews Band, y a unos jovencísimos Oberhofer, que coqueteaban con el mathrock con tres guitarras eléctricas y mucho reverb. También a unos estupendos How Sad, australianos, que a pesar de lo diminuto del salón donde tocaban, tenían un indie rock contagioso que iba creciendo y que les valió para ser uno de los actos más aplaudidos de la tarde.

Foto 13-03-14 19 40 14

También veríamos algún concierto punk de los que seguían poniendo en el Sailor Jerry House, para terminar en el Empire Control Room & Garage, donde estaban ya tocando Great Good Fine Ok, un dúo dentro del círculo de Passion Pit que realmente solo han lanzado 2 singles. No hay EP, ni hay disco. Del estilo también la sueca Tove Lo, hija de una oleada sueca que por momentos parece no tener fin. Nuevo pop de manual que ni chicha ni limoná.
Pero la noche tenía un nombre y era la de Haerts. Un quinteto de Brooklyn con miembros también de Reino Unido y Alemania, que con un EP han conseguido llamar la atención. Pop sencillo que recuerda un poco a Fleetwood Mac con una voz parecida a Gwen Steffani.

En definitiva, SXSW es un lugar al que se acude como los creyentes acuden a La Meca en acto de fe. Es todo el conjunto de pequeños detalles los que hacen de este festival una experiencia realmente única y diferente. Una fiesta de la música en todo su esplendor, que todo fanático no se debe perder.

IMG_0752

Esto es Austin.

Rockast viaja a la capital mundial de la música.

Rockast viaja a la capital mundial de la música.

South By Southwest (SXSW) es uno de los eventos musicales más grandes del año y del que menos información se proyecta más allá de sus fronteras. Su primera edición se celebró en 1987, aunque congrega ya 3 grandes divisiones para dinamizar el crecimiento que ha supuesto en estos últimos años. Así,  SXSW Film, SXSW Music, y SXSW Interactive, tienen lugar durante 10 días de Marzo en Austin, la capital del estado de Texas. También promueven nuevos eventos como SXSWedu, dedicado a las últimas innovaciones en el campo de la educación, SXSWeco, con el medio ambiente como leitmotive principal, y una edición en Las Vegas llamada SXSW V2V (Vegas To Vegas), cuya conferencia gira en torno al mundo de las startups.

Pero vamos a hablar a grandes rasgos de la idiosincrasia del festival de música. El SXSW es un singular evento en el que además del recinto oficial, el Austin Convention Centre, la ciudad se vuelca con el festival y cada rincón de Austin es un escenario improvisado o no, a disposición de las bandas de todo el mundo que hacen acto de presencia en Texas. El festival de música dura 5 días con sus respectivas noches. Es significativo porque los actos empiezan a las 9 de la mañana y duran hasta bien entrada la tarde, cuando convergen con todas las actuaciones de los locales de la ciudad. Más de 100 en total.

Más de 2000 artistas pasan oficialmente por el festival. Las bandas tienen que costearse prácticamente todos los gastos para llegar allí, especialmente si no cuentan con el apoyo de una discográfica detrás, si bien la organización les da a elegir entre 100 y 250$, o un “Music Badge” (cuyo precio original son 750$) con acceso a todos los actos musicales de la semana. Los artistas tienen un acto oficial dentro del festival, denominado showcase, de unos 40 minutos de duración, no obstante las bandas suelen aprovechar para tocar el resto de su estancia en Austin en fiestas y bares de la ciudad, ofreciendo habitualmente entre 2 y 6 actuaciones más durante la semana del festival. Algunas son semi-secretas, con line-ups e instrucciones anunciadas con pocos días de antelación, y otras pueden terminar en escenarios improvisados en jardines particulares o en las clásicas camionetas pick-ups acondicionadas sobre la marcha en el mejor escenario posible en mitad de cualquier calle.

El festival está enfocado a bandas noveles que quieren ser descubiertas, aunque el escaparate de marcas es tan alto que muchas veces eclipsan a los propios artistas. Ha sido a veces criticada la presencia de bandas contrastadas, a lo que la organización se defiende argumentando que forman parte del crecimiento del festival. Pero lo cierto es que más de uno ve una pérdida importante de encanto e identidad en la aglomeración en que se va transformando año a año.

Amén de las bandas noveles, con muchas de ellas tocando 2 conciertos por día durante toda la semana, hay artistas que aprovechan el festival para promocionar sus álbumes, aprovechándose de la confirmación instantánea que provocan sus nombres. Esto ha sucedido con Vampire Weekend, Yeah Yeah Yeahs o Flaming Lips. Además hay bandas veteranas que aprovechan para rascar nuevos fans e impulsar sus discografías, como es el caso de Blondie este año, o The Zombies el anterior.

Las entradas consisten en “badges” o acreditaciones. Se pueden comprar hasta con un año de antelación, y los precios van de los 400 a los 800$ para los Music Badges, hasta los 1800$ que pueden llegar a costar los Platinum Badges, que dan acceso total a SXSW Music, SXSW Film y SXSW Interactive. Todo ello con su correspondiente entrada garantizada a las conferencias, congresos, panels y ferias, donde se  cita el 75% de la industria musical mundial. Así pues no es un festival al uso como Coachella o Glastonbury. SXSW está ideado en las bandas noveles pero el plato fuerte está en el bolsillo e ideas de la industria discográfica y las empresas que de algún modo se pueden vincular a esta. Cabe destacar que el festival deja en la ciudad más de 200 millones de dólares, y lo convierte en el principal referente  de Austin.

Uno de los platos fuertes como decíamos, son las conferencias. Y la más popular es sin duda la que ofrece el conferenciante estrella, que en estos últimos años ha contado con la presencia de Bruce Springsteen, Dave Grohl o Bob Geldof, Pero para que se hagan una idea de la dimensión que tiene el evento, el honor de ser el conferenciante estrella ha llegado a contar con ilustres como Johnny Cash, Neil Young, Carl Perkins, Nick Lowe, Lou Reed, Robert Plant, Little Richard, Quincy Jones, Steve Earle o Daniel Lanois. Estamos en EEUU y de montar espectáculos de calidad saben unos años.

Toda la parafernalia del South By Southwest es digna de ser analizada en profundidad, con sus pros y sus contras, pero no debemos olvidar que hay muchos artistas que han conseguido sino salir de aquí como artistas consagrados, si dar el impulso definitivo a sus carreras a partir de este festival. Así tenemos a los hermanos Hanson, que fueron fichados en 1994, a John Mayer en el año 2000, a The Polyphonic Spree o James Blunt, o más recientemente actos ya tan familiares como José González, Odd Future, Alabama Shakes, The Lumineers, Alt-J, Japandroids, Haim, Grimes, Icona Pop o Guards sin ir más lejos.

Esto es Austin. Estamos en la denominada capital mundial de la música en directo e incluso las cosas pequeñas se hacen a lo grande. Solo queda disfrutar al máximo y dejarse llevar por el espíritu de la música como cuando abrimos nuestros primeros vinilos.

Saludos desde Austin.

Dave.

Sigue nuestra Especial Playlist: SXSW 2014 Resume // ROCKAST

 

Austin greetings

ROCKAST viaja a Austin en Marzo a la mayor celebración musical del mundo. En breve toda la información del festival y todas sus innumerables nuevas bandas.

De momento, les dejamos nuestra Playlist con los mejores nuevos y no tan nuevos artistas del festival. Más de 15 horas y 200 artistas a tan solo un click:

SXSW 2014 Resume // ROCKAST

Lo mejor de 2013.

KurtVile2

La lista de discos favoritos del año para Rockast no podía faltar. 2013 ha sido un gran año musical, aunque no ha habido ningún álbum que arrastrase a todos sin discusión como ha sucedido en otras ocasiones.En cualquier caso y como todos los años, hoy queremos compartir los 30 álbumes que más nos han gustado en 2013.   Aquí están:

30. ÓLAFUR ARNALDS – For Now I Am Winter


29. CRYSTAL FIGHTERS – Cave Rave


28. JON HOPKINS – Immunity


27. NEKO CASE – The Worse Things Get, The Harder I Fight, The Harder I Fight, The More I Love You


26. GUARDS – In Guards We Trust

25. WASHED OUT – Paracosm


24. JAGWAR MA – Howlin


 

23. UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA – II


22. CHVRCHES – The Bones Of What You Believe


21. JOHN GRANT – Pale Green Ghosts


20. RHYE – Woman


19. PARQUET COURTS – Light Up Cold


18. FOALS – Holy Fire


17. BIFFY CLYRO – Opposites


16. JAMES BLAKE – Overgrown


15. BEACH FOSSILS – Clash The Truth

Fueron los mismos padres de Dustin Payseur quienes le animaron a dejar su North Carolina natal para probar suerte con la música en Brooklyn. Unos años más tarde, y superando la huida de 2 de sus miembros para formar Heavenly Beat y DIIV, presenta un segundo álbum que les asienta definitivamente en la escena junto a bandas como Surfer Blood, Best Coast o Wild Nothing. Dejan a un lado el DIY y cuentan con la ayuda del productor Ben Greenberg de The Men, que ha conseguido que el sonido de la banda tenga más fuerza que su debut. A sus ya conocidos reverbs añaden un batería real que graba en directo junto con el bajista. Su dreamy shoegaze va más allá y deja grandes temas como Careless, Generational Synthetic, o un pequeño intento de himno generacional como es Clash The Truth. 

14. MATTHEW E. WHITE – Big Inner

Una de las sorpresas del año la ha protagonizado este músico, productor, arreglista, y fundador de Spacebomb Records. Matthew E. White, que ya ejercía de líder en una banda de jazz vanguardista llamada Fight The Big Bull, ha lanzado Big Inner como era de suponer, en su propia discográfica. Es un debut que llama la atención por la fusión de sonidos folk, americana, groove, reggae o gospel. El álbum, originalmente de 40 minutos y 7 temas, ha sido expandido recientemente para una nueva edición del mismo que incluye 5 temas nuevos. Tiene momentos de salón como Will You Love Me o One Of These Days, y grandilocuentes como el incombustible Big Love, uno de los temas del año.

13. DAVID BOWIE – The Next Day

Anunciar el álbum sin previo aviso y entregar el primer single el día de su 66 cumpleaños ha sido uno de los momentos musicales del año. La expectación que consiguió seguramente fue mayor que si hubiera anunciado primero una portada, luego un tracklist, luego un teaser, y luego el single. A Bowie posiblemente no le emocionen estas estrategias. Este icono vivo del rock demuestra que no ha perdido la pasión por la música y mucho menos su talento en todo este tiempo. The Next Day tiene temas que podrían encajar con facilidad en décadas pasadas. Los 6 primeros temas solos pueden barrer fácilmente muchos Top 10 de los últimos años. Ahora solo queda los rumores que alimenten nuestras ganas de directo. Aunque nada más lejo de la realidad, según los agentes del artista.

12. LAURA MARLING – Once I Was An Eagle

Once I Was An Eagle es ya el cuarto álbum de Laura Marling.  En esta ocasión se ha mudado a Los Angeles y ha grabado sin su habitual banda el que es uno de ellos grandes discos de folk de 2013. Parece increíble como con solo 23 años puede escribir y cantar de una manera más propia de artistas que podrían ser sus padres. Marling modula la voz con maestría y crea un espacio en el que consigue persuadir fácilmente al oyente.
El resultado son 63 minutos y 16 temas donde podemos destacar I Was An Eagle, Breathe, Master Hunter, Little Love Caster o Where Can I Go. A menudo comparada con Joni Mitchell, el talento de Marling ya hizo sorprender al mismo Ryan Adams, que al escucharla llegó a desechar un álbum completo en el que estaba trabajando. La inglesa vuelve a demostrar que es una de las grandes referencias del folk actual.

11. DAWES – Stories Don’t End

Dawes son una de las mejores bandas de americana la costa oeste. Etiquetados habitualmente junto a notables leyendas como Jackson Browne o los Eagles, el tercer álbum, Stories Don’t End, supone una declaración de intenciones sobre todo para los nuevos amantes de un género que cada vez cuenta con más seguidores. Para este disco han trabajado con Jacquire King, productor también de Tom Waits, consiguiendo, un AOR perfecto, sin dejar lugar a riesgo alguno. Most People, Just My Luck, From a Window Seat o el single que abre el disco, Just Beneath The Surface, fluyen a velocidad de crucero. Gran soft-rock de manual para el nuevo milenio.

10. THE NATIONAL – Trouble Will Find Me

Resulta fácil acusar a Matt Beringer de hacer discos muy similares desde el célebre Boxer. Y no menos fácil ver en Trouble Will Find Me una continuación de High Violet. Pero es Navidad y no vamos a discutir. El talento de la banda es innegable. Amén de un líder carismático que acostumbra a beber vino en grandes cantidades para superar su miedo escénico, The National es más que el barítono del rock. Ahí quedan los proyectos de los hermanos Dessner, que se han ganado una buena reputación como serios productores / arreglistas. Demons, Graceless, Fireproof, o I Should Live In Salt destacan en un álbum de lenta digestión, altamente disfrutable. En este año también vio la luz la película – documental Mistaken For Strangers, grabada durante la gira de 2010 por el hermano pequeño de Matt, Tom Beringer. Muy recomendable.

9. PORTUGAL. THE MAN – Evil Friends

Portugal. The Man han dejado a un lado el eclecticismo de sus trabajos anteriores para encomendarse completamente a un gurú como es Danger Mouse. Evil Friends es ya el octavo álbum de la banda, y con diferencia el que presenta un lavado de cara más radical. Singles (y vídeos) resultones como churros y la mano de Danger Mouse por todo el álbum. Ordena ideas, añade texturas y pule las ideas psicodélicas para conseguir un sonido más serio y potente. Sonido que ya había aventurado en el proyecto de Rome, con las colaboraciones pesadas de Norah Jones y Jack White. Lleva todas las de ganar para convertirse en el sonido standard  al que dirigirán la mirada muchas bandas atrapadas entre ideas que creen buenas, e ideas que ven funcionales. El indie es el nuevo mainstream, ya saben.

8. FOXYGEN – We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace & Magic

Una banda maldita que parece condenada a vivir situaciones cuanto menos dispares. Su segundo álbum les puso en la órbita mundial gracias a una formula que no era nueva, pero que les resulto aplastantemente efectiva. La mezcla de psicodelia y de ganchos ganadores de los 60 y 70 con sus propias ideas, resulta en temas adictivos como pocos. El álbum esta lleno de grandes momentos, desde el guiño al Sgt Pepper de los Beatles en el tema que abre el álbum, In The Darkness, pasando por un bombástico Shuggie, No Destruction, o un enorme San Francisco donde el cantante afirma haber dejado a su amor en San Francisco, mientras una voz le contesta: “that’s ok, I was born in L.A.”  Tan buenos como impredecibles, llegaron a cancelar la gira europea para “preservar la salud creativa de la banda”.

7. ANNA CALVI – One Breath

La inglesa de origen italiano tiene una fuerza que cautiva. Presenta su segundo álbum producido por John Congleton (St. Vincent) y con un miembro más en la banda, encargado de teclados y  bajo eléctrico que supone una gran ayuda en el directo para su fiel instrumentista, Mally Harpaz. One Breath supone un sonido más complejo que en su debut. Lejos de amilanarse, sigue apostando por un sonido propio único, al que añade más orquestación y nuevos giros que ponen los pilares al álbum. Creadora de pausas imposibles, en One Breath desarrolla emociones como nadie.  Te lleva exactamente por donde quiere y te sacude cuando menos lo esperas. Véase el mismo tema One Breath. Por favor, One Breath. El álbum parece estar hecho para ser disfrutado desde la intimidad más absoluta y silenciosa. Un vehículo fastuoso que no necesita chofer.

6. HAIM – Days Are gone.

A pesar de haber mareado la perdiz hasta la extenuación, estas hermanas de California por fin han lanzado su esperado debut en 2013. El hecho de lanzar un EP con 3 temas hace más de un año hizo que el hype empezara a rodar con una fuerza que ni ellas mismas podían creer. Pero lo cierto es que Universal pagó 2 millones de dólares por ellas sabiendo el diamante en bruto que tenían entre manos. A menudo comparadas con Fleetwood Mac, lo cierto es que tienen temas pop realmente enormes, desde el que las dio a conocer, Forever, pasando por Falling, Don’t Save Me, o el más reciente The Wire. La fórmula es la que es, pero seguramente ni los propios Fleetwood Mac lo podrían hacer mejor en la actualidad. Esperemos que el hype no acabe por engullirlas antes de tiempo.

5. ARCADE FIRE – Reflektor

Reflektor, oficiosamente lanzado por Universal, es un disco que como señalábamos en nuestro reportaje especial, está demasiado pintado de marketing, algo que le hace un gran favor a las ventas y un flaco favor a la propia esencia del disco. Esto lleva automáticamente a intentar escuchar el disco alejado del ruido. Alejado del número de disco, alejado de opiniones y alejado de prejuicios. Con todo, Reflektor es puro arte. Los canadienses tienen talento e ideas para poner encima de la mesa. A ello hay que sumar a James Murphy en la producción y la guinda de David Bowie coronando su single estrella. El punto de inflexión de la banda llega también el año en que Win y Régine han estrenado paternidad. Singles como Reflektor, Here Comes The Night Time, We Exist, o Afterlife, conforman el nuevo rumbo de la que posiblemente sea ya la mejor banda del planeta.

4. VAMPIRE WEEKEND – Modern Vampires Of The City

Imprescindibles. La banda de Ezra Koenig es de lo mejor que ha salido de EEUU en los últimos años y no se entiende cómo no se les concede más crédito. El bueno de Ezra crea melodías y ritmos como nadie lo hace ahora mismo, y consigue una colección de temas espectacular. Con beats más propios del hip/hop como en Step, momentos surf rock como en Diane, o el Walcott del disco en la casi navideña Whorship You. Vampire Weekend se han hecho grandes con este álbum, quitándose la etiqueta cursi que muchos les colgaban, y haciendo escuchar de nuevo a los más escépticos.

3. DEERHUNTER – Monomania

“Archivar como garaje nocturno”.  Curioso que antes incluso de abrir el álbum nos aconsejen la mejor opción para guardarlo. La palabra Monomanía significa literalmente “Locura o delirio parcial sobre una sola idea o un solo orden de ideas”. Y ese era el estado en que Bradford Cox decía encontrarse hace tan solo 2 años, después de sacar su último trabajo en solitario como Atlas Sound. Cox es una de las personalidades más influyentes en la música indie norteamericana, pero no oculta sus obsesiones. Este año ha lanzado el sexto álbum ya de Deerhunter, donde han sustituido al bajista y añadido una nueva guitarra. El resultado es un disco efectivamente garajero, lleno de riffs, con un sonido sucio muy cuidado que bien podría ser la banda sonora de una noche en un bar canalla. A destacar los afilados Pensacola o Leather Jacket, el accesible Missing, o el sexy Back To The Middle.

2. LOCAL NATIVES – Hummingbird

Local Natives vuelan solos. La banda que más kilómetros ha hecho en 2013, posee una personalidad tremenda a pesar de ser constantemente comparados con Fleet Foxes o Grizzly Bear. Desarrollan muy bien los temas  y son de esas pocas bandas geniales cuyo directo rompe el álbum a la mitad. El sonido del nuevo álbum parece ordenar todas las ideas que se amontonaban en su debut, aunque en ocasiones se echa en falta la urgencia y la mala leche de Gorilla Manor.  Han contado con Aaron Dessner en la producción, que ha colaborado también en la composición e interpretación, sumando a su hermano Bryce en los arreglos. Imprescindibles You and I, Heavy Feet, Ceilings, Breakers, o Colombia, el tema que el cantante Taylor Rice dedica a su madre Patricia fallecida el pasado verano: Patricia, every night I’ll ask myself, Am I giving enough? Emociones contenidas en una banda con un potencial enorme.

1. KURT VILE – Wakin On A Pretty Daze

Este año su Philadelphia natal ha declarado  el 28 de Agosto como el Día Oficial de Kurt Vile. Pero el artista favorito de J Mascis  (Dinosaur Jr), que llegó a comparar su sonido con el de David Gilmour, es una anti-estrella de rock de 33 años, casado desde hace 10 y con 2 hijas. Este año ha presentado Wakin On A Pretty Daze, un álbum del que ya hablamos largo y tendido por aquí en Agosto. Supone el quinto álbum de un prolífico artista que parece tele-transportado de décadas anteriores. Cuando el concepto de álbum empieza a perder fuerza, Vile ofrece un trabajo ciertamente gratificante de principio a fin. Un disco paciente, espacioso y sin apego a las prisas. Raro por atípico. Con un karma especial que solicita al oyente toda su atención.

Es un disco completamente autobiográfico, más latente en temas redondos como KV Crimes o Shame Chamber, y que carece prácticamente de estribillos. Además de los mencionados, hay temas muy destacables como el que abre el disco, Wakin On A Pretty Daze, Never Run Away, Was All Talk o una hipnotizante Goldtone que pone la guinda al pastel. Música para sus oídos.

“It’s difficult to believe that people believe in music as something more” Interview with Black Rebel Motorcycle Club.

brmc4

What’re you rebelling against, Johnny?
And so Johnny goes: Whaddya got?

We still remember the famous Marlon Brando scene on “The Wild One” 60 years later to put ourselves in context, and recall where Black Rebel Motorcycle Club took their name from.

BRMC still continue to be one of the finest bands to distil R’n’R without additives since the start of the new millennium.

They came along by chance with all The Strokes hype back in the early 2000s, and found themselves in the middle of a dancehall they hadn’t even pretended to assist.  The hype was high but their ideas had another path marked.

They’re presenting their 7th album called Specter at the Feast ([PIAS], 2013), not an easy album as the death of Robert Been’s father, Michael Been, has been a hard loss for the band. Michael, worldwide known as The Call singer and guitarist, was also helping on production and even working with the sound engineering team during their last tour.

We catch Robert Been in the middle of the European leg and chat with him about music, Bowie, new reunions of The Call and how he sees the music business today.

 

How are you Rob? How is the tour going so far?

We’re in Belgium at the Rockwerchter, in the European summer tour. We’ve been touring in America and we’ve just started the European tour.

You’re playing in Spain in few days, after the strong rumours about the FIB Festival cancellation. Do you have any updates we don’t know?

I haven’t heard about that. It’s one of the festivals that we’re most excited to play. So I’m glad it’s still going on.

Let’s get to the new album. I think SPECTER AT THE FEAST it’s an album that somehow captures the essence of the band. It’s your 7th album already, how do you feel about it? is it easier to make albums now or was it better with the first albums?

It’s never easy. For some reason you’re always very sceptic with your life. There’s a lot that goes into the record, and there’s always circumstances around each album that tend to change, and rock and roll has got to fight for survival sometimes. We have some personal loss and we used this album to kind of, look forward, and kind of survive, and the music helped us go through that, so this record is an attachment to that, and I’m very proud of it.

“I’m just afraid of not being authentic with people.”

  1. Do you think about the listeners reactions when you’re composing an album? I mean, for instance, is there any sound that you would like to get closer to but are afraid of your audience reaction?

I’m just afraid of not being authentic with people. Going to the emotions, or having something that sounds like everything should be in place but for some reason the heart of it it’s missing… that’s the only thing that I’m worried about. I’m not worry about the people’s criticism, as knowing that we’re trying to make something that’s honest, the feelings that we’re trying to touch heart, a feeling that other people relate you… I think if you’re being honest with yourself, with the music, the writing, it will shine through if it’s true in you.

You’ve made a fantastic cover of Let The Day Begin in this record, and also you played on The Call reunion 2 months ago. I’ve heard that at the end of the day people tend to come back to their roots somehow. How was the experience for you? Would you like to play more with them?

The shows were really powerful. I wasn’t really sure what I was getting into. It was a lot. I had to learn 20 songs, perform and sing them. There was a lot of work but it was a joy, you know? The guys that I was playing with had been like a second family since I was a little kid. My father would take me out on the road with them. I was 6-7 years old running around backstage with these guys and now I’m onstage playing with them. It’s very surreal. But it’s a lot of fun. Songs are still great. They’re such incredible musicians still these days, that’s the great thing about it. And if we get the chance to play again together I would love to do that. It was a lot of fun.
We’re working on releasing a live DVD of those shows, so hopefully that will kinda get people into The Call again.

“There’s so much music that is not necessary”

  1. I reckon you’re a band that never disappoints during the live shows and one of the few bands that can be proudly tagged as “AUTHENTIC”. Do you sense a lack of authenticity with all the new bands coming out thanks to the internet especially?

I just don’t think there’s anything really needed about that. There’s a lot of music that I don’t think it has very much… it’s not very much needed or necessary. It’s different people trying kind of acting cool… It’s difficult to kind of believe that music still can be used as something more, and people still believe in it as something more.

It doesn’t really have much heart or consciousness; it just feels kind of flat, and usually forgotten. But it’s just me. I could be wrong. But I hope I’m not.  (laughs)

Is there justice in the music nowadays? What do you think you need to success in the music business? Do you believe in luck or do you think that work hard makes all the difference?

I don’t know, sometimes success is the exact opposite of creating music that is raw, real and true. Like it serves some purpose. Success is something in its entirety. But it’s an easy thing to come back. So a lot of people go for that.
We’ve done an all-nightjob trying to find a way through that. I’m not gonna lie, we would love to play bigger arenas and all that stuff and get our music to more people. We know that sometimes to get into that places you got to change what you do, and we don’t want to do that.

brmc6

“Artists in the early days knew how the world looked like without Rock and Roll music”

I’ve read you play Hide & Seek with David Bowie when you were a child, is that true?

(laughs) Yeah, he was friend of my father. My father was working and while they were shooting, as I was a little kid, I was like 10 or so, I was trying to get anybody to play Hide & Seek with me and he was the only one who accepted. (laughs)

Well, he was already an icon by then, his legend has grown and grown with the years. You know, from inside the music business, all this kind of, celebrities’ scene we have now, How do you see it?? Do you reckon that there’s a lot of pose in Rock and Roll nowadays?

I think there are more artists like, you know, in the early days, making music. I think they knew what the world looked like without Rock and Roll music. I think they were aware, of what it was like before there was Elvis, Beatles and Stones, and lot of them were kids who grown up in a time before you know? There was How Much Is That Doggie In The Window? And songs like that, that just didn’t stick anyone. I understand, they point in the consciousness and were the voices of a generation, and I think that a lot of those artists like Bowie, Iggy Pop, Neil Young, a lot of them know what it’s like without that. And that’s the difference between lot of new bands today, that are spoiled, just thinking that this is how the world it is, and how is always going to be there, and is not the case, it can go away, it can stop. It’s like a black and white world. And I think they know what that feels like, and I don’t think anyone else does, so it means more, and they felt more and they’re more aware of it. They blooded more with their whole heart, you know, that’s why you get more of those icons and legends who are really hard to touch. They come from another time.

brmc8

“If you’re making music that’s got something to say, it’s gonna polarized people.”

  1. You’ve been playing for 15 years now without moving to more commercial sounds.  How is your relation with the media? Do you care about the critics or comments?

Well, usually if you’re making some music that’s got something to say, it’s gonna polarized people. Is gonna be loved, is gonna be hated… that if you’re doing it right. But that doesn’t mean that it hurts, or bring you down when people talk shit about it. It’s just part of it though. If we made a really pop friendly record that everyone love… I would be death more nervous if everybody said thanks. That’s a suspicious place to be in.

 

Is there something you would like to do in music that you haven’t done yet? Soundtracks…

Yeah, we’re actually working on a soundtrack right now, and looking into some films, it’s a totally different thing, creating music for a scene created for a picture. That’s something we always wanted to do. We haven’t had the time because we’ve being on the road so much. We’re gonna start looking into that, and doing more things like that now. It’s something really inspiring and that we’ve never done before.

 

If you had the chance to play your music anywhere or anywhere in the world or in history, what would be that place or moment?

The only thing I regret is the day that I won’t be able to play,or to make a record because it’s needed you know? Like somewhere in the future, we could be too old, or we all split up or whatever the problem is, cos the feeling you get, I’m sure all bands get that, even after they split up, you get this feeling that something really good needs to be put out. And not being able to be there for that day, that’s the feeling I’m worried about. I’m not worry about going backwards, there’s no need to fantasize but being in a band on the 60’s, right there, would be just fine.

Some bands put themselves an expire date, you know they go ok, we’ll make 5 albums and then we will make other projects. How do you see it? Have you ever thought about that?

You can’t ever really know what’s coming next. You can’t ever say without a doubt that there’s not gonna be a feeling, an intuition or a song next year that you may want to try. You’ll never be able to know that.

The only bands that I think that say we’re gonna be quitting after this next album or wants to kind of knowing themselves, they’re not comfortable playing anymore, in that way, with those people maybe, and you can feel that sense coming I think, which is not right anymore. And it’s a hard day. I can see that. I don’t think that anybody does it intentionally though.

We borrow the logo of the guitar in the cover of Baby 81 for our site. Do you mind if we use it or should we find a new one?

(laughs) No man, I don’t mind, I’m good with that. Go for it.

Thanks! I really appreciate it. And last question: Are you happy?

I’m scared of that word! (laughs) I know many people that are obsessed with happiness over all else, and sometimes they think all else is a little bit more interesting. There are so many roads besides that one, I’m not done exploring them all. (laughs)

David Bernardo @rockasting

 

“Es difícil que la gente crea en la música como algo más” Entrevista con Black Rebel Motorycle Club

brmc4

What’re you rebelling against, Johnny? 

Y Johnny contesta impasible: Whaddya got?

60 años más tarde aún recordamos la famosa escena de Don Marlon Brando en la mítica película “The Wild One”, para ponernos en situación y recordar de donde surgió el nombre de una de las bandas que mejor destila el rock sin aditivos de lo que llevamos de milenio.

Black Rebel Motorcycle Club es uno de esos grupos a los que el azar artístico y mediático quiso colocar en paralelo al fenómeno Strokes a principios de milenio, cuando sin comerlo ni beberlo se encuentran en medio del salón del baile al que no pretendían siquiera asistir. La ola fue vistosa mientras duró, pero su ideario tenía otro camino marcado del que no se han desviado a pesar de todo y de tantos durante todos estos años.

La banda liderada por Robert Been, hijo del estimado Michael Been de los no menos míticos The Call, están de presentación de Specter At The Feast ([PIAS] 2013), su séptimo álbum de estudio, donde se hacen querer marcando cuidadosamente los tiempos pero sin perder su clásica compostura. Un álbum complicado tras la muerte de Michael Been, quien además de ser el mentor de la banda, les ayudaba con la producción e incluso hacía las veces de técnico de sonido en su última gira.

Charlamos con Rob de música y sus paradigmas en mitad de la gira europea de la banda.

             ¿Qué tal Rob, cómo estáis? ¿Dónde os encontráis?

Estamos en Bélgica en el Rockwerchter, dentro de la gira europea de verano. Hemos estado girando por América y acabamos de empezar por Europa.

            Tocáis en España en unos días, después de los fuertes rumores de la cancelación del FIB. ¿Os han llegado?

No he oído nada de eso. Es uno de los festivales en los que más ganas tenemos de tocar así que me alegra que siga adelante.

            Vamos al nuevo álbum. Creo que Specter At The Feast es un álbum que de alguna manera captura vuestra esencia como banda. Es ya vuestro 7º disco. ¿Cómo os sentís? ¿Es más fácil hacer discos ahora o era mejor con los primeros discos?

Nunca es fácil. Por alguna razón siempre eres muy escéptico con tu vida. Hay mucho que va al disco, y siempre hay circunstancias alrededor de cada álbum que tienden a cambiar, y el R’n’R a veces tiene que luchar para sobrevivir. Hemos sufrido algunas pérdidas y este álbum nos ha servido un poco para mirar adelante y sobrevivir, y la música nos ayudó a sobreponernos. Este disco va unido a eso, y estoy muy orgulloso de ello.

“Solo tengo miedo de no ser auténtico con la gente.”

¿Piensas en las reacciones de los oyentes cuando estás componiendo? Por ejemplo, ¿hay algún sonido al que te gustaría acercarte pero tienes miedo de la reacción de la gente?

Solo tengo miedo de no ser auténtico con la gente. Llegar a las emociones es lo único que me preocupa, o tener algo que suena como que todo está en su sitio pero que por alguna razón en el fondo se pierde… eso es lo único por lo que estoy preocupado. No me preocupa las críticas de la gente mientras sepa que estamos intentando hacer algo que es honesto: los sentimientos con los que intentamos llegar al corazón, el sentimiento en el que otra gente se ve reflejado… Creo que si eres honesto contigo mismo, con la música y con la composición, al final es algo que termina brillando si viene de dentro de ti.

Habéis hecho una versión fantástica del Let The Day Begin the The Call, la banda de tu padre. También tocaste con ellos en su reagrupamiento hace un par de meses. Dicen que al final uno siempre vuelve a las raíces, ¿Cómo fue la experiencia para ti? ¿Te gustaría tocar más con ellos?

Los conciertos fueron muy impactantes. No sabía realmente donde me estaba metiendo. Era demasiado. Tuve que aprender 20 temas, actuar y cantar. Hubo mucho trabajo pero fue un placer ¿sabes?, los chicos con los que estaba tocando han sido mi segunda familia desde que era un crío. Mi padre me solía llevar de gira con ellos. Tenía 6 o 7 años y corría por el backstage con estos tíos y ahora estoy tocando con ellos. Es surrealista. Pero fue muy divertido. Las canciones siguen siendo buenas. Y ellos siguen siendo unos músicos increíbles aún hoy, eso es lo mejor de todo. Si tenemos la oportunidad de tocar de nuevo juntos me encantaría.  Fue muy divertido.

Estamos trabajando en el lanzamiento de un DVD en directo con esos conciertos, así que con suerte eso podría hacer que la gente vuelva a The Call de nuevo.

“Hay mucha música que no es necesaria”

Reconozco que sois una banda que nunca defrauda en directo, y una de las pocas bandas que pueden ser etiquetadas con orgullo de Auténtica. ¿Notáis precisamente una falta de autenticidad con todas las nuevas bandas que surgen a través de Internet especialmente?

Hay mucha música que no se necesita, o no es necesaria. Hay gente diferente tratando de actuar guay. Es difícil creer que la música todavía puede utilizarse como algo más, y que la gente crea en ella como algo más que lo habitual. Realmente no tiene mucho de corazón, o de conciencia; suena como sosa y normalmente es olvidada. Pero es mi opinión. Podría estar equivocado. Aunque espero que no. (risas)

¿Existe justicia en la música de hoy? ¿Qué crees que se necesita para tener éxito en el negocio de la música? ¿Crees en la suerte o es el trabajo duro el que marca la diferencia?

No lo sé. A veces el éxito es justo lo contrario a crear música que sea real, cruda y verdadera. Es como si no sirviera para nada. El éxito es algo en su totalidad. Pero es algo fácil a donde ir así que mucha gente es lo que busca.

Nosotros hemos trabajado día y noche tratando de encontrar un camino a través del éxito. No te voy a mentir, nos encantaría tocar en pabellones más grandes y todo eso, y conseguir que nuestra música llegara a más gente. Sabemos que a veces para llegar a esos lugares tienes que cambiar lo que haces, y nosotros no queremos hacer eso.

brmc6

“La diferencia es que antes los artistas eran conscientes de cómo era el mundo antes de la llegada del Rock ‘N’ Roll”

He leído que jugaste al escondite con David Bowie cuando eras niño, ¿qué hay de cierto en esa historia?

¡Sí! (risas) Él era amigo de mi padre. Yo tenía 10 años más o menos y mi padre entonces estaba rodando con él y mientras lo hacían, yo estaba intentando conseguir a alguien para que jugara conmigo al escondite y bueno, Bowie fue el único que aceptó… (risas)

Bueno, ya era un icono por aquél entonces, y su leyenda ha ido aumentando con los años. ¿Cómo se ve toda esta pose que existe ahora desde dentro del mundo de la música?

Ceo que hay más artistas ahora haciendo música que en los primeros días. Creo que ellos sabían cómo era el mundo antes de la llegada del Rock and Roll. Eran conscientes de cómo era antes de Elvis, Beatles o los Stones, y muchos de ellos eran niños que crecieron en una época anterior ¿sabes? Estaba How Much Is That Doggie In The Window? y canciones como estas que no molestaban a nadie. Entiendo que ellos apuntaban a la consciencia y eran las voces de una generación, y pienso que muchos de esos artistas como Bowie, Iggy Pop, o Neil Young, saben cómo sería la música sin eso. Y esa es la diferencia entre muchas de las nuevas bandas de hoy, que están mimadas pensando que así es como funciona el mundo y que siempre va a estar ahí, y no es el caso. Se puede ir. Puede detenerse. Es como un mundo en blanco y negro. Creo que ellos (músicos veteranos) saben cómo funciona y no creo que nadie más lo sepa. Para ellos significa más y sienten más, y son más conscientes de ello. Ellos sangraron más,  con todo su corazón, ¿sabes? esa es la razón por la que consigues más de estos iconos y leyendas que son realmente difíciles de tocar, y tan poco accesibles. Ellos vienen de otro tiempo.

“Si haces música que tiene algo que decir, va a polarizar a la gente”

Habéis estado tocando durante 15 años sin moveros nunca hacia sonidos más comerciales. ¿Cómo es vuestra relación con los medios? ¿Os importan las críticas o comentarios?

Bueno, normalmente si haces música que tiene algo que decir, va a polarizar a la gente. Va a ser amada, a ser odiada… eso si lo estás haciendo bien. Pero eso no quiere decir que duela, o que te vaya a hundir cuando la gente habla mierda de tu música. Es parte de ello. Si hiciéramos un disco poppie que todo el mundo adorase… Estaría más nervioso si todo el mundo dijera gracias! (risas) Es un lugar sospechoso en el que estar.

¿Hay algo que os gustaría hacer en la música que no habéis hecho todavía? Como bandas sonoras por ejemplo.

Sí, de hecho estamos trabajando en una banda sonora ahora mismo, y mirando para algunas películas. Es una cosa totalmente diferente crear música para una escena creada para una película. Eso es algo que siempre hemos querido hacer. Nunca hemos tenido tiempo porque hemos estado mucho tiempo en la carretera. Vamos a empezar a hacer esas cosas, y buscar más de ese estilo ahora. Es algo que realmente nos inspira y que nunca habíamos hecho antes.

brmc12

“Hay muchos caminos aparte de la felicidad, y no he terminado de explorarlos todos.”

Si tuvieras la oportunidad de tocar vuestra música en cualquier lugar o época en la historia, ¿Cuál sería ese sitio o momento?

Lo único que lamento es el día que no sea capaz de tocar. Es como si en un futuro pudiéramos ser demasiado viejos, o nos hayamos separado o cualquier problema, porque el sentimiento que tienes, que estoy seguro que todas las bandas lo tienen incluso después de separarse, es de que algo bueno tiene que salir de ahí. Y lo que me preocupa es no ser capaz de estar ahí para ese día. No me preocupa el ir hacia atrás. No hace falta fantasear, pero estar en una banda en los 60, justo ahí, eso estaría bien.

Algunas bandas se ponen una fecha de caducidad, o de número de álbumes para dejarlo. ¿Cómo lo ves?

Nunca puedes saber qué es lo que va a suceder después. Nunca puedes estar seguro de que no vaya a aparecer un sentimiento, una intuición o una canción el año siguiente que puedas querer probar. Nunca podrás saberlo.

Las únicas bandas que creo que dicen que lo van a dejar después del siguiente álbum o que quieren conocerse a sí mismos, son las que ya no se encuentran a gusto tocando en esas circunstancias, con esa gente a lo mejor, y ese sentimiento es algo que ves venir, yo creo, cuando ya no funciona más. Y es un día duro. Lo puedo ver. Aunque no creo que nadie lo haga intencionadamente.

Robert, cogimos prestado vuestro logo en una de las portadas de Baby 81 para nuestra página. ¿Os importa si lo seguimos utilizando o debemos de buscarnos uno nuevo?

(risas) ¡No tío, no me importa! Por mi está bien. ¡Adelante con ello!

Gracias, os lo agradezco. Y la última pregunta. ¿Eres feliz?

¡Me asusta esa palabra! (risas) Conozco mucha gente que está obsesionada con la felicidad sobre todo lo demás, y a veces piensan que todo lo demás es un poco más interesante. Hay muchos caminos aparte de ese, y no he terminado de explorarlos todos. (risas)

DB

La sangre hirviendo de los hermanos Radke.

Radkey

“Somos 3 hermanos en una cruzada para salvar el Rock and Roll”.  Con dos huevos. Y lo mejor es que su convicción es lo que les hace únicos. Es cuestión de segundos. Radkey lo forman Dee, Isaiah y Solomon Radke, 3 hermanos de Missouri por cuyas venas corre más furia que sangre. Este trío de adolescentes entre los 15 y los 19 años tienen una energía y un talento al borde del insulto.

Lo suyo puede ser envuelto en varias mantas, véase punk, hardcore o grunge. Pero la voz de Dee Radke hace que su etiqueta vaya más allá. Con apenas 2 EP’s lanzados, Hold Tight en Abril y Cat & Mouse la semana pasada, se han propuesto comerse incluso los pronósticos de sensación del año.

Solamente han girado 2 años por EEUU, en todas las oportunidades que se les han presentado y montados siempre en la furgoneta de su padre. Pero tocar en el SXSW de Austin parece haber marcado un punto de inflexión, ya que este mes han cruzado el charco para tocar algún bolo en UK y la bola empieza tomar forma.

Su rock mira a la cara a Ramones, Thin Lizzy, Stooges, o primeros Strokes / Green Day. Incluso tiene detalles del mejor rock español de los 90, ahí es nada. Aunque también mira indirectamente a los agoreros que siguen empecinados creyendo en la muerte del rock. El rock sólo se transforma, nunca muere. Decir como se dice que hacen afro punk o música por encima de sus posibilidades suena cuanto menos gratuito e incompatible con los tiempos que corren.
Que sin llegar a los 20 años hagan esto es encomiable y digno de elogiar. El sombrero no se puede llevar siempre puesto y menos con la música clonada que toca a menudo sufrir. La naturalidad y honestidad de los hermanos Radke y su rock incendiario se hará seguro un hueco en los lanzamientos más excitantes del año.

Pueden encontrar su EP más reciente aquí.

Salud.

DB

13 BANDAS EMERGENTES PARA 2013

peace_billboard

 

 Porque no sólo de Palma Violets, Haim o Savages vive el hombre, en el infinito mundo de la música actual, es más posible que nunca encontrar bandas excitantes en cada rincón del planeta.

Hoy traemos 13 bandas indispensables que están tomando forma en este 2013 y que empiezan a hacerse notar a medida que avanza su onda expansiva. Algunas sin álbum siquiera publicado, la mayoría lanzando su primer EP o LP, todas tienen puestas sus ilusiones en este año y por ello se marcarán importantes giras para demostrarlo. Para prueba un botón,  los must de 2012.

Estos son 13 de los artistas que más nos han llamado la atención en lo que va de año:

1. PAPA

Dejar una banda como Girls es sin duda una decisión cuanto menos arriesgada. No fue lo que pensó Darren Weis, cuando sin pensárselo dos veces dejó la banda del bueno de Christopher Owens para lanzar su propio proyecto. El ex-batería de Girls hizo caso omiso a sus allegados y formó Papa, originaria de LA que sigue teniendo en su haber detalles que atesoraban los mejores Girls, con grandes melodías y temas sencillos. Sencillos pero también trepidantes, algunos rozando lo comercial, lo que para el momento en el que estamos, podría considerarse enteramente comercial. En 2011 lanzaron su EP debut, con buenos temas como I Am The Lion King o Ain’t It So. Su mezcla de americana con el rock de Springsteen y cierta dosis de importante locura les abre los oídos de los oyentes de par en par. Su último sencillo se llama Put Me To Work y nos lo presentan a ritmo de esqueletos bailongos.

2. RHYE

Este dúo de LA envuelto en la moda del misterio, lanzaron en San Valentín un gran single presentación como fue Open dentro de una estrategia hábilmente marcada, que les llevó al lanzamiento de The Fall, otro enorme single, y a su consiguiente EP debut. Formado por el productor canadiense Milosh y el danés Robin Hannibal, este año han publicado Woman, que es su álbum presentación. Una apuesta elegante y altamente adictiva como pocas encontraremos este año. Hablamos de ellos en Febrero

.

3. POPSTRANGERS

Popstrangers son un trío de Nueva Zelanda ideal para quienes no llegaron al apogeo de Nirvana o My Bloody Valentine. Después de mostrar algunos singles han tenido la oportunidad de lanzar su largo con Flyin Nun Records, una independiente neozelandesa basada en la filosofía del DIY y con más de 30 años de recorrido, que ha dejado a los chicos de Auckland grabar a sus anchas. Su debut se llama Antipodes  y contiene buenas dosis de un noise pop retorcido, más habitual últimamente en América, guitarras distorsionadas y uso de reverb y ecos en las voces. Sin duda un gran debut que probablemente traspase fronteras.

4. BLACK LIGHT DINNER PARTY

Black Light Dinner Party es un emotivo proyecto de 4 amigos, tres de NY y uno de Boston, que a raíz del cáncer diagnosticado a la madre del cantante, decidieron dejar su música experimental a un lado y hacer algo más accesible para ella. Desafortunadamente falleció con el lanzamiento de su primer single, Older Together, pero se encontraron con reacciones tan positivas que decidieron continuar.
Al contrario que Rhye o Lana del Rey, la falta de información no responde a una estrategia, sino más bien a la ausencia de esta, debido principalmente a la alta demanda que ha tenido su música y al hecho de haberles cogido con el paso cambiado. Ellos mismos aceptan su estilo como electrónico aunque se consideran una banda de rock. Solamente han publicado un EP el año pasado, si bien su debut, Sons And Lovers, programado para Mayo, es inminente. Han teloneado a Icona Pop y próximamente visitarán Europa después de una mini gira por las costas americanas. Se atreven con una versión del Your Drums, Your Love de AlunaGeorge, (otro de los grandes nombres del año), y en su web puedes incluso entretenerte con un videojuego.

5. TOM ODELL

Tom Odell es un pianista y compositor inglés, en el que Columbia puso sus ojos y billetes apenas supieron de su existencia a través de su EP.  Su debut, Long Way Down se retrasó hasta Junio para no coincidir con Bowie, Depeche Mode, Timberlake y Strokes entre otros. Con sólo 22 años, Tom Odell ha llegado a ganar un Brit a la mejor promesa sin tener álbum publicado. Ahí vemos la velocidad que empieza a tomar todo en el mundo de la música. Pero razón no les faltaba. A pesar de contar con una famosa madrina como es Lilly Allen, su EP Songs From Another Love es sensacional. A finales de Junio podremos comprobar la intensidad y la fuerza de sus temas con el nuevo álbum, con Hold Me como primer single y tema estrella.  Todo apunta al nacimiento de una sensación británica.

.

6. LOCAL NATIVES

La banda de Silver Lake (L.A.) que lanzó su debut en 2009 consiguiendo un discreto reconocimiento, ha logrado por fin este año hacerse un hueco con su segundo álbum, Hummingbird (Infectious / Frenchkiss Records). Cuentan con un gran productor como es Aaron Dessner de The National, que se limita a sacar lo mejor de la banda sin muchos experimentos. Muestran influencias de algunas de las bandas más destacadas de los últimos 15 años como Broken Social Scene o Grizzly Bear.

.

7. SPLASHH

Con un nombre casi tan sonoro como visual, esta formación utiliza una cuidada fórmula shoegazer a través de guitarras directas, ritmos casi hipnóticos y rock psicodélico.  Establecidos en Londres, sus miembros proceden de Nueva Zelanda, Australia y Reino Unido, y han participado anteriormente en Colours o Brain Slaves.
Después de lanzar los singles de Need It y Vacation el año pasado, con los que consiguieron girar la cabeza de numerosos blogs y páginas especializadas, acaban de lanzar su álbum debut, llamado Comfort, un LP que también contiene notables temas como Headspins o All I Wanna Do.

8. MAC DEMARCO

Mac Demarco es un multi instrumentista canadiense que a finales de 2012 lanzaba su segundo álbum, denominado sencillamente 2 (Captured Tracks), donde apuesta por un rock sesgado y de aspecto perezoso que cuenta con riffs precisos que empezaremos a oir sampleados pronto.  Su estilo mezcla psicodelia con el jangle pop de los 60. El resultado es un álbum que bien podría ser la banda sonora de cualquier ola de calor veraniega o del típico verano indio americano. Su personalidad y la puesta en escena con banda completa se hace querer.

9. GUARDS

Hablamos de los de Brooklyn hace unos meses, una banda cuya voz cantante la lleva el hermano de Madeline Follin de Cults. In Guards We Trust [PIAS 2013], es un debut prometedor cargado hasta los dientes de himnos a través de temas fáciles y resolutivos. Uno de esos álbumes para escuchar de principio a fin del tirón y anotar temas favoritos distintos en cada escucha. Los guitarrazos y la escuela power pop dejan gran sabor de boca en un álbum que quizá cojea en su duración. Veremos cuánto da de sí el sonido Brooklyn, pero de momento parece más fuerte que nunca.

 

10. PARQUET COURTS

Estos tipos de Texas afincados en Brooklyn  no son muy amigos de adaptarse al entorno cool del barrio neoyorquino y prefieren llevarse sus propios hábitos. En 2011 lanzaron su debut exclusivamente en una edición limitada de cassette, (American Specialties), para un año más tarde lanzar su primer LP  a gran escala, llamado Light Up Gold en Dull Tools, que sería relanzado este 2013 globalmente por el sello de Brooklyn What’s Yr Rupture. Su naturaleza extrovertida mezclada con un punk sin experimentos ha calado en su nuevo barrio y les ha valido para expandirse rápidamente por todo el area metropolitana de NY. El trepidante Stoned and Starving es su carta de presentación.

11. CHEATAHS

Porque no todos los efectos de la globalización tienen que ser negativos. Esta formación del East London es una de las más excitantes del año. Cuenta con un cantante inglés, un bajista americano, un guitarrista  canadiense, y un batería alemán. Wichita Records se apresuró a ficharlos apenas tuvieron oportunidad de escucharlos y les brindaron el lanzamiento mundial de un EP llamado Sans EP. Su bonita gráfica de procedencia es directamente proporcional a los estilos de los que hacen gala. Guitarrazos épicos ganadores se funden en un sello personal que mezcla shoegazer noventero, grunge y rock psicodélico. Beben de Dinosaur Jr, Teenage Fanclub o Lemonheads y vienen para quedarse.

12. PEACE

La escena de Birmingham siempre ha contado con grandes bandas, y parece que siguen con buen nivel. La banda favorita de sus paisanos Ocean Colour Scene, han lanzado un debut provocador que hace las delicias de la prensa británica. In Love, tira de Stone Roses, Happy Mondays, Blur o Vampire Weekend, pero el resultado del cocktail resulta gratamente positivo. Con todo se convierte rápidamente en uno de los grandes debuts de la temporada. Temas como Wraith, Follow Baby o un Lovesick embadurnado de azúcar, harán realidad uno de los discos más radiados del año. Pronto habrá una sorpresa de ellos en ROCKAST.

13. NIGHT BEDS

Night Beds es el proyecto de Winston Yellen, un cantautor de Colorado ubicado en Nashville, que había publicado ya 3 EP’s, Night Beds, Every Fire; Every Joy y Hide From It, y que lanza este año primer largo denominado Country Sleep. Este debut posiblemente le agradará si es seguidor del binomio Bon Iver / Fleet Foxes. Y además cuenta con su propia historia. Para escribir el álbum, Yellen alquiló hace 2 años una casa a las afueras de Nashville que anteriormente había pertenecido al mismísimo Johnny Cash y June Carter, y en la que se encerró durante 10 meses escribiendo canciones que luego grabaría en un estudio local. De ahí salieron estos temas, que van desde la americana clásica, al nuevo folk. Las letras tienden al pesimismo – el disco empieza con un I know you get lost sometimes man acapella- pero hay espacio para temas que se salen de esa tangente como Ramona. Incluso en los videoclips se esfuerzan por momentos en contrarrestar tanta desesperanza, como en el magnífico Even If We Try. Country Sleep está editado por Dan Oceans (The Tallest Man On Earth, Phosphorescent).

David B.

 

Lo mejor de 2012.

Alt-J1

Suponiendo que la objetividad suele empezar donde termina la espalda en este tipo de listas, desde aquí vamos a aportar los discos que hemos considerado más importantes del 2012. Para nosotros prima la originalidad, creatividad, el aporte de los artistas y la influencia que pueden tener.

Lo hemos visto otros años y sigue sucediendo. Es curioso comprobar como importantes medios siguen empecinados en sacar su lista con una antelación cada vez más ridícula, expulsando Diciembre del calendario y produciendo situaciones cómicas, como dejar fuera de sus Best Of 2011 el que fuera uno de los álbumes del año, El Camino de Black Keys, lanzado a principios de Diciembre.

Pero aunque 2012 no haya sido un mal año musicalmente hablando, siempre echamos de menos que se multipliquen las grandes referencias musicales, esas que juegan en otras ligas, y eso es algo que parece que tiende a desaparecer. No obstante, el 2012 nos prometía grandes cosas y ha cumplido con creces lo esperado:

mural12

30. POP LEVI – Medicine (Ninja Tune)

Jonathan Levi, mas (o quizás menos) conocido como el ex bajista de Ladytron, sigue su camino en solitario con la publicación de su cuarto álbum en solitario, afianzando este proyecto al resto (Ladytron, Super Numeri, etc…). Este compendio glam electrónico ha sido grabado según Levi por “una diferente versión de mí, en otra dimensión”. Un lugar indudablemente original para grabar un disco. Aún con todo, nos deja un álbum que aunque algo extenso, recuerda los buenos tiempos e intentos de Eagles Of Death Metal por sacudir éste género, aunque Levi no deseche los medios tecnológicos que le ofrece la actualidad. Contiene llenapistas y buenrollismo a raudales. Un imprescindible de sábado noche.

29. MAPS & ATLASES – Beware and be grateful (Barsuk Records)

Estos minuciosos músicos de Chicago lanzaron en 2012 su 2º álbum, después de un sinfín de EP’s y lugares recorridos para hacer sonar su música. Demasiado meticulosos para algunos, están en constante búsqueda de sonidos. Como ya vimos aquí, no les importa sobreponer ritmos o hacer tapping, aunque en éste disco hayan dejado la experimentación más aparcada que en sus anteriores lanzamientos. Beware And Be Grateful es un álbum vistoso que consigue enganchar de primeras. Hablamos de ellos en Abril.

28. THE WALKMEN – Heaven (Fat Possum Records / Bella Union)

Los siempre correctos neoyorquinos cumplen 10 años desde su debut, y lo hacen lanzando el que es ya su séptimo largo. De perfil bajo, no cuentan con presiones añadidas, y son más que nunca conocedores de que nunca contarán con el apoyo unánime de la crítica especializada. Así Heaven, que cuenta con la colaboración de Robin Pecknold de Fleet Foxes en el primer tema, es un álbum donde la banda se encuentra en ese punto en que no sienten la necesidad de demostrar nada, a pesar de que muchos echan de menos un gran trabajo que les coloque en el mismo mapa que otras americanas más consagradas. Con todo, y sin esa presión, componen los mejores temas de su carrera como podemos ver en Line By Line o The Witch.

27. FATHER JOHN MISTY – Fear Fun (Sub Pop)

“Para que aparezca una nueva vida, algo tiene que morir”. Menos conocido como Josh Tillman, el hasta hace un año batería de los laureados Fleet Foxes dejaba la banda al no sentirse completamente feliz con ellos. Así retomaba en 2012 sus proyectos personales con un notable éxito. Su 8º disco de estudio ha sido parido a través de viajes sin destino por la costa este de los EEUU en una furgoneta donde no faltaban setas alucinógenas que le ayudasen a encontrarse a sí mismo. El resultado es un trabajo exquisito de folk que no ha pasado desapercibido.

26. TWO GALLANTS – The Bloom And The Light (PIAS)

Estos 2 tipos de San Francisco llevan tocando juntos desde que tenían 5 años. The Bloom And The Light y su sonido marca de la casa les ha valido la aceptación de crítica y público si bien no se encuentran comercialmente hablando al nivel de otros grandes dúos con los que se les compara como White Stripes o Black Keys. Su propuesta de rock garajero afilado con intención psicodélica, triunfa allá donde va si bien a ellos las cifras no es algo que parezca importarles. Les entrevistamos en su visita a España.

25. PATTERSON HOOD – Heat Lightning Rumbles In The Distance (PIAS)

Padre de una de las mejores bandas de alt-country que se puede uno llevar a los oídos, el hijo del mítico David Hood deja a un lado a sus Drive-By Truckers para presentarnos su tercer disco en solitario. Éste disco confirma la plenitud compositiva en la que parece encontrarse Patterson, quien está deseando lanzar nuevo disco con Drive-By Truckers en 2013. Un placer entrevistarlo hace un par de meses.

24. JOHN TALABOT – ƒIN (Permanent Vacation)

El DJ y productor barcelonés lanza su primer LP de la mano de Permanent Vacation después de publicar multitud de singles y remixes para terceros.ƒIN es un trabajo que le ha supuesto los elogios de la crítica especializada y que le ha valido para que le coloquen rápidamente en la estela de gurús electrónicos como Four Tet, Burial o Caribou. Con éste album consigue introducir la electrónica en un confortable salón familiar. Cuenta con buenas colaboraciones como Pional en el primer single o Ekhi.

23. THE MACCABEES – Given To The Wild (Fiction Records)

Los londinenses del sur del Thamesis llevan desde 2004 que lanzaron su debut buscando ese pedazo de ratio mainstream que parece reservado de unos años a esta parte a bandas con más éxitos extra musicales que musicales propiamente dichos. Su lucha ha sido constante, pero después de un 2º álbum que no convenció, lanzan un 3º que ha sido carne de cañón de Mercury Prize y que por fin parece haber puesto a todo el mundo de acuerdo. La propia madre de uno de los miembros recomendaba su debut en una tienda de discos del Kensington High St. de Londres que ya no existe. Su nominación a los Mercury les hace justicia.

22. WILD NOTHING – Nocturne (Captured Traces / Bella Union)

Jack Tatum hace un álbum continuista de su gran debut de 2010, el celebrado Gemini, y lo hace destilando su dream pop de manera más práctica, aunque sin grandes temas que resalten sobre los demás como ocurría en Gemini. Sin embargo, Paradise, Nocturne, Shadow o Counting Days bien podrían ser las patas que sostienen el álbum.

21. THE VACCINES – Come Of Age (Columbia)

Veni, vidi, vici. La máxima de Julio César la llevan los londinenses a cada escenario que pisan, pero también la aplican a su segundo álbum. Come Of Age no es un desfile de hits tan radical como lo fue su debut, pero sigue la misma línea de pegada y deja joyas como Teenage Icon o No Hope. Los Vaccines no van a cambiar la forma de ver el rock ni van a arreglar nada que esté por arreglar, pero han demostrado que hacen grandes singles como churros y sin ninguna pretensión. Rock directo, efectivo, y sin complicaciones.

20. RICHARD HAWLEY – Standing At The Sky’s Edge (EMI)

El de Sheffield es uno de esos músicos en peligro de extinción. Se volvió a hacer justicia con su nominación a los Mercury otra vez éste año, pero sin ser el claro favorito, volvió a perder como aquella vez que le arrebataron el premio unos inconmensurables Arctic Monkeys. En cualquier caso, Hawley ha vuelto para publicar Standing At The Sky’s Edge, un ábum que hace gala del desencanto que percibe su autor y que tira de épica y pop elegante e inteligente.

19. PASSION PIT – Gossamer (Columbia)

La banda de Michael Angelakos encandila al público de los EEUU pero no logra hacerse un hueco en Reino Unido. Después de un EP rompedor como fue Chunk Of Change y de un debut que les abriría un hueco aún poco explotado, Gossamer pone de manifiesto una habilidad especial para abrir un abanico de posibilidades musicales que no muchas bandas poseen. Sus temas están radicalmente abiertos a ser mezclados, remezclados y dados la vuelta, para obtener un sinfín de interpretaciones, desde el RnB más comercial al cierrapistas más multitudinario.

18. GRIMES – Visions (4AD)

La ola que se levanta en Canadá empieza a ser demasiado grande para ser obviada. Claire Boucher presentaba su tercer álbum y primero con 4AD, denominado Visions. La mezcla de sintetizadores con su voz aniñada y oscurantismo le ha valido la etiqueta de goth-electro entre otros. Lo cierto es que después de ser expulsada de la universidad y de recorrerse el Mississippi con lo puesto en un pequeña embarcación, Claire logró plasmar sus ideas en un álbum que le ha supuesto el reconocimiento internacional. Hablamos de ella en nuestra lista de artistas a seguir de 2012.

17. CAT POWER – Sun (Matador)

La imprevisible solista norteamericana da una acertada vuelta de tuerca a su estilo y juega con la electrónica en su 9º álbum. Se puede decir que la vida de Charlyn Marie Marshall no ha sido fácil. Después de cambiar 10 veces de colegio, estar en bancarrota, intentar suicidarse, ser desahuciada, utilizar su fondo de pensiones para financiarse las grabaciones, separarse o pedir cobijo en la casa de su productor, tampoco este año iban a venir buenas noticias para ella. A finales de año Chan Marshall se veía obligada a cancelar la gira por un angioedema y se confirmaba que podría estar de nuevo en bancarrota. En el ámbito meramente musical, nos encontramos con el lanzamiento de un notable trabajo. La delicadeza que encontramos en Sun muestra también un equilibrio entre la tristeza y el optimismo, propiciado por la cierta hartura de Chan con su lado más depresivo, como ella misma ha afirmado. Confiamos en poder verla pronto sobre los escenarios.

16. CHROMATICS – Kill For Love (Italians Do It Better)

Probablemente nadie ofrezca mejor banda sonora a las luces de neon en las noches de las grandes ciudades como la banda de Seattle. Cinco años después de su último álbum, regresan hilando fino, con atmósferas hipnóticas en el que es posiblemente su mejor álbum. El impulsoque ha dado la banda sonora de la película Drive les ha valido, al igual que a todos los participantes, para llegar a un público más amplio, pero no ha cambiado un ápice en su modus operandi. Es paradójicamente un trabajo muy cinematográfico y elegante, que une la electrónica al new wave, con guitarras eléctricas, musica disco, beats lentos y voz auto-tuneada en ocasiones que funciona bien en su conjunto y que ofrece un eficaz medio de transporte a la imaginación.

15. DJANGO DJANGO – Django Django (Because Music)

Ésta banda escocesa, que se ha tomado literalmente todo el tiempo del mundo en terminar su álbum, ha demostrado que efectivamente la paciencia es una virtud. Añadiendo pros a esa emergente oleada de nueva música psicodélica, Django Django están irremediablemente influidos por la mítica Beta Band, ya que el cantante David MacLean es precisamente el hermano pequeño del que fuera teclista de aquellos, John MacLean. También hablamos de ellos en nuestra lista de artistas a seguir de 2012. Default es sin duda uno de los mejores temas de 2012.

14. CRYSTAL CASTLES – (III) (Fiction Records, Lies Records, Last Gang Records)

El proyecto de Ethan Kath con la colaboración de Alice Glass, se convertiría en definitivo con el lanzamiento de su álbum debut en 2008. Su consagración al gran público, si se puede llamarlo así se confirmaría con el enorme (II) de 2011, y ahora parece que en vez de seguir el ancho camino abierto por aquel disco, deciden hacer lo que realmente ellos y no su discográfica quieren. Con (III) se ponen el traje de los domingos y lanzan un álbum de punk electrónico mucho más moderado que los anteriores álbumes. Es más lineal y más serio de lo que nos tenían acostumbrados pero que no baja una mica de calidad a su talento. El próximo año estarán de gira y podremos comprobar como funciona (III) en la salvaje experiencia que son sus directos, más que recomendables. O no.

13. JAKE BUGG – Jake Bugg (Mercury Records)

No hay duda de que estamos ante un compositor con mucho talento y una voz con mucho gancho. Con apenas 19 años, éste británico de Nottingham, ha lanzado un álbum debut que ha sorprendido a propios y extraños. El llamado Dylan británico bebe de los Arctic Monkeys que ha mamado desde niño, superándolos en algunos aspectos, pasando por Beatles y Oasis. Era hora de que Reino Unido empezase otra vez a aportar cosas interesantes a la música después de pasar tanto tiempo inadvertido. Este fenómeno va a dar mucho que hablar y Universal lo ha visto claro.

12. NORAH JONES – …Little Broken Hearts (Blue Note)

La cantante y actriz neoyorquina, hija del recientemente fallecido Ravi Shankar, – el músico hindú más influyente del mundo-, publicaba en 2012 nuevo álbum de la mano del prestigioso Danger Mouse, el productor gurú que convierte en oro todo lo que toca y que apunto estuvo de tomar las riendas de U2 cuando U2 creían aún en sus propias posibilidades. Después de la exitosa colaboración del año pasado con la estupenda Rome, produce en este caso el disco entero de Jones confirmando que poniendo sobre la mesa solamente su música y nada más, es una de las cantantes con más calidad y más interesantes de la escena musical de los últimos años. Norah tiene la voz, tiene el misterio y tiene el talento innatos. Y por eso tiene especial mérito no hacer el mismo primer disco una y otra vez.

11. TAME IMPALA – Lonerism (Modular Recordings)

Corren definitivamente nuevos tiempos para la psicodelia musical. Y si no que se lo digan al bueno de Kevin Parker. El introspectivo líder de los australianos Tame Impala afirmaba que cuando terminaron Lonerism dudaba de si habían hecho algo realmente bueno o todo lo contrario. Su particular forma de crear, llevando la máxima del “mejor sólo que mal acompañado” al extremo, nos hace dudar de sí realmente se puede crear música sin que exista influencia alguna del mundo exterior.
Lonerism, que es el 2º álbum de TI, experimenta con la psicodelia de los 60 y 70 y consigue crear un sonido con sentido, tomando como referencia elementos de hace 50 años y usando la tecnología en su justa medida para que sorprendentemente no suene a refrito de refrito del revival de turno. No hay temas que destaquen sobremanera sobre el resto, ni estribillos que corear pero el álbum forma un conjunto uniforme, casi indivisible que puede ser extrapolado y armoniza un sinfín de puntos de vista.

10. CALEXICO – Algiers (City Slang)

Existen pocas bandas que posean una variedad de estilos tan rica como la del dúo de Tucson. Y menos aún que sepan sacarle el provecho que éstos le saben sacar. En su country folk de serie, en esta ocasión tienen cabida rancheras, ritmos cubanos o temas en castellano. Calexico sabe llevar la elegancia en temas extremadamente cuidados y que cuentan buenas historias. Algiers es el 7º álbum de la banda.

9. CLOUD NOTHINGS – Attack On Memory (Carpark Records / Wichita)

Sin duda los de Ohio son una de las formaciones más geniales del panorama musical. No solo haciendo videoclips han demostrado que son de lo mejorcito que se puede uno encontrar. La energía que desprende la banda de Dylan Balde es fácilmente contagiosa. Garaje noventero y descarado rock a corto plazo con el que están decididos a hacer un álbum por año, gran noticia después del espectacular homónimo de 2011.

8. BAT FOR LASHES – The Haunted Man (EMI)

Natasha Khan es esencia de talento. Es apetito musical. Palpable y real Una extraña belleza más oída que escuchada por siluetas con derecho a voto. Como si a pesar de sus 3 grandes trabajos aún se esperase de ella un gran golpe sobre la mesa. Original de la playa de Londres con descendencia paquistaní, Khan presentaba este año The Haunted Man envuelto en un continente que tristemente parecía dar que hablar más que el contenido. Multi-instrumentista pero gran pianista y compositora, se gradúa con nota con uno de los mejores temas del año que es Laura, en un álbum muy cuidado en el que también destacan temas como Marilyn, A Wall o All Your Gold.

7. JACK WHITE – Blunderbuss (Third Man Records)

Obsesionado consigo mismo y perfeccionista hasta la médula, Jack White ofrece un compendio de rock blusero de manual. Nadie consigue hacer sonar el rock clásico tan moderno como él. Rodeado de grandes músicos de su Nashville natal, su fastuosidad creativa le pide en esta ocasión llevarse dos bandas de gira, una totalmente masculina, The Buzzards, y otra femenina, The Peacocks, siendo su feeling en el momento del desayuno quien decida quién va a tocar en el concierto de cada noche. Elegancia musical sin igual. Imprescindible.

6. JAPANDROIDS – Celebration Rock (Polyvinyl)

Japandroids o el rock agarrado a un clavo ardiendo. Su abismo sonoro lleva al límite. El dúo de Vancouver lleva el experimentalismo al extremo opuesto y no pide sino ofrece. Celebration Rock, un álbum que apunto estuvo de no publicarse, ya que estuvieron apunto de separarse, escupe rock sin paliativos. Rock que te zarandea hasta dejarte K.O. Todo actitud en un álbum para ser sudado en directo como si no hubiera un mañana.

5. SMASHING PUMPKINS – Oceania (Martha’s Music)

Contra todo agorero pronóstico, el octavo álbum de Billy Corgan con Smashing Pumpkins es muy digno de estar en toda lista álbumes del año. El puñado de grandes temas que atesora Oceania no se cuentan con una sola mano. Y cuenten el resto de la lista. El mayor problema de Smashing Pumpkins en 2012 es que son Smashing Pumpkins. Y el mayor pecado de Oceanía es que no es 1997 y éste no es el álbum que va a seguir a Mellon Collie.

Pero hace tiempo que la industria pasó a vender politonos y la memoria colectiva musical, cargada de estúpidos prejuicios, se acomodó en un corto plazo cuanto menos inquietante. Oceania es un álbum que le sobra lo que otros añoran y tardan tanto en conseguir. Es encomiable la capacidad de Billy Corgan para crear melodías de tan bella factura y dotarles del peso de guitarras y los arreglos justos. Oceanía pide a gritos volver a confiar en un tipo que sabe muy bien lo que se hace.

4. BEACH HOUSE – Bloom (Bella Union)

Bloom continúa en la línea del estupendo Teen Dream, añadiendo quizás algo más de epicidad y haciendo más espacioso su sonido, convirtiéndose cada vez más en una influencia para muchas bandas. La palpitante Wild es uno de los temas del año, pero no olvidemos la creciente Irene o la majestuosidad de New Year. La voz de Victoria está mejor que nunca y la calidad que consiguen en todos sus álbumes les ha valido para ganarse el respeto de todos.

3. REDD KROSS – Researching The Blues (Sweet Nothing Records)

15 años llevaban sin publicar nuevo disco la banda de los hermanos prodigio californianos. Y menudo regreso. Researching The Blues está a la par de sus trabajos en los 90. Los padres del primer punk-rock californiano se marcan un álbum señor de arriba a abajo, que suena a Beatles o Byrds y te deja KO a las primeras de cambio. Ellos no saben de modas, pero levantan la bandera del power pop al punto más alto y consiguen un disco soberbio que funciona bien ahora y hubiera funcionado igual de bien hace 15 años. Solamente 10 temas en treinta y pocos minutos que después de tanto tiempo dejan un inmejorable sabor de boca y ganas de más. Un álbum que suena incluso mejor escuchado del final al principio, y es que dejan para el final el mejor tema, el beatle Hazel Eyes.

2. ALABAMA SHAKES – Boys & Girls (Rouge Trade)

Curioso como un panfleto británico, otrora referencia musical por excelencia, les dedicaba una portada bajo el título de “The World’s Greatest New Band” y apenas meses después no tenía cabida en sus 50 discos del año. Alabama Shakes es una banda que camina con pies de plomo, mirada fija, y la recamara llena de balas. Sus directos son una experiencia sensacional, sencillamente bonitos, cargados de calidad y de mucha emoción. Es increíble la unanimidad que ha conseguido esta banda en torno a ella, que ha logrado que se pongan a sus pies ilustres como Robert Plant, Jack White o Drive-By Truckers.

La magia que tiene ésta banda reside principalemente en su cantante, que es comparada y con razón con Aretha Franklyn. Es la banda con mayor potencial y proyección de la lista. No encuentro ninguna razón para que Alabama Shakes no lleguen a lo más alto. Brittany Howard es un regalo para la música. Algo intuíamos ya el pasado mes de Abril.

1. (Δ) ALT-J – An Awesome Wave (PIAS)

Y la joya de la corona de 2012. Sinceramente tenían reservado el Nº1 y hasta la foto de éste artículo desde la publicación de An Awesome Wave a la espera de que algo o alguien pudiera arrebatárselo. Estos británicos tienen una clase descomunal y han hecho un álbum para quitarse el sombrero. Contiene hasta 7 temas que perfectamente podrían ser singles cualquiera de ellos. Un estilo que mezcla de manera sublime elemenos folk con dubstep, trip-hop y unas armonías vocales muy cuidadas. Su álbum es uno de los mejores debuts de los últimos años, y eso va a provocar precisamente que sea extremadamente difícil superarlo en el segundo álbum. Aunque para entonces quizás la media haya girado 180 grados y no les espere con los brazos abiertos precisamente. En ROCKAST hablamos de ellos apenas publicaron su debut, y con ellos en Agosto en una interesante entrevista.

Salud.

ROCKAST